miércoles, 1 de julio de 2020

Alabama, by John Coltrane - Extraido del blog Musicaficionado

Extraído del blog Musicaficionado y traducido para Escuchate Esto! 

En la tarde del 18 de noviembre de 1963, John Coltrane entró a los estudios de Rudy Van Gelder en Englewood, NJ y grabó el tema Alabama. Pero a nadie le dijo, ni si quiera a su legendaria banda (McCoy Tyner, Elvin Jones y Jimmy Garrison) de qué se trataba la canción. La banda hizo 5 tomas de la emotiva pieza, de las cuales la última versión llegó al disco Live at Birdland del sello Impulse. Coltrane se guardó los pensamientos y sentimientos para si, pero su composición era una especie de elogio fúnebre para las victimas de los hechos sucedidos en Birmingham, Alabama dos meses antes. La triste melodía captura no solo esos trágicos eventos ocurridos cuando miembros del Ku Klux Clan pusieron dinamita en una Iglesia Bautista y mataron a 4 niñas, sino también a la injusticia y a todo lo que tuviera que ver con el movimiento de los derechos civiles.


Martin Luther King dio un discurso en los servicios fúnebres de las niñas. Tanto la música de Coltrane, como las palabras del Dr. King son apasionadas y tristes, pero no tienen amargura ni odio. De la misma forma en que el discurso de King en donde pasa del lamento a la determinación para luchar contra el racismo, hay un punto en la canción en que Elvin Jones pasa de un muy pequeño acompañamiento a un crescendo de toms y platillos.

Coltrane tocó con el cuartero en varios eventos benéficos por varias causas relacionadas a los derechos civiles. En una entrevista en 1966 Coltrane dijo:
“La música es una expresión de ideales superiores, la hermandad esta ahí. (...) Entiendo que hay fuerzas del mal, fuerzas puestas aquí para traer sufrimiento a otros y miseria al mundo, pero yo quiero ser una fuerza que sea verdaderamente para el bien.”


Martin Luther King apreciaba el Jazz como un patrimonio de la música de los negros. En 1964 King dió un discurso en el Berlin Jazz Festival en el que dijo, entre otras cosas que “el Jazz habla por la vida. El Blues narra las historias de las dificultades de la vida, los músicos toman las realidades mas duras de la vida y las convierten en música, y se obtiene una nueva esperanza o un sentido del triunfo. Esto es música triunfante. El Jazz moderno ha continuado esta tradición, con canciones de una existencia urbana mas complicada. (...) Mucha de la búsqueda de la identidad entre los negros americanos fue defendida por los músicos de jazz. Mucho antes que los ensayistas modernos escribieran sobre "Identidad Racial" (...) los músicos estaban volviendo a sus raíces para afirmar eso que estaba emergiendo de su alma."

Fuente: 
Musicaficionado Blog

Músicos:
John Coltrane: Saxo
McCoy Tyner: Piano
Elvin Jones: Batería
Jimmy Garrison: Contrabajo

lunes, 15 de junio de 2020

La historia de Ben Harper & Charlie Musslewhite - Podcast Escuchate Esto!

Esta es la traducción del texto escrito por John Albert y leído por Mavis Staples que acompaña el episodio número 13 del podcast de Escuchate Esto!
Escuchar El podcast






"El Blues  no es un lugar o un tiempo. Es el sonido de lo que se siente estar vivo. El gran Willie Dixon lo llamó "los hechos de la vida expresados con letra y música". 

Charlie Musslewhite y Ben Harper vienen de lugares muy diferentes, separados por un montón de millas, y un par de décadas. Pero esas diferencias realmente no son importantes, porque hay una especie de destino para que ellos terminen tocando juntos que es mas grande que todo eso. 


Charlie Musslewhite viene de Memphis, Tennesee, allá por los años 50, del tiempo del rockabilly y Sun Records. Era un fan del blues desde temprana edad y un coleccionista de discos muy dedicado,  buceando en las tiendas de discos por viejas grabaciones. En la adolescencia, Charle decidió irse de Memphis por problemas con la policía mientras vendía alcohol en forma ilegal. Se fue a Chicago donde pasó los siguientes años juntándose con leyendas del blues como Muddy Waters, Howlin Wolf y Little Walter. Una noche Muddy invitó a Charlie a tocar con su banda y luego de eso, Charlie empezó a recibir invitaciones de muchos de los tipos de la escena de blues de Chicago. En los 60’s Charlie se fue al oeste, a San Francisco, llegando en el verano del amor. Su primer show fue en el legendario Filmore, abriendo para el supergrupo inglés, Cream.
Dos años más tarde, en la costa, pocas millas en las afueras de Los Ángeles, Ben Harper llegó a este planeta. Ben nació en una familia absolutamente musical. Sus abuelos era dueños de un centro cultural de música folk, y una tienda de instrumentos donde artistas como Brownie McGee, Sonny Terry, Doc Watson, Leonard Cohen, y otros se reunían. La madre de Ben era una cantante folk y su padre también era músico.

En su adolescencia, Ben trabajó en la tienda de la familia, donde aprendió como construir y reparar instrumentos. También se convirtió en un gran guitarrista y dotado cantautor. Ben se convirtió en un aprendiz del blues con el maestro veterano Taj Mahal, y luego editó su álbum debut “Welcome to the cruel World”. En los siguientes años se convirtió en una artista ganador de Grammys y aclamado mundialmente.

Ben y Charlie fueran presentados por primera vez por John L Hooker, el legendario blusero quien creía que ellos dos deberían tocar juntos. Así que los reunió en el estudio para acompañarlo y grabar la canción “Burnin Hell”. Los dos siguieron siendo amigos y sus caminos frecuentemente se cruzaban en las giras. Pero pasarían otros 15 años hasta que ambos entraran a un estudios juntos a grabar un disco. Es disco sería “Get Up”, ganador de un Grammy. Y por bueno que fuera ese disco, era solo el comienzo.

Ambos coinciden en que esa amistad se hizo más profunda en los muchos meses de gira que vinieron y esa cercanía es lo que hace su segundo disco, algo realmente especial. “No Mercy in this land” es una oportunidad para descubrir a Charlie Musslewhite, uno de los bluseros mas virtuosos (…) Y también es una oportunidad para descubrir a BH, un talento inimaginable como músico, productor, cantante y compositor. Un talento que tenía la chance de grabar cualquier álbum que quisiera, pero eligió colaborar con su amigo Charlie"



Lista de temas utilizados en el podcast
Get Up!
I dont belive a word you say

Blood side up
When love is not enough 
When I go
Burnin hell (John Lee Hooker)
When the levee breaks
The bottle wins again live

Créditos del Video
Directed by Piotr Kabat
Voiceover by Mavis Staples
Script by John Albert
Sound by Elliot Thompson




lunes, 8 de junio de 2020

The Rolling Stones - Ploundred my Soul - 2010

En 2010 se lanzó una reedición del que para mi, es el disco mas perfecto de los Rolling Stones en toda su historia: "Exile on Main street" de 1972. Allí venía un cd adicional con material inédito y un documental sobre la grabación del disco. El corte fue un single llamado "Ploundred my soul" que incluía un videoclip animado con fotos de las grabaciones de Exile en Nellcote, Francia. Tengo que decirlo, "Ploundred my soul" se ha convertido en uno de mis temas favoritos de los Stones, al punto tal que merece una entrada individual en Escuchate Esto!




Don Was, productor de los Rolling Stones, manifestó en una entrevista que el conocía la existencia de montones de grabaciones descartadas de aquellas sesiones, 
pero quería ser fiel a aquella época en concreto y a ese sonido y no editar nada que estuviera fuera de contexto. "Así que elegí las canciones que pertenecían sólo a ese periodo de tiempo e intenté elegir las que pensé que la gente no había pirateado mucho, o casi nada, que nadie había escuchado antes. Hay un par de canciones que están realmente bien y podrían competir con cualquier otra de las incluidas en "Exile".


Pero el caso de "Plundered my soul" va mucho mas allá que solo una canción encontrada. Esto es una gema, suena como aquellos Stones del 72, el Santo Grial del sonido Stone, su fórmula secreta escondida en aquellos sótanos de Nellcote. El Mick "actual" cantando sobre los Stones Vintage. Y lo mas importante, al menos para mi como fanático de este período, es que Mick Taylor regrabó su guitarra también en 2010. Ninguno de los dos Micks habían participado en la sesión original de este tema. Por suerte, Taylor estaba en buenos términos con sus ex compañeros, tanto como para volver a sumarse a una gira como invitado, y como para participar de una grabación. Tanto la acústica y la eléctrica lead que grabó Taylor en 2010 suenan como si hubieran sido grabadas en el 72, porque claro, usó la misma guitarra, los mismos amplificadores, Was usó los mismos micrófonos y grabó en cinta análoga antes del master digital. 

La vieja guitarra de Richards y la nueva de Taylor se entrecruzan, Charlie cae con su típico fill de entrada, un tempo que te parte al medio, y listo, tiene a toda la banda detrás suyo. El hechizo ya está hecho, cierro los ojos y me dejo llevar a ese viejo sótano caluroso del Sur de Francia. Bill Wyman entrando con esa cadencia única, el sonido es pegajoso y tiene esa melancolía que también tiene en "Tumblin' Dice" (si la música tuviera parentezco, Tumblin'... sería el primo hermano de este Ploundred...).  Y la letra es uno de esos poemas tristes que a veces nos regalaba Jagger ("Tumblin' Dice" otra vez)Charlie Watts vuelve del estribillo con un fill tan peligrosamente lento que, si fuera cualquier otro baterista, pensarías que no hay chance de que vuelva al beat en el tempo correcto. Pero no. Es Charlie Watts, así que no hay peligro. 

La banda tiene un galpón 
con cintas y cintas y cintas. Don Was compara con el final de Indiana Jones and The Raiders of the Lost Arc. El productor tuvo el trabajo de no solo remasterizar el re lanzamiento oficial de Exile, sino también investigar esos cientos de latas de cintas. Una vez que desempolvó las viejas cintas y apareció ”Plundered My Soul”, el track básico ya estaba ahí  -bajo, batería, piano, guitarra rítmica, todo listo para poner las voces.
Por supuesto, es imposible que el Mick Jagger del 2009 suene como el Mick Jagger del 71. Pero eso de ninguna forma le saca la magia al tema. A la mejor formación en la historia de los Rolling Stones (Jagger, Richards, Watts, Wyman, Taylor, Bobby Keys, Jim Price y Nicky Hopkins) se le agregaron los coros de Lisa Fischer y Cindy MizelleSegún Don Was, las sesiones de grabación en 2010 fueron muy emocionantes para el. "Mientras vía y escuchaba a Jagger grabando arriba de esta pista, yo viajé mentalmente a Nellcote, pero como si fuera hoy, como en las películas, con todos los muebles cubiertos de sábanas". El objetivo de Don Was fue, como el mismo lo ve, pensar en Jimmy Miller (productor original de Exile, fallecido en 1994), pudiera escuchar este track y se sintiera orgulloso. 


fuentes:

https://www.songfacts.com/facts/the-rolling-stones/plundered-
http://billjanovitz.com/blog/?p=1359
https://www.songfacts.com/facts/the-rolling-stones/plundered-my-soul
Gibson.com







lunes, 11 de mayo de 2020

Rip Little Richard 1932 - 2020

No estoy acá para escribir un obituario. Si quieren uno, lean la genial despedida qque escribió Diego Manrique en El País de España. Solo quería compartir este manifiesto que Richard lanzaba en 1986 junto a otros de los grandes pioneros del rock 'n roll, Chuck Berry y Bo Diddley, sobre por qué el mundo de la música el los '50 no quería que los chicos blancos escucharan música negra y cómo ellos tuvieron que luchar para que eso sucediera.
Descansa en paz, Reverendo. 



domingo, 3 de mayo de 2020

Jackie Mittoo: El constructor de sonidos jamaiquinos por Soulsolete


Cuando leí hace algún tiempo en twitter un hilo musical publicado por mi amiga SoulSolete no dejé pasar ni un minuto para invitarla a extenderlo un poco y transformarlo en una entrada de Escuchate Esto!. Disfruten el resultado. Bienvenida Alma y por muchas colaboraciones mas! 

Cuando pensamos en músicos o artistas jamaicanos, casi siempre evocamos en primer lugar a personajes cuya identidad y nombre propio están ya escritos con letras mayúsculas en la historia de la música. Tony y yo no nos conocemos personalmente. Nos seguimos la pista en las redes sociales y compartimos alguna afición, como por ejemplo la musical. Precisamente, nuestro amor por los sonidos caribeños fue el motivo esencial por el que me propuso colaborar con una entrada en su blog. Para mí, su petición es un enorme y agradecido privilegio, por lo que deseo fervientemente que su propuesta sea bien recibida por todos sus lectores. Sin más dilación, es el momento de hablar sobre nuestro personaje fetiche común: Mr. Jackie Mittoo, el genuino rey del teclado.

De las teclas de sus pianos y órganos surgieron las notas del primer Ska y de lo que posteriormente sería el Rocksteady y el Reggae. No es exagerado decir que Jackie fue una especie de arquitecto dibujando sueños musicales al tocar las teclas de su instrumento.  Era un chico desgarbado, alto, tímido y con un talento innato que aterrizó en nuestra isla caribeña favorita en el momento justo y preciso. Existe una extensa tradición de músicos y productores en Jamaica que aportaron su granito de arena en el desarrollo de otros sonidos, pero Mittoo es, sin lugar a dudas, un imprescindible a tener presente por dos motivos: fue uno de los músicos fundadores de la banda jamaiquina skatalítica por excelencia, The Skatalites, y participó como miembro activo en la primera movida musical de la isla.

Nació en 1948 en Brown´s Town como Donat Roy Mitto, y con tan solo 4 años de edad, ya golpeaba las teclas del piano con contundencia con la ayuda de su abuela, quien era profesora de música. Empezó tocando melodías clásicas, pero al llegar a su primera juventud, se interesó por el R&B americano que sonaba en las emisoras de radio en la época. Probablemente por eso, Federal Records lo fichó para tocar en la principal banda de Studio One. Cuando Coxsone contrató a Jackie inicialmente, su responsabilidad en el sello era componer algunos riddims a la semana. Si desplegamos nuestra imaginación y retrocedemos a 1963, es hermoso fantasear con un jovencísimo Mittoo rodeado de músicos tales como Roland Alphonso o Tommy McCook acompañando a la crème musical jamaicana de principios de los 60, cuando Guns Of Navarone, Man In The Street o Pussycat Ska colapsaban el Sound System. Desafortunadamente, dos años más tarde se produce la ruptura de la banda. Jackie siguió con alguno de sus compañeros, pasando a formar parte de algunas bandas como The Sheiks, The Soul Brothers, Soul Vendors o Sound Dimension con los que siguió grabando como conjunto para multitud de artistas en el estudio de Sir Coxsone Dodd.

La era skatalítica finalizó y las composiciones de Jackie fueron esenciales para el cambio que se produjo en el sonido que salía de los estudios jamaicanos, un ritmo que cada vez era más lento y sobresalía por beneficiarse de tener más arreglos. Así fue como apareció el Rocksteady, que después, evolucionó al Reggae. Entre estos cambios de género en el tiempo, Mittoo grabó con músicos de la talla de Ken Boothe, Alton Ellis, Marcia Griffiths, John Holt o Leroy Wilson. De sus propias grabaciones, nos gustaría destacar un par de albums: Evening Time, de 1968, un trabajo lleno de Rocksteady donde cada canción instrumental posee un registro propio sin echar en falta ni un ápice una voz cantante, y el disco Keep on Dancing de 1969, cuya premisa queda clara e impresa en su mismo título. Sus doce tracks instrumentales brillan al servicio del Groove, uno donde no solo resalta el órgano Hammond, sino también el Soul y el Funk, con un sentido del riddim tan cool, que difícilmente es superable.

En los años 70, el veterano de Studio One se mudó a Canadá por motivos de trabajo e, incansablemente, siguió compartiendo su don difundiendo la música de Jamaica entre un público más amplio. En esta época editó en solitario discos como Wishbone realizado en 1971 con la ayuda del productor jamaicano Bunny Lee con clara influencia del sonido de Booker T & The MGs, o Macka Fat en 1972, otro trabajo destacable con sonido instrumental dubby en los teclados donde Mittoo estaba muy inspirado. De ahí que sea un disco clásico del género Reggae que se encuentra entre nuestros favoritos, pues destruye paradigmas en nuestro corazón y alma melómanos. Durante los años 80, trabajó frecuentemente con Sugar Minott, llegando a viajar a África en 1985 acompañando al grupo británico Musical Youth y creando pistas que posteriormente grabaría para sacar el LP Jackie Mittoo in Africa.

En 1989 se reunió con los Skatalites brevemente, ya que el año 1990 nos dijo adiós tras años luchando contra un cáncer. Para nosotros es un prócer, y su obra, inmensa. Si amas los sonidos jamaiquinos, Jackie debería estar en un altar entre tus referencias. La duda que nos queda es preguntarnos qué gemas musicales habría seguido produciendo si a día de hoy continuara vivo, dado que no podemos negar que su influencia y creaciones necesitarían ser más alabadas.





1. Jackie Mittoo & The Skatalites - El Bang Bang
2. Jackie Mittoo & Soul Vendors - Ram Jam
3. Jackie Mittoo – Napoleon Solo
4. Jackie Mittoo & The Soul Vendors - Best By Request 
5. Jackie Mittoo - Hang Em High
6. Jackie Mittoo - Guetto Organ
7. Jackie Mittoo - Oboe
8. Jackie Mittoo - Fancy pants
9. Jackie Mittoo - Henry The Great
10. Jackie Mittoo - Big bad organ

jueves, 23 de abril de 2020

The Rolling Stones - Living in a ghost town - 2020

En cualquier cómic de DC o Marvel suele pasar. El mundo enfrenta una catástrofe y aparecen los superhéroes para salvar a la humanidad. Esta simple premisa guionística aplica perfectamente para este momento del mundo y la sorpresiva edición de este nuevo single de The Rolling Stones,  quienes en plena pandemia de Coronavirus editan su single "Living in a ghost town".  


En twitter, Mick Jagger escribió "Los Stones estábamos en el estudio grabando material nuevo antes del encierro, y pensamos que una canción, 'Living In A Ghost Town', resonaría en estos tiempos que vivimos". Jagger contó que él y Keith Richards escribieron la canción hace más de un año, pero que la sintieron apropiada para los días que corren. "No estaba escrita para este momento, pero se dio una de esas cosas extrañas". La canción refiere a "estar en un lugar lleno de vida pero que ahora está privado de vida, por decirlo de algún modo... Estaba tocando la guitarra y la escribí muy rápido, en 10 minutos", explicó.

El tema se puede encontrar en algún lugar entre Undercover y Tattoo You, aunque también tiene algo del sonido de Jagger solista (ese puente tiene una energía inusitada para un vocalista de 76 años! ) y algo de reggae por debajo. 
"Es un poco inquietante cuando (la canción) de repente vuelve a la vida", dijo Richards, y agregó que la pandemia fue el momento apropiado para lanzar el tema.

El fin de semana anterior, los Stones se habían destacado tocando "You Can't Always Get What You Want" en el concierto virtual de Global Citizen.



Fuente: 
Apple Music
Twitter

lunes, 6 de abril de 2020

Bill Withers - 1938 - 2020

Este 30 de marzo murió Bill Withers, una de los cantantes y compositores mas importantes e influyentes del soul. Con la producción de Booker T Jones grabó Just As I Am (1971),  para el sello Sussex. "Aint’t No Sunshine", su máximo éxito estaba en este disco. El siguiente fue Still Bill (1972), del cual salieron "Lean On Me" y "Use Me".

Withers fue un caso muy raro para mi por tres factores:
Hizo pocos discos, se retiró prematuramente.
Podía hacer funk en un formato unplugged.
Nunca perdió 
el control de los derechos de la mayoría de sus canciones, que fueron el gran sustento económico de su vida, gracias a las numerosas versiones y al sampling. Segun el sitio whosampled.com tiene 479 samples, 424 covers y 5 remixes

Estuve pensando en escribir algo sobre Bill, tengo especial recuerdo de la primera vez que escuché una canción suya (Who is he) en el Soundtrack de Jackie Brown (Quentin Tarantino 1997). Pero ayer me topé con este tremendo homenaje que le rinde Questlove, baterista de The Roots en este Dj Set de 4 horas. Asi que,qué mejor homenajear a un artista que escuchando su música. Espero que lo disfruten tanto como yo. No lo dudes y Escuchate Esto! 




domingo, 5 de abril de 2020

Let's Dance - David Bowie - 1983

El guitarrista Nile Rodgers fue un colaborador clave en la carrera de David Bowie, convirtiéndose en co-productor del disco Let's Dance (1983). En Escuchate Esto! compilamos algunos pasajes de una nota que Rodgers escribió para la Revista Rolling Stone en 2016 donde revela las diferentes fuentes de inspiración de uno de los artistas mas grandes de la historia de la música para uno de los discos mas exitosos de su carrera.






"Me encontraba con Bowie en New York simplemente para ir a pasear, visitar museos, librerías, gente con grandes colecciones de vinilos o escuchar diferentes tipos de Jazz en la Biblioteca Pública de New York, música que en ese momento no estaba disponible en las disquerías. David quería sentir esa influencia, esa inspiración para algo nuevo que estaba por llegar pero aún no sabíamos qué era. Aun no habíamos escrito nada de música, estábamos discutiendo el concepto del disco. En un momento David trae un concepto – una foto de Little Richard con un traje rojo subiendo a un Cadillac rojo. Vino a mi departamento y me dijo ‘Nile, así es como quiero que suene mi disco, esto es rock’n’roll!’. Supe lo que quería decir desde el momento en que vi la foto. No quiere ‘Good golly Miss Molly!’, quiere algo futurístico, moderno pero eterno, que hubiera podido ser hecho en cualquier tiempo".

"Luego de eso, el primer esbozo de la canción “Let’s Dance” que escuché, fue a David tocando en una guitarra de 12 cuerdas pero que solo tenìa 6, una especie de folk. Y me dijo "Esto es un hit!" Yo pensaba "Man, esto es tan raro..." pero después de todo ese recorrido que hicimos, esas fotos que vimos, ese jazz que escuchamos, tuve la imagen perfecta de cómo debía sonar el disco." 



""Let’s Dance" parecía tener todo lo que necesitas artísticamente en una canción… pero también algo que nunca antes había sonado. Y es por el amor de David por el Jazz. Por ejemplo, la linea de vientos de “Let’s Dance” esta inspirada en el sonido del tema de Peter Gunn, de Henry Mancini. Otra cosa que hice fue la rearmonizar el tono del tema y lo llevé a un acorde de Bb13 (Si bemol treceava) lo cual los desafío a encontrar en cualquier canción pop. Fue una movida muy drástica, a David le encantó de inmediato." .

"David se inspiraba en cualquier cosa o persona que estuviera a su alrededor. Asì fue como se incorporó Stevie Ray Vaughan al proyecto. David y yo vimos a Vaughan tocando en el Montreux Jazz Festival en 1982 y lo incorporamos al disco. Ninguno de nosotros había escuchado antes el nombre de Stevie Ray Vaughan, y lo que siguió es que Stevie le estaba inyectando un sonido tan real a un artista, un disco y una banda con la que nunca antes se había cruzado. Y David simplemente decía: 'Veamos que pasa'." 

"Uno de los mas grandes momentos de mi vida fue ver la cara de Stevie Ray Vaughan cuando entró al estudio y escuchó el groove de "Let's Dance". Se que su primer pensamiento fue "Qué carajo voy a tocar?" Son las notas mas pequeñas y brillantes que escuché jamas". "En ese momento Bowie no tenía contrato con ninguna discográfica y financió el disco él mismo. Fue el disco mas fácil de hacer en toda mi vida -dice Nille. El disco se grabó en 17 días, aunque habíamos contratado tres semanas de estudio, asi que nos sobraron 4 días." 


"Con respecto a mi colaboración con Bowie, todos hablan de "Let’s Dance", pero también hicimos juntos otros grandes temas como "Black Tie White Noise", "Miracle Goodnight", "China Girl", "Modern Love" y "Ricochet" por solo nombrar algunos. Mucha música."

"Gracias a David Bowie conocí a Stevie Ray Vaughan y finalmente di el elogio fúnebre en el funeral de Stevie* . Estábamos haciendo el disco "Family Style", con Stevie Ray y Jimmy. En el medio de las sesiones, se fueron a dar un concierto y solo uno de ellos volvió." 

Escuchar el disco 

Fuente:
*Entre quienes dieron el elogio de despedida a SRV, también estuvieron Stevie Wonder, Buddy Guy, Dr. John, ZZ Top, Eric Clapton, Bonnie Raitt, y Jackson Browne.

domingo, 29 de marzo de 2020

Escuchate Esto! Podcast

Finalmente después de mucho pensarlo pero sin planificarlo demasiado, en medio de la cuarentena impuesta por el Covid-19, llegó el tiempo de compartir los contenidos de Escuchate Esto! a través de un podcast. Están todos invtados, los espero por allí!

https://ar.ivoox.com/es/podcast-tony-soulman_sq_f1875807_1.html

sábado, 28 de marzo de 2020

Fantastic Negrito - Chocolate Samurai - 2020

Escuchen el adelanto de Fantastic Negrito de su disco "Have you lost your mind yet?", justamente un titulo que viene muy bien para esta época que el mundo esta viviendo ante la pandemia del Covid-19. El tema se llama "Chocolate Samurai" y "Negrito" lanzó hoy 28 de mayo el video oficial realizado con pequeños videos de todos sus fans alrededor del mundo ante el pedido del músico preguntando: Que estan haciendo durante la cuarentena? Si me lo preguntan, uno de los temas mas funkys de toda su discografía, mucho hammond y mucho slide. 


lunes, 2 de marzo de 2020

Freddie King - Texas Cannonball - 1972

Escuchas la versión de Lodi, de Creedence, por Freddie King y ya está. Solo eso justifica o invita a escuchar el resto del disco. Y claro, también justifica que a este álbum lo hayan titulado "Texas Cannonball". Todo la fuerza de Freddie King se escucha, se siente, en este, uno de los grandes discos de blues de todos los tiempos.

Freddie King nació en Dallas, Texas pero se crió en Chicago. Tocó mucho en esa ciudad pero, por esas cosas de la vida, no tuvo suerte en el emblemático Chess Records. Pero Freddie no bajó los brazos y consiguió grabar un single instrumental para Federal Records en 1961: "Hide away". El tema se convirtió en un hit que sonaba en todos lados. 




Después grabó mas de treinta instrumentales similares, como The Strumble y otros, y giró algún tiempo compartiendo cartel junto a grandes del soul, como Sam Cooke, Jackie Wilson o James Brown. Para fin de los sesenta firma con Atlantic Records y edita en 1969 "Freddie King is a Blues Master" (que titulo, no?) y "My Feeling for the Blues" (1970). Aunque no le fue muy bien con ese material en Estados Unidos, todo lo contrario ocurrió en Inglaterra. Historia conocida, al llegar a una gira en el Reino Unido, Freddie conoció a una nueva generación músicos como Eric Clapton, Mick Taylor, Peter Green, jóvenes que estaban tratando de emular su sonido. A su manager Jack Calmes se le ocurrió que tocar en el Festival Pop de Texas y compartir cartel con gente como Janis Joplin o Led Zeppellin, podría ser una buena idea. Page y sus amigos también resultaron ser grandes admiradores de King. Gracias a esa movida, Freddie King captó la atención de un nuevo público y con su álbum "Getting Ready" se hizo evidente que su estilo tenía que ver mucho con el Blues Rock que se escuchaba entonces. 




Así llegamos a este disco, producido por el gran Leon Russell, grabado en dos ciudades diferentes por dos bandas diferentes. En la primera sesión entre el 2 y 4 de febrero de 1972 en Skyhill Studios de Los Ángeles, Freddie estuvo acompañado por Russell en piano, Don Preston en guitarra, Donald “Duck” Dunn en bajo y Al Jackson Jr. en batería (estos dos últimos, miembros de Booker T & The MG´S, banda del sello Stax Records de Memphis). En esta parte de la grabación, los seis temas escogidos fueron: “I´d rather be blind”, con una base rítmica demoledora y firmado por Russell; “Can´t trust your neighbor” es un soul típico de Stax, de hecho esta compuesto por Isaac Hayes y David Porter y otros temas que se acercan más al estilo Chicago, como “You were wrong” y “How many more years” de Howlin´Wolf. Qué decir de “The sky Is crying” y una maravillosa versión de (mas soul!) “Aint´t no sunshine” de Bill Withers.

La segunda parte de las grabaciones fueron realizadas semanas después en Ardent Studios de Memphis. PAra la ocasión Russell seleccionó músicos de su propia banda, Don Preston otra vez, John Gallie en órgano, Carl Radle en bajo y los bateros Chuck Blackwell y Jim Gordon.


Se grabaron cuatro canciones: la mencionada "Lodi” de John Fogerty, “Big legged woman” y “Me and my guitar”. Se percibe un aire de blues funkeado o souleado, como ya habíamos escuchado en Albert King a partir de su disco "Born under a bad sign". Esta veta será explotada por Freddie King en sus siguientes álbumes hasta su muerte en 1976. Pero sin dudas es 
el clásico de Lowell Fullson “Reconsider baby” donde demuestra porqué es uno de los reyes del blues.


Combinando Blues acústico de Texas con la crudeza de Chicago, la influencia de Freddie King llegó a todos los guitarristas eléctricos que vinieron después (Clapton y Vaughan tal vez sean los mas emblemáticos). The Texas Cannonball, ya sea como obra, pero también como apodo, pinta a este artista de pies a cabeza. Así que no lo dudes y Escuchate Esto! 


Lista de Temas:
Lodi
Reconsider Baby 
Big Legged Woman
Me And My Guitar 
I'd Rather Be Blind 
Can't Trust Your Neighbor 
You Was Wrong 
How Many More Years 
Ain't No Sunshine 
The Sky Is Crying 

Fuentes:  https://rockandrollismyaddiction.wordpress.com/

https://almadefrontera.blogspot.com/

lunes, 3 de febrero de 2020

Las 50 grabaciones esenciales del Jazz por Wynton Marsalis - parte II

En la entrada anterior, compartimos las 50 grabaciones esenciales del jazz por Winton Marsalis. En esta segunda parte, el músico (ok, considerarlo a Marsalis solo un "músico" es quedarse corto, pero ya saben de lo que hablo) va un poco mas allá con aquello que considera esencial entre lo esencial. 


Louis Armstrong en Snake Rag - King Oliver
Punto de vista de otro mundo, con sus habilidades para improvisar nos toman por sorpresa

Que te den una parte de acompañamiento, escucharla, tocar algo que se relacione con el "tema" con semejante sofisticación, visión y matices, ademas de una gran muestra de habilidad. Es muy poco común. 
Louis Armstrong tocaba la segunda corneta en la banda de King Oliver — esto quiere decir que esta interpretando partes armónicas que deben resolver de determinada manera. Esta tocando básicamente la parte alta, mientras que King Oliver esta tocando la melodía. O sea, no hay música escrita, esta improvisando en una forma muy compleja. Cuando lo escuchás y lo pensás, es difícil de creer, cuanta claridad y lógica y de que forma hermosa el resuelve la armonía interna, y también improvisa una segunda armonía a los cortes de trompeta de Oliver. Una increíble visión de reflejos, entendimiento musical y habilidad para escuchar. La exactitud de estas partes y la claridad con la que toca dentro de un rol de acompañamiento es excepcional. La velocidad de reflejos, no es creíble. Por eso es Louis Armstrong.


Duke Ellington, “Daybreak Express” (1933)

All-time baddest MF (Yo lo traduciría como: "El hijo de puta mas pulenta de todos los tiempos")




All-time baddest motherfucker. OK? Eso se reserva a alguien como Bach. Pude haber elegido cualquier cosa, pero elegí esta porque amo los trenes.
El nivel de compromiso sostenido, ese nivel de logro técnico, la sofisticación de lo que está haciendo, la forma en que hace que las armonías suenen como trenes, la concepción de los diferentes grooves, el inteligente uso de la forma, la alegría que transmite, la diversidad de las ideas, la compresión de cada instrumento en su registro. 
[Nota: La lista de Marsalis también incluye otros temas de trenes de Ellington: “Choo Choo” 1924, “Happy Go Lucky Local” 1946, “Track 360” 1959 y “Loco Madi” 1972. "Traté de escoger uno de cada década. Con la Lincoln Center Orchestra hemos tocado casi todos estos.")  

Mary Lou Williams with Andy Kirk and His Twelve Clouds of Joy, “Walkin’ and Swingin'” (1936)

Manifestación nivel Genio y logros únicos que no tienen comparación a nivel composición y arreglos.




“Walkin’ and Swingin'” — esta escrito con una solidez increíble con una trompeta liderando la sección de bronces, esa trompeta es tan hermosa, que su puente se transformará en una canción de Monk: “Rhythm-A-Ning.” Es tan difícil de tocar. Man, cada vez que la trato de tocar, es tan difícil! Cada vez que la tenemos que tocar, nos miramos entre los trompetistas y nos decimos "Quién lo toca esta vez?!" Estamos ante uno de los pilares que iniciaron el bebop, aunque estemos en la Era del Swing. La diversidad en el arreglo, la pregunta y respuesta. Ella era una verdadera adelantada, fue mentora a los músicos de bebop. “In the Land of Oo-Bla-Dee” es un ejemplo de bebop que ella escribió y Dizzy Gillespie grabó. Ellos iban a su casa, Dizzy, Bird, Monk, todos los pesos pesados hablaba con Mary Lou, la amaban. Ella les hablaba de arreglos, tenía conceptos, era muy filosófica. Ella los influyó de verdad. Yo hablé con Dizzy de ella y el siempre me decía. “Man, Mary Lou, nos enseñó tanto.”


Benny Goodman, The Famous 1938 Carnegie Hall Jazz Concert

Concierto mas significativo




En este concierto Benny Goodman esta estableciendo su concepto de qué es lo que necesitamos hacer como país. Toca su música, trata con la historia de su banda, muestra interpretaciones virtuosas. Reúne a la gente de diferentes razas en un tiempo de segregación y profunda ignorancia. Reúne a miembros de las orquestas de 
Count Basie y Duke Ellington, hace canciones populares americanas, canciones originales de jazz, tiene un sección que cubre la historia del jazz  y toca tremendamente el clarinete. Tiene un grupo pequeño, una banda grande... cubre mucho campo en un solo concierto. También es el concierto mas significativo porque logró que el Carnegie Hall le concediera tiempo de ensayo. “Tengo que ensayar tanto para que mi música suene como se debe". Reafirmó un movimiento mas allá del prejuicio que, en ese momento, no había forma de remover porque el prejuicio sobrevive a toda evidencia. Pero en ese momento, fue un manifiesto muy fuerte, muy poderoso. 


Dizzy Gillespie with Charlie Parker, “Shaw ‘Nuff” (1945)

Dos personas que practicaron mucho (individualmente y juntos)




Charlie Parker y Dizzy. una cosa es practicar solo; otra muy diferente es practicar con alguien mas. Ser capaz de tocar partes con ese tipo de claridad y justeza. Dizzy siempre decía que Bird era la otra parte del latido de su corazón. Aún hoy, no se si dos caños han podido igualar el nivel de complejidad, matiz, sofisticación y absoluta unión. Fuego, virtuosismo. Cuando sucedió, la gente sabía que erta algo espectacular. El tiempo nos lo ha demostrado.


Ornette Coleman, “Peace” (1959)

Complejidad psicológica poco común mientras mantiene una intención lírica.




Fui muy cercano a Ornette. Ornette era como un Chamán. Me iba a su casa a la 1 de la mañana y y literalmente nos quedábamos tocando, sin hablar, por 2, 3 horas. Solo tocando frases los dos. Y después cuando te hablaba, siempre era algo muy trascendente. Este solo, 
“Peace,” es como cuando estas hablando y levantas tus ojos, tenes muchos gestos, subís bajas, un paisaje de emociones, sentimientos, pensamientos. Es difícil transmitir eso mientras improvisas. Todo eso está en ese solo. A los lugares a los que te llevará, en la complejidad psicológica de su fraseo y lo que esta diciendo y su habilidad para cambiar el humor y la intención de su sonido - muy complejo. 


Ben Webster and Harry “Sweets” Edison, “Better Go” (1962)
Destino: Soul


La portada de ese álbum [Ben and “Sweets”] tiene tanto soul, eso es todo lo que necesitas saber. Simplemente pones ese póster y lo dice todo. Un disco con swing. Veteranos tocando blues. 


Charles Mingus, “Meditations on Integration” (1964)

Consolidando lo mejor del pasado y el presente (luego del bebop) 




Lo que ocurre con la gente es que generalmente cae en una idea equivocada de su generación. Como cuando Giovanni Pierluigi da Palestrina escribía música, en realidad estaba escribiendo un montón de contrapunto a grosso modo, muy complejo. La siguiente generación lo escribió de una manera mas simple, entonces ese estilo se convierte en anticuado porque querés usar el estilo nuevo. Ahora, quien puede llegar en la era de la simplificación y agregar la complejidad del pasado? Esa es la cuestión. Ahora estas en América, en el medio del movimiento juvenil, la primera vez que podes vender cosas a los jóvenes, que estaban pensadas para adultos. Estas ganando mucho dinero y te estas alejando de la "cosa adulta". Pero también esta en movimiento por los derechos civiles al mismo tiempo, y estas comprometido con un montón de cosas en tu generación que no pasaron antes porque no podían pasar. Porqué, en el medio de esto, vas a volver a algo que esta siendo desacreditado
, que fue fuente de dolor y vergüenza para mucha gente que no sabía qué era, y traer eso a tu sonido, y al mismo tiempo buscas mas allá en la dirección en que tu generación esta yendo? Eso es ir para ambos lados. Es una posición de Yoga. 
Eso es lo que Charles Mingus hizo con todos esos discos que grabó entre la segunda parte de los 50 hasta avanzados los 60, el avant-garde con gente tocando y hablando. Eso era considerado ser libre. Tiene piezas musicales onda New Orleans, como “My Jelly Roll Soul.” tiene baladas de increíble profundidad y complejidad. Y tiene piezas largas como “Meditation on Integration” que te da el 6/8 africano. Tiene canciones tradicionales de bebop, canciones irónicas, “Gunslinging Birds.” Tiene música de iglesia. Todos estos elementos, del folk, todo lo que pone en su música, elementos teatrales, y no se esta segregando a si mismo de la música. 

Wayne Shorter, “Infant Eyes” (1964)

Extremadamente sofisticado, aún así con una combinación lírica/ melodía/ armónica




Significa que la progresión armónica es tan sofisticada como la melodía. Muy difícil. A veces tenes una gran melodía y las armonías no están a la altura. 
“Infant Eyes”: melodía embrujada. Es casi como si estuviera escrita en un modo. No lo es, pero suena así, como algo que pudieras cantarle a un niño, una canción de cuna. Cuando ves la progresión armónica, hacia dónde va, de cualquier modo es un maestro de la armonía, pero va a lugares en la armonía y es cíclica. Es el modo en que un ciclo trabaja. Si estas mirando una ecuación matemática, puede tener belleza, ya que la matemática puede ser lírica y hermosa y la mirás y decís "Demonios, así es como la matemática de esto funciona? Así son todas estas canciones. 


John Coltrane, A Love Supreme (1964)

Desarrollo improvisativo y minimalista sin precedentes





Trane salió con A Love Supreme como un material temático y de improvisación lo mas pequeño posible. Entonces la mayoría de lo que hay en A Love Supreme son como celdas, como una tercera menor y luego un gran salto. Entonces se invierte como una cuarta, una quinta; cubre un montón de intervalos diferentes. Es el tipo de pentatónica que te conecta con el Este. La excepción es la segunda parte. Pero incluso esa parte de ocho compases, una forma inusual para el blues, vuelve a la forma anterior. En ese entonces, la gente estaba tocando blues de 12 compases, de 14, blues con formas mas largas. Trane volvió a la forma mas primitiva del folk con el blues de 8 compases en 
A Love Supreme. Ese es un logro tremendo no solo por la profundidad de su compromiso por el que se lo conoce, sino también por el material temático que es, y cuanta improvisación va tiene lugar. 


Eddie Harris, “1974 Blues” (1969)

A boogaloo church shuffle in a funky 7 — damn!




No solo estas tocando un boogaloo — que es en ritmo de cuatro— lo estas tocando con una onda de shuffle de la iglesia, entonces tenes algo ancestral y algo góspel, y además, lo estas tocando en siete pero es un siete funky. No es el tipo de beat raro en siete, o un siete que es como si estuvieras tratando de sonar como música de Europa del Este pero siempre fallás porque no te criaste bailando eso. Es un siete orgánico. Algo entendía. Y la forma en que lo hacen es como resbalosa, porque el riff es recurrente. El groove esta basado en una repetición, entonces la cuestión de la repetición es cuándo la dejás y te vas a otro lugar? Es como lo que Armstong hacía con King Oliver. La clave de lo sincopado en cuando ellos deciden sincopar las frases. Entonces es como el balance de cuando NO repetir. Esta es una brillante manera de usar la repetición en el groove
. Cuenta por el hecho de que el siete es una métrica rara, así que el siete por si solo es algo que va a crear tumulto en la repetición. Podés repetir mucho mas sin volverte aburrido.


Betty Carter, “Bridges” (1992)

Los sonidos de protesta a través del tiempo



Este es el sonido de protesta para nuestro tiempo. Esta es gente que decidió que iba a hacer un manifiesto de protesta en la música y como las diferentes formas de protesta se pueden crear. Louis Armstrong hizo “Black and Blue”, pero el puente dice “Soy blanco por dentro, pero eso no me ayuda.”. "Bridges" de Betty Carter es solo scat, pero el poder, el virtuosismo, la diversidad de lo que está cantando, habla por si solo. Habla desde el poder de la música instrumental. Es extremadamente virtuoso de un modo muy libre, poderoso y progresivo. En un punto se va al 6/8 africano, mientras ella esta en cuatro tiempos. La forma en que dicta los ritmos. Nos lleva en un viaje a través de diferentes ritmos, y es la fuerza de su sonido! Es un manifiesto. Porque cuando digo protesta, es también el sonido de la libertad. 

[Nota: Marsalis también citó “(What Did I Do to Be So) Black and Blue” de Louis Armstrong; “Strange Fruit” de Billie Holiday, "We Insist!" de Max Roach y muchas otras grabaciones en esta categoría.]


Fuente: 

https://www.rollingstone.com/music/music-features/wynton-marsalis-interview-essential-jazz-recordings-821914/