lunes, 3 de diciembre de 2018

Cómo fue que Nina Simone cautivó a una nueva generación

Rescato esta enriquecedora nota de la revista Rolling Stone escrita por David Browne, sobre la inmortal Nina Simone, cuya figura crece y crece. 

Desde un gran documental hasta el disco de Jay-Z '4:44', la artista que ingresó al Salón de la Fama del Rock and Roll en 2018 está en medio de un gran renacimiento cultural. En abril se cumplieron 15 años de la muerte de Nina Simone, pero a juzgar por su influencia, parece como si jamás se hubiera ido. "The Story of O.J.", de Jay-Z, incorpora un sampleo de "Four Women", de Nina Simone, y su video cuenta con una versión animada de la fallecida cantante. La canción de 2017 se suma a una lista de otros temas de hip-hop recientes que han sampleado a Simone, incluyendo "Blood on the Leaves", de Kanye West, "Understood", de Lil Wayne, y "New Day", de West y Jay-Z. Como le dijo el productor No ID a Rolling Stone el año pasado acerca del uso de sampleos de Simone por parte de Jay-Z: "Es la banda de sonido de la vida de él. Esa es la razón por la que los usa".

Hace dos años, el documental de Liz Garbus acerca de Simone, "What Happened, Miss Simone?", fue nominado a un Oscar... Dice Garbus: "No era tan famosa como Aretha, que hacía cosas más comerciales, como salir en talk shows nocturnos. Nina eligió no hacer eso. De modo que hay mucha reverencia por Nina, y una idea de que ella no recibió lo que merecía durante su vida." Simone, fallecida en 2003 a los 70 años por cáncer de mama, reescribió las reglas de lo que era ser una mujer dentro del show business. "Four Women", su canción de 1966 acerca de un cuarteto de mujeres afroamericanas (una prostituta, una activista, una mestiza y una hija de esclavos), fue prohibida en Filadelfia y otras ciudades, al igual que "Louie Louie", entre otras canciones también censuradas en la época. 

El redescubrimiento de Simone viene creciendo gradualmente desde que Tracy Chapman y el fallecido Jeff Buckley versionaron sus canciones. Desde entonces, canciones asociadas con Simone han sido versionadas por Muse, Mary J. Blige, Lauryn Hill, Usher, Feist y John Legend con The Roots, y remixadas por gente como Avicii y Postal Service. La lista tan diversa refleja la variedad de la obra de Simone. Empezando con su primer disco en 1958 (algunas de estas grabaciones fueron recientemente reeditadas como Mood Indigo: The Complete Bethlehem Sessions, seguidas del disco doble The Colpix Singles), Simone dejó una de las obras más notablemente eclécticas de la historia del pop -un viaje en la evolución de la música popular en sí misma.

Sea en concierto o en disco, nunca sabías lo que ibas a recibir con Simone. Su estilo al piano estaba influenciado tanto por la música clásica como por el jazz. Después eligió hacer canciones folk en los años siguientes -un poco de Dylan o quizás "House of the Rising Sun", donde retrataba a la joven desamparada llevada a una vida de prostitución. En concordancia con la turbulencia musical de fines de los sesenta, podés investigar un disco de Simone de esa época y enfrentarte a batido rítmico del funk, con congas aporreadas alrededor de ella, y guitarras eléctricas con wah-wah serpenteándose a su lado. (Vean "Funkier Than a Mosquito's Tweeter", de It Is Finished, de 1974). Y la versión góspel de "My Sweet Lord", de George Harrison?! Cada una reconfigurada para sonar como suya propia en lugar de ser meras reversiones fieles. No sorprende que músicos tan estilísticamente diferentes estén atraídos por ella.

Su estilo de piano podía ser refrenado y dignificado. Pero su voz -vigorosa, emotiva, hirviente- era sencilla, casi masculina, el sonido del crepúsculo. Podía pasar del suspiro más íntimo y femenino, como si no hubiera nadie más en la sala, a un grito severo y apasionado en el que la indignación, el dolor y la furia más justificados se destapaban para que todos los oyeran. Se transformó en un espejo de los cambios en la vida afroamericana desde el principio hasta el final de los sesenta.



Fuente: 
Revista Rolling Stone

lunes, 5 de noviembre de 2018

Prince Buster - Por Lutxo Pérez


El escritor español Lutxo Pérez, autor de Catarsis Rocksteady y experto en música jamaiquina, nos abre una guía de escucha a la música de Prince Buster con una lista de 60 temas del Buster intérprete y productor.

La discografía de Prince Buster lleva años oculta. Por fin, una buena parte ya está en Spotify, absolutamente maltratada en cuanto a orden y sonido. Cecil Bustamente Campbell (1938-2016) es personaje clave del sonido jamaicano. Desde la era de los sound systems en los 50, regentaba "The Voice Of The People', hasta el origen de ska, rocksteady, reggae y dub. No en vano, nació en Orange Street, la calle del ritmo de Kingston. Trabajó en todos los eslabones imaginarios de la procelosa industria musical jamaicana. Su biografía está llena de leyendas que él mismo se encargó de fabricar. Pero su historia es igualmente descomunal, igual que su discografía. En 1958 registró 'Oh Carolina' de The Folkes Brothers, con percursiones de Count Ossie's Afro-Combo, las primeras muestras de cultura rastas grabadas. La primera vez que sonó en sus fiestas el público exigió que se pinchara una y otra vez.

La independencia jamaicana del imperio británico llegó en 1962. Buster se sumó a la celebración y fue uno de los padres del ska, el primer ritmo urbano de la isla. Un estilo alegre para un momento festivo. Buster interpretó y produjo algunos de los himnos de la era. Un buen puñado de ellos fueron piedras fundacionales del 2Tone en UK quince años después: One Step Beyond, Enjoy Yourself, Madness...

En la lista incluyo muchas de sus versiones. Desde las clásicas cover ska hasta sus reconstrucciones "made in Buster" de temas como She Loves You. Como sus coetáneos, Buster fue un ladrón de guante blanco. Muchas llevaban su firma en los créditos. Además, produjo a otros artistas, como los Skatalites, a los que también robó la autoría de las canciones. La lista incluye dos de las piezas más bellas del trombonista Don Drummond: Ska Town y Down Beat BurialEn 1967, Buster se sumó al nuevo ritmo del rocksteady, más lento y adornado que el ska. A partir de Freezing Orange Street la lista recoge algunas de las joyas de este estilo. Dark Street, Nothing Takes The Place Of You y Let's go to the dance son mi tridente favorito. Este fantástico (y necesario) recopilatorio editado este mismo año por la japonesa Rock A Shacka da buena cuenta de la era rocksteady del príncipe. Los temas producidos para otros artistas son una maravilla.

A destacar la trilogía de canciones Judge Dread, que juzgaba a los Rude Boys, pandilleros reales que aterrorizaban las calles de Kingston. Estas fueron fruto de su colaboración con Lee Perry en 1967. A partir de Stand Accused, la lista recoge algunas muestras de reggae de la factoría del Príncipe. A la sazón, su última etapa como competidor en la escena de Kingston. Tras conocer a Muhammad Ali en 1964, Prince Buster se convirtió al islam. La deriva roots que tomó la música a principios de los 70 en Jamaica y su negativa a grabar a rastas le apartó del negocio. A mediados de los 70 se mudó a Miami. Aún así, le dió tiempo a producir 'The Message Dubswise', uno de los álbumes seminales del dub. En la última parte de la lista se incluye alguna de las versiones dee-jay que produjo. El Príncipe fue fundador pero llegó en forma al ritmo del futuro.

La lista comienza y termina con sendas grabaciones en directo de su gira británica de 1967. Buster fue muy popular allí, donde participó en el televisivo Ready, Steady, Go en el 64 y entró en las listas de superventas con Al Capone en el 67. Algunas de las canciones incluidas en Spotify tienen un sonido pésimo (están grabadas directamente de vinilos), hay muchos títulos incorrectos y están dentro de discos recopilatorios nunca editados. Aún así, tenerlas todas juntas es una gran alegría.
Rock A Shaka está remasterizando poco a poco su obra y entregándola, más o menos, de forma ordenada. Un trabajo difícil. Sus competidores acusaban a Buster de "saturar el mercado". En Jamaica, la isla más prolífica del planeta!

Describir su historia y señalar su importancia en un puñado de tweets es imposible (me he dejado lo de su rivalidad con Derrick Morgan!). Os dejo este obituario, escrito por Peter Mason, como complemento. 

Escuchar en Spotify 1
Escuchar en Spotify 2

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miércoles, 3 de octubre de 2018

Marvin Gaye - What's Going On - 1971

Encontré en el sitio Soundonsound una muy interesante nota sobre "What's Going On", la obra cumbre de Marvin Gaye, y como es costumbre, comparto algunos extractos con los lectores de Escuchate Esto! La entrada esta llena de datos técnicos muy disfrutables y se puede seguir con algunas rarezas disponibles en youtube.

Los años previos a la edición de "What's Going On" en mayo de 1971, Marvin Gaye 
venía desencantado por la falta de libertad artística, regida por un sistema pop comercial por parte de la maquinaria Motown y su fundador Berry Gordy (quien también era su cuñado). La muerte de su colaboradora y amiga Tammy Terrel lo hundió en un profundo pozo depresivo, al punto tal que dejó la música de lado. Cuando finalmente accedió a volver a grabar, impuso sus condiciones, que significaban tomar decisiones artísticas por si mismo sin la intervención de Gordy.

Renaldo 'Obie' Benson, miembro del grupo The Four Tops, es quien inicialmente comienza a pensar en "What's Going on" cuando es testigo de una escena en que la policía esposa y arresta a un grupo de jóvenes que protestaban contra la guerra de Vietnam: "Picket lines and picket signs/ Don't punish me with brutality”. Los compañeros de grupo de Benson se rehúsan a cantar sobre un tema tan conflictivo. Al Cleveland, otro compositor de Motown, colabora en la letra y la canción es ofrecida a Joan Baez, quien también la rechaza. Aquí es cuando Marvin Gaye entra en escena. Obie Benson y Al Cleveland van a casa de Marvin y le muestran la canción inconclusa. Marvin le pone título y agrega mas letra, mientras que enriquece la canción con su piano. 
Un veterano de Vietnam regresa a casa y se desilusiona a su país, cuyos valores supuestamente había estado defendiendo a tantas millas de distancia, plagado de pobreza, brutalidad policíaca, abuso de drogas, niños abandonados y decadencia social. El 10 de junio de 1970, Marvin Gaye entra al Studio A de Motown para empezar a grabar la canción "What's going on"

Era un procedimiento típico en Motown que una grabación fuera manejada por diferentes personas. En el caso de "What's Going on", Ken Sands y Mike McLean fueron ingenieros de grabación en distintas instancias. Sands explica: "Un ingeniero podía grabar la base de piano, bajo y batería, tal vez una guitarra también, y después otro ingeniero grababa el resto de los instrumentos: conga, pandereta, bongos, otra guitarra, Wurlitzer piano, Rhodes piano, lo que fuere, seguido después de la voz principal y los coros. Después algún otro podría grabar la sección de vientos o de cuerdas, pero no era una cuestión de especialización. Ciertos productores preferían a ciertos ingenieros, pero el trabajo era distribuido entre todos.”
Neumann U67s
En el caso de 'What's Going On', fue el ingeniero Steve Smith quien grabó batería, piano y bajo. "Así es como Marvin usualmente iniciaba las sesiones de grabación" explica Sands. "El tocaba el piano mientras que Richard 'Pistol' Allen estaba en la batería (finalmente sería reemplazado por Chet Forest, un baterista con un toque mas "swing big‑band") y James Jamerson en el bajo, y también hacía una voz principal a modo de demo." Para la voz se usaban micrófonos tube Neumann U67s (o su versión mas sólida, los Neumann U87) que proveen un sonido extremadamente limpio pero también permiten una cierta cantidad de distorsión/ compresión que llevan la grabación hasta el filo. Lo que siguió en la grabación fue todo el set de percusión, algo fundamental en el sonido Motown: la pandereta y la percusión estuvieron a cargo de Jack Ashford; bongos y congas por Eddie 'Bongo' Brown. Marvin Gaye grabó la voz principal, una "doble voz" como sugerencia de Sands, que se transformaría en una marca registrada del cantante en el futuro, llegando a grabar a veces hasta 3 voces principales para un mismo track. El saxo alto de Eli Fountain no era parte de la idea original de Gaye. Marvin lo escuchó tocar arriba del playback y le peguntó "qué es eso?" Nada, estoy boludeando" (esa sería la traducción en Argentina) fue la respuesta. "Bueno, pues boludeas exquisitamente", respondió Marvin y luego decidió dejar el saxo en la mezcla final. 

Marvin Gaye y el ingeniero Ken Sands hicieron la mezcla stereo de 'What's Going On' usando una consola Electrodyne y un par de monitores Altec 604Es. El resultado... una canción de protesta como nunca antes hubo. La canción se pregunta "Qué está pasando", de una forma relajada nos invita a reflexionar sobre los sucesos post vietnam, llama a su padre ("father, father”) en referencia a su problemática relación con su propio padre (quien eventualmente lo terminaría matando) y también con Dios. Pero también llama a su hermano ("brother, brother, brother”) no solo en forma literal, refiriéndose a su hermano Frankie, veterano de la guerra, sino a toda la humanidad. La obra maestra de Marvin Gaye y el momento mas fino de la música soul, What's Going On, una especie de loop de cuatro acordes enfocada en cómo se autodestruía el sueño americano, todo en una oscura atmósfera jazzera con uno de los cantantes mas exquisitos de la historia.

Berry Gordy rechazó lanzar el single por considerarlo demasiado jazzy. Marvin Gaye le respondía con una medida de fuerza: se rehusó a grabar cualquier otro material hasta que 'What's Going On' fuese editado. Finalmente en enero del 71, junto con 'God is love' en el lado B, se lanzaron 100,000 copias. En 24 horas la tirada se agotó y se imprimieron 100,000 mas. Alcanzando el número dos en el Billboard Hot 100, el single terminó vendiendo 2 millones y medio de copias, un récord en la historia de Motown hasta ese entonces. Predecible tal vez, Berry Gordy mandó a grabar un disco completo para acompañar el éxito, y en diez días se grabaron los otros 9 temas. "What's Going On" fue el primero de lo álbumes de Marvin Gaye en darle crédito como productor. Así que no lo dudes y Escuchate Esto! 

Youtube esta lleno de videos más que interesantes sobre la grabación de este tema y de este disco, no se los pierdan: 


De este link te podes descargar todos los tracks de la grabación original para hacer tu propia mezcla: http://remixpacks.ru/load/21-1-0-3564


Disco Completo 
Pista instrumental
A Cappella
Bass Track by James Jamerson
Background Vocals Only
Bass track L band track R
Multitrack
Mezcla alternativa sin la voz principal 

Muy interesante entrada del blog 7notasestudio.com completísima sobre Motown, con mas datos nerds!!
Harry Weinger and Questlove desarman "What's Going On"

Fuentes: 

https://www.soundonsound.com/people/marvin-gaye-whats-going
Standing In The Shadows Of Motown (Paul Justman - 2002)


Lista de canciones:

1. What's Going On
2. What's Happening Brother
3. Flyin' High (In The Friendly Sky)
4. Save The Children
5. God Is Love
6. Mercy Mercy Me (The Ecology)
7. Right On
8. Wholy Holy
9. Inner City Blues (Makes Me Wanna Holler)
10. God Is Love (Bonus Track)
11. Sad Tomorrows aka Flyin' High (In The Friendly Sky)

domingo, 23 de septiembre de 2018

Treme

Pocas cosas en el universo de la música me pegaron tan fuerte como descubrir en profundidad la ciudad de New Orleans gracias a la serie Treme. No es fácil explicar en forma correcta qué es Treme. ¿Un drama sobre New Orleans post Katrina? No. Te quedás corto. Pero al fin y al cabo, las producciones de David Simon tienen eso. The Wire jamás podría ser descripta "solo" como una serie policial. Así como en The Wire, Baltimore fue la estrella de la serie, esta vez también la protagonista de la historia resulta ser la ciudad: New Orleans, su música, su comida, su gente, su cultura. Resumo en esta entrada una maravillosa nota del diario El País donde te explican en 10 puntos porqué tenes que ver Treme.

1. La música: La serie tiene una selección musical exquisita. Desde el comienzo hasta el final es un fantástico recorrido por los sonidos que forman Nueva Orleans, bajo la piedra angular del jazz, también hay R&B, funk, folk, honky-tonk y hasta rock. 

2. Los cameos: Varios músicos aparecen en la serie con gran naturalidad, a medida que se desarrolla la trama. Elvis Costello, Allen Toussaint, Dr. John, Kermit Ruffins, Cassandra Wilson, Trombone Shorty.


3. El toque HBO: Calidad certificada. 

4. David Simon: El gran cerebro de todo esto. Sobresaliente. 

5. Los actores: Si vieron The Wire, se sorprenderán y disfrutarán del cambio de papeles de algunos actores. 

6. Los turistas:. Todos hemos sido alguna vez el típico turista que piensa que ya sabe todo de una ciudad o que se siente pronto identificado con tal aspecto cultural o que quiere conocer “todo” en apenas una semana en un lugar. Treme critica todo esto de forma inteligente. 

7. Aspecto humano de la tragedia: El desarraigo marca el desarrollo de la serie. Se puede ver cómo fueron la reconstrucción y los acontecimientos después de la tragedia del huracán Katrina. 


8. Los indios y el Mardi Gras: El papel de los indios nativos americanos en Nueva Orleans es fundamental para entender la ciudad. Ese ambiente fascinante, que mezcla Francia con Estados Unidos, tiene en el carnaval, su mayor expresión. 

9. Nueva Orleans y su swing: Es muy posible que sientas el "swing" convertirse en algo tangible.

10. La "Second Line": Es el lugar de encuentro entre el amor y la muerte, entre la celebración y la pérdida. Es la esencia de Treme. Y entiendes que Nueva Orleans es un estado del alma.

Leer la nota completa en El País
Puedes escuchar una amplia selección de las canciones de Treme en esta lista de Spotify.


lunes, 3 de septiembre de 2018

50 años de Trojan Records

El icónico sello británico de reggae Trojan Records cumple 50 años en 2018. Fundado en 1968 como una sociedad entre los jamaiquinos Lee Gopthal y Chris Blackwell, Trojan se convirtió de a poco en el sello mas importante en la edición de música jamaiquina en Gran Bretaña, así como también del reggae producido en Londres. Indudablemente Trojan hizo mas para diseminar y mejorar el reggae que cualquier otro sello. Para celebrar su aniversario, el historiador y escritor David Katz selecciona 50 de las mas esenciales ediciones, singles, albums, del catálogo de Trojan. Compartimos algunas en esta entrada de Escuchate Esto!

The Wailers / ‘Stir It Up’ (1968) Hace falta decir quiénes eran? El grupo ya venía grabando desde 1963 antes de lanzar este tema producido por ellos mismos en 1968. Armonías vocales relajadas, una bella línea de piano, una mínimalista guitarra y un poco de percusión. Alcanza y sobra.
The Uniques / ‘Watch This Sound’ (1968) Un disco muy influyente con un brillo armónico incomparable. Una adaptación del tema de Buffalo Springfield ‘For What It’s Worth’, una especie de himno anti-Vietnam. Esta es una de las primeras grabaciones del bajista Aston “Family Man” Barrett – famoso integrante de The Wailers y uno de los mas influyentes bajistas del género. El guitarrista es Bobby Aitken, otro célebre músico de la isla.

Desmond Dekker / This Is Desmond Dekkar (1969) Desmond Dacres se convirtió en Desmond Dekker bajo el ala de Leslie Kong en Beverley en la Era del Ska, aunque realmente explotó durante la Era del Rocksteady. "007 (Shanty Town)" lo impuso como un icono rude boy en Jamaica y también se convirtió en uno de los favoritos en el Reino Unido, llegando al top 15 en los charts británicos. 

Duke Reid’s Golden Hits (1969) El productor esencial del rocksteady, Duke Reid, comandó el mas poderoso sound system de Jamaica a fines de los 1950s, transportados en sus camionetas Trojan. ‘You Don’t Care’, Justin Hinds and The Dominoes’ ‘Here I Stand’, The Jamaicans’ ‘Baba Boom’ y Alton Ellis and The Flames’  algunos de los temas incluidos aquí que definen el ‘Rocksteady’.

John Holt / ‘Ali Baba’ (1969) Las primeras grabaciones de John Holt fueron hechas en los años del Ska , algunas de ellas, duos con Alton Ellis. Una vez que se inició con The Paragons, su fuerza vocal y fuerte personalidad lo convirtieron en líder natural del grupo. The Paragons fueron uno de los grupos mas populares de la era del rocksteady. Para 1968 ya inició su carrera solista manejado por Duke Reid.

Harry J All Stars / ‘The Liquidator’ (1969) Esta melodía distintiva de organo en ‘The Liquidator’ se mete bajo tu piel, tanto que se convirtió en un éxito en Gran Bretaña. El tecladista era Winston Wright.

Jimmy Cliff / ‘Vietnam’ (1969)  Bob Dylan dijo que era la "mejor canción de protesta sobre la guerra de Vietnam", y Paul Simon, luego de escucharla, viajó a Jamaica a grabar  con la misma banda de Cliff en Dynamic Sounds studio.

The Maytals / ‘Sweet And Dandy’ (1970) Toots and The Maytals conquistaron Jamaica con esa mezcla de gospel y soul, en el nuevo idioma de la isla (el reggae). ‘Sweet And Dandy’, es un equilibrio entre finas armonías vocales con un sonido de la Jamaica rural. 

Ken Boothe / ‘Freedom Street’ (1970) Un ejemplo de que la temática social siempre estuvo presente en Ken, uno de los mas importantes principales cantantes de la Isla.  

The Ethiopians / Reggae Power (1969) Luego de editar algo de ska bajo el seudónimo de Jack Sparrow (!) Leonard Dillon formó The Ethiopians con Stephen Taylor y Aston Morrison. Temas como ‘Hong Kong Flu’, ‘Everything Crash’ y ‘Gun Man’ muestran su versatilidad. 

U Roy / Version Galore (1971) El primer toaster, el primero en improvisar rimas sobre pistas instrumentales rocksteady de The Paragons y The Melodians. 

Bob Marley and The Wailers / Soul Revolution 1 and 2 (1988) El trabajo de Marley junto a Lee ‘Scratch’ Perry al inicio de los setenta. Inmortal.
The Melodians / ‘Rivers Of Babylon’ (1970) Una de sus ultimas grabaciones junto a Leslie Kong en los primeros setenta. ‘Rivers Of Babylon’ fue la marca registrada para The Melodians, una impensable adaptación Rastafari de un himno tradicional cristiano. Gigantesco Hit. 

The Vulcans / ‘Star Trek’ (1972) Uno de los discos que empuja hasta el límite de lo que es el reagge. Ken Elliott en el Moog, Rico Rodriguez en el trombón y un disco que vuela a la estratosfera.

Dennis Brown / Super Reggae And Soul Hits (1973) Dennis Brown uno de los grandes cantantes y compositores de Jamaica. Super Reggae And Soul Hits, una excelente mezcla de temas originales y algunos covers. 

The Upsetters / Double Seven (1973) Lee Perry con The Upsetters. Imaginate!

Horace Andy / You Are My Angel (1973) Gran versión del tema de Bill Withers ‘Ain’t No Sunshine’

Toots and The Maytals / ‘Louie Louie’ (1972) Chris Blackwell estaba tratando de sacar a Toots al mundo y ‘Louie Louie’ servía tanto para este fin, como para el público jamaiquino. 

Ken Boothe / ‘Is It Because I’m Black’ (1973) La fuerza y la emotividad de Ken Boothe lo convertían en la opción ideal para los covers de soul y funk, especialmente aquellas canciones con mensaje. La versión del tema de Syl Johnson ‘Is It Because I’m Black’ es genial y la combinación con el vocalitsta, tecladista y arreglador Lloyd Charmers fue la mejor opción.
Gregory Isaacs / ‘Sinner Man’ (1975) Uno de los íconos de esta música. El favorito de Keith Richards.  

Lee ‘Scratch’ Perry / ‘I Am A Madman’ (1986) No necesita mas descripciones que el mismo título del disco. grabado en Londres y También participa Mad Professor!!
Augustus Pablo / Ital Dub (1974) Augustus convirtió a la melódica, ese instrumento para enseñar a los niños los primeros rudimentos musicales, en algo maravilloso. 

Derrick Harriott / ‘Eighteen With A Bullet’ (1975) Otro de los exquisitos intérpretes y compositores del reggae. Escuchen ese órgano asesino en el tema que da nombre al disco. 

Big Youth / ‘Hit The Road Jack’ (1976) Versión relajada del clásico de Ray Charles. 

John Holt / ‘You’ll Never Find Another Love Like Mine’ (1976) Un claro ejemplo de cómo un talentoso cantante jamaiquino puede brindar una lectura completamente diferente de una canción de otro género. 

Accedé a la nota completa de David Katz aquí

Plalist completa en youtube 



jueves, 16 de agosto de 2018

Aretha Franklin - 1942 - 2018

Seguramente algunos seguidores de este blog esperen una especie entrada especial sobre la muerte de Aretha. Pues no. Hay mucho y muy bueno dando vuelta estos días por la web (de hecho comparto algunos links aquí abajo). Lo mas valioso que tengo para decir sobre Aretha Franklin es que para mí el primer registro de la palabra (y del sonido) SOUL que tengo en mi vida, llegó gracias a ella. En esa escena de The Blues Brothers donde Matt Murphy suplica a Aretha que lo dejé ir a tocar con sus amigos, y ella le tira toda su potencia y le exige que piense (Think). Ese fue mi primer acercamiento a esta música y por eso, elijo recordarla con ese tema. Si quieren me preguntan por un disco de Aretha, ese debería ser Aretha's Gold, uno de los mejores compilados que un artista podría pedir. 





Aquí algunas lecturas recomendadas de estos días

The Best Photos

Aretha y el jazz

All songs consedered podcast

John Landis y el rodaje de The Blues Brothers con Aretha

Portada de The New Yorker

Repaso por las canciones de Aretha

Por qué Aretha Franklin es la mejor cantante de todos los tiempos 

Aretha y Respect

Tributo a Dinah Washington por Escuchate Esto!



domingo, 12 de agosto de 2018

Bettye Crutcher

Como desprendimiento de la entrada anterior en la que compartimos la historia de Johnnie Taylor, debemos hablar también de Bettye Crutcher, la única compositora mujer de Stax Records.

La vida debió haber sido dura para Bettye en aquellos tiempos en Memphis, siendo madre soltera de 3 hijos, mujer, de raza negra y con educación primaria báscia. Al final de cada día, Bettye escribía canciones en un anotador, tenía muchas canciones escritas, pero llegar a la industria musical era difícil. De alguna forma se las arregló para mostrar una de sus canciones a David Porter, quien le dijo simplemente “este es el tipo de canción que necesitamos.” La canción que despertó el interés de Porter fue ‘Somebody’s Sleeping In My Bed,’ una canción inspirada en el cuento clásico "Ricitos de Oro y los tres osos", que Bettye le contaba a sus hijos a la hora de dormir.


Bettye unió fuerzas creativas con 
Homer Banks y Raymond Jackson y formaron el grupo compositivo llamado “We Three”. Juntos escribieron algunos de los mas grandes éxitos de Stax, como “Who’s Making Love”, también grabada por Johnnie Taylor. 

Hoy día, Bettye Crutcher aún pertenece a la familia Stax dando clases en la Stax Music Academy y posó su foco creativo diseñando joyería.