sábado, 2 de diciembre de 2017

The Rolling Stones - On Air - 2017



Hoy salió a la calle "On Air", un disco doble de The Rolling Stones que captura 32 temas grabados entre 1963 y 1965 por la banda mas grande del mundo en los estudios de la BBC de Londres para diferentes shows de radio y TV.  Hay versiones de Chuck Berry (Roll over Beethoven, Carol, Memphis Tenesee), de Tommy Tucker, “Hi-Heel Sneakers,” de Buster Brown “Fannie Mae,” de Hank Snow en la versión de Ray Charles’ “I’m Moving On,” de Bo Diddley “Cops and Robbers,” de Jay McShann  Confessin’ the Blues,” de Rufus Thomas “Walkin’ the Dog” y de Willie Dixon “I Just Want to Make love to you", entre otros.  La calidad de "On Air" varía considerablemente, algunos suenan mono, otros stereo, pero todo es crudo y potente, así sonaban los Rollin Stones en aquellos años. Las grabaciones ha sido procesadas en los estudios Abbey Road desde las cintas originales, por lo que han ganado en fidelidad.  The Rolling Stones se unen así a The Beatles, Led Zeppelin y The Who, entre otras bandas, que ya han editado sus viejas grabaciones para la BBC.
Compartimos algunas declaraciones de Keith Richards publicadas hoy en Los Angeles Times a propósito de "On Air" y aquellos años. 

“Estábamos intentando superar el terror de lo que era tocar en la BBC. Había mucha adrenalina, pero una vez que estás ahí tocando, listo. Eso pasa con los Stones desde hace 55 años, una vez que empiezan a tocar no les importa nada"
“La BBC nos quería en sus shows, no tengo idea porqué, tocábamos blues en bares por Dios! Pero bueno, llegamos al top 10 y de repente eramos la alternativa a los Beatles, benditos sean. Si, ellos abrieron las puertas."
"En aquel tiempo pensábamos que la BBC sabía lo que hacía, pero cuando llegábamos a los estudios nos dábamos cuenta de que no tenían idea de cómo grabar una banda como la nuestra"
“No teníamos idea qué estaban tomando los micrófonos y qué salía al aire. Solo era rezar y esperar que sonara lo mejor posible. Escuchándolo hoy día, creo que se capta el espíritu de la banda. "
"Me cuesta imaginar que la gente quiera escuchar estas grabaciones, me asombra que haya tanto interés"

viernes, 3 de noviembre de 2017

Soul Man - Sam and Dave - 1967

Comparto con ustedes algunos pasajes de dos notas que encontré sobre la importancia de Stax Records, Isaac Hayes, David Porter y “Soul Man”.

En 1967, en una desprolija operación financiera que involucró a Stax Records, Atlantic Records, y Warner, Stax perdió todo su catalogo, así como también el contrato de uno de sus principales números: El dúo Sam & Dave. A finales de ese año, Otis Redding fallece en un accidente de aviación. Estos dos eventos marcaron el fin de la era dorada de Stax Records y del soul sureño.  


David Porter estuvo en Stax desde el inicio. Las canciones country & western no se vendían, y los chicos del barrio gradualmente iban moviendo el foco de la compañía hacia un r&b mas urbano. Llegaron los éxitos, con el instrumental de los Mar-Keys’ “Last Night” y “Gee Whiz" de Carla Thomas. Porter era el primer compositor estable del sello. Isaac Hayes participaba como pianista en algunas sesiones, hasta que comenzaron a trabajar como dupla compositiva y todo empezó a funcionar. Empezaron en 1966 con un par de singles modestos para Johnny Taylor, pero su gran explosión fue con B-A-B-Y de Carla Thomas. Componían, trabajaban en cada etapa de la producción, decidían qué artista era mas apropiado para cada canción, producían la grabación, participaban de ella tocando, arreglando los vientos, incluso operando. Así se trabajaba en Stax. 

Trabajando en el Estudio
“Se trataba de la música, el mensaje, la melodía, cada uno de esos elementos trabajan a un nivel emocional –explica Hayes-. Lo llamo seducción subliminal, hacer que te enamores de la canción y todo lo que la canción te produce”. Isaac Hayes podía tocar cualquier instrumento y poseía una intuición de cómo todas las partes de una canción encastraban, cómo se construían los arreglos, y cómo hacer que los músicos obtuvieran los sonidos que estaban en su cabeza. A veces Porter se paraba al lado del micrófono y dirigía al cantante como si estuviera dirigiendo un coro. "Alguien podría decir que fuimos genios -explica-  pero no. Sabíamos lo que queríamos hacer y que lo conseguiríamos trabajando.”

SOUL MAN

Detroit 1967
Era el verano del 67 y Isaac Hayes estaba en Memphis viendo como Detroit ardía. Los noticieros reportaban incidentes masivos en la ciudad de los motores. 5 Días de violencia sin parar, 43 muertos, mas de 1200 heridos, mas de 7000 arrestos y cientos de edificios en la ciudad era quemados. Es considerado el evento mas violento que tuviera que ver con el movimiento de los derechos civiles, y también una fuerte prueba de que la tensión racial no se limitaba únicamente al Sur. Las noticias explicaban que los dueños negros de algunos locales de Detroit, escribían en sus vidrieras la palabra “SOUL” o “SOUL BROTHER” para que los manifestantes no rompieran sus tiendas. Así nació una de los mas grandes éxitos de r&b de la historia, basado en una palabra y en lo que ella representaba.


Escrita, ensayada, grabada, impresa y editada casi dos meses después de las revueltas de Detroit, “Soul Man” es una firme canción de Sam & Dave pero con la participación de casi todos en el sello,
músicos tanto negros como blancos, toda una rareza para 1967. El tema abre con la guitarra de Steve Cropper que con solo un par de notas, define el sonido del rock sureño que vendría en los setenta. Cuando la banda entra, la canción cambia a un groove poderoso, y el ataque igual de salvaje de la voz de Sam Moore. “Soul Man” fue un éxito en los charts por casi dos meses, fue el single mas exitoso que Stax había editado hasta la fecha, y aún permanece sólida como uno de los grandes clásicos del rock, una de esas canciones para las que no pasa el tiempo. David Porter dice, “Con ‘Soul Man,’ nuestro propósito fue motivar a la gente durante un momento difícil en nuestro país. Si realmente escuchás lo que la canción esta diciendo, es que cualquiera puede ser un Soul Man.” Estamos ante una declaración de principios, que define a Stax y a toda una generación de músicos, una canción que habla sobre cómo las canciones deben ser cantadas. 

Algunas de las mejores composiciones de Porter y Hayes nacieron trabajando para Sam & Dave, dándoles una cantidad de hits que posicionaron al dúo como uno de los actos mas poderosos de la época — no solo “Soul Man” y “When Something Is Wrong with My Baby” y "Hold on, I'm coming", también “You Got Me Hummin’,” “Said I Wasn’t Gonna Tell Nobody,” “I Thank You”,  “Wrap It Up” y “You Don’t Know Like I Know”. 

Luego del cambio de compañía en el 67, Porter y Hayes escribieron algunos hits mas para otros artistas, pero sin la relevancia esperada. Hasta que en 1969 Hayes grabó un álbum solista llamado "Hot Buttered Soul", un éxito masivo, como Stax nunca antes había visto ni hubiera podido predecir. Rápidamente Isaac Hayes se convirtió en una megaestrella, sex symbol, referente de la moda, ícono de la música negra a la altura de James Brown. Incluso ganó un Oscar por el tema de "Shaft" en 1972. David Porter también grabó un disco, pero fue opacado por "Hot Buttered Soul" y todo lo que trajo aparejado. Porter siguió en Stax, y a mediados de la década del 70, cuando llegó la tormenta económica y artística mas fuerte, puso dinero de su propio bolsillo para ayudar económicamente al sello. Aún así, Stax cerró sus puertas en 1976. 


Porter y Hayes en Stax
En 2003, abrió el Stax Museum of American Soul Music y en 2005, el Soulsville Charter School. Stax revivió como sello discográfico, y también como institución educativa. Existe también la MMT (Memphis Music Town), una organización que Porter fundó para dar igualdad de oportunidades educativas y musicales a los jóvenes de la ciudad. Isaac Hayes murió en 2008 y en agosto de este año se editó "The Spirit of Memphis (1962-1976)", una caja de 4 cds que sirve como una crónica musical de su carrera, que revisa desde su presencia fundacional en Stax, sus singles como solista, covers y algunas rarezas. Isaac Hayes es uno de los responsables de dar forma al sonido de la música que hoy escuchamos y es uno de los 20 artistas más sampleados de todos los tiempos. Así que no lo dudes y Escuchate Esto!

Compartimos algunas playlist con lo mejor de Sam & Dave, y con la influencia del Espíritu de Memphis en otros artistas 



Fuentes
americansongwriter.com
whosampled.com
staxmuseum.com

miércoles, 25 de octubre de 2017

Fats Domino - 1928 - 2017

Conocí a Fats Domino allá por mi adolescencia, gracias al disco "Rock n Roll" de John Lennon y su cover "Ain't That a Shame". Fats fue uno de aquellos pioneros que tendió el puente entre el viejo rhythm & blues y el rock & roll en la década del 50. Es una leyenda y es uno de esos nombres, junto con el de Louis Armstrong, responsables de poner a New Orleans en el mapa musical del mundo. Comparto con ustedes una anécdota que pinta de cuerpo entero a este gran artista. 

En 2007 creyeron que Fats había muerto. Vale el graffiti para hoy.
En 2005 el huracán Katrina devastó gran parte de su ciudad, New Orleans. Fats no quiso ser evacuado, ya que consideraba que su esposa, gravemente enferma, no iba a resistir tal movida. Llegó la gran inundación y no se volvió a saber de él por días, incluso se lo dio por muerto. Muchos días después se supo que estaba vivo y fue rescatado por un helicóptero. Las oficinas y vivienda de Fats en el barrio de Lower Ninth Ward no fueron tan dañadas considerando lo devastado que habían quedado los alrededores, pero en el desastre perdió dos de sus pianos y casi todas sus posesiones y le fueron saqueados casi todos sus discos de oro (luego Capitol Records le reemplazó los discos perdidos). Al año siguiente, se editó el primer disco de Fats Domino en mas de una década con grabaciones inéditas hechas en la década del 90. Se llamó "Alive and Kickin", en obvia alusión a su supervivencia al huracán. En 2007 se produjo y editó Goin' Home, A Tribute to Fats Domino Las ganancias de ambos álbumes fueron a beneficio de Tipitina’s Foundation que patrocina la irreemplazable comunidad musical de Louisiana y New Orleans y preserva la cultura musical de la región.

Y como dice @natyslide , los lunes siempre pienso en Fats



Fuente: Escuchate Esto! 
Escuchar "Goin Home...", el tributo en youtube
Escuchar 
"Goin Home...", en spotify 

jueves, 12 de octubre de 2017

Desmond Dekker - Rudy got soul: The Early Beverly’s sessions / 1963 – 1968

"Desmond Dekker, he came first
And The Techniques, they came third
Clancy Eccles, he runs fourth
And Derrick Harriot, he came fifth
So I came second....in the competition

Letra del tema de Toots & The Maytals 

"Desmond Dekker came first"





Cuenta la leyenda que ni Coxsone Dodd de Studio One ni Duke Reid de Treasure Isle, los dos principales sellos de la música jamaiquina en los primeros años sesenta, se vieron interesados en el talento de Desmond Dekker. Sin embargo, Leslie Kong, al mando de la compañía Beverly's junto a su principal artista, Derrick Morgan, sí mostraron interés por este joven cantante de voz aflautada que pudo plasmar su arte en los primeros años del ska.  

En 1963 la canción "Honour Your Mother and Father" se volvió un hit  en Jamaica y lanzó su carrera. Otro de aquellos viejos éxitos fue "King of Ska", con el apoyo vocal de The Maytals, toda una declaración de principios que lo convirtieron definitivamente en una de las estrellas mas grandes de la isla.  Dekker sumó a sus 4 hermanos Carl, Patrick, Clive y Barry como sus vocalistas estables para cantar junto a el, y se bautizaron “Desmond Dekker and The Aces”. El nuevo grupo grabó varios éxitos incluyendo "Parents", "Get Up Edina", "This Woman" y "Mount Zion".

Como tantas veces se ha repetido en la historia de la música negra, la iglesia tiene presencia importante el el background de un cantante. De niño, el pequeño Desmond asistía a la iglesia local con su abuela y su tía. Además de su compromiso con la fe, disfrutaba mucho cantando himnos religiosos. 

"Catarsis Rocksteady"
libro del escritor español Lutxo Pérez es una fuente infalible para mi cuando de Rocksteady hablamos. Comparto una cita del libro referente a Dekker:

 "Por un lado, el nuevo compás que había asumido el ritmo, le ayudó a sacar sus registros mas soul. Por otro lado, los himnos rude boys de Derrick Morgan le impulsaron a abordar nuevas temáticas y asumir una actitud desafiante, diametralmente opuesta a aquella de “Honour your father and your mother”. Recién llegado el Rocksteady, Desmond Dekker entregó clásicos pandilleros del calibre de “007 (Shanty Town)”, “Rude Boy train” y la fantástica “Rudy got soul”. *

"007 (Shanty Town)" lo impuso como un icono rude boy en Jamaica y también se convirtió en uno de los favoritos en el Reino Unido, llegando al top 15 en los charts británicos. "Me sorprendió que “007” se convirtiera en un éxito en Inglaterra, declaró Dekker tiempo después "porque pensaba que la gente no entendería las letras. Iba sobre los problemas que estaba viviendo Jamaica durante esa época. Había revueltas estudiantiles y la policía y los soldados iban a disolverlas. Era como en las películas “007” y “Ocean’s eleven” pero creo que a la gente de Gran Bretaña le gustó la melodía aunque no entendieran de qué iba la canción” *

"Fu Man Chu" es otro gran monumento musical de la era rocksteady, con un aire absolutamente misterioso que culmina con un scat irresistible a cargo del cantante. En 1968 se editó "Israelites" y fue otra de las grandes canciones de su carrera, tanto en Gran Bretaña como en Estados Unidos. Dekker se convertía en el primer artista jamaiquino en tener un hit en USA con una forma y estilo puramente jamaiquinos. "Israelites" puede ser interpretada como canción de protesta que también fue un éxito en países tan diferentes como Suecia y Sudáfrica. Dekker explicó que muchos jamaiquinos se sentían como los israelitas, un pueblo condenado al exilio que soñaba con la tierra prometida. El tema volvería a ser éxito al reeditarse en 1975 y ser usada en cine, televisión y publicidad.

"Music Like Dirt (Intensified '68)" es otro de sus temas emblema, que ganó en 1968 el Jamaica Independence Festival Song Contest. A esta altura, Dekker editaba en su país y en forma simultánea en el Reino Unido. En 1970 Dekker lanzó su propia versión de "You Can Get It If You Really Want", de Jimmy Cliff, por expreso pedido de Leslie Kong. La versión usa la misma pista instrumental que la original de Cliff y, por supuesto, también fue un éxito.

Como recomendó Lutxo en "Catarsis Rocksteady" para conocer la obra de Desmoind Dekker, deberíamos escuchar  “Rudy got soul: The Early Beverly’s sessions /1963 – 1968” una antología de toda su obra durante las eras del ska y del rocksteady. Así que, no lo dudes y Escuchate Esto!  


* Catarsis Rocksteady. La edad dorada de la música jamaiquina, una crónica sentimental / Pérez, Lutxo / 2014 / ISBN: 978-84-616-4364-6 / Editorial: 33Series Ediciones

martes, 3 de octubre de 2017

Ayer tuve el gusto de participar del programa de radio La Lupa Bla BLa que sale al aire en la FM de la UNGS de Buenos Aires hablando un poco acerca de la serie The Blues, producida por Scorsese. 
Pueden acceder al audio haciendo click aquí

sábado, 9 de septiembre de 2017

“From Spirituals to Swing: An Evening of American Negro Music." – Varios Artistas – 1938 / 1939

“La música que será presentada en el programa de "From Spirituals to Swing" es muy poco escuchada, pero no por eso es rara, ya que América es rica gracias a ella. Grandes autores la han negado y hoy debe encontrar sus seguidores entre nuevos grupos libres de prejuicios. La música negra americana (American Negro music) ha crecido en una atmósfera de denigración, opresión, distorsión, y escaso entusiasmo.”
Pasaje del prologo del programa de “From Spirituals to Swing”, escrito por John Hammond, 1938.
John Hammond será recordado en la historia de la música como el descubridor y productor de artistas de la talla de Billie Holiday, Count Basie, Bob Dylan, Bruce Springsteen y Stevie Ray Vaughan, por solo nombrar algunos. Tuvo un papel importante en la organización de la banda de Benny Goodman al convencerlo de que contratara a músicos negros, incluyendo Charlie Christian, Teddy Wilson y Lionel Hampton. Pero sin dudas, “From Spirituals to Swing”, su producción de 1938 y 1939, fue su más grande aporte a la música popular americana. 
Big Bill Broonzy
Para 1938, los Estados Unidos aún no habían emergido del todo de la Gran Depresión. Además, la Segunda Guerra Mundial estaba a la vuelta de la esquina. En este contexto, el empresario de jazz John Hammond organizó un par de conciertos que abarcaron lo que el dió en llamar “La Música Que Nadie Conoce” –African-American blues, gospel, y jazz- presentada ante una audiencia integrada (blancos y negros) en una de las más prestigiosas salas de New York: El Carnegie Hall. El evento fue dedicado a la cantante Bessie Smith, quien había muerto un año antes en un accidente automovilístico en Virginia. Muchos de los artistas que se presentaban eran completamente nuevos para el público blanco que asistiría al concierto. Todos estos factores repercutieron en grandes dificultades para conseguir sponsors para la producción del show, pero Hammond siguió adelante y con el aporte económico del diario The New Masses y el Theater Arts Committee, ambas organizaciones abiertamente comunistas, el proyecto pudo concretarse. En su autobiografía,​ explica: "No oía ningún color en la música... Dar reconocimiento a la supremacía de los negros en el jazz era la forma más efectiva y constructiva de protesta social que podía pensar." Finalmente el primer concierto, acontecido en 1938 tuvo tanto éxito, que pudo repetirse un año después, y ambos fueron editados en 1959.
Basie y Jo Jones
John Hammond pudo reunir a los exponentes más finos del jazz del momento, junto con músicos de blues y gospel, mucho menos populares en la ciudad. La actuación de The Count Basie Orchestra es de lo mejor del evento, con la indestructible sección rítmica de Walter Page en contrabajo y Jo Jones en batería, más los solistas destacados Lester Young y Buck Clayton. Se trata de la mejor y más real versión que se puede encontrar de la Basie Orchestra en cualquier disco en vivo de la preguerra. Las perfomances vocales que se destacan son las de Ida Cox, Big Joe Turner, Helen Humes, y Jimmy Rushing, además de la cantante gospel Sister Rosetta Tharpe, pionera del R&B. La música de New Orleáns está representada por The Golden Gate Quartet y el pianista James P. Johnson.
Para el blues, Hammond buscó a Robert Johnson, pero ante la noticia de su muerte unos meses antes, debió reemplazarlo por Big Bill Broonzy (Sonny Terry es el otro blusero que participa). “From Spirituals to Swing” muestra a los bluseros como un estereotipo del músico negro del Sur, granjero y campesino. Por ejemplo, a Broonzy se lo presenta como un granjero de Arkansas que tuvo que comprar su primer par de zapatos para presentarse en el Carnegie. Broonzy en realidad era considerado uno de los más importantes bluesmen de Chicago en la década del 30, con varias grabaciones y fue en uno de los primeros en usar un pequeño grupo instrumental.

Charlie Christian
Combinaciones artísticas inusuales, convierten a este evento en algo único en la historia de la música. Por ejemplo, el cruce de los pianistas de boogie-woogie Meade Lux Lewis, Albert Ammons, y Pete Johnson; o los tres temas de The Kansas City Six, que cruzan por única vez en la historia al saxofonista Lester Young con el enorme Charlie Christian, precursor de la guitarra eléctrica. Christian también aparece junto a Lionel Hampton y al pianista Fletcher Henderson en una pequeña banda liderada por Benny Goodman, tocando clásicos como "I Got Rhythm", "Stompin' at the Savoy" y "Oh, Lady Be Good".
Gracias a la acústica natural de la sala y a la innovadora tecnología usada, el resultado sonoro es llamativamente bueno para un registro en vivo en esos años. La grabación fue editada en 1959, con anuncios falseados, grabados por Hammond, además de unos pocos tracks adiccionales grabados en estudio. El álbum fue reeditado en 3 CD en 1999.
Si bien el género preponderante es el Jazz, “From Spirituals to Swing” fue el primer puente entre el Jazz y el Blues en la historia. Además de las barreras raciales que se rompen, estamos ante una nueva legitimidad para la música negra. Y como si eso fuera poco, nos quedan casi 3 horas de música genial. Hoy día, en cualquier festival de jazz en el mundo, podemos escuchar blues, bebop, gospel, soul… podríamos hablar de “La Música que todos conocemos”. Y eso hay que agradecérselo en gran parte a John Hammond. Así que no lo dudes y Escuchate Esto!

Fuentes:
Lista de artistas:
23/12/38
The Count Basie Orchestra: Ed Lewis, Harry Edison, Buck Clayton, Shad Collins (trumpets); Dicky Wells, Dan Minor, Benny Morton (trombones); Earle Warren (alto sax); Herschel Evans, Lester Young (tenor sax, clarinet); Jack Washington (baritone sax, alto sax); Count Basie (piano); Freddie Green (guitar); Walter Page (bass); Jo Jones (drums)
Oran "Hot Lips" Page with the Count Basie Orchestra
Meade Lux Lewis
Albert Ammons
Pete Johnson
Joe Turner with Pete Johnson
Sister Rosetta Tharpe with Albert Ammons
Mitchell's Christian Singers: William Brown (1st tenor), Julius Davis (2nd tenor), Louis David (baritone), Sam Bryant (bass)
Big Bill Broonzy with Albert Ammons
Sonny Terry
James P. Johnson
Jimmy Rushing with the Count Basie Orchestra
The Kansas City Six: Buck Clayton, Lester Young, Leonard Ware (electric guitar), Freddie Green, Walter Page, Jo Jones
The Golden Gate Quartet: Willie Johnson (1st bass), Henry Owens (1st tenor), William Langford (2nd tenor), Orlandus Wilson (2nd bass)
24/12/39
The Benny Goodman Sextet: Benny Goodman (clarinet), Charlie Christian (electric guitar), Lionel Hampton (vibes), Fletcher Henderson (piano), Arthur Bernstein (bass), Nick Fatool (drums)
James P. Johnson
Ida Cox with Shad Collins, Dicky Wells, Buddy Tate (tenor sax), James P. Johnson, Freddie Green, Walter Page, Jo Jones
Big Bill Broonzy with Albert Ammons
Sonny Terry with Bull City Red
The Kansas City Six: Buck Clayton, Lester Young, Charlie Christian, Freddie Green, Walter Page, Jo Jones
Helen Humes with James P. Johnson and the Count Basie Orchestra: Ed Lewis, Harry Edison, Buck Clayton, Shad Collins, Dicky Wells, Dan Minor, Benny Morton, Earle Warren, Lester Young, Buddy Tate, Jack Washington, Count Basie, Freddie Green, Walter Page, Jo Jones
That's All - Sister Rosetta Tharpe & Albert Ammons 
ALBERT AMMONS - Chicago In Mind

viernes, 1 de septiembre de 2017

The Wire - HBO - 2008 / 2008

The Wire es una serie producida por HBO entre 2002 y 2008 cuya trama sucede en Baltimore. Más que eso. Baltimore es la verdadera protagonista de la serie. Trafico de drogas, interna policial y rosca política es lo que más se ve. Debajo de todo eso, están las relaciones humanas y es ahí donde la serie despliega todo su potencial. Muchos la consideran la mejor serie de toda la historia. Yo también.

Pero más que otra cosa, lo que me convoca a compartir The Wire en Escuchate Esto! es su banda sonora, que incluye The Blind Boys of Alabama, Tom Waits, The Neville Brothers o Solomon Burke, entre otros. El tema principal de la serie se llama "Way Down in the hole", un oscuro blues compuesto por Tom Waits, incluido en su disco "Frank's Wild years" del '87. En la primer temporada el tema lo interpretan The Blind Boys of Alabama, en la segunda se utiliza la versión original de Waits, variando el intérprete en cada temporada subsiguiente. Comparto con ustedes el soundtrack de las 5 temporadas y un informe pormenorizado de la serie extraído de la prestigiosa revista española Jot Down Magazine . "Imperdible" o "Imprescindible" suele ser una palabra muy usada para recomendar algo vía redes sociales últimamente. Esta vez no dudo en que así sea. 




sábado, 26 de agosto de 2017

Dynamite - Tommy McCook & The Supersonics

Como me pasa cada tanto, a través de Twitter suelo descubrir joyas musicales. Esta vez, fue Roger Rivas, tecladista de The Aggrolites, quien posteó un tema de Tommy McCook & The Supersonics, llamado Dynamite. Justamente, esa dinamita me voló la peluca. De inmediato, recordaba que en su libro Catarsis Rocksteady, el escritor español Lutxo Pérez, dedicaba algunos párrafos a McCook, así que, siguiendo la esencia de este blog, comparto ambos.




"La culpa fue de McCook"
"Tenía apellido pirata, así que tal vez estaba destinado a convertirse en uno de ellos. Tommy McCook (1927 – 1998) había vivido hasta los 6 años en su Habana natal y fue uno de los alumnos más célebres de la Alpha School de Kingston. Pero fue en un viaje a Miami, en 1954, el que alteró definitivamente su rico ADN sonoro. Allí escuchó por primera vez las notas del saxo de John Coltrane. Y que les voy a contar (…) Su arte también alumbró al joven McCook, cuyo amor por el jazz ha propiciado pasajes realmente memorables de la cosa jamaicana (desde los Skatalites hasta la esencial “Jamaica Bolero”).
"Tras liderar la banda de ska mas grande de todos los tiempos, el saxofonista fue pretendido por Coxsone y Duke. El cansancio de la vida en Studio One y las diferencias con sus viejos compañeros de andanzas le sumaron al clan de los piratas en 1965, justo un año después de que el Duque hubiera mandado construir su estudio (…) en la azotea de su tienda de licores. Allí fue encargado de liderar y conjuntar la banda residente, The Supersonics. Un nombre que, desde luego, les venía al pelo. Además de reforzar el carácter espacial de la aventura Rocksteady, lo de “supersónico” también daba cuenta de los reputados músicos que pasaron por sus filas."
"Entre ellos, conozcan los nombres de Vic Gordon, trombón; Herman Marquis, saxo alto, Lennox Brown, saxo; Baba Brooks, trompeta, Jackie Gordon, bajo; y Hugo Malcolm, batería. Además de ellos, sumen el trabajo del guitarrista, arreglista y prohombre Lynn Taitt, un fijo en las sesiones del Duque."
"(…) Emocionante como un rayo de sol que se mece en los pliegues del océano, el rocksteady de Tommy sabía a jazz y hablaba latino. Llevaba un parche en el ojo y un loro agarrado al hombro. McCook tenía apellido de pirata y se pasó media vida enterrando piedras preciosas en la arena. Su saxo tenor nos dejó antes del nuevo milenio por culpa de una neumonía, pero el brillo de sus gemas no dejará de lucir  nunca."

Catarsis Rocksteady. La edad dorada de la música jamaiquina, una crónica sentimental / Pérez, Lutxo / 2014 / ISBN: 978-84-616-4364-6 / Editorial: 33Series Ediciones




Este video pertenece a uno de los capítulos de la serie de documentales que hizo la BBC en los 80, llamada "Deep Roots Music". Son 7 en total y abarcan la historia de la música jamaiquina. 


martes, 1 de agosto de 2017

The Rolling Stones play Chuck Berry

La historia es harto conocida. En la estación de tren de Dartford, Keith Richards se acercó a Mick Jagger. La cara le sonaba del colegio. Le preguntó por los discos de Chuck Berry y Muddy Waters que llevaba bajo el brazo y se pusieron a hablar de blues. Ese fue el puntapié inicial para el nacimiento de The Rolling Stones. En marzo de este año, ante la noticia de la muerte de Chuck Berry, Keith Richards dijo “una de mis luces se apagó"; "es el fin de una era" opinó Ronnie Wood, mientras que Mick Jagger aseguró que "Chuck Berry dió vida a nuestros sueños de poder ser músicos de Rock & Roll.". Estas palabras tan sentidas, nos dan una dimensión de la importancia que tuvo el viejo pionero para la banda británica. Sin embargo, el legado musical de Berry, recae fundamentalmente sobre Richards. Hace poco, la revista Rolling Stone publicó una entrevista al viejo Keith, dedicada a su ídolo. Reproducimos en esta entrada algunos pasajes y de paso, compartimos una playlist con aquellos covers que los Rolling Stones han grabado, fundamentalmente en los años sesentas.

“Una vez vimos s Chuck Berry en New York. Al finalizar el show fui a los camarines y allí estaba su Gibson en el estuche. Por exclusivo interés profesional, agarré la guitarra y apenas pulse una cuerda, Chuck me dió una trompada en el ojo izquierdo. Con el tiempo me dí cuenta de que el error fue mío y que yo hubiera hecho lo mismo.” 

“Chuck es como un abuelo para todos nosotros. Aunque seas un guitarrista que no lo nombrarías entre tus influencias, su legado seguro puede ser encontrado entre tus referentes. El es la pura esencia del rock & roll. La forma en que se movía, como manejaba el ritmo era místico y algo que merecía la pena ser contemplado. Usaba todo su brazo para tocar, su hombro y codo... (la mayoría de los guitarristas usan solo su muñeca) yo mismo sigo trabajando en usar el hombro un poco mas. Y su expresión…  la sonrisa de Chuck estaba siempre, no importaba lo que estuviera tocando.”

“Las letras de Chuck eran todo … cómo podes salir con algo como "Too Much Monkey Business"? "Jo Jo Gunne," "School Days," "Back in the U.S.A."?! y "Memphis, Tennessee" !? Es perfecta! Tiene una belleza propia, una ternura. Y la secuencia de acordes, hermosamente tocada, la batería es maravillosa. Y todo en 2 minutos y medio. Su música es interesante para tocar porque no es tan simple como parece y también tiene que ver con cuán interesante la haces parecer vos. El ritmo y el swing que le ponía Chuck le daba un sabor diferente, ese es el significado del rock & roll: es elástico, cada uno le pone lo suyo. Cuando los Stones tocaban en clubes, era básicamente Chuck y el blues – lo cual para mi no es diferente! Nos encantaba tocar "Around and Around."

“Hay un periodo de oro de Chuck, sus años de Chess, allí hizo sus mejores discos, con los mejores músicos, con Willie Dixon detrás. Siempre pienso en el término “exuberante" cuando escucho aquellos discos, era exuberante de principio a fin – la producción, el sonido, la energía que tenían. En sus discos posteriores, siempre lo escuché como buscando algo. Y la prisión no lo ayudó en absoluto. Cuando salió, era una hombre diferente.”

“Era increíblemente versátil para la música. Podía tocar cualquier cosa, guitarra como los viejos jazzeros,– Charlie Christian, y definitivamente T-Bone Walker con ese trabajo de la doble cuerda tan importante. Era un gran fan del Nat King Cole Trio. El escuchaba de todo, le gustaba la música country también. Su música es una increíble mezcla americana. También hay música española, bayou y pantano de New Orleáns.”

“En 1986, cuando hicimos “Hail! Hail! Rock 'n' Roll”, me mudé a su casa por algunas semanas. Fue como un sueño hecho realidad… estoy viviendo en la casa de Check Berry, armando una banda con el! Steve Jordan, Chuck Leavell y Joey Spampinato también estaban, y cada día era una aventura diferente. Una noche me desperté y lo encontré con una enorme máquina limpiando las alfombras "Alguien lo tiene que hacer! "

La escena de “Carol” en la película era una especie de juego hacia mi, me estaba tomando el pelo. Es cierto, me esta corrigiendo, pero se puede tocar levemente diferente cada vez. Yo pensé "Bueno, le mostraré que tan estoico puedo ser en ocasiones como esta!” 

“Cuando me llamaron para darme la noticia de su fallecimiento, no fue un shock total e inesperado, pero tuve una sensación extraña, y me hizo volver al día que Buddy Holly murió. Estaba en el colegio y el rumor empezó a propagarse. Toda la clase dio este gemido de terror. Esta vez fue la misma sensación en los intestinos. Me pegó más fuerte de lo que creía.”

Entrevista por Patrick Doyle para Rolling Stone


Playlist

Aunque algunas de las composiciones no son originales de Chuck Berry, los Rolling Stones usaron sus versiones como referencia principal. 

Come On
Carol
Confessin’ the blues (MacShannan, Brown)
Around and around
You can’t catch me
Route 66 (Troup)
Talkin’ ‘bout you (Ray Charles)
Down the road apiece (Don Rae)
Don’t lie to me (original de Tampa Red, luego modificada por Fats Domino)
Bye Bye Johhny
Let it Rock
Little Queenie
Sweet Little Sixteen




domingo, 16 de julio de 2017

La música de Chuck Berry

"Mi música es simple. Yo quería tocar blues pero no era lo suficientemente "blue", digamos, como Muddy Waters. Gente que realmente la había pasado mal. En mi casa había comida en la mesa. Entonces me concentre en hacer música divertida, autos, chicas, adolescentes, discos que los blancos pudieran comprar. Ese era mi objetivo: mirar en mi cuenta bancaria y ver un millón de dólares"

Chuck Berry, Revista Rolling Stone, 2001




  

domingo, 2 de julio de 2017

Janis Joplin, Otis Redding y Jimi Hendrix - Monterey International Pop Festival – 1967

El Monterey International Pop Festival fue un encuentro icónico para la cultura joven de los sesentas. Entre sus estrellas consagradas podemos mencionar a Jefferson Airplane, The Mamas & the Papas y The Who. En junio se cumplen 50 años de este festival que quedó en la historia como el padre de todos los festivales de rock y aprovechamos para repasar cómo Janis Joplin, Otis Redding y Jimi Hendrix, fueron catapultados a audiencias masivas gracias a este evento. 

Janis Joplin había empezado como cantante de blues y folk acústica en bares y tugurios ruteros, pero su carrera tomó otro impulso cuando se unió como cantante por primera vez en su vida a una banda con guitarras eléctricas: “Big Brother and the Holding Company”. Esta combinación de rock psicodélico y blues le sentó a la perfección. Aún así, ni el grupo (ni su cantante) habían sido visto aún por grandes audiencias ni managers importantes. De hecho en el afiche del festival aparece anunciado en letra muy pequeña y solo como “Big Brother…”. El show que dieron el viernes al inicio del festival, fue tan poderoso que fue necesario repetirlo para que D.A. Pennebaker, el documentalista a cargo del registro de los shows, pudiera filmarlo e incluirlo en la película oficial del film. Para eso, volvieron a tocar el sábado y el resultado fue igual o más impactante. Janis Joplin, con solo 24 años, muestra una voz y una interpretación poderosísimas. El renombrado manager Albert Grossman firmó con la banda de inmediato, lo que derivó en un posterior disco para Columbia Records. En breve fue evidente que Janis Joplin estaba a otro nivel que los Big Brother, y dejó la banda un año después. Pueden leer la review de su disco I Got Dem Ol' Kozmic Blues Again Mama de 1969, de Escuchate Esto! 

Janis en Monterey

Gracias a The Rolling Stones, The Beatles u otras bandas británicas, los artistas negros eran muy bien recibidos en Inglaterra y Europa. Pero era en su tierra donde tenían que trabajar a esas audiencias rockeras. Ya hemos mencionado elpaso de Otis Redding por el Whisky A Go Go como primer acercamiento a un pùblico mayoritariamente blanco. También realizaba conciertos en fiestas universitarias, pero no alcanzaba. Por eso, la importancia capital de Monterey. No solo por el público, sino también por la prensa y gente de la industria que asistió al festival. Otis Redding se enfrentó a un público casi totalmente ajeno a su música. Aún así, tomó el control del show. En la actualidad solo puedo pensar en una sola banda con las herramientas y la fuerza necesarias para hacer algo así y conquistar por entero al público: Vintage Trouble (lo vi con mis propios ojos en Lollapalooza Arg). Volviendo a Otis Redding, la forma en que maneja a la audiencia es magistral. Redding sacudió a Monterrey, pero el festival y todo su ambiente también influyeron en él. En su modo de componer, aparecía un nuevo estilo, nuevos arreglos, y (Sittin’ on the) Dock ofthe Bay, su mayor éxito, editado en forma póstuma, es un claro ejemplo de ello

Otis en Monterey


Ya hemos hablado del Hendrix del chitlin circuitLa carrera solista de Jimi Hendrix, sin embargo, empezó en 1966 cuando se cruzó con el manager Chass Chandler y formó “Experience” con Noel Redding y Mitch Mitchell. Tuvieron mucho éxito en Londres, en mayo del 67 se editó su primer disco, Are You Experienced. Todo estaba bien, pero Hendrix y su banda necesitaban hacerse un nombre en Estados Unidos. Y gracias a Paul MacCartney, muy ligado a la organización de Monterrey, Hendrix integró la grilla de artistas. Casi nadie imaginaba que el trío sería tan explosivo. La banda fue presentada por Brian Jones, guitarrista de los Stones y tocaron canciones como ‘Foxy Lady’, ‘Like a Rolling Stone’, ‘Hey Joe’, ‘The Wind Cries Mary’ y ‘Purple Haze’. Hendrix desplegó todas su pirotécnica durante el show. Pero faltaba lo mejor. Eligieron el cover de ‘Wild Thing’ para cerrar y durante esa canción, Jimi Hendrix prendió fuego su Fender Stratocaster. Este es el momento más perfecto, mas icónico en toda la historia del rock. La foto tan célebre es de Ed Caraeff. Esa imagen hizo que todo Estados Unidos conociera a Jimi Hendrix. Nacía una leyenda…y una remera.

Jimi en Monterey

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