martes, 1 de octubre de 2019

La Larga y extraña historia de cómo China y el Reggae se unieron - Topic.com - por Krish Raghav

Últimamente twitter se está volviendo la principal fuente de información de este blog. Esta vez, gracias a un tweet de El Corrector, descubrí la publicación de un cómic que contaba la sorprendente historia de la inmigración china a Jamaica, su influencia en el nacimiento del rocksteady, reggae en los 1960s y ’70s. La revista Topic ha publicado un fabuloso comic sobre “La Larga y extraña historia de cómo China y el Reggae se unieron” publicada en su edición de junio, destinada totalmente a la músicaEl cómic, creado por el artista de Beijing Krish Raghav, inicia su linea de tiempo en los primeros migrantes chinos que llegaron a Jamaica, hasta llegar a la escena reggae actual en la provincia de Yunnan, sudeste de China. El comic se puede disfrutar junto con algunos tracks. En esta entrada de Escuchate Esto! traduzco el texto al castellano. 


En 1967 el cantante Stephen Cheng, nacido en Shangai viajó a Jamaica para grabar una canción. 
Su colaborador: Byron Lee, un carismático productor y músico Jamaiquino-Chino. Cheng eligió cantar una vieja canción folclórica taiwanesa y Lee proveyó el backbeat. Lee utilizó un nuevo e idiosincrático estilo jamaiquino llamado rocksteday que en dos años mas, mutaría en reggae. Fue un momento singular, un encuentro de dos mundos. Es este track de 2;48 de duración, había casi 200 años de historia. (Always Together / Una canción de amor china). La intimidad entre dos culturas distantes. La larga, extraña historia de cómo China y el reggae se unieron es destacable, y uno de los posibles inicios es este, con esta chispa de hogar y añoranza.



Parte 1: Kingston, Jamaica
La Kingston de los 60 era un mosaico desenfrenado de sonidos y culturas. En 1962 Jamaica se volvió una nación independiente y su jubiloso pueblo marchaba valientemente hacia el futuro. Los himnos de la Independencia de Jamaica estaban en todos lados, en las radios, en las calles. Usaron los nuevos ritmos -ska, rocksteady y eventualmente reggae- que vendrían a definir la cultura de la isla. Pero menos conocido fue el rol integral que los Chino-Jamaiquinos habían tomado en la producción de esas canciones: Leslie Kong, Patricia y Vincent Chin, Tom Wong, Herman Chin-Loy.
Los primeros migrantes Chinos a Jamaica fueron "coolies" que arribaron a mediados de la década de 1850 traídos o secuestrados del Sur de China por los británicos para ser trabajadores contratados en las plantaciones del Caribe. "Coolie" fue un término que significaba "cargadrores". Una hipocresía colonia, dice la académica Lisa Lowe para "oscurecer el límite entre esclavitud y libertad". Esta ambigüedad se convirtió en una realidad vivida. Como una comunidad, los trabajadores chinos fueron tanto integrados, como segregados. Innegablemente Jamaiquinos, aún así visiblemente chinos. Pero en los 1960s, trabajando como mercaderes o empresarios, los Chino-Jamaiquios estaban listos para convertirse en facilitadores vitales de la floreciente escena musical.



El Reggae, una creación de los artistas negros de Jamaica fue un movimiento multicultural desde su origen, infundido con un mensaje de cambio social que vino de la mano con la religión Rastafari. Chino-Jamaiquinos, como Vincent y Patricia Chin, crearon estudios donde estrellas como Bob Marley y Lee "Scratch" Perry grabaron tracks en 1970 y 1971. En 1979 los Chinos se expandieron hacia las ventas, con una tienda en New York, lo que ayudó a expandir el sonido del reggae a Estados Unidos. Y de ahí, se expandió al mundo. 



Parte 2: Beijing, China

El Reggae y sus derivados, el dancehall y el dub, fueron sucesos mundiales en los 70 y en los 80, encontrando en la figura de Bob Marley como punta de lanza. La primera canción de Marley, "Judge Not", había sido producida por Leslie Kong. Pero este sonido nunca volvió a China, que se mantenía cerrada a cualquier influencia cultural hasta fines de los 70. En 1978, una serie de reformas empezaron a abrir a China hacia el mundo y la música extranjera empezó a llegar a las ciudades, a través de de cintas, tv y programas de radio. Una nueva generación crecía y sus músicos buscaban un idioma propio. Las palabras, los sonidos y el poder del reggae los llamaba. A fines de los 80 y principios de los 90, dos de las estrellas mas grandes de rock de China, tuvieron su momento reggae, usando tanto el sonido como en mensaje de Cambio social como vehículo para dos de sus canciones mas abiertamente políticas: Ciu Jan, "Do it all over again (1989); Zhang Chu, "The Ant" (1993). 




A mediados de los 90 una gran influencia de música occidental comenzó a aparecer en las ciudades chinas. También llegaron los excedentes de producción de casetes no vendidos por las discográficas occidentales, tajeados para evitar su reventa. Esta destrucción parcial de los casetes no evitó que prosperase un mercado negro de música "dakou" (tajeada). Cientos de tiendas dakou se stockearon de cintas de rock alternativo, pop y mucho reggae. El dakou hizo que los jóvenes chinos reconocieran el reggae y la imagen de Bob Marley se volviera común en ciudades como Beijing e inspiró a mucha gente a agarrar una guitarra. 
Para principios de los 2000, el reggae era un fenómeno cultural y musical en China. Había bares temáticos de reggae y festivales en todo el país. Pero sin el suelo jamaiquino y la vibra de los rastas, se sentía como una apropiación vacía del reggae roots. Pero aún como una pálida imitación o un consumismo kitsch, el Reggae se infiltró en China en muchos de sus nichos musicales. Podría su mensaje de apertura radical y resistencia pacífica seguir el juego? 

Parte 3: Yunnan, China



Mientras que la cultura dakou se expandía por todo el país a principios de los 2000, nueva generación de músicos descubría el vinculo chino del reggae y reinterpretándolo según su situación particular. Nuevas tribus reggae llenaban la escena de la provincia China de Yunnan,, en donde se convirtió nen la voz de las minorías étnicas en la china dominada por los Han (grupo étnico cultural). Bandas como SanDuoJiao y Kawa, descubrieron el reggae en la era del dakou. 
"Cuando escuché por primera vez Trench Town Rock de Marley, hubo... una vibración, una resonancia." Lao Hei, guitarrista de Kawa. Encontraron en el reggae un ritmo que le podí poner voz a las historias de sus comunidades y su gente. La mayoría de los miembros de Kawa son del pueblo Wa, cuyos hogares se extienden mas allá de China, a Myanman. "Nuestras canciones hablan de la naturaleza y los ritmos de nuestra comunidad". Su reggae, una ingeniosa fusión de folclore Wa e instrumentación roots es algo sorprendentemente nuevo.
Desde el punto de vista del rastafarismo, el opresor es Babilonia, que niega la llegada de la utopía de Zion. Kawa ha trabajado este puto de vista hacia la mismísima mitolgía Wa: Beijing como Babylon  

Kawa corporizó la resistencia en su calmada vida , en su amable retirada de la vida rutinaria y en su forma de vestir.Como los rastas, ellos representan la forma completa del estilo de vida alternativo que ignora las expectativas sociales dominantes en China, como perseguir ganancias materiales. La resistencia se extiende a su música, que se revela en alegre subversión. El producto de esta fusión no es una apropiación sin raíces, sino una reinterpretación del alma del reggae.


"Los wa no tienen un lenguaje escrito en forma sistemática... Entonces esta es nuestra forma de pasar la antorcha". Una significativa negativa a la sociedad que les ha sido ofrecida. Un viejo mundo, en la cáscara de uno nuevo. En chino, "reggae" se traduce como "la música del demonio del trueno". Los Kawa también ven algunas de sus canciones como un "despertar" de los espíritus. Resistencia. Negativa. Despertar.

Lo que Kawa toca es una de las cosas mas curiosas. Música de protesta que prospera extrañamente en la China de hoy. Además, son maestros del folclore Wa, enseñando sus modos de vida. 


El Reggae siempre ha tenido que ver tanto con un mensaje de cambio social, como de transformación personal. Lo espiritual y lo político, enroscados en un riddim trascendental. Su historia, de migración, de identidad compartida, lucha colonial, es una mitología poderosa. Una que Kawa tomó y de la cual se apropió. Lo que hoy tienen para ofrecer es lo que la historia de China y del reggae siempre han representado, empezando en Cheng y Byron Lee en 1967...Un anhelo. Un momento de libertad. Vislumbrando a Zion.  





Fuentes: 
https://twitter.com/krishraghav
Topic
https://radiichina.com



viernes, 6 de septiembre de 2019

A Common Wonder - Stevie Wonder / Common - 2017

Con su ultimo proyecto del Soul Mates Project, titulado “A Common Wonder,” el productor y dj Amerigo Gazaway da vida a una sesión de estudio soñada entre el principe del Hip Hop de Chicago, Common Sense, y la leyenda de Motown, Stevie Wonder. Descubrí hace poco este disco y desde la primera escucha sentí que es algo tan bien logrado que maximiza la obra de Stevie Wonder y sirve para revisitarla desde otro lugar. Traduzco y comparto textualmente los textos originales del sitio oficial (con data muy nerd) y recomiendo visitar la web, descargar el disco en forma gratuita y disfrutar de esta maravilla.

Como dice Gazaway: 
“El uso de sintetizadores, samplers y máquinas de ritmo de Stevie Wonder, en muchos sentidos, pavimentó el camino para el hip-hop y el sampling. Parte de mi motivación par este proyecto fue poner el foco en esa contribución.” Arrancando desde el single de 2016 “Black America Again,” de Common y Stevie, Amerigo imagina y crea esta sesión con muchos recursos (capas de instrumentos, audio de entrevistas). Construyendo nuevos arreglos y deconstruyendo samples, el productor hace interactuar a ambos artistas en un proyecto que camina por la cornisa entre un “mashup” y un disco actual de duetos.

Transcribimos las liner notes del disco por Amerigo Gazaway

1. Intro Theme (I Wonder): El álbum empieza con una pregunta, un juego de palabras con el título “A Common Wonder: Me pregunto porqué el mundo es tan frío?”.  Si escuchas con detenimiento, te vas a dar cuenta que Common y Stevie se hacen las mismas preguntas en su música. También incluí un sample de Stevie recitando la letra de su canción “Visions”, en la que se hace otra pregunta: “Can a place like this exist so beautiful? Or do we have to take our wings and fly away to the visions in our mind”. Para mi, esto representa un lugar donde cualquier cosa es posible; un lugar en donde Common y Stevie colaboran en un álbum completo. (Para mas “preguntas”, vean “The Questions, de Common feat. Mos Def”)


2. I Was Made to Love H.E.R. Este es uno de los primeros tracks que hice para este proyecto. Tiene esa cálida vibra veraniega, además de paralelismos entre las letras de Stevie y las de Common. Muchos raperos han intentado la misma fórmula pero, en mi opinión, “I Used to Love Her” de Common fue (y sigue siendo) el molde para la perfecta canción de amor hip hop. 

3. Living For The Chi-City: Tuve acceso a las pistas multitracks originales de esta canción (batería, bajo, teclados, sintetizador, etc), lo que lo hizo mucho mas interesante. Para los versos, sin embargo, saqué casi todos los samples y grabé bajo, guitarra y teclados. Para la sección rítmica, usé muchas capas. Siento que el bajo sintetizado de Stevie y el ritmo agresivo de Common, fluyen de manera hermosa. 

4. Resurrection to Higher Ground: Para este track, realmente quise hacer una conexión entre “Resurrection” de Common y “Higher Ground” de Stevie (que es esencialmente una canción sobre la reencarnación). El beat esta sampleado de otro track de Stevie, pero rocié durante el tema una parte acapella de “Higher Ground” : “Let me try it again, Let-Let me try it again”. En el final, dejé el sample original (del pianista de jazz) Ahmad Jamal (porque está buenísimo). 

5. Bad Girl feat. Kanye West: Amo este tema. Es de la época en que Stevie empezó a incorporar sintetizadores en su música. Es muy funky y suave al mismo tiempo. Además Kanye y Common tienen una química musical innegable. Hay muchas otras juntadas de Common y Kanye que hubiese querido incluir en el álbum, pero no hay lugar para tanto Kanye.
6. The Sixth Superstition: Este creo que es el segundo track que hice. Incorpora multitracks (bajo, vientos, clavinet, synth vocals, etc) de “Superstition”, “Higher Ground” y “I Wish”. Amo escuchar a Stevie uniendo sintes con lineas de bajo, teclados y otros instrumentos, sobre todo el clavinet. Muy copado como termina siendo el tema 6 del disco... No había pensado eso hasta ahora. 

7. Innervision Intermission: El sample vocal es de una entrevista que Common hizo en el Rap Radar podcast donde habló sobre su colaboración con Stevie en la vida real. Mi socio creativo, Rickey, me mandó el link hace un tiempo para tal vez incluirlo en alguna parte del pero no estaba seguro dónde. Un día, me puse a jugar con este breakbeat (de la serie “Cracker Beats”) y encontré el que samplea “Hey Love” de Stevie y “Impeach The President” de The Honeydrippers. Me pareció perfecto. 

8. Sugar By The Pound: “Soul By the Pound” fue el single del álbum debut de Common “Can I Borrow A Dollar” aunque para esta versión usé las voces de “Thump Mix”, que es un poco diferente del original. Esa es la versión que crecí escuchando, y por alguna razón siempre me ha gustado un poco mas que la original publicada en el disco. 

9. For Once In My Life feat. Erykah Badu: Quería incluir a Erykah en algún lugar del proyecto y este parecía ser un gran lugar para hacerlo. Dato divertido: La batería esta sampleada de la intro de Amy Winehouse’s – “You Know I’m No Good”. Y si, ese es el legendario Chuck D en el final.
10. Like They Used to Say: Ah, Sir Duke. También tuve los multitracks originales acá, lo que me permitió recortar y rearreglar muchas cosas (teclas, vientos, guitarra, etc). Al final, se escucha un tema de jazz mientras ellos hablan. Es un tema de Duke Ellington titulado “Stevie”.

11. God Bless the Freestyle (Interlude): Este era un beat/interludio de Stevie Wonder que hice hace bastante y recordé que lo tenía. No pude encontrar un acapella adecuado para este, así que le tiré el sample de Common haciendo freestyle.

12. The Light (I’m Yours) feat. Bobby Caldwell: Este fue uno de los primeros. Estaba escuchando la versión original de “The Light” de Common y en cuanto lo escuché cantar “signed, sealed, delivered for us to grow together”… ahí es cuando supe qué había que hacer. Es Stevie tocando batería en este tema, pero lo saqué de otro. Pueden adivinar cuál es? 

13. Southside feat. Kanye West: Common y Kanye son todo en este tema. 

14. Pop’s Rap feat. Lonnie Lynn Sr.: Muchos de los discos de Common tienen a su padre, Lonnie Lynn Sr., hablando/rapeando en los finales, y este álbum no es la excepción. El sample es de una versión en vivo de Visions de Stevie Wonder, pero jugué un poco con el pitch y la transportación. También un par de breakbeats acelerados para darle una onda drum & bass. Me hace acordar a "Umi Says" de Mos Def o el final de "You Got me" de The Roots’ (en donde la batería de Questlove’s se acelera tanto al final que llega a doblar el tempo). 

*15. The Sixth Wonder (Bonus Track): Este gancho lo saqué de “So What The Fuss”, de Stevie Wonder, que originalmente tenía a Prince en guitarra. 




Fuentes: http://amerigomusic.com/2017/08/11/common-wonder-liner-notes/
http://amerigomusic.com/2017/08/08/common-wonder-album/

Credits
Soul Mates Records 2017
Produced by Amerigo Gazaway
Executive Producer: Rickey Mindlin 
Common: vocals/lyrics
Stevie Wonder: vocals/lyrics, instruments 
Amerigo Gazaway: sampler, bass, guitar, keys, synth, turntables 
DIY acapellas created by The Goodwill Projects

viernes, 30 de agosto de 2019

The Blues Brothers - John Landis - 1980


El 16 de Agosto se cumplió un año del fallecimiento de Aretha. Como excusa comparto la charla que tuve con los amigos de La Lupa Bla Bla, FM de la UNGS, sobre cine de culto, The Blues Brothers y Aretha Franklin. Se scucha aquí! 

martes, 20 de agosto de 2019

1959: El año que cambió el Jazz

1959 fue un año bisagra para el jazz con la edición de 4 varios discos fudamentales, “Kind of Blue”, “Time Out”, “Giant Steps”, entre otros. Te presentamos el documental que devela su vital importancia.
Extraído del site Depóstito Sonoro 





1959 fue un año trascendental para el jazz, cuando la complejidad del bebop dio paso a nuevas formas, otorgando a los músicos una libertad sin precedentes para explorar y expresarse. Fue también un año clave para Estados Unidos, en términos del movimientos por los derechos sociales, con el jazz como fondo urbano que no escapaba a esta realidad

Ese año se editaron cuatro grandes discos: “Kind of Blue”, de Miles Davis, “Time Out”, de Dave Brubeck, “Mingus Ah Um”, de Charles Mingus, y “The Shape of Jazz to Come”, de Ornette Coleman. Raras imágenes de archivo y de actuaciones en vivo contribuyen a revivir la época y a develar la importancia vital de estos discos en 1959 y su influencia posterior.



Otros lanzamientos fundamentales de 1959, dos de ellos, desprendimientos de "Kind of Blue":

'Giant Steps' - 
JOHN COLTRANE
Como si 'Kind of Blue' hubiera hechizado a Coltrane (1926-1967), dos semanas después de grabar con Davis el saxofonista entró al estudio y en dos días salió con un álbum que significó un «paso de gigante», como indica su título. En este disco se perfila lo que más tarde sería conocido como «las sábanas de sonido», y que le liberaría en la improvisación hasta desconocer los límites temporales. 

'Portrait in Jazz' - 
BILL EVANS
Y ocho meses después de 'Kind of Blue', Bill EVans salió con un álbum influyente y definitivo para todo pianista de jazz y del formato del trío. Con Scott LaFaro en contrabajo y Paul Motian en batería. 

Fuentes:
https://twitter.com/DepositoSonoro
https://depositosonoro.com/2019/08/18/mira-el-documental-1959-el-ano-que-cambio-el-jazz/
https://www.larioja.com/culturas/musica/jazz-sacudio-mundo-20190818165004-ntrc_amp.html?__twitter_impression=true
🎬

viernes, 2 de agosto de 2019

Blue Note y la concepción gráfica del Jazz

Las portadas de Blue Note son un verdadero ícono gráfico y referencia ineludible en la historia del arte de la industria discográfica y mas allá. Comparto algunos pasajes de la nota de Victoria Gee para Cryptamag en donde explica la génesis y la importancia de la identidad gráfica del legendario sello de jazz.

Blue Note ha sido tan imitado musicalmente como en lo que respecta al estilo estético-artístico de sus portadas y packaging. La distinción de sus portadas es mundialmente conocida, siendo una importante fuente de inspiración para posteriores corrientes dentro del diseño gráfico. Las portadas más famosas del sello en su mayoría fueron trabajadas por Reid Miles en la maquetación e ilustración y Francis Wolff como ojo fotográfico. Pero, también hubo otros pioneros olvidados que pusieron su granito de arena en la ilustración del sello. Paul Bacon diseñó portadas de discos como “Milt Jackson: Wizard of theVibes” (1952). Uno de los talentos de Bacon fue el de utilizar de forma ingeniosa y llamativa la fuente. Este era el comienzo de lo que sería uno de los puntos fuertes en el diseño de Blue Note: la tipografía. 



El segundo diseñador que colaboró con Blue Note fue Gil Mellé. Diseñó las portadas de los discos de su propio cuarteto y también trabajó para Prestige Records. En 1953 John Hermansader ilustró los primeros discos de Modern Jazz Series creando un estilo muy particular jugando con siluetas ondulantes y recortes tipo collage. Blancos y negros, tipografías dispares, tintados azules, tintados rojos son algunos de los signos que caracterizan el estilo de Blue Note. El diseño vanguardista de sus portadas rompió los esquemas estéticos de la época. Reid Miles introdujo numerosos elementos rompedores que definieron la identidad del sello e incluso la concepción gráfica del jazz.

Diseño gráfico y fotografía eran magistralmente combinados de forma que la portada resultante fuera un trabajo totalmente compacto y con un solo concepto apegado a la composición musical.

Una de las cosas que hacían especiales las portadas era la colaboración de Francis Wolff y su manera de trabajar la fotografía. El hecho de captar imágenes durante los ensayos, hacía que esa atmósfera ferviente de improvisación y espontaneidad se reflejara a la perfección en los negativos. Todo aquello se salía del modelo de portada establecido anteriormente por otras discográficas y por lo que entonces dominaba en el mercado musical. Figuras estáticas, poses rígidas y sin alma abundaban en la escena. Productos casi manufacturados y sin ninguna sensibilidad artística, por no hablar del componente racista de las productoras. Blue Note al contrario, cerraba el concepto musical con la portada adecuada, por lo que nada era casualidad.

Ciertamente el eje que hacía girar el trabajo gráfico de la discográfica, era la perfecta compenetración entre el fotógrafo y el diseñador. Francis Wolff y Reid Miles constituyeron uno de esos binomios míticos. 
El estilo de Reid radicaba en la forma en la que combinaba los elementos gráficos. Supo introducir la fotografía en un género musical dominado por ilustraciones. Pero cuando la tecnología mejoró y se posibilitaron las impresiones de fotografía a color por un precio asequible, la ilustración cayó en picada. Lo que el público quería ver era la imagen del artista. Blue Note, supo captar algunos elementos del diseño gráfico (especialmente la tipografía) y lo mejor de la fotografía. Aunque actualmente podamos reconocer y captar al instante la originalidad del estilo de Miles y Wolff, tardaron una década en establecerse como estándar frente a lo que se hacía a su alrededor.
Una de las anécdotas que más llama la atención, es que en sus primeros años la discográfica disponía de un presupuesto bastante bajo para la producción de sus diseños, y lo que más económico resultaba eran los tintados de blanco y negro en colores primarios como el cian, amarillo y magenta (y sus respectivas mezclas), un recurso bastante original que acabó convirtiéndose en una técnica característica del sello, siendo ni más ni menos que la pura adaptación de un artista con ingenio a una situación precaria. Las fotografías de Wolf retratan el ambiente en el que los músicos se movían día a día. Cubría casi todos los ensayos y sesiones de grabación para el material publicitario, aún hoy en día ese mismo material sigue ilustrando los libretos de las reediciones.  Si bien Blue Note era la discográfica dominante en la Costa Este durante los ‘50 y ’60, en lo que respecta a lo gráfico, Prestige y Riverside también ofrecían trabajos bastante interesantes a la industria en una línea parecida a la de Blue Note. 




El estilo artístico de Blue Note ha significado tanto para la historia del diseño de portadas que varios artistas han querido rendir homenaje a la famosa discográfica, como el Wu-Note Project en el que se reinventan las portadas de Wu-Tang Clan al más puro estilo Blue Note.

Podes ver las portadas de Blue Note en este link: http://www.birkajazz.com/archive/blueNote1500.htm

Fuentes:
http://www.cryptamag.es/blue-note-y-la-concepcion-grafica-del-jazz/

martes, 30 de julio de 2019

RIP Art Neville - 1937 - 2019

Art “Poppa Funk” Neville pasó mas de medio siglo dando forma al sonido de New Orleans. El tecladista y cantante fue miembro fundador de The Meters y The Neville Brothers, y fue la voz del himno “Mardi Gras Mambo.” El 2019 es un año complicado para los teclados de New Orleans, con los fallecimentos de Dr. John, Dave Bartholomew y Art Neville, quien falleció el 22 de julio a los 81 años.  


Arthur Lanon Neville nació el 17 de diciembre de 1937. Influido por The Orioles, The Drifters y otros grupos de doo-wop, así como también por el piano de Professor Longhair y Fats Domino, a los 17 fue la voz principal de la versión de 
The Hawketts “Mardi Gras Mambo.”, uno de los clásicos de los carnavales de New Orleans, que siguen sonando cada año. 


Entre fines de los 50 y principios de los 60 grabó muchos singles clásicos de rhythm & blues, como "Cha Dooky Doo" y "All These Things,". Tuvo su propio grupo a mediados de los 60: Art Neville & The Neville Sounds. Participó como músico residente en la banda de Allain Toussaint. Para 1968 se rebautizaron The Meters editando material propio: Art Neville, organo y teclados; Ziggy Modeliste, batería; Leo Nocentelli, guitarra y voz; George Porter, Jr, bajo... The Meters crearon un molde para la música que vendría en New Orleans. Cyril Neville se unió como percusionista y en los setenta giraron con los Rolling Stones y participaron del disco en vivo de Paul McArtney "Venus and Mars" / The Meters (escuchar)


Los Meters se disolvieron pero Art y sus tres hermanos, junto con su tío, Big Chief George “Jolly” Landry, grabaron un disco en 1976: “The Wild Tchoupitoulas.” Nacía The Neville Brothers. Funk, rhythm & blues, Mardi Gras Indian music y soul, siempre con un sonido propio de la ciudad y de los Neville. El legado de los Neville Brothers sigue aún hoy con los herederos, hijos, sobrinos, nietos de los miembros originales. / The Neville Brothers (escuchar)


Fuente: Nola.com 


lunes, 1 de julio de 2019

The Aggrolites - Reggae Now! - 2019

Cuando uno es fanático de una banda, 8 años sin material nuevo puede ser mucho tiempo. Sin contar los 3 temas que subieron a bandcamp en 2015, The Aggrolites no producía material nuevo desde 2011. Pero aquí está finalmente, el álbum se llama Reggae Now! y viene a reafirmar que estamos ante la mejor banda de Rocksteady y Skinhead Regagge del mundo.

Reggae Now! es el sexto disco de The Aggrolites, fue grabado durante 2018, y es el primero lanzado bajo el sello Pirate Press Records. Escuchas "Pound For Pound“, el tema que abre el disco y listo, estás adentro, es indestructible. El agudo sonido del fill de redoblante, el fabuloso tono del órgano, y la voz poderosísima de Jesse Wagner hacen que The Aggrolites suene como un clásico Studio One de Jamaica.

"Say Or Do“, "Love Me Tonight“... Acaso hay otra banda en el mundo que haga rocksteady a la manera que sonaba en el '67, como lo hacen ellos? Lo dudo. “Groove Them Move Them,” con una melodía simple pero irresistible, celebra la música jamaiquina en general, habla de Bond Street, Orange Street, diferentes calles de Kingston que vieron el nacimiento del género, los estudios legendarios y de sus figura icónicas. Y este track tiene el ingrediente extra de las voces de Alex Désert y Deston Berry de Hepcat. Lo bueno de este disco es que encaja perfectamente en sus trabajos anteriores pero sin sonar redundante pero al mismo tiempo. Sus influencias están muy presentes, Alton Ellis, Toots & The Maytals, Desmond Dekker, Prince Buster. El tema "Hurry up" podría estar tranquilamente en cualquier colección de Trojan Records.Como dice Roger Rivas, tecladista de The Aggrolites, "la música jamaiquina de fines de los 60 es nuestra influencia principal, por eso encaramos los temas instrumentales con la misma importancia que los cantados." “Aggro Invasion”, por ejemplo, o "Western Taipan". Siempre pensé que si alguna vez Stax Records editara una banda de reagge o rocksteady, esa banda deberían ser The Aggrolites. Donde tantos otros suenan como simples copias, ellos tienen un ingrediente soul que trasciende lo meramente jamiquino"People Win" o "Why you Rat", son esos temas que los escuchas una vez y ya los estas cantando. Como dice Lynval Golding, cantante y guitarrista de The Specials, "Cuanto mas pasan los años, más clásicos y jamaiquinos suenan".

En este tiempo en que no editaron material nuevo, los miembros de la banda los pasaron grabando sus propias músicas solistas, produciendo bandas de la nueva generación de reggae de la Costa Oeste, sumándose a otras bandas como The Long Beach Dub Allstars, HepcatOtis - Stax inspired soul revue en proyectos paralelos propios, como JukeBox 101 o Happy Wags. Pero The Aggrolites no estuvieron desactivados del todo y realizaron algunas giras por Estados Unidos y Europa.
Todos estos años también los han ayudado a madurar y acrecentar su status como banda. A esta altura y en medio de la escena actual de Los Angeles, podrían ser considerados veteranos y clásicos y su #DirtyReggae ha influido en cientos de bandas. El cineasta y músico inglés Don Letts, dice que "el sonido análogo de Los Aggrolites lo podés escuchar en las viejas grabaciones jamaiquinas, capturan totalmente el sonido con el que crecí." 

Como dice Rivas, “REGGAE NOW! es un disco que lo podes dejar sonando de punta a punta, y tal vez no pase eso con ninguno de nuestros discos anteriores. Cada canción puede ser la favorita de alguien". Para cerrar esta entrada, vuelvo a citar a Lynval Golding desde la contratapa de Reggae Now!: "Este es EL disco, es hora de decirlo y el mundo lo aceptará sin lugar a dudas, estamos ante un clásico, un Campeón". Por eso, no lo dudes y Escuchate Esto! 




Fuentes:
larecord.com/


1 Pound For Pound

2 Say Or Do
3 Groove Them, Move Them
4 Jackpot
5 Hurry Up
6 Love Me Tonight
7 Western Taipan
8 People Win
9 Help Man
10 Invasion
11 Why You Rat
12 15 Or 50
13 Aggro Reggae Party
14 Shadow Walk

Vocals, Guitar – Jesse Wagner

Organ, Piano, mezcla – Roger Rivas
Bass – Jeff Roffredo
Drums – Alex McKenzie 
Guitar – Ricky Chacon