lunes, 8 de abril de 2019

Wayne Shorter - Speak no evil - 1964

A principios de su carrera, el saxofonista Wayne Shorter fue casi despreciado por muchos que lo consideraban un imitador de John Coltrane, alguien sin identidad propia. Pero en 1964 editó el impresionante "Ju Ju" y al año siguiente "Speak No Evil", que se transformaría en su obra maestra y cerraría definitivamente la boca de todos aquellos que lo llamaban imitador. 

Para toda aquella música que hoy nos suena tan digerida, hubo un "día uno", esa ocasión en la que alguien la escuchó por primera vez. Y es ahí en donde nos tenemos que situar; en los oídos y en la cabeza de aquellos primeros escuchas. A pesar de las escalas e intervalos complejos, el jazz experimental puede ser amigable, e incluso, fácil de cantar. Eso nos demuestra este álbum que Wayne Shorter grabó en la navidad de 1964 rodeado de auténticos próceres del jazz: Herbie Hancock en piano, Ron Carter en contrabajo, Elvin Jones en batería (cómo un músico puede ser tan sutil y tan explosivo a la vez?!) y Freddie Hubbard en trompeta, en quien Shorter encontraría en esta grabación a su socio ideal. 

Es difícil imaginar a un músico de jazz que haya tenido tanto éxito con tantas bandas y formaciones diferentes como Wayne Shorter: Art Blakey and the Jazz Messengers (1959-1964), el Quinteto de Miles Davis (1964-70) y Weather Report (1971-86), 27 años de brillo ininterrumpido. Y aún así, los discos solistas de Shorter también son obras altísimas y casi todas ellas fueron grabadas para Blue Note en el mismo período que Shorter estaba tocando con Miles Davis. Podríamos afirmar que Shorter incluso dejó una profunda huella en la evolución musical de Miles. Si bien todas sus grabaciones en Blue Note son maravillosas, "Speak No Evil" es superior. Por eso, no lo dudes y Escuchate Esto! 

Fuentes:
www.apoloybaco.com
Amazon
All about JAzz

Todas las canciones están compuestas por Wayne Shorter
Witch hunt - 08:07
Fee-Fi-Fo-Fum - 05:50
Dance cadaverous – 06:42
Speak no evil - 08:21
Infant eyes - 06.51
Wilde flower - 06:00

Músicos:

Wayne Shorter — saxo tenor
Freddie Hubbard — trompeta
Herbie Hancock — piano
Ron Carter — contrabajo
Elvin Jones — batería





viernes, 22 de marzo de 2019

Fantastic Negrito - En vivo en Buenos Aires - 21 de marzo de 2019

Cerca de las 21.40 de anoche, Fantastic Negrito sale al escenario de La Trastienda de Buenos Aires con una Les Paul dorada. La cosa va de menor a mayor, Negrito va calentando de a poco, como un boxeador que estudia a su rival durante los primeros rounds. Pero les cuento una cosa: El combate terminó por knock out.

"Bad guy neccesity", "Working poor" y "A letter to fear" son el inicio del show en donde tanto la banda como el frontman calientan motores. Con "Scary Woman" y "Cold November St" inician su despegue y ya para cuando llegan a "A boy named Andrew" se da la explosión y el definitivo romance entre el artista de Oakland con el público local. Un fraseo pegadizo que toda La Trastienda corea como solo los argentinos hacemos. Y como suele pasar, la gente se apropia por completo de la melodía que, incluso terminado el tema, se siguió cantando ante la sorpresa de los músicos, con Negrito con una sonrisa de oreja a oreja, bailando y pavonándose orgulloso por todo el escenario. Por supuesto, la banda se vio obligada a retomar el tema durante algunas vueltas con el tecladista tocando con una mano y grabando al publico con su celular con la otra. Como dijo un usuario de Instagram, "Bienvenido a este país de contradicciones y contrastes, donde el público elige cuando termina la canción".
Tanto Negrito como su banda, integrada por los guitarristas Camilo Landau y el chileno Tomás Salcedo, el tecladista Professor Bryan Simmons, (tocando bajo con la mano izquierda y hammond y piano con la mano derecha) y el baterista Darian Gray, se destacan por brindar matices a todas las canciones. Si bien en los discos, los temas están llenos de sonidos, slides, cadenas, golpes, llaves, capas y capas de voces, en vivo es otra cosa. En reemplazo de esa producción sonora difícil de igualar, la banda llena de matices, cortes, arreglos nuevos, es como una montaña rusa de volumen e intensidad. Las guitarras tienen mucho mas peso que en las grabaciones de estudio, pero sin dudas el hammond de Simmons es el que se roba todos los aplausos de la noche. 

Suena "Dark Windows", la sentida balada que Fantastic Negrito escribió en homenaje a su amigo Chris Cornell. Entre tema y tema Negrito mete separadores, canta a capella yeites bluseros que te erizan la piel. Y ahí está, por si alguien se lo pregunta, el 2 veces ganador del grammy en la categoría "Blues Contemporáneo". Su homenaje a la fortaleza de su madre se da 
con clásico de Leadbelly, "In the pines", el momento mas emotivo de la noche, donde el artista te transporta adonde quiere. Su histrionismo, gestualidad, baile, emoción, todo confluye para convencernos de que estamos ante un músico de esos que hay pocos, y estoy seguro que este show en particular se valorará mucho mas con el paso de los años. 




La banda deja el escenario y vuelve con su single "Plastic Hamburgers", esa cruza entre Skip James y Rage Against The Machine, las Gibson Les Paul toman por asalto el escenario con esta esencia de blues a fuerza de un riff poderoso que habla de romper las cadenas. En los temas de Negrito, el blues siempre está, solo hay que saber encontrarlo. El ultimo tema es "The duffler". Fantastic Negrito, un artista que dice que la gente es su compañía discográfica, se cambia de ropa y baja al puesto de merchandising a firmar discos y sacarse fotos con la gente. Esta noche se presentó en Buenos Aire Fantastic Negrito y el cinturón de campeón de todos los pesos, es para él. 

Muchas gracias a NatySlide, Phill Green, Migui Mololes y Martin Sassone de Malbecblues








lunes, 7 de enero de 2019

The Black Crowes - The Southern Harmony and Musical Companion - 1992

Hilo publicado en tweeter que prometo ampliar muy pronto en EscuchateEsto! 

The Southern Harmony and Musical Companion (1992) 2do disco de #TheBlackCrowes, es para mi, su mejor trabajo. Abro hilo para quien le interese

La composición, los teclados de Eddie Harsch y la guitarra de Marc Ford, ambos incorporados como miembros estables marcan la gran diferencia con su primer disco

Pero seguramente los coros de Barbara y Taj, según los créditos, ayudan a elevar el disco aún más. Todas las canciones se benefician con la textura de sus voces y la pregunta y respuesta con la voz principal de Chris Robinson son fundamentales

Esa textura, ese ida y vuelta se puede escuchar fácilmente en Sting Me



Chris Robinson da lo mejor de sí como cantante, mientras su hermano Rich teje la afinación abierta de su guitarra con la lead del recién llegado Marc Ford, produciendo un sonido inigualable.

Con The Southern Harmony and Musical Companion, la banda de Atlanta, Georgia, deja de ser la mejor banda nueva, esa que se miraba en el espejo de The Faces o The Stones, para ser lisa y llanamente una de las mejores bandas de los 90.

La banda suena sucia, ruidosa, con un dejo de gospel. Si. Todo nos recuerda a Exile on Main Street. Pero más que todo, es en disco donde #TheBlackCrowes encuentran su identidad y se convierten en la mejor banda de rock n roll de los 90.

The Southern Harmony and Musical Companion por #TheBlackCrowes uno de los grandes discos de rock n roll de los noventa.
No lo dudes y Escuchate Esto! 










jueves, 3 de enero de 2019

Space Echo - The Mystery Behind the Cosmic Sound of Cabo Verde Finally Revealed! - V.A. - 2018

Hace unos meses me topé con un tweet del periodista Federico Martínez Penna, quien suele compartir mucha música africana. El tweet decía "¿Qué harías si a metros de tu casa te encontrás con un barco naufragado? ¿Llamás a la policía? ¿Te quedás mirando hasta que llega alguna autoridad competente? o ¿Te metés a revisar quién -o qué- hay adentro?" Luego linkea a una entrada algo mas extensa que leí y me invitaba a escuchar el álbum “The Cosmic Sound of Cabo Verde”. Me atrapó por completo, lo escuché varias veces y me sentí en la obligación de compartirlo con los lectores de Escuchate Esto! y de investigar un poco mas.




Podría ser este (pero no es)
El 20 de marzo de 1968 un barco partió desde Baltimore con rumbo a Sudamérica. El buque llevaba una carga de teclados y sintetizadores Rhodes, Moog, Farfisa, Hammond, Korg, entre otras marcas. Su destino final era Río de Janeiro, donde se llevaría a cabo la primera exposición de instrumentos electrónicos del hemisferio sur. Muchas de estas empresas estaban ávidas de presentar sus productos mas novedosos en un mercado musical en crecimiento, liderado especialmente por Brasil y Colombia. Pocas horas después de partir de Baltimore, el barco desapareció de los radares. Días después, misteriosamente apareció encallado sin tripulantes en la costa de Cachaço, una pequeña villa de São Nicolau, República de Cabo Verde, África. 

Cabo verde (país de nacimiento de Cesária Évora) esta formado por diez islas y varios islotes y se halla situado en el Océano Atlántico a unos 500 km de la costa senegalesa, incorporadas a la corona portuguesa desde 1470 hasta su independencia en 1975 y a fines del siglo XVI se constituyó como una importante centro del trafico de esclavos. Y si. Es frecuente que en sus costas encallen barcos de diferente porte. 


Paulino Vieira
Según cuenta Martínez Penna es su entrada, "Un equipo de soldadores había llegado a la escena y se dedicó a abrir los containers que transportaba la embarcación. Para total sorpresa, un arsenal de instrumentos dormía a la espera de ser usados." Incluso, algunos especialistas dijeron haber encontrado partículas de material cósmico en el barco. Se dice que el carismático líder anticolonialista Amílcar Cabral había ordenado que los instrumentos fueran distribuidos en forma equitativa en lugares que tuvieran electricidad, lo que los ubicaba por defecto principalmente en las escuelas. Esta distribución fue lo mejor que pudo haber pasado. Los teclados encontraron terreno fértil en las manos de niños curiosos, nacidos con un innato sentido del ritmo, cuyas vidas se cruzaron con estos instrumentos "listos para usar".

Uno de esos niños 
fue el genio musical Paulino Vieira, quien a fines de los 70 se convertiría en uno de los arregladores musicales mas importantes del país. Esto desembocó en la mutación de sonidos o ritmos locales como el Mornas, Coladeras y el altamente bailable ritmo del Funaná, que estaba prohibido por los portugueses debido a su sensualidad.


Imaginen la música de la isla, fundamentalmente percusiva, con un gen africano mas una dosis de música brasilera y caribeña -bolero, salsa- matizada con sintetizadores y una guitarra disco al estilo Nile Rodgers. El resultado es este compilado que podría musicalizar cualquier peli de sci-fi clase B. La mitad de los temas presentados en este compilado fueron grabadas por la backing band "Voz de Cabo Verde," liderada por Paulino Vieira, el alma mater de la creación de esta obra que en mayo de 2018 se editó bajo el nombre de “The Cosmic Sound of Cabo Verde”. Aún siendo un país muy pequeño, la música de Cabo Verde rankea muy alto en las bateas de "world music". Pero ojo! Que no me escuche el curador de esta colección y fundador del sello alemán Analog Africa, Samy Ben Redjeb. Samy dice: “Antes todo era ‘World Music’, pero la gente empezó a ver que esa es una palabra de mierda,” explica. “La gente esta empezando a entender que cada región de África tiene diferentes sonidos y estilos musicales. Estamos empezando a derribar esas barreras.”


Este lanzamiento nos lleva en una viaje maravilloso, desde Baltimore a Cabo Verde pero pasando por el espacio exterior. A través de un paisaje eléctrico y muy diverso, la música de la isla se satura de sintetzadores. Cada track en un regalo en agradecimiento a cualquiera haya sido el poder (de este planeta o de otro) detrás de ese misterioso naufragio de aquel barco en São Nicolau. Compartimos una de las mas ambiciosas y brillantes compilaciones que han surgido en el último tiempo. Así que no lo dudes y Escuchate Esto! 

Compilado por Samy Ben Redjeb y Celeste/Mariposa 
Coordinador del Proyecto: DJ Déni Shain 
Productor Ejecutivo: Samy Ben Redjeb para Analog Africa

1. Anto´nio Sanches - Pinta Manta 
2. Dionisio Maio - Dia Ja Manche 
3. Jose´ Casimiro - Morti Sta Bidja`cu 
4. Bana - Pontin & Pontin 
5. Fany Havest - That Day 
6. Pedrinho - Odio Sem Valor 
7. Quirino Do Canto - Mino Di Mama 
8. Tchiss Lopes - Mundo D'Margura 
9. Joa~o Cirilo - Po D'Terra 
10. Abel Lima - Corre Riba, Corre Baxo 
11. Os Apolos - Ilyne 
12. Americo Brito - Sintado Na Pracinha 
13. Elisio Vieir - Capchona 
14. Antonio Dos Santos - Djal Bai Si Camin 
15. Abel Lima - Stebo Cu Anabela 

Fuentes:

The guardian
The observer
tweeter 
Tiumag
Thevinylfactory
Afropop.org










domingo, 30 de diciembre de 2018

El imposible top 5 de Aretha por Lutxo Pérez. Publicado en la revista 12 pulgadas
















En este ultimo día del 2018, año en que nos dejó Aretha, comparto el intento del escritor español Lutxo Pérez por hacer un top 5 de temas de Arehta Franklin. Lo logrará? Feliz 2019 para todos! 

http://www.12pulgadas12.com/el-imposible-top-5-de-aretha.html


lunes, 3 de diciembre de 2018

Cómo fue que Nina Simone cautivó a una nueva generación

Rescato esta enriquecedora nota de la revista Rolling Stone escrita por David Browne, sobre la inmortal Nina Simone, cuya figura crece y crece. 

Desde un gran documental hasta el disco de Jay-Z '4:44', la artista que ingresó al Salón de la Fama del Rock and Roll en 2018 está en medio de un gran renacimiento cultural. En abril se cumplieron 15 años de la muerte de Nina Simone, pero a juzgar por su influencia, parece como si jamás se hubiera ido. "The Story of O.J.", de Jay-Z, incorpora un sampleo de "Four Women", de Nina Simone, y su video cuenta con una versión animada de la fallecida cantante. La canción de 2017 se suma a una lista de otros temas de hip-hop recientes que han sampleado a Simone, incluyendo "Blood on the Leaves", de Kanye West, "Understood", de Lil Wayne, y "New Day", de West y Jay-Z. Como le dijo el productor No ID a Rolling Stone el año pasado acerca del uso de sampleos de Simone por parte de Jay-Z: "Es la banda de sonido de la vida de él. Esa es la razón por la que los usa".

Hace dos años, el documental de Liz Garbus acerca de Simone, "What Happened, Miss Simone?", fue nominado a un Oscar... Dice Garbus: "No era tan famosa como Aretha, que hacía cosas más comerciales, como salir en talk shows nocturnos. Nina eligió no hacer eso. De modo que hay mucha reverencia por Nina, y una idea de que ella no recibió lo que merecía durante su vida." Simone, fallecida en 2003 a los 70 años por cáncer de mama, reescribió las reglas de lo que era ser una mujer dentro del show business. "Four Women", su canción de 1966 acerca de un cuarteto de mujeres afroamericanas (una prostituta, una activista, una mestiza y una hija de esclavos), fue prohibida en Filadelfia y otras ciudades, al igual que "Louie Louie", entre otras canciones también censuradas en la época. 

El redescubrimiento de Simone viene creciendo gradualmente desde que Tracy Chapman y el fallecido Jeff Buckley versionaron sus canciones. Desde entonces, canciones asociadas con Simone han sido versionadas por Muse, Mary J. Blige, Lauryn Hill, Usher, Feist y John Legend con The Roots, y remixadas por gente como Avicii y Postal Service. La lista tan diversa refleja la variedad de la obra de Simone. Empezando con su primer disco en 1958 (algunas de estas grabaciones fueron recientemente reeditadas como Mood Indigo: The Complete Bethlehem Sessions, seguidas del disco doble The Colpix Singles), Simone dejó una de las obras más notablemente eclécticas de la historia del pop -un viaje en la evolución de la música popular en sí misma.

Sea en concierto o en disco, nunca sabías lo que ibas a recibir con Simone. Su estilo al piano estaba influenciado tanto por la música clásica como por el jazz. Después eligió hacer canciones folk en los años siguientes -un poco de Dylan o quizás "House of the Rising Sun", donde retrataba a la joven desamparada llevada a una vida de prostitución. En concordancia con la turbulencia musical de fines de los sesenta, podés investigar un disco de Simone de esa época y enfrentarte a batido rítmico del funk, con congas aporreadas alrededor de ella, y guitarras eléctricas con wah-wah serpenteándose a su lado. (Vean "Funkier Than a Mosquito's Tweeter", de It Is Finished, de 1974). Y la versión góspel de "My Sweet Lord", de George Harrison?! Cada una reconfigurada para sonar como suya propia en lugar de ser meras reversiones fieles. No sorprende que músicos tan estilísticamente diferentes estén atraídos por ella.

Su estilo de piano podía ser refrenado y dignificado. Pero su voz -vigorosa, emotiva, hirviente- era sencilla, casi masculina, el sonido del crepúsculo. Podía pasar del suspiro más íntimo y femenino, como si no hubiera nadie más en la sala, a un grito severo y apasionado en el que la indignación, el dolor y la furia más justificados se destapaban para que todos los oyeran. Se transformó en un espejo de los cambios en la vida afroamericana desde el principio hasta el final de los sesenta.



Fuente: 
Revista Rolling Stone