lunes, 12 de diciembre de 2022

RIP Jim Stewart - 1930 - 2022

 

Para que tengamos noción de la importancia que la figura de Jim Stewart, fundador de Stax Records, fallecido el lunes 5 de diciembre a los 92 años de edad, tuvo para el soul, comparto y traduzco esta nota publicada en billboard, escrita por Booker T. Jones.

Jim Stewart, el padre de Stax, ha muerto. El barco ha perdido a su capitán y nuestros corazones están perdidos en el mar. Para un jovencito como yo, él parecía eterno y siempre pensé que este día nunca llegaría, mientras me llevaba a su sueño de hacer música para el mundo.

Había un fuego intenso encendido en el pecho de Jim, nacido del amor por la música, y ese fuego rápidamente se expandió a todos a su alrededor. ¿Qué era lo que pensaba Jim, instalando este estudio de música country en el medio del Sur de Memphis? Los jóvenes vecinos músicos convirtieron a Stax en algo propio. Llegaban al estudio en bicicleta, trabajaban en el almacén que estaba enfrente, se escapaban del colegio para ir a grabar al estudio. Stax se convirtió en un paraíso, un lugar para que los jóvenes autores y compositores del barrio pudieran expresarse

Jim nunca admitió haber creído en mí. ¿Qué tal si tu jefe fuera un pequeño león encerrado, que nunca te decía exactamente lo que esperaba o lo que quería de vos, aparte de que llegues al trabajo en horario? Hubiera preferido el rugido del león, antes que el leve asentir de su cabeza y su mirada de fingido desinterés. En retrospectiva, me doy cuenta que fue esa frecuente mirada de decepción lo que me llevaba a intentar hacer mejor música.

Luego de que Booker T. & The M.G.’s grabáramos “Behave Yourself,” a Jim le había gustado tanto que quería sacarla como simple. Jim empujó a la banda como un jinete clavando las espuelas en su caballo en ese momento, para que consiguiéramos un lado B para “Behave Yourself.”  Por suerte para mí, había estado trabajando en una secuencia musical blusera, se la pasé a la banda y así salió “Green Onions.” De esa forma, Jim se lleva el crédito por empujarnos a grabar la canción que se convirtió en la icónica “Green Onions”. 

Tal era la naturaleza de Jim Stewart, la fuerza conductora detrás de gran Stax Records de Memphis, Tennessee. Para mí, él fue la fuente de incontables horas de felicidad musical, así como también del privilegio de hacer música en un estudio a menos de dos cuadras de mi casa. 

Jim peleó por Stax Records hasta el final, sacrificando su casa, su hogar y su bienestar. Por su entrega a mí, a la familia de Stax y al mundo, descasa en la paz de Dios Jim.

Adios a un Rey.

Booker T. Jones

Fuente: 
https://www.billboard.com/pro/booker-t-and-the-mgs-singer-remembers-stax-records-jim-stewart/




jueves, 1 de diciembre de 2022

Queen Sylvia Embry (1941 - 1992)


Me crucé en la cuenta de twitter de @bluezharp con esta poderosa foto en blanco y negro del fotógrafo Eyd Kazery en la que se ve a una señora ataviada en un vestido floreado tocando un Precision Bass con mucha actitud. De inmediato, me vi obligado a buscar su nombre: Queen Sylvia Embry, blues de Chicago de los '70, una solida base y una voz llena de góspel. Su verdadero nombre fue Sylvia Lee Barton, nacida en la Wabbaseka, en la Arkansas rural en 1941 y fallecida en Chicago en 1992. Una corta vida que le sirvió para erigirse como la única mujer bajista en la escena del blues de Chicago, pero aún así con muy poco reconocimiento. Para eso existe este blog y desde aquí queremos homenajearla y poner en valor su figura, al menos con esta pequeña entrada. 

En algún momento pudo haber parecido que 
Queen Sylvia Embry llegaría a emerger como una de las nuevas figuras femeninas del blues de Chicago, pero la escena machista se encargó de que no lo lograra. 
“Cuando comencé a tocar con Lefty Dizz” explicó en una de las pocas entrevistas disponibles (sitio oficial de Alligator Records), “ni siquiera conocía las escalas en el bajo. Pero me gustaba tocar y Lefty siempre era amable conmigo, nunca me menospreció por ello. Mi problema era con otros bajistas. Frecuentemente me decían cosas como 'No podés tocar nada, andate a tu casa a criar bebés'"

Durante su adolescencia, Sylvia comenzó tocando el piano pero pronto dejó de interesarle, ya que su abuela se era muy estricta con respecto a las clases. A Sylvia le gustaba el boogie y la música de Chuck Berry y Lloyd Price, mientras que su abuela le demandaba que tomara el camino de la música religiosa. Para satisfacer los mandatos familiares, Sylvia cantó en algunos coros góspel, incluso integró el grupo The Southern Echoes. Pero el nido familiar era demasiado estrecho para ella y a los 19 años se fue a Memphis, con la idea de ser actriz o cantante profesional. Finalmente en esta nueva ciudad se casó y se convirtió en una ama de casa. 

La cosa no funcionó, y luego de divorciarse, Sylvia siguió camino al Norte hasta llegar a Chicago en la década del 60. Allí conoció y se casó con el guitarrista 
Johnny Embry, alguien que nunca estuvo entre los nombres mas populares, pero si fue considerado por muchos como uno de los guitarristas mas finos de la ciudad. En 1971, el simple de Z.Z. Hill “Don’t Make Me Pay For His Mistakes” llegó alto en los charts y Sylvia entendió con esta canción que una buena línea de bajo podía ser todo lo que ella necesitaba. Según cuenta, "John me enseñó a tocar el bajo, aunque al principio me decía que no iba a poder, que era muy difícil. Pero soy una persona muy determinada y logré mi cometido". Por supuesto, aquella canción de ZZ Hill  fue lo primero que aprendió a tocar en su nuevo instrumento.

Con una sólida técnica de púa, Sylvia se sumó como bajista a la banda de John y al poco tiempo estaba componiendo y haciéndose cargo de la voz principal en muchas canciones. Ya separados pero en buenos términos, John y Sylvia grabaron un vinilo titulado "
John & Sylvia Embry With The Blues Kings – After Work”, según discogs editado en 1980 bajo el sello Razor Records. Luego fue convocada como bajista para el guitarrista Lefty Dizz y su banda The Shock treatment, con quienes se presentaba con frecuencia en el el Checkerboard Lounge, uno de los clubes de Blues mas clásicos del South Side de Chicago.

Su desempeño como bajista y vocalista impresionó al legendario Willie Dixon, quien la convocó para un viaje por Europa como parte de la gira del "
American Blues Festival". Al mismo tiempo comenzó su sociedad profesional con Jimmy “Fast Fingers” Dawkins, con quien retrornó a Europa para una nueva gira y grabó un álbum. Su figura crecía y había formado su propia banda y debutó con sus propias grabaciones bajo el prestigioso sello Alligator de Chicago dentro de la colección "Living Chicago Blues series". Pero su salud había desmejorado a causa de un cáncer y falleció el 28 de febrero de 1992. Aún sin ser una gran estrella dentro del mundo del blues, mucha gente recordará por siempre Sylvia Lee Barton o Queen Sylvia, su gran sonrisa, su cálida presencia en el escenario, su fraseo góspel, y por supuesto, su solido toque en las cuatro cuerdas. Por eso, no lo dudes y Escuchate Esto! 

https://open.spotify.com/artist/6ctDj9FHaqmy203dLptK4h
https://www.youtube.com/watch?v=-BEUQe3N8cM
https://www.youtube.com/watch?v=PB0sngwb5hI
https://www.youtube.com/watch?v=UPkOJHiry-I
https://www.youtube.com/watch?v=ewXHnfNRBuA
https://www.youtube.com/watch?v=h7vsMprQRqw

Fuentes: 
https://twitter.com/bluezharp
https://www.alligator.com/artists/Queen-Sylvia-Embry/
https://www.allaboutbluesmusic.com/queen-sylvia-embry/
https://www.discogs.com/es/release/4170897-John-Sylvia-Embry-With-The-Blues-Kings-After-Work





viernes, 28 de octubre de 2022

Rip Jerry Lee Lewis - 1935 - 2022

Hoy, a los 87 años de edad, dejó esta tierra el gran Jerry Lee Lewis, el asesino de Louisiana.  

Comparto, a modo de homenaje una pasaje del capitulo titulado "Una mano izquierda negra y una mano derecha blanca", incluido en mi libro "Grabando Emociones - La Revolución de Stax Records".  



"A mis 15 o 16 años, aún no tenía televisión por cable, pero mi amigo Santiago, que vivía a la vuelta de casa, sí. Entonces mi rutina era investigar en la revista de la programación al principio de cada mes, marcar con un resaltador lo que me interesaba y acercarle algunos VHS para que grabara las películas señaladas. De esta forma, gracias al film “Great Balls of Fire” (Jim McBride, 1989) y a su soundtrack, descubrí el blues, el rock 'n' roll, el furioso piano de Jerry Lee Lewis, y también a figuras como Ike Turner con el incendiario “Rocket 88”. Hoy día, a más de 30 años de distancia, puedo entender la clave de todo: Jerry Lee Lewis y Ike Turner, uno rubio y el otro negro, ambos iconos de la ciudad de Memphis, simbolizan la música que amo y respiro día a día. Esta película simboliza todo el poder del rhythm & blues creado en el Sur.

El inicio del film es memorable, y lo comparto en este post (bah, comparto la película completa!)


En el segregado Sur de los Estado Unidos, este joven estaba cruzando un límite, resistiendo las normas de convivencia impuestas. Pero a Jerry Lee, a Elvis y a tantos otros jóvenes blancos que crecieron cautivados por la cultura afroamericana, eso no les importaba. A nivel cultural, era imposible segregar a Memphis."

El ultimo de los pioneros del Rock & Roll ha dejado este mundo. 

Mi libro "Grabando Emociones - La Revolución de Stax Records" está disponible por sistema de preventa en https://milenacaserola.com/producto/grabando-emociones/

jueves, 13 de octubre de 2022

"Grabando Emociones - La Revolución de Stax Records" - Tony Vardé - 2022

 

Ayer 12 de octubre de 2022 salió en a través del sistema de preventa para la editorial Milena Caserola, mi primer libro, titulado “Grabando Emociones – La Revolución de Stax Records”. El libro cuenta la historia del sello discográfco emblema del soul sureño, al punto que se erige casi como un género en sí mismo. Música creada en medio de una sinergia utópica entre negros y blancos en la segregada ciudad de Memphis, en el Sur de los Estados Unidos en la década del sesenta. Se trata de un libro que, aún sin saberlo, comencé a escribir en 2011, con el nacimiento de este blog.  





Este es un libro para escuchar; escuchar música, descubrir un sonido, conocer artistas increíblemente influyentes e historias que tienen que ver con el talento pero también con la igualdad de oportunidades. Un relato de pasión por la música, de comunidad artística y de la fuerte convicción de creer en algo hasta que se vuelve realidad. Una historia atravesada por el Movimiento por los Derechos Civiles, para el cual Stax Records representó un capitulo importante y aportó el soundtrack perfecto. 

Compartimos pasajes de algunas de la entrevistas que integran el libro

"Tan vivencial como buen narrador, Tony nos abre de par en par las puertas de Stax Records y de su propia experiencia. Nos habla de esa curiosidad maravillosa que lo caracteriza, de su incansable trabajo como periodista musical, del bonito y esforzado camino que nuestra generación tuvo que recorrer para encontrar los estilos que realmente nos gustaban. Por eso, es normal sentirnos contagiados por la pasión del autor. Podemos decir sin reparos que este libro es puro soul. Stax fue un relato fascinante y, para nosotros, es una suerte que alguien como Tony Vardé haya decidido contárnoslo."
Del prólogo de Lutxo Perez, escritor y periodista español

"Lo que hizo Stax Records fue encontrar una arista más áspera para la música soul, oxidar el concepto de soul prolijo y educado que tenía Motown, rascar en los márgenes y llegar a otro público, sin darle importancia a la corrección política o a la liviandad en las letras."
Dany Jiménez, músico, DJ y conductor y productor radial

"La música de Stax Records ha influenciado a artistas tales como The Beatles, The Rolling Stones, Elvis, Aretha, y muchos más. Y aún hoy podemos observar su impacto."
Jared Boyd (periodista, artista, DJ y conductor y productor radial, Memphis, Tennessee).

"Esas canciones fueron parte importante de mi adolescencia y muy influyentes a la hora de volcarme a la música soul y al rhythm and blues. Stax Records es en gran parte responsable en el desarrollo y la difusión del r&b americano, del blues y del soul. Hubo muchos pioneros y Stax Records fue uno de ellos." 
Ollan Christopher Bell (cantante, bajista y productor, Oakland, California).

“Cuando elegís una canción de Stax al azar para escuchar, aunque no sepas que canción pueda ser, lo que si sabes, es cómo va a sonar. ¡Va a sonar a Stax!
Victor Rice (músico, productor e ingeniero, Sao Pablo, Brasil)

"La razón por la que Stax ha tenido una influencia tan grande en la historia de la música está en la calidad de los y las artistas y bandas que produjeron y difundieron. (…) Si no fuera por Stax, no sé si hubiésemos conocido a un artista como Otis Redding…"
Florencia Andrada (cantante y compositora de soul y r&b, Buenos Aires, Argentina)

"Cuando pienso en Stax pienso en algo profundo. Cuando decís Stax Records realmente no tienes que decir nada más, porque el sonido era el sentimiento. Ellos no grababan música, grababan emociones…"
Fantastic Negrito (músico y productor, 3 veces ganador del premio Grammy, Oakland, California).

"No importaba el color de tu piel, siempre y cuando pudieras patear traseros con tu música. Lo que hizo Stax por difundir el soul en el mundo tiene una importancia suprema y particularmente ese periodo en la música es invalorable."
Rick Barrio Dill (bajista de Vintage Trouble, Los Angeles, California).

Disponible por sistema de preventa en
https://milenacaserola.com/producto/grabando-emociones/

También, recomendamos esta playlist conferccionada con todas las canciones mencionadas en la obra
https://open.spotify.com/playlist/1vLQ7B6lzfn2uD7sFIRIso

Tony Vardé aka Tony Soulman, es un periodista, realizador cinematográfico y músico, nacido en Buenos Aires, Argentina en 1975. “Grabando Emociones - La Revolución de Stax Records” es su primer libro.

 

martes, 4 de octubre de 2022

Rocky Dzidzornu y The Rolling Stones


En algunos lugares su nombre figura como Rocky Dzidzornu, en otros Rocky Dijon o Dejon. Hace algunos días, volviendo a ver las filmaciones del Rock 'n Roll Circus de los Rolling Stones, su figura llamó particularmente mi atención. Me puse a investigar y el primer dato que surgió es que Rocky nació en Ghana en 1935 (¿Acaso el único músico africano en en tocar con los Stones en toda la historia...?), que también tocó con Hendrix, Jimmy Cliff, Ginger Baker, Stevie Wonder, Billy Preston, Herbie Hancock, el disco solista de Bill Wyman de 1976, y que además, fue un importante colaborador de Taj Mahal en seis de sus discos. Luego de escribir sobre Steve Jordan, me pareció apropiado que la siguiente entrada que se publicara en Escuchate Esto! estuviera dedicada a un percusionista que tocó con los Rolling Stones. Pues a eso vamos!  

Dzidzornu llegó a Londres escapando de la pobreza en su país y entró a la escena musical inglesa de la mano del productor Jimmy Miller, quien lo había conocido en Tanger, Marruecos. La primera sesión de Rocky con los Rolling Stones fue para la canción Citadel” del disco "Their Satanic Majesties Request", aunque, como en prácticamente todos los casos en sus colaboraciones futuras con la banda, su aporte no fue acreditado. 

Su trabajo mas prominente y llegaría en las sesiones para "Beggar’s Banquet" en el icónico Sympathy for the Devil”. Según el critico Ned Sublette, “Sympathy ... era una canción inicialmente aburrida, pero que cobró vida gracias a las las congas de Dijon. Como muestra la foto de la sesión de grabación en los Olympic Studios de Londres, Charlie Watts en batería, Bill Wyman en shekere, y Rocky Dijon en congas. 

El arsenal de bongos, shakers y maracas que Rocky aportó en otros tracks como “Jumpin’ Jack Flash”, “Street Fighting Man”, “Factory Girl” hizo que las canciones tomaran una dirección completamente nueva. Siguió con los Rolling Stones por un tiempo mas, participando del ya mencionado evento del Rock and Roll Circus, e incluso se lo puede escuchar en el disco "Sticky Fingers" en el track "Can't You Hear Me Knocking", una canción en donde la percusión tiene un peso muy grande. 


Rocky dejó la música en 1981 y mantuvo desde entonces un bajo perfil en su lugar de residencia en Oakland, California, donde murió en 1993 a la edad de 58 años.






Fuentes:
https://rateyourmusic.com/artist/rocky-dzidzornu/credits/
https://www.facebook.com/a.rapanja
https://www.culturesonar.com/rocky-dijon-the-spicy-percussion-master/


jueves, 1 de septiembre de 2022

Steve Jordan - El Guardián del Groove

Steve Jordan tiene en sus manos una antorcha, esa que le pasaron Al Jackson Jr., Howard Grimes, Charlie Watts, gigantes de la batería que dejaron su huella sin necesidad de ser pirotécnicos y cuyo único horizonte siempre, pero siempre, fue el groove. Ese fue su legado y Steve Jordan es uno de los que recibió esa herencia. 

Un repaso mínimo por la carrera de este artista, indica que sus inicios como músico fueron en una orquesta sinfónica. Luego, siendo muy adolescente, integró la banda de Stevie Wonder y mas tarde en el grupo de Saturday Night Live, lo que lo llevó a ser uno de los Blues Brothers originales. En 1986 reemplazó momentáneamente a Charlie Watts en los Rolling Stones, e inmediatamente se convirtió en un socio permanente de Keith Richards en casi cualquier proyecto que el guitarrista iniciara. 

Durante su carrera, Jordan estuvo sentado en la batería acompañando a leyendas como Bob Dylan, Neil Young, B.B. King, John Scofield, Herbie Hancock, Sonny RollinsChuck Berry, Eric Clapton, Aretha FranklinJames Brown, y la lista podría seguir y seguir... Baterista, compositor, productor, director musical, con todo este bagaje, no deben sorprendernos los tremendos resultados que han arrojado sus extensas sociedades musicales, no solo con Richards, sino también con Robert Cray o John Mayer. Además, Steve tiene un proyecto con su esposa, Meegan Voss, llamado The Verbs, con un sonido mas cercano del punk. Ah claro. Actualmente el baterista de los Rolling Stones. 

Como parte de una cruzada personal que tengo desde hace un tiempo, en esta entrada quiero compartir algunas citas de Steve Jordan, siempre tendientes a entender la importancia de la simpleza  con el objetivo de llegar encontrar ese santo grial para los músicos,  que es tocar con groove.

- "Hay una idea equivocada acerca de 'tocar simple'. La simpleza no debe confundirse con la falta de creatividad. Si estas tocando la cosa mas sencilla del mundo pero funciona, entonces no deberías pensar en tocar nada mas

- “Bateristas como Jabo Starks, Clyde Stubblefield, Al Jackson, Earl Palmer, Jim Keltner y muchos mas, son mis héroes, con un toque muy complejo, pero a la vez muy simple. Tenían intensidad pero su toque es lo que los hizo convertirse en tremendas influencias para mi y para tanta gente." 

- "Una canción es como un castillo de naipes, hay que manejarla con cuidado (y eso no debería ser un esfuerzo) porque se puede caer al mas mínimo error. ¿Cómo hacer eso? No tocar de más, no tratar de ser la estrella, tocar al servicio de la canción (play in the pocket), mantenerte en tu carril. Si esta funcionando, seguí adelante, no hace falta que hagas nada mas."

- "El metrónomo elimina el factor humano de una grabación, por eso amamos aquellas grabaciones clásicas."

- "El tempo y el groove son dos cosas diferentes. El groove es como tu corazón, puede variar su pulso, y eso no quiere decir que tenes mal tempo. Hay que trabajar en tener tempo firme para poder tocar con groove." 

Algunas performances esenciales de Steve Jordan: 

Briefcase Full Of Blues (1978) – The Blues Brothers
Si bien el mismo Jordan, con el paso de los años ha dicho que no le gusta tanto su ejecución en alguna de estas grabaciones, su toque blues shuffle en temas como“Hey Bartender” y “I Don’t Know” muestran un claro ejemplo de la importancia de poder aportar un groove firme. 

Talk Is Cheap (1988) / Main offender (1992) / Crosseyed Heart (2015) – Keith Richards
Los dos primeros discos solistas de Keith Richards son una muestra clara de su poder rockero y sucio de abordar el groove, ejemplos perfectos de rock con influencias funk y soul. Crosseyed Heart, en cambio, según el mismo Richards dijo en el documental Under the Influence (Morgan Neville, 2015), es un disco hecho prácticamente a dúo entre Jordan y Keith.  

Try! (2005) – John Mayer Trio
Jordan en batería, John Mayer en guitarra y voz y Pino Palladino en bajo. ¿Qué mas se puede pedir? También a prestar mucha atención a Continuum (2006), tercer disco de estudio de Mayer en donde Steve Jordan muestra la simpleza de la que siempre habla. 

In my Soul (2014) The Robert Cray Band / Robert Cray & Hi Rhythm (2017)
Jordan se hizo cargo de la batería y la producción en estos dos discos que destilan puro soul de Memphis, con el toque del blues tan personal que tiene Cray. En el segundo, Steve se mezcla con la sección rítmica de Hi Records y el resultado es perfecto.   


Fuentes:
https://drummagazine.com/steve-jordan-calm-at-the-eye-of-the-storm/
https://drummingreview.com/steve-jordan/
https://www.youtube.com/watch?v=ut7nkarQqnU
https://www.youtube.com/watch?v=aShf7UQy9tA

miércoles, 17 de agosto de 2022

La colección de cassettes de Joe Strummer


Me interesaba particularmente dejar esto aquí. 
Esta es la fantástica colección de cassettes que perteneció a Joe Strummer. Para los fanáticos de la música esto es un pedazo de historia -de hecho estuvo exhibida como parte de la muestra "Strummer Calling" en Londres. Ska (Super Ska, Magic Ska, Ska Fever, Ska War, Top Ska?!), Rocksteady, Reggae, Funk, Soul, Jazz, Afrocubano, Blues, Hip Hop!
Gracias Joe! 



 

martes, 2 de agosto de 2022

Renegadxs del Funk: Historias de la Cultura Hip Hop / "Dj Kool Herc: El Padre de la criatura" por Bar MamÄfriK

Este texto fue escrito por Bar MamÄfriK y publicado en la primera edición de la revista Pagina Negra. Muchas gracias Bar por compartirlo! 

En la cultura africana el griot es el encargado de mantener la tradición y la historia de la tribu a través de la palabra y  la música. En la década del 70, a muchos kilómetros de la tierra madre, los descendientes de la diáspora  en Estados Unidos, tal vez sin saberlo (o quizás con toda la conciencia de ello) tomaron esta tradición milenaria y se volcaron a las calles de Nueva York a llevar su palabra y su ritmo hasta crear una cultura que aún continúa expandiéndose a todos los barrios del mundo. Uno de esos griots usó las tornamesas (o tocadiscos) para comunicar a los integrantes de su tribu, su nombre es Dj Kool Herc.

Nacido como Clive Campbell en Kingston Jamaica, traía con él la tradición del sound system de la isla y una melomanía heredada de su padre, que había aumentado exponencialmente una vez que su familia se asentó en Nueva York. En agosto de 1973 Herc pasó a la historia por realizar una fiesta en un salón del West Bronx a la que concurrieron gran parte de los pibes que andaban pululando por los suburbios  en busca de aires nuevos… y vaya que los encontraron!

 Casi 50 años después, esa noche, esa fiesta, ese barrio y ese dj pasaron a convertirse en parte de un mito fundacional del que todavía hablamos como si se tratara de una leyenda urbana y que conmemoramos todos los años como el día que nació el Hip Hop.

Por esa época Kool Herc ya venía haciéndose un nombre como dj de “house parties” (fiestas generalmente organizadas para cubrir los gastos del hogar o ganar unos billetes extras en una época de crisis profunda en los guetos neoyorkinos) y tenía dos puntos fuertes: los temas que pinchaba no se escuchaban en ningún otro lado y su equipo de sonido era el más potente de la zona. Pero eso no lo era lo más destacable de su performance,  en el punto álgido de la noche acostumbraba agarrar el micrófono y arengaba a la gente hasta llevarlos al éxtasis. En cada fiesta que se presentaba fluía una nueva energía, era como si a través del baile se estaban desprendiendo del peso de la historia. Se podía percibir que algo especial se estaba gestando, pero ni Clive, ni su familia, ni sus amigos, ni sus vecinos; ni cada uno de los jóvenes que se iban acercando a los eventos que él convocaba, ninguno se imaginaba la magnitud de lo que estaba por venir.

De a poco los chicos y chicas comenzaron a reinventarse. Primero adoptaban un apodo que les parecía cool y después se encargaban de que todo el mundo lo conociera estampándolo en cada superficie limpia de la ciudad. Preferían dejar sus tags (firmas) o tirar unos cartones en el piso para practicar sus nuevos pasos o pensar rimas ingeniosas en lugar de estar rivalizando con otros chicos por el territorio. De a poco la generación de las pandillas iba quedando atrás para darle lugar a nuevas formas de expresión a través del baile, la pintura, el fraseo y la música. Sin saberlo estaban creándose una nueva identidad, una nueva cultura.

Por su parte el joven Clive hacía tiempo que se había distanciado de las pandillas, según sus propias palabras: “estaba más interesado en proyectar mi personalidad de forma exuberante que en la violencia física grupal”. También se había despojado casi por completo de su acento jamaiquino,  aunque siempre estuvo orgulloso de su origen y su primer influencia estaba en los ritmos de Jamaica, sabía que para adaptarse debía embeberse de la cultura afroamericana así que de a poco empezó a cultivarse con el rhythm and blues, el soul, el funk y el disco y se fanatizó con los disc jockeys de soul y rock a quienes seguía de forma casi religiosa.  Paralelo a su afición por la música y los selectores comenzó a juntarse con los Ex Vandal, una conocida crew de graffiteros, de donde surgió su firma CLYDE ASS KOOL, una deformación de su nombre (que nadie sabía pronunciar) y el KOOL por una publicidad de cigarrillos que le pareció que tenía onda, aunque con el tiempo terminaría adoptando el HERC, un diminutivo de Hércules, como se lo conocía en el ambiente deportivo de su escuela donde destacaba por su facilidad tanto para el atletismo, como las pesas o el básquet. Finalmente había encontrado la identidad que lo llevaría a la fama.

Luego del éxito de la primer fiesta, Campbell y su familia comenzaron a armar eventos en el mismo salón casi todos los meses, principalmente apuntaban a los estudiantes de las secundarias cercanas, para evitar la presencia de las pandillas y la violencia que estas acarreaban. Fue así que la reputación de Herc creció entre el público ATP del Bronx siendo el principal animador de los bailes escolares de la zona, por lo que empezó a cosechar un grupo de fieles seguidores. Entonces decidió organizar su primer “Block Party” (llamadas así porque se hacían justamente en medio de la calle alrededor de los “bloques” o edificios). Era tal el respeto que infundía este dj que a pesar de ser una fiesta al aire libre y estar expuesta a que ocurriese cualquier percance, no hubo ningún tipo de desmán desde el comienzo hasta la madrugada, cuando se dio por finalizada la velada.

Kool Herc por Dan Lish
A medida que su popularidad crecía se iba sumando gente a su entorno, como su amigo y compatriota Coke La Rock con quien armó un dúo en el que rememoraban al toasting jamaiquino logrando diferenciarse de los típicos djs de música disco que sólo tiraban palabras sueltas u onomatopeyas para agitar a la masa. Por el contrario, tal como venía haciendo su compañero, La Rock respondía a los ritmos que le disparaba Herc con frases elaboradas y rimas divertidas en las que a veces también se sumaba el público.

Otra de las características que hicieron grande a Kool Herc fue su visión y el estudio minucioso de la pista de baile. Al observar atentamente lo que sucedía cuando sonaba una canción se dio cuenta que el entusiasmo de la gente crecía cuando quedaba sonando nada más que la sección rítmica.  Es por eso que decidió concentrarse solamente en el break instrumental y empezó a seleccionar basándose únicamente en esa parte de los discos con canciones de soul negro y rock blanco con un beat rápido y a menudo afro latino. Para esto utilizaba una técnica que denominó “The Merry Go Round” (la calesita) en la que ponía dos discos con la misma canción y de ese modo alargaba la parte instrumental todo el tiempo que fuera necesario y creaba su propia versión extendida. Esta utilización del loop  quedaría en el imaginario como marca registrada de Herc y era festejada por los b-boys (o “break boys”) que justamente adquirieron este nombre por su amor a los breaks que pinchaba el Dj.

A medida que fue pasando el tiempo y su público fue creciendo tuvo que trasladar su equipamiento a Cedar Park, un lugar con mucha más capacidad y donde se podía explotar más la potencia del sonido. Este sitio terminó convirtiéndose en un semillero de nuevos dj’s, mc´s, b-boys y graffiteros que seguían a esta especie de superhéroe negro de las bandejas e  inspirados por él siguieron sus pasos dentro de la cultura e inclusive llegó a armar junto a algunos de ellos su propia crew llamada “Herculords”. La mecánica había cambiado, ahora las bandas eran de deejays, de raperos, de escritores o de breakers. Fue en estas reuniones donde se empezaron a realizar los cyphers (competencias en donde cada uno mostraba sus habilidades o “skills”). Se había dejado de lado el baile grupal al estilo “Soul Train”, ahora cada uno ponía a prueba su valía dentro del círculo de gente que se formada, mientras Kool Herc tiraba los breaks desde el podio y los animaba desde el micrófono.  La competencia siempre existió en el Hip Hop pero en la génesis estaba claro que más allá de un tema de egos el asunto estaba en mirar las capacidades del otro pero, para enfocarse más en las propias. Competir con uno mismo fue el lema desde el principio.

Con el paso del tiempo las block parties se trasladaron a los clubes y Herc pasó a ser el artista más multitudinario de su barrio. Un hijo del Bronx estaba llegando lejos y aún faltaba mucho camino por recorrer. A fines de los 70’s se había trazado un nuevo mapa territorial de Nueva York donde las crews iban creciendo cada vez más y salían a la luz nuevas estrellas del gueto como GrandMaster Flash, la Zulu Nation con Afrika Bambaataa al frente y la Rock Steady Crew, entre otros. Ya entrados los 80’s la época de esplendor de Herc había pasado y el Hip Hop ya se estaba esparciendo a todas las ciudades de Estados Unidos y el mundo. Como saben, el resto de la historia se sigue escribiendo aún hoy y entendemos que el correr de los años, los distintos enfoques y estilos, la tecnología, el mainstream, MTV, Youtube, Red Bull y la cantidad infinita de artistas de la cultura Hip Hop han sacado del foco de atención a Kool Herc, o no tanto… Ha pasado mucha agua bajo el puente pero aún así todos sabemos quién fue el propulsor del barco

Un amigo me contó que cuando fue a Nueva York hace un par de años tuvo el honor de conocer a Kool Herc, quien en la actualidad reparte su tiempo entre conferencias  y “presencias” donde se sienta a hablar con cultores de distintas partes del mundo sobre la historia y la actualidad de nuestra comunidad. Su palabra es escuchada con devoción y respeto como a un viejo maestro trasmitiendo secretos de sus hazañas, como se escucha atentamente a un griot contando historias para que no caigan en el olvido.  

Autora: 
Bar MamÄfriK 
Publicado originalmente en el #1 de la revista 
Pagina Negra


https://www.instagram.com/bar.mamafrik/
https://www.instagram.com/paginanegra.revista/

martes, 26 de julio de 2022

Wynton Marsalis y la herencia Africana en la música que escuchamos

Hace un tiempo, en un debate post pizza en casa, charlábamos de música y mi amigo Ale puso un tema sobre la mesa que no siempre es de fácil respuesta. Dijo que él entendía la influencia africana en la música negra americana, pero le costaba de algún modo entender  (sin ser músico) con total claridad cómo esa herencia se traducía. Charlamos un rato sobre el tema pero no estoy seguro si se fue con una respuesta absolutamente satisfactoria. Hace unos días, preparando un Black Friday para Modo Nocturno Radio, me encontré con esta entrevista a Wynton Marsalis, realizada por Guillermo Pintos y publicada en Infobae a fines del 2020. Rescato este pasaje de la nota que Pintos describe como "una clase magistral sobre jazz a cargo de Wynton Marsalis" que estoy muy seguro le va a servir a Ale y a muchas otras personas. 

-¿Puede explicarle a alguien que no sepa ni lo conozca, qué es el jazz?

-Es una forma de música estadounidense nacida en Nueva Orleans, Luisiana, en los albores del siglo XX. El ímpetu para interpretarlo proviene de la búsqueda afroamericana por los derechos humanos. Como tal, es una expresión irreprimible de libertad personal y creatividad colectiva. Cuenta con músicos que improvisan nuevas melodías en un ciclo armónico repetido, un groove muy duro dentro de un ciclo de un ritmo venido de África. Tiene además un estilo individualista de cantar a través de los instrumentos, de la manera más expresiva y conmovedora.

- ¿Cuánto tienen que ver las raíces africanas?

- Los conceptos filosóficos africanos de tocar en un ritmo par y extraño al mismo tiempo, es la esencia del swing, que es el ritmo fundamental del jazz. Además, el concepto africano de improvisar en ciclos rítmicos se encontró con el concepto europeo de tema y variación. Esto condujo a solos improvisados dentro en un patrón armónico. El concepto African Dance Beat se aplicó a los bailes europeos y caribeños, por ejemplo, el arrastre del jazz es como el jig (N. de la R: forma de folklore celta) de Irlanda, y hay muchos, muchos ejemplos más así. Finalmente, y no por eso menos importante, la creatividad tímbrica de los efectos vocales africanos se aplicó a los efectos instrumentales europeos: se podía hacer que una trompeta sonara como un pollo, un elefante o un bebé llorando, y cada músico desarrolló así sus especialidades particulares de efectos de sonido.

¿Es correcta la idea de que el jazz es la piedra fundamental de los estilos musicales del siglo XX?

- Es la madre de todas las formas musicales que utilizan una sección de ritmo de batería, bajo, guitarra o piano (también computarizada).

- ¿Qué pasa con lo que vino después: el blues y el rock and roll?

- El blues es un elemento importante de la base tripartita del jazz (improvisación, swing y blues). El rock and roll es una forma de ritmo y blues que se mezcla con el backbeat 2 y 4 pero acentuados.

- ¿Estos géneros musicales pertenecen a una línea de tiempo, es correcto?

- Blues, Jazz, Rhythm And Blues y Rock and Roll es la línea de tiempo

Fuente: Infobae


miércoles, 6 de julio de 2022

Shout, Sister, Shout!: La historia no contada de la pionera del Rock ‘n Roll Sister Rosetta Tharpe - 2008

Quienes son los padres del Rock ‘n Roll es algo que está siempre en discusión. Fue Fats Domino gracias a su baterista Earl Palmer? Fue Ike Turner, gracias a la guitarra distorsionada de “Rocket 88”? Fue Louis Jordan con su Jump Blues? Como sea, siempre hablamos de los padres, pero nunca de la “madre”. Y claro, ella fue Sister Rosetta Tharpe.

Cuando avanzada la década del 50, le preguntaban por su música ella contestaba “Oh, estos chicos y su Rock ‘n Roll, eso es simplemente rhythm and blues acelerado, yo lo vengo haciendo desde siempre.” Sister Rosetta Tharpe y su Gibson SG fueron la prueba más contundente de que las mujeres también podían rockear. “Shout, Sister, Shout!” (Gayle Wald, 2008) es la primera biografía de esta artista pionera que influyó de manera innegable en gente como Elvis Presley, Etta James, Bonnie Raitt, Johnny Cash y Chuck Berry, entre muchos otros, pero que ha recibido un reconocimiento en forma tardía. Nacida en Arkansas en 1915, Tharpe fue criada en la Iglesia Pentecostal y desde el punto de vista musical, claramente en la tradición góspel. Pero ella produjo música que cruzaría los géneros. Tharpe fue antes que nada la primera Super Estrella de la música góspel y una de las primeras en construir el puente con el Rythm & Blues y sentar las bases para el primer Rock ‘n Roll.

Sister Rosetta Tharpe fue una marcada influencia Little Richard, quien fue invitado por ella para abrir su show en el Macon City Auditorium en Georgia. Pero hay que hablar de Elvis Preseley. El Rey grabó varias canciones que fueron hits de Tharpe, incluyendo “Up Above My Head,” “Just A Closer Walk With Thee,” “This Train” y “Down By The Riverside.” Elvis también se vio cautivado por el estilo único de púa que utilizaba Rosetta. Desde lo estrictamente musical, estamos ante una guitarrista que no se limitaba simplemente la escala de blues. Rosetta usaba muchos cromatismos, frecuentemente asociados al jazz. Sin embargo, los yeites de Rosetta no se sienten jazzeros, más que nada por su groove y por la manera en que estira las cuerdas. Este video de youtube recopila los mejores solos filmados de Rosetta.


Ella fue una de las primeras en diseñar un tour bus apto para poder comer y dormir en la carretera y así evitar episodios de discriminación racial. Pero ella misma no tenía ese problema y queda demostrado cuando contrató como coristas al cuarteto vocal The Jordanaires (cuatro hombres blancos), toda una movida desafiante para una artista negra. Rosetta vivió matrimonios fallidos, discriminación no solo por su color de piel, sino también por su orientación sexual (giró mucho tiempo con quien se dice era su amante, Marie Knight). Su música desafió cualquier clasificación y pasó por arriba muchas normas culturales y sociales de su tiempo. Todos estos elementos nos hacen dar cuenta que estamos describiendo a una Rock Star de pies a cabeza.

Muchos conocimos a Sister Rosetta Tharpe en el film realizado en 1964 donde la vemos llegar en una carreta a una escenografía de estación de tren y hace volar nuestras pelucas por el aire con esa Gibson SG. Esa actuación televisada fue parte de “The American Folk Blues Festival”, el festival de música itinerante que se celebró en distintos países de Europa entre el 62 y el 66 en el que también actuaron Muddy Waters, Howlin' Wolf, John Lee Hooker o Sonny Boy Williamson.


Su diabetes fue diagnosticada tarde y el problema había avanzado al punto de que una de sus piernas debió ser amputada. Pero ella siguió rockeando hasta su muerte en 1973 a causa de un paro cardíaco.  

Su fama y su importancia fue por muchos años eclipsada por el crecimiento de aquellos a quienes ella misma influyó. Pero afortunadamente, desde hace algunos años su figura no para de crecer. Bonnie Raitt dice que "Rosetta fue una de las más amadas e influyentes artistas del góspel pero que también forjó un camino para el resto de las mujeres guitarristas. Hace mucho tiempo que Rosetta merece un reconocimiento más amplio y un sitio de honor en la historia de nuestra música” concluye la colorada. En 2018 Felicia Collins, Brittany Howard, y Questlove se unieron para introducir a Sister Rosetta Tharpe al Rock and Roll Hall of Fame. En diciembre de 2019 la cantante y rapera Lizzo apareció en Saturday Night Live y su guitarrista, Celisse Henderson, utilizó la oportunidad para homenajear a la legendaria Rosetta. Henderson apareciò junto a Lizzo deformando la intro del tema “Truth Hurts” y adptándola al sonido de Rosetta, junto con un vestuario acorde y, por supuesto, una hermosa Gibson SG Custom color crema

Gayle Wald, autor del libro y biógrafo de Tharpe, lo dice mejor que nadie: “Rosetta, tenía el hábito de tocar los más alto que se pudiera, basado en la creencia Pentecostal de que el Señor sonríe a aquellos que producen un sonido alegre”

Sister Rosetta Tharpe en Spotify

Recomendaciones: 
Cortometraje Documental "The Woman who Invented Rock n' Roll"

Fuentes:

Shout, Sister, Shout!: The Untold Story of Rock-and-Roll Trailblazer Sister Rosetta Tharpe, de Gayle Wald 
https://www.premierguitar.com/articles/11598-forgotten-heroes-sister-rosetta-tharpe?page=1
https://www.openculture.com/2020/02/the-woman-who-invented-rock-n-roll.html
https://www.openculture.com/2019/11/the-hot-guitar-solos-of-sister-rosetta-tharpe.html
https://www.rollingstone.com/music/music-news/lizzo-sister-rosetta-snl-930708/

viernes, 3 de junio de 2022

Fantastic Negrito - White Jesus Black Problems - 2022

En la vida de todo superhéroe -y Fantastic Negrito lo es- hay una historia de origen. Hoy se lanzó oficialmente el álbum visual “White Jesus Black Problems” (WJBP), la historia de origen de Fantastic Negrito. 

"En un mundo de nosotros contra ellos, zurdos contra diestros, negros contra blancos, esta es la historia de la relación prohibida e interracial de mis abuelos en séptima generación. No soy quien pensaba que era, pero soy exactamente quien necesito ser"
Fantastic Negrito

WJBP es el cuarto disco del tres veces ganador del Grammy, Fantastic Negrito, que fue editado a través de su propio sello, Storefront Records. Pero no se trata de cualquier disco. WJBP es una ópera rock, es un álbum y una película, o mejor dicho, un álbum visual, como a él le gusta llamarlo. Este trabajo habla de sus ancestros en Virginia en el siglo XVIII. Desde el sonido y las canciones, el álbum se trata del híbrido al que nos tiene acostumbrados Negrito, esa mezcla entre el blues más primitivo de Skip James y Robert Johnson y el funk de Prince o Sly Stone. A esta altura ya podríamos definir al músico de Oakland, California, como un género en sí mismo. Sin embargo, esta entrada de Escuchate Esto! no es una critica de su disco, sino mas bien hablar de la historia de vida de Fantastic Negrito y su nueva realidad a través de citas y declaraciones. "Fantastic Negrito es la verdad de un hombre dicha desde la música de raíces negras. Cada canción es una historia real." Esta cita es de 2014, el primer textual que recuerdo haber leído de él, y aún hoy, sigue vigente y se mantiene coherente a sus principios. 

En junio de 2021 pude hacer mi segunda entrevista con Xavier Amin Dphrepaulezz (Fantastic Negrito) para el programa de radio "Modo Nocturno", y el podcast y el blog de Escuchate Esto! Recuerdo esa charla como un momento muy especial. Mis intenciones fueron darle un abordaje musical a ese encuentro, pero Xavier la convirtió en una colección de vivencias, historias de auto superación y resiliencia. Esa fue, además, la primera vez que lo escuché mencionar el origen de su linaje y de lo que sería WJBP.

“Descubrí en el sitio ancesters.com a mi tataratataratatara… mi séptima abuela. ¡Fue una mujer blanca escocesa! En 1719 en Virginia, en el Sur, durante la esclavitud, mi séptima abuela blanca fue a la cabaña de los esclavos y se enamoró de mi abuelo esclavo, tuvieron un romance secreto. Fueron a la corte... ¡Encontré el registro de la corte! Fueron arrestados, y recibieron un cargo por ‘convivencia ilegal con un esclavo negro perteneciente a Henry Jones’. ¡Vengo de unos hijos de puta bien rebeldes, ¡¿Entendés!? ¡Está en mi sangre! Ese es mi linaje, mis ancestros reales. Escribí todo este nuevo álbum sobre su historia de amor y de cómo mi abuela blanca de Escocia enfrentó el racismo, la supremacía blanca, encontró el amor en un esclavo, tuvieron 7 hijos, les quitaron los hijos... una historia increíble. Es un álbum muy dramático, como una ópera rock, una película y un disco juntos y tal vez sea mi último disco.” 

Fantastic Negrito utiliza permanentemente sus cuentas en redes sociales para expresar absolutamente todo lo que pasa por su cabeza. Semanas después de publicar el primer sencillo del disco, llamado “Highest Bidder”, el 23 de febrero publicó esta foto en su cuenta cuenta de Twitter, junto con el siguiente texto:  

“Necesito su ayuda. Esta es una imagen del hombre que conocí como mi abuelo. Me gustaría saber quién es realmente este hombre. No reniego esta imagen de un poderoso y digno rey negro que me ayudó a evitar una vida de malas decisiones, crimen y drogas, pero por favor, ayúdenme a identificar a esta persona. Crecí con la foto de alguien a quien creí mi abuelo por 53 años. Esta foto representa fuerza, coraje, posibilidades ilimitadas, desafío, pero no sé quién es esta persona, todo lo que tengo es esta foto. Mi apellido es Dphrepaulezz… ¿Quién inventó eso? Mi padre decía ser de Somalía pero recientemente me enteré que nació en Bahamas, en 1905. Vivir una mentira es una carga muy grande. Mi padre nació una generación después de la esclavitud, en 1905, y no puedo imaginar los obstáculos que tuvo que enfrentar, así que no lo culpo demasiado por fabricar completamente su origen. ¿De qué manera esta nueva revelación informa y me ayuda a navegar el tema de la raza en Estados Unidos? Ahora es más claro para mi cuánto hay de construcción es esto de las razas.”

El 11 de marzo se lanzó oficialmente el segundo simple, llamado "Oh Betty" en referencia directa a su séptima abuela, Elizabeth Gallimore. " 'Oh Betty' fue tal vez una de las canciones más emocionales del disco. Traté de materializar las emociones de mi séptimo abuelo, sus miedos e inseguridad, su amor por su mujer y madre de sus hijos. El miedo y la ansiedad de que tal vez Betty Gallimore prefiriera dejar su vida como sirvienta y empezar una nueva, yéndose con otro hombre libre y elegir dejarlo." Negrito explica que eligió a los músicos de su banda, amigos y a su contador para actuar en la película. "Cuando comencé con este proyecto, no sabía cómo hacer una película y no conocía a ningún actor. Cuando estábamos grabando el disco, en un momento, me di vuelta y miré a James Small, el baterista de la banda. Pensé, este tipo es alto y apuesto, podría interpretar a mi abuelo en la película. Una vez que aceptó hacerlo, descubrí que el mismo estaba en una relación interracial con una hermosa mujer blanca -Sahara Brubeck-  que inmediatamente imaginé que podía interpretar a mi abuela. Les pregunté a ambos si querían ser parte del álbum visual y los dos la rompieron!" Desde lo estrictamente musical, explica que "pude canalizar a Skip James en un 100% en muchas de mis canciones, especialmente en 'Oh Betty'. Skip James es lo mas cercano al África que jamas había escuchado salido del Mississippi... Ha sido una influencia tan grande en mi música. ¿Y que hay de Robert Johnson...? Escuchen 'Hellhound on my trail', la cosa mas grande alguna vez grabada, mas que una canción, es un testamento espiritual de la condición humana." 

Acerca del título de su disco, "White Jesus, Black Problems", dice que "hay gente que esta odiando el título del disco. Nunca pensé que ser un artista implicaría tener miedo de que alguien pudiera sentirse ofendido por el contenido o el mensaje. ser un artista representa libertad. De otra forma, estaría trabajando en una oficina."

En cuanto al sencillo "Trudoo", el tercer adelanto, Negrito explicó que esa canción "representa el aspecto mas importante de la vida, el aspecto espiritual, mental, físico y de la salud de un ser humano. Todo eso es la libertad. Lo que tomo de esta historia, es que cualquier logro puede ser conseguido. Ellos perseveraron en una de las mas épocas mas traumáticas e inhumanas de la historia. Que su lección sea una inspiración para nosotros." “They Go Low”, una hermosa balada de piano, fue el cuarto adelanto del álbum. Negrito se refiere a este track como “una canción que su antepasado esclavo hubiera cantado acerca de la vida que hubiera querido vivir.”

Ya en el mes de julio y una vez iniciada su gira mundial que lo traerá a la Argentina en diciembre, Negrito sube a su cuenta de Instagram la tapa de la revista Premier Guitar que lo tiene como protagonista, acompañada del siguiente texto: "Gracias @premierguitar por tenerme en su portada. Entiendo que soy un completo freak y un raro a los ojos de algunas personas. Eso suele definirse como una "pesadilla de marketing" desde el primer día, pero no tengo problemas con eso... Manténganse honestos a quien realmente son, no importa lo que te digan."

Probablemente "White Jesus Black Problems", pase  a la historia como un manifiesto acerca de la importancia de nuestros orígenes, y de cómo el amor puede vencer al odio. Disfrutemos de este trabajo que, según sus propias palabras, tal vez sea la última obra como disco completo de Fantastic Negrito, un artista que en solo seis años, pasó de tocar en las calles por monedas, a convertirse en uno de los referentes actuales más importantes para la escena de la Bay Area de Oakland, Berkley y San Francisco. 

Por eso, no lo dudes y Escuchate Esto! 

Tracklist:

1. Venomous Dogma
2. Highest Bidder
3. Mayor of Wasteland
4. They Go Low
5. Nibbadip
6. Oh Betty
7. You Don’t Belong Here
8. Man With No Name
9. You Better Have A Gun
10. Trudoo
11. In My Head
12. Register of Free Negroes
13. Virginia Soil

Starring @J_Sticknasty and Sahra Brubeck
Directed and shot by: Aerick Neal
Produced by: Heidi Roodvoets and Adyam Abraham
Filmed @RevPlantation