lunes, 6 de abril de 2020

Bill Withers - 1938 - 2020

Este 30 de marzo murió Bill Withers, una de los cantantes y compositores mas importantes e influyentes del soul. Con la producción de Booker T Jones grabó Just As I Am (1971),  para el sello Sussex. "Aint’t No Sunshine", su máximo éxito estaba en este disco. El siguiente fue Still Bill (1972), del cual salieron "Lean On Me" y "Use Me".

Withers fue un caso muy raro para mi por tres factores:
Hizo pocos discos, se retiró prematuramente.
Podía hacer funk en un formato unplugged.
Nunca perdió 
el control de los derechos de la mayoría de sus canciones, que fueron el gran sustento económico de su vida, gracias a las numerosas versiones y al sampling. Segun el sitio whosampled.com tiene 479 samples, 424 covers y 5 remixes

Estuve pensando en escribir algo sobre Bill, tengo especial recuerdo por la primera vez cuando escuché por primera vez una canción suya (Who is he) en el Soundtrack de Jackie Brown (Quentin Tarantino 1997). Pero ayer me topé con este tremendo homenaje que le rinde Questlove, baterista de The Roots en este Dj Set de 4 horas. Asi que,qué mejor homenajear a un artista que escuchando su música. Espero que lo disfruten tanto como yo. No lo dudes y Escuchate Esto! 




domingo, 5 de abril de 2020

Let's Dance - David Bowie - 1983

El guitarrista Nile Rodgers fue un colaborador clave en la carrera de David Bowie, convirtiéndose en co-productor del disco Let's Dance (1983). En Escuchate Esto! compilamos algunos pasajes de una nota que Rodgers escribió para la Revista Rolling Stone en 2016 donde revela las diferentes fuentes de inspiración de uno de los artistas mas grandes de la historia de la música para uno de los discos mas exitosos de su carrera.






"Me encontraba con Bowie en New York simplemente para ir a pasear, visitar museos, librerías, gente con grandes colecciones de vinilos o escuchar diferentes tipos de Jazz en la Biblioteca Pública de New York, música que en ese momento no estaba disponible en las disquerías. David quería sentir esa influencia, esa inspiración para algo nuevo que estaba por llegar pero aún no sabíamos qué era. Aun no habíamos escrito nada de música, estábamos discutiendo el concepto del disco. En un momento David trae un concepto – una foto de Little Richard con un traje rojo subiendo a un Cadillac rojo. Vino a mi departamento y me dijo ‘Nile, así es como quiero que suene mi disco, esto es rock’n’roll!’. Supe lo que quería decir desde el momento en que vi la foto. No quiere ‘Good golly Miss Molly!’, quiere algo futurístico, moderno pero eterno, que hubiera podido ser hecho en cualquier tiempo".

"Luego de eso, el primer esbozo de la canción “Let’s Dance” que escuché, fue a David tocando en una guitarra de 12 cuerdas pero que solo tenìa 6, una especie de folk. Y me dijo "Esto es un hit!" Yo pensaba "Man, esto es tan raro..." pero después de todo ese recorrido que hicimos, esas fotos que vimos, ese jazz que escuchamos, tuve la imagen perfecta de cómo debía sonar el disco." 



""Let’s Dance" parecía tener todo lo que necesitas artísticamente en una canción… pero también algo que nunca antes había sonado. Y es por el amor de David por el Jazz. Por ejemplo, la linea de vientos de “Let’s Dance” esta inspirada en el sonido del tema de Peter Gunn, de Henry Mancini. Otra cosa que hice fue la rearmonizar el tono del tema y lo llevé a un acorde de Bb13 (Si bemol treceava) lo cual los desafío a encontrar en cualquier canción pop. Fue una movida muy drástica, a David le encantó de inmediato." .

"David se inspiraba en cualquier cosa o persona que estuviera a su alrededor. Asì fue como se incorporó Stevie Ray Vaughan al proyecto. David y yo vimos a Vaughan tocando en el Montreux Jazz Festival en 1982 y lo incorporamos al disco. Ninguno de nosotros había escuchado antes el nombre de Stevie Ray Vaughan, y lo que siguió es que Stevie le estaba inyectando un sonido tan real a un artista, un disco y una banda con la que nunca antes se había cruzado. Y David simplemente decía: 'Veamos que pasa'." 

"Uno de los mas grandes momentos de mi vida fue ver la cara de Stevie Ray Vaughan cuando entró al estudio y escuchó el groove de "Let's Dance". Se que su primer pensamiento fue "Qué carajo voy a tocar?" Son las notas mas pequeñas y brillantes que escuché jamas". "En ese momento Bowie no tenía contrato con ninguna discográfica y financió el disco él mismo. Fue el disco mas fácil de hacer en toda mi vida -dice Nille. El disco se grabó en 17 días, aunque habíamos contratado tres semanas de estudio, asi que nos sobraron 4 días." 


"Con respecto a mi colaboración con Bowie, todos hablan de "Let’s Dance", pero también hicimos juntos otros grandes temas como "Black Tie White Noise", "Miracle Goodnight", "China Girl", "Modern Love" y "Ricochet" por solo nombrar algunos. Mucha música."

"Gracias a David Bowie conocí a Stevie Ray Vaughan y finalmente di el elogio fúnebre en el funeral de Stevie* . Estábamos haciendo el disco "Family Style", con Stevie Ray y Jimmy. En el medio de las sesiones, se fueron a dar un concierto y solo uno de ellos volvió." 

Escuchar el disco 

Fuente:
*Entre quienes dieron el elogio de despedida a SRV, también estuvieron Stevie Wonder, Buddy Guy, Dr. John, ZZ Top, Eric Clapton, Bonnie Raitt, y Jackson Browne.

domingo, 29 de marzo de 2020

Escuchate Esto! Podcast

Finalmente después de mucho pensarlo pero sin planificarlo demasiado, en medio de la cuarentena impuesta por el Covid-19, llegó el tiempo de compartir los contenidos de Escuchate Esto! a través de un podcast. Están todos invtados, los espero por allí!

https://ar.ivoox.com/es/podcast-tony-soulman_sq_f1875807_1.html

sábado, 28 de marzo de 2020

Fantastic Negrito - Chocolate Samurai - 2020

Escuchen el adelanto de Fantastic Negrito de su disco "Have you lost your mind yet?", justamente un titulo que viene muy bien para esta época que el mundo esta viviendo ante la pandemia del Covid-19. El tema se llama "Chocolate Samurai" y "Negrito" lanzó hoy 28 de mayo el video oficial realizado con pequeños videos de todos sus fans alrededor del mundo ante el pedido del músico preguntando: Que estan haciendo durante la cuarentena? Si me lo preguntan, uno de los temas mas funkys de toda su discografía, mucho hammond y mucho slide. 


lunes, 2 de marzo de 2020

Freddie King - Texas Cannonball - 1972

Escuchas la versión de Lodi, de Creedence, por Freddie King y ya está. Solo eso justifica o invita a escuchar el resto del disco. Y claro, también justifica que a este álbum lo hayan titulado "Texas Cannonball". Todo la fuerza de Freddie King se escucha, se siente, en este, uno de los grandes discos de blues de todos los tiempos.

Freddie King nació en Dallas, Texas pero se crió en Chicago. Tocó mucho en esa ciudad pero, por esas cosas de la vida, no tuvo suerte en el emblemático Chess Records. Pero Freddie no bajó los brazos y consiguió grabar un single instrumental para Federal Records en 1961: "Hide away". El tema se convirtió en un hit que sonaba en todos lados. 




Después grabó mas de treinta instrumentales similares, como The Strumble y otros, y giró algún tiempo compartiendo cartel junto a grandes del soul, como Sam Cooke, Jackie Wilson o James Brown. Para fin de los sesenta firma con Atlantic Records y edita en 1969 "Freddie King is a Blues Master" (que titulo, no?) y "My Feeling for the Blues" (1970). Aunque no le fue muy bien con ese material en Estados Unidos, todo lo contrario ocurrió en Inglaterra. Historia conocida, al llegar a una gira en el Reino Unido, Freddie conoció a una nueva generación músicos como Eric Clapton, Mick Taylor, Peter Green, jóvenes que estaban tratando de emular su sonido. A su manager Jack Calmes se le ocurrió que tocar en el Festival Pop de Texas y compartir cartel con gente como Janis Joplin o Led Zeppellin, podría ser una buena idea. Page y sus amigos también resultaron ser grandes admiradores de King. Gracias a esa movida, Freddie King captó la atención de un nuevo público y con su álbum "Getting Ready" se hizo evidente que su estilo tenía que ver mucho con el Blues Rock que se escuchaba entonces. 




Así llegamos a este disco, producido por el gran Leon Russell, grabado en dos ciudades diferentes por dos bandas diferentes. En la primera sesión entre el 2 y 4 de febrero de 1972 en Skyhill Studios de Los Ángeles, Freddie estuvo acompañado por Russell en piano, Don Preston en guitarra, Donald “Duck” Dunn en bajo y Al Jackson Jr. en batería (estos dos últimos, miembros de Booker T & The MG´S, banda del sello Stax Records de Memphis). En esta parte de la grabación, los seis temas escogidos fueron: “I´d rather be blind”, con una base rítmica demoledora y firmado por Russell; “Can´t trust your neighbor” es un soul típico de Stax, de hecho esta compuesto por Isaac Hayes y David Porter y otros temas que se acercan más al estilo Chicago, como “You were wrong” y “How many more years” de Howlin´Wolf. Qué decir de “The sky Is crying” y una maravillosa versión de (mas soul!) “Aint´t no sunshine” de Bill Withers.

La segunda parte de las grabaciones fueron realizadas semanas después en Ardent Studios de Memphis. PAra la ocasión Russell seleccionó músicos de su propia banda, Don Preston otra vez, John Gallie en órgano, Carl Radle en bajo y los bateros Chuck Blackwell y Jim Gordon.


Se grabaron cuatro canciones: la mencionada "Lodi” de John Fogerty, “Big legged woman” y “Me and my guitar”. Se percibe un aire de blues funkeado o souleado, como ya habíamos escuchado en Albert King a partir de su disco "Born under a bad sign". Esta veta será explotada por Freddie King en sus siguientes álbumes hasta su muerte en 1976. Pero sin dudas es 
el clásico de Lowell Fullson “Reconsider baby” donde demuestra porqué es uno de los reyes del blues.


Combinando Blues acústico de Texas con la crudeza de Chicago, la influencia de Freddie King llegó a todos los guitarristas eléctricos que vinieron después (Clapton y Vaughan tal vez sean los mas emblemáticos). The Texas Cannonball, ya sea como obra, pero también como apodo, pinta a este artista de pies a cabeza. Así que no lo dudes y Escuchate Esto! 


Lista de Temas:
Lodi
Reconsider Baby 
Big Legged Woman
Me And My Guitar 
I'd Rather Be Blind 
Can't Trust Your Neighbor 
You Was Wrong 
How Many More Years 
Ain't No Sunshine 
The Sky Is Crying 

Fuentes:  https://rockandrollismyaddiction.wordpress.com/

https://almadefrontera.blogspot.com/

lunes, 3 de febrero de 2020

Las 50 grabaciones esenciales del Jazz por Wynton Marsalis - parte II

En la entrada anterior, compartimos las 50 grabaciones esenciales del jazz por Winton Marsalis. En esta segunda parte, el músico (ok, considerarlo a Marsalis solo un "músico" es quedarse corto, pero ya saben de lo que hablo) va un poco mas allá con aquello que considera esencial entre lo esencial. 


Louis Armstrong en Snake Rag - King Oliver
Punto de vista de otro mundo, con sus habilidades para improvisar nos toman por sorpresa

Que te den una parte de acompañamiento, escucharla, tocar algo que se relacione con el "tema" con semejante sofisticación, visión y matices, ademas de una gran muestra de habilidad. Es muy poco común. 
Louis Armstrong tocaba la segunda corneta en la banda de King Oliver — esto quiere decir que esta interpretando partes armónicas que deben resolver de determinada manera. Esta tocando básicamente la parte alta, mientras que King Oliver esta tocando la melodía. O sea, no hay música escrita, esta improvisando en una forma muy compleja. Cuando lo escuchás y lo pensás, es difícil de creer, cuanta claridad y lógica y de que forma hermosa el resuelve la armonía interna, y también improvisa una segunda armonía a los cortes de trompeta de Oliver. Una increíble visión de reflejos, entendimiento musical y habilidad para escuchar. La exactitud de estas partes y la claridad con la que toca dentro de un rol de acompañamiento es excepcional. La velocidad de reflejos, no es creíble. Por eso es Louis Armstrong.


Duke Ellington, “Daybreak Express” (1933)

All-time baddest MF (Yo lo traduciría como: "El hijo de puta mas pulenta de todos los tiempos")




All-time baddest motherfucker. OK? Eso se reserva a alguien como Bach. Pude haber elegido cualquier cosa, pero elegí esta porque amo los trenes.
El nivel de compromiso sostenido, ese nivel de logro técnico, la sofisticación de lo que está haciendo, la forma en que hace que las armonías suenen como trenes, la concepción de los diferentes grooves, el inteligente uso de la forma, la alegría que transmite, la diversidad de las ideas, la compresión de cada instrumento en su registro. 
[Nota: La lista de Marsalis también incluye otros temas de trenes de Ellington: “Choo Choo” 1924, “Happy Go Lucky Local” 1946, “Track 360” 1959 y “Loco Madi” 1972. "Traté de escoger uno de cada década. Con la Lincoln Center Orchestra hemos tocado casi todos estos.")  

Mary Lou Williams with Andy Kirk and His Twelve Clouds of Joy, “Walkin’ and Swingin'” (1936)

Manifestación nivel Genio y logros únicos que no tienen comparación a nivel composición y arreglos.




“Walkin’ and Swingin'” — esta escrito con una solidez increíble con una trompeta liderando la sección de bronces, esa trompeta es tan hermosa, que su puente se transformará en una canción de Monk: “Rhythm-A-Ning.” Es tan difícil de tocar. Man, cada vez que la trato de tocar, es tan difícil! Cada vez que la tenemos que tocar, nos miramos entre los trompetistas y nos decimos "Quién lo toca esta vez?!" Estamos ante uno de los pilares que iniciaron el bebop, aunque estemos en la Era del Swing. La diversidad en el arreglo, la pregunta y respuesta. Ella era una verdadera adelantada, fue mentora a los músicos de bebop. “In the Land of Oo-Bla-Dee” es un ejemplo de bebop que ella escribió y Dizzy Gillespie grabó. Ellos iban a su casa, Dizzy, Bird, Monk, todos los pesos pesados hablaba con Mary Lou, la amaban. Ella les hablaba de arreglos, tenía conceptos, era muy filosófica. Ella los influyó de verdad. Yo hablé con Dizzy de ella y el siempre me decía. “Man, Mary Lou, nos enseñó tanto.”


Benny Goodman, The Famous 1938 Carnegie Hall Jazz Concert

Concierto mas significativo




En este concierto Benny Goodman esta estableciendo su concepto de qué es lo que necesitamos hacer como país. Toca su música, trata con la historia de su banda, muestra interpretaciones virtuosas. Reúne a la gente de diferentes razas en un tiempo de segregación y profunda ignorancia. Reúne a miembros de las orquestas de 
Count Basie y Duke Ellington, hace canciones populares americanas, canciones originales de jazz, tiene un sección que cubre la historia del jazz  y toca tremendamente el clarinete. Tiene un grupo pequeño, una banda grande... cubre mucho campo en un solo concierto. También es el concierto mas significativo porque logró que el Carnegie Hall le concediera tiempo de ensayo. “Tengo que ensayar tanto para que mi música suene como se debe". Reafirmó un movimiento mas allá del prejuicio que, en ese momento, no había forma de remover porque el prejuicio sobrevive a toda evidencia. Pero en ese momento, fue un manifiesto muy fuerte, muy poderoso. 


Dizzy Gillespie with Charlie Parker, “Shaw ‘Nuff” (1945)

Dos personas que practicaron mucho (individualmente y juntos)




Charlie Parker y Dizzy. una cosa es practicar solo; otra muy diferente es practicar con alguien mas. Ser capaz de tocar partes con ese tipo de claridad y justeza. Dizzy siempre decía que Bird era la otra parte del latido de su corazón. Aún hoy, no se si dos caños han podido igualar el nivel de complejidad, matiz, sofisticación y absoluta unión. Fuego, virtuosismo. Cuando sucedió, la gente sabía que erta algo espectacular. El tiempo nos lo ha demostrado.


Ornette Coleman, “Peace” (1959)

Complejidad psicológica poco común mientras mantiene una intención lírica.




Fui muy cercano a Ornette. Ornette era como un Chamán. Me iba a su casa a la 1 de la mañana y y literalmente nos quedábamos tocando, sin hablar, por 2, 3 horas. Solo tocando frases los dos. Y después cuando te hablaba, siempre era algo muy trascendente. Este solo, 
“Peace,” es como cuando estas hablando y levantas tus ojos, tenes muchos gestos, subís bajas, un paisaje de emociones, sentimientos, pensamientos. Es difícil transmitir eso mientras improvisas. Todo eso está en ese solo. A los lugares a los que te llevará, en la complejidad psicológica de su fraseo y lo que esta diciendo y su habilidad para cambiar el humor y la intención de su sonido - muy complejo. 


Ben Webster and Harry “Sweets” Edison, “Better Go” (1962)
Destino: Soul


La portada de ese álbum [Ben and “Sweets”] tiene tanto soul, eso es todo lo que necesitas saber. Simplemente pones ese póster y lo dice todo. Un disco con swing. Veteranos tocando blues. 


Charles Mingus, “Meditations on Integration” (1964)

Consolidando lo mejor del pasado y el presente (luego del bebop) 




Lo que ocurre con la gente es que generalmente cae en una idea equivocada de su generación. Como cuando Giovanni Pierluigi da Palestrina escribía música, en realidad estaba escribiendo un montón de contrapunto a grosso modo, muy complejo. La siguiente generación lo escribió de una manera mas simple, entonces ese estilo se convierte en anticuado porque querés usar el estilo nuevo. Ahora, quien puede llegar en la era de la simplificación y agregar la complejidad del pasado? Esa es la cuestión. Ahora estas en América, en el medio del movimiento juvenil, la primera vez que podes vender cosas a los jóvenes, que estaban pensadas para adultos. Estas ganando mucho dinero y te estas alejando de la "cosa adulta". Pero también esta en movimiento por los derechos civiles al mismo tiempo, y estas comprometido con un montón de cosas en tu generación que no pasaron antes porque no podían pasar. Porqué, en el medio de esto, vas a volver a algo que esta siendo desacreditado
, que fue fuente de dolor y vergüenza para mucha gente que no sabía qué era, y traer eso a tu sonido, y al mismo tiempo buscas mas allá en la dirección en que tu generación esta yendo? Eso es ir para ambos lados. Es una posición de Yoga. 
Eso es lo que Charles Mingus hizo con todos esos discos que grabó entre la segunda parte de los 50 hasta avanzados los 60, el avant-garde con gente tocando y hablando. Eso era considerado ser libre. Tiene piezas musicales onda New Orleans, como “My Jelly Roll Soul.” tiene baladas de increíble profundidad y complejidad. Y tiene piezas largas como “Meditation on Integration” que te da el 6/8 africano. Tiene canciones tradicionales de bebop, canciones irónicas, “Gunslinging Birds.” Tiene música de iglesia. Todos estos elementos, del folk, todo lo que pone en su música, elementos teatrales, y no se esta segregando a si mismo de la música. 

Wayne Shorter, “Infant Eyes” (1964)

Extremadamente sofisticado, aún así con una combinación lírica/ melodía/ armónica




Significa que la progresión armónica es tan sofisticada como la melodía. Muy difícil. A veces tenes una gran melodía y las armonías no están a la altura. 
“Infant Eyes”: melodía embrujada. Es casi como si estuviera escrita en un modo. No lo es, pero suena así, como algo que pudieras cantarle a un niño, una canción de cuna. Cuando ves la progresión armónica, hacia dónde va, de cualquier modo es un maestro de la armonía, pero va a lugares en la armonía y es cíclica. Es el modo en que un ciclo trabaja. Si estas mirando una ecuación matemática, puede tener belleza, ya que la matemática puede ser lírica y hermosa y la mirás y decís "Demonios, así es como la matemática de esto funciona? Así son todas estas canciones. 


John Coltrane, A Love Supreme (1964)

Desarrollo improvisativo y minimalista sin precedentes





Trane salió con A Love Supreme como un material temático y de improvisación lo mas pequeño posible. Entonces la mayoría de lo que hay en A Love Supreme son como celdas, como una tercera menor y luego un gran salto. Entonces se invierte como una cuarta, una quinta; cubre un montón de intervalos diferentes. Es el tipo de pentatónica que te conecta con el Este. La excepción es la segunda parte. Pero incluso esa parte de ocho compases, una forma inusual para el blues, vuelve a la forma anterior. En ese entonces, la gente estaba tocando blues de 12 compases, de 14, blues con formas mas largas. Trane volvió a la forma mas primitiva del folk con el blues de 8 compases en 
A Love Supreme. Ese es un logro tremendo no solo por la profundidad de su compromiso por el que se lo conoce, sino también por el material temático que es, y cuanta improvisación va tiene lugar. 


Eddie Harris, “1974 Blues” (1969)

A boogaloo church shuffle in a funky 7 — damn!




No solo estas tocando un boogaloo — que es en ritmo de cuatro— lo estas tocando con una onda de shuffle de la iglesia, entonces tenes algo ancestral y algo góspel, y además, lo estas tocando en siete pero es un siete funky. No es el tipo de beat raro en siete, o un siete que es como si estuvieras tratando de sonar como música de Europa del Este pero siempre fallás porque no te criaste bailando eso. Es un siete orgánico. Algo entendía. Y la forma en que lo hacen es como resbalosa, porque el riff es recurrente. El groove esta basado en una repetición, entonces la cuestión de la repetición es cuándo la dejás y te vas a otro lugar? Es como lo que Armstong hacía con King Oliver. La clave de lo sincopado en cuando ellos deciden sincopar las frases. Entonces es como el balance de cuando NO repetir. Esta es una brillante manera de usar la repetición en el groove
. Cuenta por el hecho de que el siete es una métrica rara, así que el siete por si solo es algo que va a crear tumulto en la repetición. Podés repetir mucho mas sin volverte aburrido.


Betty Carter, “Bridges” (1992)

Los sonidos de protesta a través del tiempo



Este es el sonido de protesta para nuestro tiempo. Esta es gente que decidió que iba a hacer un manifiesto de protesta en la música y como las diferentes formas de protesta se pueden crear. Louis Armstrong hizo “Black and Blue”, pero el puente dice “Soy blanco por dentro, pero eso no me ayuda.”. "Bridges" de Betty Carter es solo scat, pero el poder, el virtuosismo, la diversidad de lo que está cantando, habla por si solo. Habla desde el poder de la música instrumental. Es extremadamente virtuoso de un modo muy libre, poderoso y progresivo. En un punto se va al 6/8 africano, mientras ella esta en cuatro tiempos. La forma en que dicta los ritmos. Nos lleva en un viaje a través de diferentes ritmos, y es la fuerza de su sonido! Es un manifiesto. Porque cuando digo protesta, es también el sonido de la libertad. 

[Nota: Marsalis también citó “(What Did I Do to Be So) Black and Blue” de Louis Armstrong; “Strange Fruit” de Billie Holiday, "We Insist!" de Max Roach y muchas otras grabaciones en esta categoría.]


Fuente: 

https://www.rollingstone.com/music/music-features/wynton-marsalis-interview-essential-jazz-recordings-821914/

jueves, 2 de enero de 2020

Las 50 grabaciones esenciales del Jazz por Wynton Marsalis

Wynton Marsalis arma una playlist con las 50 grabaciones esenciales del jazz. No importa si conocés mucho o poco de este género, esta es una excelente guía para conocer o repasar nombres, discos y temas que no pueden faltar. Compartimos la lista y lo que dijo Winton de cada temaPero no se trata de una lista armada en forma tradicional, predecible, sino que las enumera de una forma única, en ocasiones agrupando varias canciones dentro de un mismo catalogo que describe con absoluta originalidad y aportando su visión y sentir como músico. La lista es ampliamente disfrutable desde ese lugar. “Básicamente, la información que doy en esta lista es todo lo que tenés que saber" dice Marsalis a Rolling Stone. Lo deja en claro: se trata de un inventario de "grabaciones" en lugar "albums", dado que muchas de las obras maestras del jazz llegaron antes que la era del LP. Ojo, algunos conceptos es mejor dejarlos en inglés porque perderían el sentido. 

El primer intelectual verdadero del jazz, una enciclopedia, uno de los cimientos del jazzJelly Roll Morton's The Complete Library of Congress Recordings


Increíblemente honesta y una melodía soulful. 
Charles Mingus “Goodbye Pork Pie Hat”
Marcus Roberts “Spiritual Awakening”


Manifestación nivel Genio y logros únicos que no tienen comparación (tocando, componiendo, arreglando y guiando) 

Mary Lou Williams. Como ejecutante: “Night Life”; como arreglador / compositor: “Walkin' & Swingin’”; como mentor: “In the Land of Oo-Bla-Dee” (Dizzy Gillespie's recording); Rango compositivo: “Scorpio”

Mirada profunda dentro del verdadero significado y naturaleza del jazz en el tiempo y espacio Django Reinhardt “Minor Swing”

A boogaloo church shuffle in a funky 7 – damn!
Eddie Harris “1974 Blues”


Super imaginativa integración de elementos europeos, africano, americano e hispanos. 

Machito “Kenya”
Duke Ellington “Afro-Bossa”


Enciclopedia de la improvisación nivel Genio 

Charlie Parker “Embraceable You”
Thelonious Monk “Sophisticated Lady”
John Coltrane “Crescent”


Destino: Soul 
Oliver Nelson “Stolen Moments”
Herbie Hancock “Tell Me a Bedtime Story”
Duke Ellington “Blues in Orbit”
Ben Webster and "Sweets" Edison “Better Go”


Consolidando lo mejor del pasado y el presente (luego del bebop) 
Charles Mingus “Meditations on Integration” (1964)

Lo mas dulce de lo dulce / Lo mas hot de lo hotPaul Whiteman “Whispering”
Jean Goldkettes “My Pretty Girl”


El embajador supremo aunque tocando es efusivo, enérgico e infeccioso

Errol Garner “Nightconcert”

Extremadamente sofisticado, aún así con una combinación lírica/ melodía/ armónica: 

Wayne Shorter “Infant Eyes”
Duke Ellington “Creole Blues”
Billy Strayhorn “Lush Life”
Thelonious Monk “Ask Me Now”
Bill Evans “Very Early”
Horace Silver “Peace”
Hermeto Pascoal “Farol que nos guía todo”
Chick Corea “Humpty Dumpty”


La audiencia claramente lo esta disfrutando
Cannonball Adderley Quintet
“Mercy, Mercy, Mercy”


Estudio de libro de texto de desarrollo temático en una composición larga transformando un motivo muy básico de cuatro notas en jazz modal, original, con contratiempos y aún así, hermosa balada mientras sigue swingeando todo el tiempo

Duke Ellington “The Tattooed Bride”
  

Punto de vista de otro mundo, con sus habilidades para improvisar nos toman por sorpresa
Stan Getz “I’m Late, I’m Late” 
Louis Armstrong (second cornet) on “King Oliver’s Snake Rag”


Profundo, profundo groove de las Américas
Tito Rodriguez “Como mi ritmo no hay dos”


Sonidos de protesta y afirmación 
Louis Armstrong “Black and Blue” (1929)
Billie Holiday “Strange Fruit” (1939)
Duke Ellington “Jump for Joy” (1941)
Charles Mingus “Original Faubus Fables” (1959)
Max Roach “Driva Man” (1960)
Max Roach “Triptych: Prayer/Protest/Peace” (1960)
Dave Brubeck “The Real Ambassadors” (1961)
John Coltrane “Alabama” (1963)
Nina Simone “Mississippi Goddam” (1964)
Rahsaan Roland Kirk “Clickety Clack” (1973)
Betty Carter “Bridges" (1992)


Hacer que un metal suene exactamente como si alguien estuviera cantando
"Tricky Sam" Nanton on Duke Ellington’s “Chloe (Song of the Swamp)”


Integración del blues con elementos dispares
Dave Brubeck “Blue Rondo à la Turk”


Complejidad psicológica poco común mientras mantiene una intención lírica.
Ornette Coleman “Peace”


Flotando en un swing 4/4 en una larga subdivisión métrica de 3
Billie Holiday "Getting Some Fun Out of Life”


Trompetas, trompetas, trompetas:
Tommy Dorsey “Well, Git It!"


Bebop clásico (a pesar de la pobre calidad de la grabación)
Charlie Parker “Ornithology" from One Night in Birdland


Cachorros de 
“Off Minor” de Monk, armónicamente desafiante 

John Coltrane “Giant Steps”
Wayne Shorter “Fee-Fi -Fo-Fum”


Compromiso con un original y sofisticada concepción en el tiempo con absoluta integridad y seriedad
El Steve Coleman de On the Edge of Tomorrow (1986) hasta Live at the Village Vanguard Vol. 1 & 2 (2018) y cualquier otro volumen subsecuente que demuestre el mismo nivel de credibilidad


All-time Baddest MF: (Yo lo traduciría como: "El hijo de puta mas pulenta de todos los tiempos")
Duke Ellington
“Choo Choo" (1924)
“Daybreak Express” (1933)
“Happy Go Lucky Local” (1947)
“Track 360” (1958)
“Loco Madi" (1972)


Talento increíble y vigorizante
Cécile McLorin Salvant (su elección de canciones, composiciones y seriedad irrepetible)


Desarrollo improvisativo y minimalista sin precedentes 
John Coltrane “A Love Supreme”


Gran cantidad de ambición en un terreno baldío
Marcus Roberts “Blues for the New Millennium”


Mejora absoluta de la improvisación en un clásico de la música popular americana (que no necesitaba ser mejorado)
Louis Armstrong “Stardust”


Profunda y implacable intención espiritual
John Coltrane “Dear Lord”


El Mago Merlín del teclado
Art Tatum
“Tiger Rag”
“Tea for Two”
“Too Marvelous for Words”


Las mas angelical de las cantantes
Doris Day (and Les Brown and His Band of Renown) on “Sentimental Journey”


Extremadamente madura improvisación de una canción americana clásica y popular
Miles Davis “Stella By Starlight” (from My Funny Valentine)


Trombones trombones trombones:
Duke Ellington "Bragging in Brass"


Relajarse en la cara del caos
John Coltrane “Interstellar Space”


Clara demostración de como cantar blues a través de los metales
Sidney Bechet “Blue Horizon”


Gran consolidador del pasado y el presente sin preocupaciones por los cliches
Charles Mingus "Mingus Ah Um"


Genio multifacético del vocalese:
Jon Hendricks “Freddie the Freeloader”


Uso creativo de la forma
Jelly Roll Morton “The Pearls”
Thelonious Monk “Brilliant Corners”
Louis Armstrong & His Hot Fives “Skid Dat-De-Dat”
Gerry Mulligan “K-4 Pacific”


Saxos saxos saxos:
The Thad Jones/Mel Lewis Orchestra "Tiptoe" from Consummation


Solo con una orgánica integración buscando la relación entre un instrumento moderno y un propósito ancestral
Louis Armstrong “Tight Like That”


M
aestro definitivo del piano con ambas manos
Fats Waller
“Viper's Drag”
“Handful of Keys”


Mind-bogglingly nimble, flexible, intelligent and omnidirectional rhythm section:
Herbie Hancock, Ron Carter, and Tony Williams with Miles Davis from E.S.P. to Filles de Kilimanjaro


Ensambles pequeños que se consolidan mientras van innovando
Modern Jazz Quartet, Bill Evans Trio, Marcus Roberts Trio, Ahmad Jamal Trio, Gerry Mulligan-Chet Baker Quartet


Concierto mas significativo
Benny Goodman's The Famous 1938 Carnegie Hall Jazz Concert, Jazz at the Philharmonic (various concerts)


Composición mas significativa
Duke Ellington "Black, Brown, and Beige”


Composición larga mas significativa
Woody Herman “Lady McGowan’s Dream”
Duke Ellington “A Tone Parallel to Harlem”
Igor Stravinsky “Ebony Concerto”
Leonard Bernstein “Prelude, Fugue, and Riffs"
Chico O’Farrill “Afro Cuban Jazz Suite”


Gran diversidad compositiva sin sacrificar calidad
Wayne Shorter with Art Blakey's “Lester Left Town” (1960) and “This Is for Albert”(1963),
Wayne Shorter with Miles Davis's “Fall” (1967) and “Nefertiti” (1967),
Wayne Shorter's “El Gaucho” (1966),
Wayne Shorter with Weather Report's “Palladium” (1977), 
Wayne Shorter's “Atlantis” (1985)


Dos personas que practicaron mucho (individualmente y juntos)
Charlie Parker & Dizzy Gillespie “Shaw ‘Nuff”


Definitive shout chorus
Eddie Durham’s arrangement for Bennie Moten’s Orchestra of “The Blue Room” (1934)


En un futuro cercano sumaremos otro post en donde Masalis revisita algunas de estas grabaciones con mas detalle. 


Fuente: 

https://www.jazz.org/blog/wynton-marsalis-top-50-jazz-recordings/
https://www.rollingstone.com/music/music-features/wynton-marsalis-interview-essential-jazz-recordings-821914/