martes, 20 de agosto de 2019

1959: El año que cambió el Jazz

1959 fue un año bisagra para el jazz con la edición de 4 varios discos fudamentales, “Kind of Blue”, “Time Out”, “Giant Steps”, entre otros. Te presentamos el documental que devela su vital importancia.
Extraído del site Depóstito Sonoro 





1959 fue un año trascendental para el jazz, cuando la complejidad del bebop dio paso a nuevas formas, otorgando a los músicos una libertad sin precedentes para explorar y expresarse. Fue también un año clave para Estados Unidos, en términos del movimientos por los derechos sociales, con el jazz como fondo urbano que no escapaba a esta realidad

Ese año se editaron cuatro grandes discos: “Kind of Blue”, de Miles Davis, “Time Out”, de Dave Brubeck, “Mingus Ah Um”, de Charles Mingus, y “The Shape of Jazz to Come”, de Ornette Coleman. Raras imágenes de archivo y de actuaciones en vivo contribuyen a revivir la época y a develar la importancia vital de estos discos en 1959 y su influencia posterior.



Otros lanzamientos fundamentales de 1959, dos de ellos, desprendimientos de "Kind of Blue":

'Giant Steps' - 
JOHN COLTRANE
Como si 'Kind of Blue' hubiera hechizado a Coltrane (1926-1967), dos semanas después de grabar con Davis el saxofonista entró al estudio y en dos días salió con un álbum que significó un «paso de gigante», como indica su título. En este disco se perfila lo que más tarde sería conocido como «las sábanas de sonido», y que le liberaría en la improvisación hasta desconocer los límites temporales. 

'Portrait in Jazz' - 
BILL EVANS
Y ocho meses después de 'Kind of Blue', Bill EVans salió con un álbum influyente y definitivo para todo pianista de jazz y del formato del trío. Con Scott LaFaro en contrabajo y Paul Motian en batería. 

Fuentes:
https://twitter.com/DepositoSonoro
https://depositosonoro.com/2019/08/18/mira-el-documental-1959-el-ano-que-cambio-el-jazz/
https://www.larioja.com/culturas/musica/jazz-sacudio-mundo-20190818165004-ntrc_amp.html?__twitter_impression=true
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viernes, 2 de agosto de 2019

Blue Note y la concepción gráfica del Jazz

Las portadas de Blue Note son un verdadero ícono gráfico y referencia ineludible en la historia del arte de la industria discográfica y mas allá. Comparto algunos pasajes de la nota de Victoria Gee para Cryptamag en donde explica la génesis y la importancia de la identidad gráfica del legendario sello de jazz.

Blue Note ha sido tan imitado musicalmente como en lo que respecta al estilo estético-artístico de sus portadas y packaging. La distinción de sus portadas es mundialmente conocida, siendo una importante fuente de inspiración para posteriores corrientes dentro del diseño gráfico. Las portadas más famosas del sello en su mayoría fueron trabajadas por Reid Miles en la maquetación e ilustración y Francis Wolff como ojo fotográfico. Pero, también hubo otros pioneros olvidados que pusieron su granito de arena en la ilustración del sello. Paul Bacon diseñó portadas de discos como “Milt Jackson: Wizard of theVibes” (1952). Uno de los talentos de Bacon fue el de utilizar de forma ingeniosa y llamativa la fuente. Este era el comienzo de lo que sería uno de los puntos fuertes en el diseño de Blue Note: la tipografía. 



El segundo diseñador que colaboró con Blue Note fue Gil Mellé. Diseñó las portadas de los discos de su propio cuarteto y también trabajó para Prestige Records. En 1953 John Hermansader ilustró los primeros discos de Modern Jazz Series creando un estilo muy particular jugando con siluetas ondulantes y recortes tipo collage. Blancos y negros, tipografías dispares, tintados azules, tintados rojos son algunos de los signos que caracterizan el estilo de Blue Note. El diseño vanguardista de sus portadas rompió los esquemas estéticos de la época. Reid Miles introdujo numerosos elementos rompedores que definieron la identidad del sello e incluso la concepción gráfica del jazz.

Diseño gráfico y fotografía eran magistralmente combinados de forma que la portada resultante fuera un trabajo totalmente compacto y con un solo concepto apegado a la composición musical.

Una de las cosas que hacían especiales las portadas era la colaboración de Francis Wolff y su manera de trabajar la fotografía. El hecho de captar imágenes durante los ensayos, hacía que esa atmósfera ferviente de improvisación y espontaneidad se reflejara a la perfección en los negativos. Todo aquello se salía del modelo de portada establecido anteriormente por otras discográficas y por lo que entonces dominaba en el mercado musical. Figuras estáticas, poses rígidas y sin alma abundaban en la escena. Productos casi manufacturados y sin ninguna sensibilidad artística, por no hablar del componente racista de las productoras. Blue Note al contrario, cerraba el concepto musical con la portada adecuada, por lo que nada era casualidad.

Ciertamente el eje que hacía girar el trabajo gráfico de la discográfica, era la perfecta compenetración entre el fotógrafo y el diseñador. Francis Wolff y Reid Miles constituyeron uno de esos binomios míticos. 
El estilo de Reid radicaba en la forma en la que combinaba los elementos gráficos. Supo introducir la fotografía en un género musical dominado por ilustraciones. Pero cuando la tecnología mejoró y se posibilitaron las impresiones de fotografía a color por un precio asequible, la ilustración cayó en picada. Lo que el público quería ver era la imagen del artista. Blue Note, supo captar algunos elementos del diseño gráfico (especialmente la tipografía) y lo mejor de la fotografía. Aunque actualmente podamos reconocer y captar al instante la originalidad del estilo de Miles y Wolff, tardaron una década en establecerse como estándar frente a lo que se hacía a su alrededor.
Una de las anécdotas que más llama la atención, es que en sus primeros años la discográfica disponía de un presupuesto bastante bajo para la producción de sus diseños, y lo que más económico resultaba eran los tintados de blanco y negro en colores primarios como el cian, amarillo y magenta (y sus respectivas mezclas), un recurso bastante original que acabó convirtiéndose en una técnica característica del sello, siendo ni más ni menos que la pura adaptación de un artista con ingenio a una situación precaria. Las fotografías de Wolf retratan el ambiente en el que los músicos se movían día a día. Cubría casi todos los ensayos y sesiones de grabación para el material publicitario, aún hoy en día ese mismo material sigue ilustrando los libretos de las reediciones.  Si bien Blue Note era la discográfica dominante en la Costa Este durante los ‘50 y ’60, en lo que respecta a lo gráfico, Prestige y Riverside también ofrecían trabajos bastante interesantes a la industria en una línea parecida a la de Blue Note. 




El estilo artístico de Blue Note ha significado tanto para la historia del diseño de portadas que varios artistas han querido rendir homenaje a la famosa discográfica, como el Wu-Note Project en el que se reinventan las portadas de Wu-Tang Clan al más puro estilo Blue Note.

Podes ver las portadas de Blue Note en este link: http://www.birkajazz.com/archive/blueNote1500.htm

Fuentes:
http://www.cryptamag.es/blue-note-y-la-concepcion-grafica-del-jazz/

martes, 30 de julio de 2019

RIP Art Neville - 1937 - 2019

Art “Poppa Funk” Neville pasó mas de medio siglo dando forma al sonido de New Orleans. El tecladista y cantante fue miembro fundador de The Meters y The Neville Brothers, y fue la voz del himno “Mardi Gras Mambo.” El 2019 es un año complicado para los teclados de New Orleans, con los fallecimentos de Dr. John, Dave Bartholomew y Art Neville, quien falleció el 22 de julio a los 81 años.  


Arthur Lanon Neville nació el 17 de diciembre de 1937. Influido por The Orioles, The Drifters y otros grupos de doo-wop, así como también por el piano de Professor Longhair y Fats Domino, a los 17 fue la voz principal de la versión de 
The Hawketts “Mardi Gras Mambo.”, uno de los clásicos de los carnavales de New Orleans, que siguen sonando cada año. 


Entre fines de los 50 y principios de los 60 grabó muchos singles clásicos de rhythm & blues, como "Cha Dooky Doo" y "All These Things,". Tuvo su propio grupo a mediados de los 60: Art Neville & The Neville Sounds. Participó como músico residente en la banda de Allain Toussaint. Para 1968 se rebautizaron The Meters editando material propio: Art Neville, organo y teclados; Ziggy Modeliste, batería; Leo Nocentelli, guitarra y voz; George Porter, Jr, bajo... The Meters crearon un molde para la música que vendría en New Orleans. Cyril Neville se unió como percusionista y en los setenta giraron con los Rolling Stones y participaron del disco en vivo de Paul McArtney "Venus and Mars" / The Meters (escuchar)


Los Meters se disolvieron pero Art y sus tres hermanos, junto con su tío, Big Chief George “Jolly” Landry, grabaron un disco en 1976: “The Wild Tchoupitoulas.” Nacía The Neville Brothers. Funk, rhythm & blues, Mardi Gras Indian music y soul, siempre con un sonido propio de la ciudad y de los Neville. El legado de los Neville Brothers sigue aún hoy con los herederos, hijos, sobrinos, nietos de los miembros originales. / The Neville Brothers (escuchar)


Fuente: Nola.com 


lunes, 1 de julio de 2019

The Aggrolites - Reggae Now! - 2019

Cuando uno es fanático de una banda, 8 años sin material nuevo puede ser mucho tiempo. Sin contar los 3 temas que subieron a bandcamp en 2015, The Aggrolites no producía material nuevo desde 2011. Pero aquí está finalmente, el álbum se llama Reggae Now! y viene a reafirmar que estamos ante la mejor banda de Rocksteady y Skinhead Regagge del mundo.

Reggae Now! es el sexto disco de The Aggrolites, fue grabado durante 2018, y es el primero lanzado bajo el sello Pirate Press Records. Escuchas "Pound For Pound“, el tema que abre el disco y listo, estás adentro, es indestructible. El agudo sonido del fill de redoblante, el fabuloso tono del órgano, y la voz poderosísima de Jesse Wagner hacen que The Aggrolites suene como un clásico Studio One de Jamaica.

"Say Or Do“, "Love Me Tonight“... Acaso hay otra banda en el mundo que haga rocksteady a la manera que sonaba en el '67, como lo hacen ellos? Lo dudo. “Groove Them Move Them,” con una melodía simple pero irresistible, celebra la música jamaiquina en general, habla de Bond Street, Orange Street, diferentes calles de Kingston que vieron el nacimiento del género, los estudios legendarios y de sus figura icónicas. Y este track tiene el ingrediente extra de las voces de Alex Désert y Deston Berry de Hepcat. Lo bueno de este disco es que encaja perfectamente en sus trabajos anteriores pero sin sonar redundante pero al mismo tiempo. Sus influencias están muy presentes, Alton Ellis, Toots & The Maytals, Desmond Dekker, Prince Buster. El tema "Hurry up" podría estar tranquilamente en cualquier colección de Trojan Records.Como dice Roger Rivas, tecladista de The Aggrolites, "la música jamaiquina de fines de los 60 es nuestra influencia principal, por eso encaramos los temas instrumentales con la misma importancia que los cantados." “Aggro Invasion”, por ejemplo, o "Western Taipan". Siempre pensé que si alguna vez Stax Records editara una banda de reagge o rocksteady, esa banda deberían ser The Aggrolites. Donde tantos otros suenan como simples copias, ellos tienen un ingrediente soul que trasciende lo meramente jamiquino"People Win" o "Why you Rat", son esos temas que los escuchas una vez y ya los estas cantando. Como dice Lynval Golding, cantante y guitarrista de The Specials, "Cuanto mas pasan los años, más clásicos y jamaiquinos suenan".

En este tiempo en que no editaron material nuevo, los miembros de la banda los pasaron grabando sus propias músicas solistas, produciendo bandas de la nueva generación de reggae de la Costa Oeste, sumándose a otras bandas como The Long Beach Dub Allstars, HepcatOtis - Stax inspired soul revue en proyectos paralelos propios, como JukeBox 101 o Happy Wags. Pero The Aggrolites no estuvieron desactivados del todo y realizaron algunas giras por Estados Unidos y Europa.
Todos estos años también los han ayudado a madurar y acrecentar su status como banda. A esta altura y en medio de la escena actual de Los Angeles, podrían ser considerados veteranos y clásicos y su #DirtyReggae ha influido en cientos de bandas. El cineasta y músico inglés Don Letts, dice que "el sonido análogo de Los Aggrolites lo podés escuchar en las viejas grabaciones jamaiquinas, capturan totalmente el sonido con el que crecí." 

Como dice Rivas, “REGGAE NOW! es un disco que lo podes dejar sonando de punta a punta, y tal vez no pase eso con ninguno de nuestros discos anteriores. Cada canción puede ser la favorita de alguien". Para cerrar esta entrada, vuelvo a citar a Lynval Golding desde la contratapa de Reggae Now!: "Este es EL disco, es hora de decirlo y el mundo lo aceptará sin lugar a dudas, estamos ante un clásico, un Campeón". Por eso, no lo dudes y Escuchate Esto! 




Fuentes:
larecord.com/


1 Pound For Pound

2 Say Or Do
3 Groove Them, Move Them
4 Jackpot
5 Hurry Up
6 Love Me Tonight
7 Western Taipan
8 People Win
9 Help Man
10 Invasion
11 Why You Rat
12 15 Or 50
13 Aggro Reggae Party
14 Shadow Walk

Vocals, Guitar – Jesse Wagner

Organ, Piano, mezcla – Roger Rivas
Bass – Jeff Roffredo
Drums – Alex McKenzie 
Guitar – Ricky Chacon

viernes, 21 de junio de 2019

La música que nunca volveremos a escuchar

Esta semana me topé con un tweet del periodista Federico Martínez Penna que decía:  
"Esto es tremendo. Resulta que en 2008, Universal se mandó un moco y se les prendió fuego un depósito con 500.000 CINTAS Y MASTERS IREEMPLAZABLES. Cuestión... se destapó la olla y el presidente de Universal ya decidió salir a blanquear junto con sus ejecutivos que fue exactamente lo que se perdió." Poco después Martin Sassone desde su blog Malbec Blues titulaba: "La mayor catastrofe musical de la historia". 

La síntesis de la noticia indica que una investigación periodística de The New York Times titulada "The Day the Music Burned" reveló que que el 1º de junio de 2008 en los estudios de Universal Records, en Los Ángeles, un incendio hizo desaparecer más de medio millón de másters originales de canciones de todos los géneros. Algo que originalmente se había informado como una pérdida menor, ahora se revela como algo de dimensiones incalculables. En aquel momento no se develó la magnitud del desastre, la compañía intentó ocultar la gravedad del asunto y evitar la “vergüenza pública” que eso suponía para la empresa. 

Con esta catástrofe  se han perdido másters originales de artistas como Billie Holiday, Louis Armstrong, Duke Ellington, Ella Fitzgerald. Se perdieron prácticamente todas las grabaciones de Chess Records de artistas como Chuck Berry, Muddy Waters, Little Walter y Bo Diddley. También de otros como Ray Charles, B.B. King, Four Tops, Joan Baez, Joni Mitchell, Al Green, Eric Clapton, The Eagles, Aerosmith, Tom Petty & the Heartbreakers, The Police, Nirvana, Beck, Sheryl Crow, Aretha Franklin, John Coltrane y la lista sigue. 

No solo se perdieron cintas magnéticas, sino también m
ásters guardados en cintas digitales o discos duros, grabaciones multipistas, crudos con material descartado que se almacenaban en esos depósitos. Es imposible precisar qué había en cada cinta o disco duro, ni tampoco que clase de máster era. No había un inventario tan exhaustivo. Incluso información en las latas o en las cajas también se perdió. 

Es problable que una pregunta venga a tu mente:
"Pero acaso todo esto no estaba digitalizado, no esta en spotify, no hay cds, cuál es la vital importancia de la perdida de estos m
ásters?". Seguro estos pasajes que rescaté de la investigación de The New York Times te van a aclarar las cosas 

"Es la fidelidad sonora por sobretodo, lo que define la importancia de los másters. Un máster es la verdadera captura, el momento justo de la música grabada. Cada copia que se hace, se aleja sonoramente un paso mas del original. El remedio? Volver al máster. Esta es una razón por la cual las reediciones de los discos clásicos se promocionan como "remasterizados de las cintas originales". Para que se entienda, el máster de una grabación es ESA grabación, es lo mas cercano a una máquina del tiempo que puede existir, el lugar y el momento justos. El máster contiene los detalles de la grabación en la forma mas pura: el grano en la voz del cantante, los timbres de los instrumentos, el ambiente en el estudio. Contiene la esencia que solo puede ser captada cuando te encontrás cara a cara con esa pieza de arte, sin intermediarios. ¿Es lo mismo ver el original de un cuadro que una reproducción, o una foto de ese cuadro? Con la grabación del sonido pasa lo mismo. El máster es la forma mas pura de apreciar el sonido que existe. Con recursos tecnológicos, el máster puede ser, potencialmente, "mejorado". La música de John Coltrane o de Chuck Berry no ha desaparecido. De hecho ahora mismo podes escuchar esos temas cuyos masters se perdieron en cualquier plataforma de streaming. Pero aún así, ese material representa una pérdida irreversible. Cuando las cintas desaparecieron, también lo hizo la posibilidad de que en el futuro cualquier tipo de revelación sonora pudieran venir con el acceso a las grabaciones originales. Y lo mismo con cualquier grabación extra o tomas no utilizadas que pudieron haber existido. Música que pudo haber sido nunca escuchada por nadie, después de haber sido grabada. Música que nunca volveremos a escuchar.



Fuentes:
The New Yor Times
Malbec Blues Blog

Fotos: The New Yor Times





martes, 11 de junio de 2019

Dr John - Locked Down - 2012

Ante la triste noticia de la muerte de Dr. John ocurrida el 6 de junio, me puse a repasar los momentos mas fuertes que me unen a su figura. Y recuerdo muy bien la primera vez que lo escuché y lo vi. Mi amigo El Gaita había comprado el VHS con el Tributo a Stevie Ray Vaughan y recuerdo que entre tantos guitarristas, B.B. King, Jimmie Vaughan, Eric Clapton, Robert Cray, Buddy Guy, el que me sorprendió e impactó de manera mas fuerte fue Dr. John. Un hombre que lucía bastante desmejorado de salud, incluso con un bastón y muchas plumas y parafernalia vudú (años mas tarde entendería de qué se trataba todo eso) pero que hizo una versión de Cold Shot tan personal, tanto desde lo vocal como desde lo pianístico, que me hizo replantear todo aquello que yo conocía sobre el blues y darme cuenta que había un mundo mucho mas grande en este género, que aquel que yo conocía. 

Diego Manrique le dedica a Mac Reneback, aka Dr John una columna en el Diario El País de España, que sirve mucho para que aquellos que no lo conocieron, sepan de qué clase de artista estamos hablando. Comparto algunos pasajes:


"... Una condena por narcóticos, le obligó a Los Ángeles, donde prosperaba una pequeña colonia de instrumentistas procedentes de Nueva Orleans. Allí, aprovechando los tiempos muertos en sesiones de grabación para Sonny & Cher y otros, fue forjando el personaje de Dr. John Creaux, alias The Night Tripper. Supuesto descendiente de un brujo del siglo XIX, era un creyente que reinventaba el folclore del vudú de Luisiana, los carnavales de Nueva Orleans, los lamentos de la temible prisión estatal de Angola, con cantos corales y ritmos globalistas. Los primeros discos de Dr. John, calificados como “psicodélicos” a falta de mejor etiqueta, solo causaron gran impacto entre la aristocracia pop de Londres. En 1972 desde el sello Atlantic, le hicieron perder definitivamente el pudor a cantar y le empujaron a recuperar la opacada tradición del rhythm and blues de Nueva Orleans, rica en éxitos pero escasamente valorada, lo que logró con el enciclopédico disco Gumbo. En 1973, llegó al gran público con In the right place, producido por Allen Toussaint con el músculo instrumental de The Meters: allí estaba la citada Right place, wrong time o la muy golfa Such a night. Atención: ninguno de estos discos se grabó en Nueva Orleans. O Dr. John tenía allí cuentas legales pendientes o bien no se fiaba de sí mismo: seguía consumiendo heroína. Fuera del sello Atlantic, su carrera fue dando tumbos. Participó en Triunvirate, un supergrupo imposible con Mike Bloomfield y John Hammond Jr. Durante unos años, parecía una presencia bonachona, requerida por las superestrellas para que aportara los fuertes sabores de su ciudad natal..."


Volviendo a mi propia experiencia, otros momentos que me unen a Dr John. fue cuando Disney le dedicó una película a su ciudad con "La Princesa y el Sapo" y Mac interpretó el tema principal, "Down in New Orleans"; o sus tributos a Duke Ellington y Louis Armostrong; su participación en la serie Treme o en el documental "Piano Blues" de Clint Eastwood, donde confeso que con tantos pianistas en New Orleans, le pareció que lo mas inteligente era hacerse guitarrista; o su épica interpretación de "I'd Rather go blind" con Etta James .

Pero de todos esos momentos, quiero destacar lo mucho que me llegó el album "Locked Down" de 2012. Y comparto algunos párrafos acerca de ese disco 
de una de las revistas de arte y cultura mas respetadas, Jot Down Magazine de España, titulada "
Locked Down: los gloriosos 70 años de Dr. John" por 


"...Estamos acostumbrados a que la producción discográfica de los músicos más veteranos vaya perdiendo interés a medida que se agranda la importancia de su figura. ... Pero Dr. John no ha bajado la guardia y "Locked Down", su último y reciente disco, es una prueba más que contundente de ello. En pleno 2012, y peinando canas desde hace mucho, mucho tiempo, le ha dado una lección a muchísimos artistas jóvenes: la música, como el amor, no tiene edad, siempre que se ponga verdaderamente el corazón en ello. El disco ha sido producido por Dan Auerbach, guitarrista de los Black Keys, quien ha dejado su sello inconfundible en muchos momentos de Locked Down pero (y aquí está lo meritorio) sin intentar imponerse por sobre el mito viviente con quien estaba grabando. De hecho, Auerbach ha sido lo bastante hábil como para saber darle un delicioso toque “vintage” —que no anticuado— al sonido del disco, y sus aportaciones “a lo Black Keys” por fortuna han enriquecido, más que entorpecido, el resultado final. Y lo digo yo, que no soy necesariamente un fan incodicional de Black Keys. No es que Dr. John necesitase un rescate creativo (ahí estaba su disco de hace un par de años, Tribal) pero no se ha negado a considerar una opinión ajena y no ha tenido miedo de que un músico mucho más joven tomase el timón en la producción del disco. La jugada ha resultado satisfactoria.


Locked Down es un gran disco publicado por un músico que se niega a ser relegado al baúl de los juguetes rotos, que no ha querido renunciar a su personalidad característica pero que tampoco ha querido estancarse en la apuesta segura hacia sí mismo. Su música sigue siendo de raíces —nada de experimentos “tecno” ni esas zarandajas a las que torpemente recurren muchos músicos veteranos cuando pretenden renovarse— pero esa música de raíces a veces suena curiosamente limítrofe y extraña, lo cual le da un aire muy interesante. Dr. John ha jugado en los límites de su territorio, el rhythm & blues tradicional, sacando punta a algunos flecos aquí y allá. Mientras ha ofrecido su solidez de costumbre también ha querido que el oyente se vea obligado a prestar atención, que se encuentre un poco incómodo —en el buen sentido— y no se duerma en la sensación de “ah, es otro disco de Dr. John y suena a lo de siempre”.  Sí, es el Dr. John de siempre, pero suena a lo que sonaría Dr. John en pleno 2012. 

Escuchar Locked Down
Fuentes:
Diario El País
Jot Down Magazine



Dr John y Dan Auerbach con su Grammy a Mejor Album de Blues

Músicos:

Dr. John - keyboards, lead vocals
Dan Auerbach - guitar, percussion, background vocals
Max Weissenfeldt - drums, percussion, background vocals
Leon Michels - keyboards, percussion, woodwinds, background vocals
Nick Movshon - upright bass, percussion, background vocals
Richard Windmann - electric bass
Brian Olive - guitar, percussion, woodwinds, background vocals
The McCrary Sisters (Regina, Ann & Alfreda) - background vocals

Todos los temas compuestos por Mac Rebennack, Dan Auerbach, Maximilian Weissenfeldt, Leon Michels, Nick Movshon, Richard Windmann y Brian Olive.

"Locked Down"
"Revolution"
"Big Shot"
"Ice Age"
"Getaway"
"Kingdom of Izzness"
"You Lie"
"Eleggua"
"My Children, My Angels"
"God's Sure Good"

Para despedir a Dr John, rescato las palabras de gran Trompetista Terence Blanchard, publicadas en la revista Time
Era una típica ilustración de lo que significa ser de : una combinación de Cajun, blues y jazz y lo podías escuchar en la forma en que tocaba el piano y en la forma blusera en que cantaba. Dr John creó música que llegó al corazón de mucha gente alrededor del mundo 🙋‍♂️pero nunca permitió que eso cambiara quién era. Durante su vida, siempre llevó la cultura y el espíritu de la ciudad dondequiera que fuera. junto con , crearon un sonido que es único y esta asociado directamente con la historia de . Cuando pienses en la ciudad, esos serán los nombres que vendrán a tu cabeza.

lunes, 3 de junio de 2019

Buscando a Scrapper Blackwell, el bluesman mas popular que jamás escuchaste

Hace un tiempo en twitter, la usuaria SoulSolete publicó algo sobre un personaje cuyo nombre me sonaba, pero no conocía demasiado: Scrapper Blackwell. Claro! Fue el autor de un par de canciones que versionó Clapton. En Guitar World encontré esto sobre Scrapper, uno de esos personajes influyentes pero desconocidos y comparto algunos pasajes del texto escrito por Shane Speal *.

Eric Clapton hizo un cover de su canción “Nobody Knows You When You’re Down and Out” casi nota por nota. Rory Gallagher lo mencionó como una de sus mas grandes influencias. Por Dios, incluso Robert Johnson convirtió su "Kokomo Blues” en una oda a Chicago. Pero quien recuerda a Scrapper Blackwell, el nativo de Indianapolis que estuvo en la cima del mundo entre 1928 a 1935?


Su nombre era mencionado como uno de los grandes del blues que se inició con una cigar box guitar. En su entrevista final un año antes de su asesinato, Blackwell describe su primer guitarra. "Nunca nadie me enseñó nada en mi vida y la primer guitarra que tuve la hice yo mismo. Con el cuello de una mandolina y una caja de cigarros. Le puse seis cuerdas y empecé a tocar"
Entre 1928 y 1935, Scrapper Blackwell y su compañero, el pianista Leroy Carr, fueron el dúo de blues mas popular en América. Su primer hit, “How Long, How Long Blues,” fue el blues mas importante de 1928. De hecho, se imprimieron tantas copias, que el master original se destruyó! Vocalion Records llamó a Carr y Blackwell nuevamente al estudio para grabar “How Long, How Long Blues No. 2” y “How Long, How Long Blues No. 3!”. Y esta vez no sucedió lo que suele suceder en otras trágicas historias de bluesmen: Vocalion le pagó al dúo en forma justa, cada uno se llevó un neto de 4 mil dólares, lo que se podría traducir en unos $55,000 hoy día. Y siguieron cobrando cheques por regalías cada seis meses. Por los siguientes años Carr y Blackwell continuaron su seguidilla de hits, incluyendo “Kokomo Blues,” “Blues Before Sunrise” y “Mean Mistreater Mama.” Pero llegarían los problemas cuando el nombre de Blackwell fuera omitido por el sello y algunos singles publicaron únicamente el nombre de Leroy Carr como intérprete. 

Scrapper entró al estudio en algunas ocasiones entre 1931 y 1932 para grabar algunos discos solistas increíbles bajo su propio nombre  A veces cantaba sobre hacer y beber su propio whisky artesanal, como en “Down in Black Bottom.” Se puede escuchar su fluida técnica de púa, grabada cuatro años antes de que Robert Johnson grabara algo de su material. Blackwell y Carr volvieron a grabar juntos y siguieron hasta 1935, finalizando su sociedad con una amarga sesión en febrero de ese año. Ambos dejaron el estudio en malos términos, en medio de una discusión por dinero. Dos meses después, Carr moría por una nefritis causada por su alcoholismo. Blackwell grabó un tributo a su socio ("My Old Pal Blues") y luego abandonó su carrera musical, para trabajar en una fábrica de asfalto.


Blackwell fue redescubierto a finales de los 50, en la pobreza y viviendo en casa de un primo. Ni siquiera tenía una guitarra. Cuando le dieron una, fue como si el tiempo no hubiera pasado ni hubiera perdido un solo yeite. Era el boom de la música folk, y Blackwell era el héroe que la escena de entonces estaba necesitando. Lo llevaron de vuelta al estudio para grabar 3 discos e incluso planeando apariciones en diversos festivales. Todos los planes se cancelaron el 7 de octubre de 1962 cuando a Scrapper le dispararon en la puerta de su casa en un aparente asalto, crimen que nunca se resolvió. 

Blackwell dejó gran cantidad de grabaciones y su sonido influyó a generaciones de músicos (ya sea que lo conozcan o no). Bob Dylan dijo, "Hay una fuerte línea en toda mi música que puede ser encontrada directamente en Scrapper Blackwell. Fue un verdadero grande quien merece mucho mas de lo que le dieron."


Escuchar a Scrapper >

* Shane Speal es un gran exponente de la "Cigar Box Guitar" y es el creador del movimiento de la cigar box guitar moderna.

Fuentes:
ShaneSpeal.com
www.guitarworld.com