Desde aca quiero compartir mis discos, canciones o artistas favoritos de música de raíces afro... Blues, Soul, Funk, Ska, Reggae, Jazz... incluso Rock & Roll. También estamos en ivox
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Son contadas con los dedos las sociedades musicales que han sido tan mágicas como las de Howlin’ Wolf y su guitarrista, Hubert Sumlin. En los 22 años juntos, Sumlin tuvo un rol central en la creación de algunos de los temas mas memorables e influyentes del siglo en la música negra americana. Su toque tan económico, sus notas estiradas a la perfección, el toque mágico de sus dedos y su original abordaje rítmico, fueron tan importantes para el blues como la poderosa voz y escena que desplegaba el mismo Howlin Wolf. En esta entrada de Escuchate Esto! repasamos algunos de los grandes clásicos del blues de Chicago y les presentamos a uno de los guitarristas mas importantes de la historia.
Jimi Hendrix casi siempre tocaba el cover de “Killing Floor” por su amor a Sumlin; los Rolling Stones asumieron un riesgo importante grabando "Little Red rooster" y editandolo como cara B en un single; Eric Clapton llevó a Wolf a grabar a Londres en 1970 y dijo "Si Hubert no viene, no hay grabación". Estos son algunos de los múltiples homenajes que marcan la importancia de esta dupla imbatible.
En una entrevista para la revista Guitar World, Hubert rememora: "Cuando era un niño quería ser un guitarrista de jazz, como Charlie Christian, pero también amaba el blues. Charley Patton era un mago, un genio. Si Wolf y Muddy son los padres del rock and roll, entonces Charley Patton, Lonnie Johnson, Robert Johnson, son los abuelos."
Hubert Sumlin contaba que su gran salto lo dió cuando dejó de tocar con púa y empezó a usar sus dedos: "Sentía que estaba tocando mejor que nunca, no necesitaba nada mas que mis dedos, comencé a tocar con mas alma... nunca mas agarré una púa. Ese fue mi secreto para abrir muchas puertas, mi tono, mi sonido, todo empezó a cambiar entonces." Otra de sus grandes influencias fue haber tocado junto a Jimmy Rogers durante los seis meses que Sumlin fue parte de la banda de Muddy Waters.
Hubert Sumlin se unió a la banda de Wolf en el 54 y se quedó hasta 1976, año de la muerte del cantante. Aunque le costó sobreponerse a la muerte de Wolf, Hubert continuó con su carrera grabando varios discos solistas. Su actividad en este siglo marca su participación en el concierto / documental Ligthnin' in a Bottle, de 2003, producido por Martin Scorsese, la edición del cd “About them shoes” (2005), con la colaboración de Eric Clapton y Keith Richards (quien lo ayudó a afrontar su gastos médicos en la última etapa de su vida) y apariciones en escenarios junto a figuras como Robert Cray y Jimmie Vaughan. Su último trabajo fue junto a Kenny Wayne Shepherd en 2010 en el disco "Live! in Chicago." Todos los que lo conocieron bien coinciden en que Hubert nunca actuaba como una gran estrella, era un tipo normal, a pesar de lo grande que fue su influencia y su obra. Su muerte se produjo el 4 de diciembre de 2011 y los gastos de su funeral estuvieron a cargo de Mick Jagger y Keith Richards. Compartimos una lista de los temas mas importantes de Hubert Sumplin acompañando a Howlin Wolf, publicada en el blog Stompbeast.
El amigo Angel, del blog Zeppelin Rock Sabbath me desafió a armar una playlist con los mejores temas o discos de Stevie Wonder. Acepté el desafío, cualquier cosa que tenga que ver con Stevie siempre es un placer. Pero como para ponerle un poco
mas de condimento a la cosa, mi objetivo fue no elegir ninguno de los temas
incluidos en el clásico compilado de Wonder "Song Review" (1998). Es
como que te pidan los mejores temas de Marley y acudas a "Legend". Así que, sin ningún orden ni criterio específico, comparto en Escuchate Esto! mis temas
favoritos del genio de Stevie Wonder de su época dorada
"I Believe (When I Fall in Love It Will Be Forever)" Talking Book / 1972 Muchos
conocerán el tema porque cierra la excelente High Fidelity (2000 -
Richard Linklater). "I Believe" empieza como una simple balada, y como
es tranquilo arroyo que se convierte en tormentoso río, deriva en un
himno gospel blusero poderoso. Se ve claramente la habilidad de Stevie
en aplicar sus arreglos sofisticados pero a la vez llenos de soul, tanto
en la instrumentación como en los tracks vocales. Como en muchas de sus
canciones, en algún momento aparece Dios haciéndose cargo del asunto.
Una canción perfecta, interpretada de forma perfecta.
"You Haven't Done Nothin'" Fulfillingness' First Finale / 1974La
novedad en este tema es que las voces invitadas son Los Jackson 5 con
su onda doo wop. La canción fue una de las declaraciones políticas mas
furiosas de la carrera de Stevie Wonder y su blanco fue el presidente
Richard Nixon, quien renunció dos días después de la edición del disco.
La canción tiene uno de esos clavinets bien funky de Stevie y una de las
primeras apariciones de la máquina de ritmo.
"Happier than the morning sun" Music of my mind / 1972 Si
hay algún sonido que pueda describir sentirse “mas feliz que sol de la
mañana” seguramente sea esta canción. Un clavinet que parece querer
imitar un arpegio de guitarra que suena a Bach, un bajo moog y la voz.
Con eso le alcanza para armar una de sus canciones mas hermosas y mas
simples, tanto en el sonido como en la letra.
"Boogie on reggae woman" Fulfillingness' First Finale / 1974 A
pesar del título de la canción, no es ni un boogie ni un reggae. Llena
de licks bluseros, el tema tiene un groove muy funky con el rhodes al
frente, varias capas de voz y sintes. Es uno de los pocos temas en los
que Stevie Wonder usa una armónica diatónica o blusera, en lugar de la
clásica cromática que suele utilizar. La notable línea de bajo ejecutada
por el sintetizador Moog también es otro sello de la canción. El tema
dura 7 minutos y medio, incluye un solo de trombón de Art Baron.
"Sweet little girl" Music of my mind / 1972Podríamos catalogarlo como r&b, blues, swing... que se yo! Stevie canta muy naturalmente
en la parte A, se pone furioso en la parte B y sensual en la parte C.
Se trata de un tema fundamentalmente de piano con la armónica haciendo
comentarios constantemente. Incluso en casos como este, cuando usa
básicamente el lenguaje del blues o del jazz mas básico, la música de
Stevie Wonder sigue siendo maravillosa.
"Have a Talk with God" Songs in the key of life / 1976Es
una de esas proezas donde el genio toca todos los
instrumentos y canta todas las voces. Como ya lo hemos mencionado, la fe
tiene un gran peso en la vida de Stevie Wonder. En este track, el
mensaje es claro: “When you feel your life’s too hard, just go have a
talk with God.”
"Too High" Innervisions / 1973"Too
high" habla del abuso de drogas y es una de las poquísimas veces que
Stevie Wonder se mete con este tema, Mientras que el sonido de
Innervisions es mas bien funk, "Too High" tiene una impronta
absolutamente jazz fusion. No olvidemos que estamos en plena época de
Weather Report, Return to Forever o Hancock empezando a usar
sintetizadores. Otra rareza de este track es que Stevie se rodea de tres
vocalistas: Lani Groves, Tasha Thomas y Jim Gilstrap
"Ebony Eyes" Songs in the key of life / 1976 Como en casi
todo este disco, Stevie se hace cargo de las voces, los teclados y la
batería. Y se acompaña de su gran pilar, el bajista Nathan Watts, ademas
de Jim Horn en el saxo y Peter Kleinnow en guitarra steel. Huele a blues de New Orleans.
"As" Songs in the key of life / 1976 Se
trata de una de esas canciones que van increscecendo y en un momento te
preguntás "¿Cómo demonios pudo llegar hasta esta intensidad?" La
canción habla de ese tipo de amor que puede permanecer firme durante
toda una vida. Escuchar esta canción me inspira, me levanta. Y también
se puede bailar, claro! Pero atención, si vas a ver a Stevie Wonder en
vivo, preparate porque "As" puede durar 20 minutos.
Me pareció muy interesante este artículo del diario El País de España, por eso lo comparto. Ojalá les guste!
Cuando Big Mama Thornton rugía sus penas al aire, la tierra temblaba unos segundos. Cantaba como si la vida le fuese en ello, y es que el viaje de aquella mujer afroamericana por los circuitos del blues de los años cincuenta fue agitado, pero dotó a su música de una cruda veracidad. Bebedora feroz, fue tachada de lesbiana mientras se abría paso en un mundo de hombres donde abundaban los justicieros, los pendencieros y los borrachos armados. Aquel fue el escenario de esta pionera, educada musicalmente en las iglesias de Alabama, que soplaba la armónica como los grandes, tocaba varios instrumentos y componía sus propias canciones.
Thornton vivió el auge del blues previo al rock y el revival impulsado por las bandas británicas en los sesenta, pero nunca tuvo demasiada suerte. A pesar de ello dejó dos canciones claves en la historia del rock. A principios de los 50 grabó Hound dog, el tema que más tarde lanzó a Elvis, y a mediados de la década siguiente compuso Ball and Chain, la canción que consagró a Janis Joplin. Por la grabación del tema de Lieber y Stoller recibió un cheque, por su gran éxito no cobró nada. A pesar de que Joplin siempre reconoció la autoría de Thornton, los derechos pertenecían a su antiguo sello, con quienes grabó una primera versión a principios de década que no se llegó a editar. En Ball and Chain, Big Mama Thornton mostró todo su talento para componer, tocar y cantar en una exhibición que medio siglo después sigue desgarrando el alma de los que acuden a su música en momentos de debilidad, los que buscan esa capacidad que tenía Thornton para golpearte con un blues salvaje y luego consolarte susurrándote una balada. Ball and Chain fue su mejor tema, que más tarde dio nombre a su álbum de 1968, pero también otra zancadilla del destino. Mientras ella siguió en una segunda fila, Janis Joplin se convirtió en una gran estrella, en parte por su interpretación de Ball and Chain en el festival de Monterrey de 1967, que luego fue uno de los singles del exitoso Cheap Thrills, el último disco de Joplin con Big Brother and The Holding Company.
La banda de Joplin barnizó de psicodelia y rock aquel tema de blues, que habla del amor que se escapa, de las segundas oportunidades y de las condenas de las relaciones mal llevadas. Y su éxito fue una segunda oportunidad para Thornton, que gozó de prestigio entre los hippies de los sesenta y que visitó Europa con los grandes del blues con estatus de estrella. Aquella canción intensa unió de algún modo a ambas mujeres, las dos salvajes, fuertes en un mundo de hombres, capaces de repartir alegría y conmover con su tristeza. Las dos artistas compartieron canción y destino. Cada una la sintió a su manera, pero las dos la cantaron con el alma antes de que la muerte las fuese a buscar a un bar, a Joplin a los 27 años y a Big Mama Thornton a los 54. En 1995 el Rock n Roll Hall of Fame incluyó las interpretaciones de Thornton de Hound dog y Ball and Chain en su lista de las canciones que dieron forma al rock, un reconocimiento tardío a una artista única y demasiado olvidada.
En vivo en 1970 acompañada por la banda de Buddy Guy Fuente: Diario El País
"Este es mi propio regalo personal para Stevie Wonder, por todo lo que he aprendido de el y por sus canciones milagrosas que cambian mi vida cada vez que las escucho. Este no es un disco tributo o un concierto tributo, es una carta de amor y una gran tarjeta de agradecimiento grabada en un disco" -Macy
Macy Gray deja bien en claro de qué se trata la obra que estamos por escuchar: se trata de puro amor. Por eso mismo, y siendo yo también alguien que le debe mucho a Stevie Wonder, solo voy a compartir y repasar algunas aristas de este trabajo. Pero de ningún modo puedo atreverme a criticar este acto de amor pasado a disco. "Talking Book" (1972) fue uno de los mejores albums de la época dorada de Stevie Wonder. Es uno de esos discos para los cuales el tiempo no ha pasado. De movida, uno piensa que la oscura y rasposa voz de Macy esta muy lejos del brillante registro de Stevie, y eso lo hace mas original. Hacer el cover de este disco completo es como escalar una montaña, y Macy sale airosa del desafío.
Si bien algunas versiones se "parecen" a las originales, como "You Are
the Sunshine of My Life" o "Big Brother", la segunda canción mas popular del disco,
"Superstition", fue absolutamente reversionada de principio a fin, una
suerte de blues psicodélico como los que ella nos tiene acostumbrados. “Blame It On The Sun” es tremenda. Acá, su voz rasposa encaja a la perfección. "Maybe Your Baby" es otro de los puntos altos del disco, en el que se destaca la guitarra en una atmósfera de jam session.“I Believe (When I Fall In Love It Will Be Forever).” se convierte en jazzera para después mutar en gospel lleno de swing y gritos. Y acá es donde se nota aquello de "carta de amor a Stevie".Escuchar el Talking Book original es una experiencia superior. Pero el trabajo de Macy es un verdadero logro. Su interpretación se gana el respeto en un disco que vale la pena escuchar. Por eso, no lo dudes y Escuchate Esto!
"You Are the Sunshine of My Life" – 3:11 "Maybe Your Baby" – 4:22 "You and I (We Can Conquer the World)" – 3:10"Tuesday Heartbreak" – 3:34"You've Got It Bad Girl" – 4:29 "Superstition" – 4:30"Big Brother" – 3:41"Blame It on the Sun" – 3:47"Lookin' for Another Pure Love" – 3:51"I Believe (When I Fall in Love It Will Be Forever)" – 4:35
En la revista Rolling Stone edición Argentina nro 155, editada en febrero de 2011, aparecen varios artistas eligiendo una playlist de 10 temas en particular. Qué tienen en común Keith Richards, Mick Jagger e Iggy Pop? Que los tres eligieron temas de blues. Mick Jagger sorprende eligiendo a Stevie Ray Vaughan, Richards incluye a Gregory Isaacs como "raíz del rock" y los tres tiene una elección en común: Little Walter. En Escuchate Esto! compartimos y transcribimos esas listas. Disfruten y sorpréndanse!
Mick Jagger - Blues clásico: “Traté de incluir distintas épocas y estilos, aunque en la selección predominan los años 50. La música Pop en Gran Bretaña solía llegar filtrada por una enorme maquinaria. Con estos discos, te daba la impresión de que llegaba a vos directamente, con una crudeza que hablaba de una existencia distinta. John Lee Hooker, Memphis Slim, Big Bill Broonzy, se los consideraba artistas folclóricos en Gran Bretaña.Era un poco condescendiente, pero lo esencia, estaba ahí.
1. "I got to go" - Little Walter (1955) Tiene un tempo rápido y extraño, un tempo ferroviario. Little Walter fue una gran influencia, el Charlie Parker de la armónica 2. "First time I met the Blues" - Buddy Guy (1960) Fue un virtuoso. B.B. King y Otis Rush influyeron a muchos guitarristas británicos, pero Buddy tenía mas virtuosismo y mas yeites que los demás. Tenía una voz mas rasposa que cualquier otro 3. "Forty day and forty nigths" - Muddy Waters (1956) Los matices religiosos la hacen conmovedora. Uno podría elegir muchísimas otras, pero esta da escalofríos. 4. "Stones in my passaway" - Robert Johnson (1937) Una de las características esenciales de R. Johnson, es lo sobrecogedor que es, y esta canción lo ejemplifica bien: la letra, la forma en que lo canta. El tema con las letras de blues es que nunca sabés quién las escribió. Son como un collage, cada persona agarra lo que le gusta y lo embellece con sus propios versos. Pero nunca escuché nada como esto. 5. "Lonely Avenue" - Ray Charles (1956) Tiene un tempo buenísimo, un shuffle hermoso. Canté este tema con los Stones, con otra gente. Doc Pomus era un buen compositor, muy subvalorado, pero yo siempre lo valoré mucho 6. "Cold Shot" - Stevie Ray Vaughan (1984) Es un intérprete que absorvió mucho de Hendrix, pero que a la vez es urbano. Tiene tempos lentos, como el de este tema. En esta canción, se relaja 7. "Everybody knows about my good thing" - Z.Z.Hill (1982) Nunca lo vi en vivo, pero me encanta esta canción. Hay todo un género dentro del blues, la cosa celosa de no dejar entrar a nadie en tu casa. Pero en esta canción, todo el mundo entra. La esposa deja entrar a todo el mundo a la casa. 8. "Dark was the nigth, cold was de ground" - Blind Willie Johnson (1927) Era un cantante de iglesia itinerante, solo hacía temas religiosos. Tiene varias voces raras. Puede sacar una voz rasposa de gospel, de repente tiene una voz mas afeminada. Pasa de una a otra, es muy sobrecogedor. 9. "Forty Four" - Howlin' Wolf (1954) Es un blues de piano con un tempo extraño. Es muy poderoso. Era casi imposible para cualquier otro hacer esa voz. Estaba perdido en otra dimensión. Tenía una voz extraña... era extraño en todo sentido. 10. "Going down" - Freddie King (1971) Venía muy seguido a tocar a Inglaterras, y yo solía verlo en Los Angeles todo el tiempo. Esta canción es genial y es distinta. No es solo un blues de 12 compases: alguien pensó en cómo iba a funcionar con esa linea de bajo. Está por encima del nivel habitual. Escuchá la playlist de Mick Jagger
Keith Richards - Raíces del Rock: “Cuando a uno le piden que haga una lista como esta, uno no quiere caer en lo obivo. Todos conocemos los clásicos. Vimos miles de listas de estas. Traté de buscar cosas que se hubieran pasado por alto. Miro la lista y pienso... Es una lista bastante buena, puedo vivir con ella" 1. "Stagolle" - Jesse Fuller (1958)
Esta canción representa mi sentir. Fuller mezcla distintos géneros: ragtime, blues, folk y country. El solo es una banda completa. 2. "When did you leave heaven" - Big Bill Broonzy (1951) Fue el intérprete de blues estadounidense más conocido en Inglaterra en los 50. Hay un filmación en la que interpreta esta canción en un bar en Bélgica o algo así, no se la pierdan. 3. "It hurts me too" - Elmore James (1957) Brian Jones me hizo conocer a Elmore. Tiene una gran voz, y su manera de tocar guitarra slide, que parece sin esfuerzo, es insusual. 4. "Blues hangover" - Slim Harpo (1960) Esa cosa pantanosa que tiene... tenía que estar, mas que nada porque a la vez somete a toda la banda a una resaca. 5. "Key to the highway" - Little Walter (1958)Es el sonido, la forma en que la banda está ahí nomás atrás de Walter. Es la mejor versión que hay de esta canción. 6. "Piece of my heart" - Emma Franklin (1967) Janis Joplin hizo un buen cover de este tema. Pero Emma es la posta, mas rústica que su hermana Aretha. 7. "In a Dis Ya Time" - The Itals (1998) Los Itals inscriben en la tradición armónica del reggae. Es la cumbre del género. 8. "Innocent people cry" - Gregory Isaacs - 1974Me pasé meses en Jamaica buscando esto. Iba de un lado al otro preguntando por "Chookie No Lookie" (el estribillo). La gente se me quedaba mirando. Hasta que alguien me dijo "ah, vos te referís a 'Innocent people cry'". De dónde sacó ese título? 9. "Memphis Tenesse" - Chuck Berry (1958) Creo que toca todos los instrumentos excepto la batería y un poco de piano. Hay algo que tiene que ver con cómo se mezclan las guitarras. Me saco el sombrero. El mas grande de todos. 10. "32-20" - Robert Johnson (1936) Miren, está hablando de armas! Escuchá la playlist de Keith Richards Iggy Pop - Blues de Chicago Cuando era un pibe de 18 años, tome una decisión
trascendental.. voy a ser musico y si no nada. Una vez que tomaste esa
decisión te convertiste en un joven en busca de calidad. 1. Hoodoo man blues -Junior Wells Chicago Band with Buddy Guy (1965)
2. In the wee hours -Junior Wells Chicago Band with Buddy Guy (1965)Junior cantaba con una actitud
juvenil, con cierto desparpajo que me gustaba. Su voz nunca suena
demasiado diferente de su armónica. El timbre de ambas se mezclan y
termina confundiendosé.
3. Slam Hummer -Johnny Young (1967) Una noche alguien me enganchó para tocar a beneficio en una iglesia
con Johnny Young y Big Walter Horton, y yo en batería. Me gané 10
dólares. Y tocamos ese tema. 4. Feel so bad -Little Milton (1967)
Tiene unos versos tremendos. "Me siento tan mal como jugar a la
pelota un día de lluvia". No dice "mi corazón sangra con tristeza
incurable". Es una metáfora genial de la vida cotidiana.
5. Rollin Stone'-Muddy Waters (1950)
Cómo usa el espacio y los ritmos avanzados! Haga lo que haga va a
ser creíble. Una vez le pregunté al bajista de Paul Butterfield, Jerome Arnold, qué le parecía como tocaba yo la batería. Me dijo: "Dale
sentido a lo que tocas". Yo tocaba demasiados ritmos a la vez.
6. The red rooster -Howlin wolf (1961)
7. Smokestack ligthning - Howlin wolf (1956) Howlin wolf me sirvió de mucho para fun house. Es un disco muy wolfiano, al menos tanto como fui capaz. 8. Help me - Sonny boy Williamson (1963)
Tocábamos este tema con mi banda de blues de la universidad, los Prime
Movers (foto). El tema incita a un flaco a que sea más abierto sexualmente. Cuando la escuché por primera vez, no tenía ni idea de lo que quería
decir la letra.
9. Stop crying - Sonny boy Williamson (1951)
No hay otro que suene como él. La idea de esta canción es simple y básica. Pero se siente lo que hay detrás de ella.
10. It's too late brother - Little Walter (1956)
En esta canción, él le dice a otro tipo " si vamos dos pasos más allá,
va a haber un baño de sangre". Era un armoniquista tremendamente
atmosférico.
11. I'm a man -Bo Diddley (1955)
La versión de Muddy Waters es fantástica, pero prefiero la de Bo. Su gemidote hace cagar en las patas
12. No shoes - John Lee Hooker (1960)
Acá, en dos palabras, hay un hecho significativo... sin zapatos. Con
eso te lo está diciendo todo. lo sentis. Y el yeite de guitarra es
tremendo. John Lee Hooker se tenía toda la confianza del mundo, y podía
tomarse todo el tiempo que quisiera.
13. Brigth Ligths, Big city -Jimmy Reed (1961)
Esta canción me hace acordar un poco a los buenos discos de AC/DC, por
la manera en que Jimmy Reed elige un pasaje de guitarras para introducir
un tema o terminar la progresión de acordes. Y la voz... nunca se sale
del personaje
14. All your love -Magic Sam (1967)
15. Looking good -Magic Sam (1982) Esto está en el disco "Live at Ann Arbor in Chicago". Probablemente "All
your love" haya sonado 10 veces mejor en vivo, pero todavía tiene mucha
vida en la voz. En la otra se percibe que era una noche bulliciosa. Y
tiene un nombre hermoso: Magic Sam Escuchá la playlist de Iggy Pop
Alguna
vez escuchaste a Keith Richards tocar delta blues? En el track 1 de su
nuevo disco lo hace y con eso solo merece integrar esta lista tan
egoísta. Tiene 71 y sigue rockeando. Cómo no sonreír como lo
hace desde la portada del disco? Se trata de un fuerte testamento de la
música que el viejo Keith (y nosotros también) tanto ama: el rock &
roll,el reggae, el country y el blues.
Fantastic Negrito es el descubrimiento contemporáneo mas fresco y original del que tengo recuerdo. Suena clásico pero muy moderno al mismo tiempo. Tanto su sonido como sus letras son puras vivencias en las calles de Oakland: honesto, salvaje, crudo. Un artista con una pasión genuina como hace muchos años no escuchaba. Su tema "Lost in a Crowd" lo hizo ganar el Tiny Desk Concert y abrir muchas puertas para el. Con "An Honest man", llegó a la TV como tema principal de Hand of God, la serie de Amazon protagonizada por Ron Perlman.
A Don Was (productor del disco) le gustó tanto cómo sonaba Vintage Trouble en la sala de ensayo, que quiso replicar ese sonido en el disco. Entonces, recordó que una vez Sam Phillips (Si, Sam Phillips!) le dijo: "Yo no microfoneaba los instrumentos, microfoneaba la sala". Se consiguió unos RCA 44 y esa fue la clave de todo. El tema 1 del disco, Run like the river, un gospel capitaneado por una salvaje y distorsionada guitarra slide, los hace merecedores de integrar esta lista. Este es el primer disco de Rock en la historia del sello Blue Note. Por algo será...
Como nos tiene acostumbrados, Buddy Guy se despacha con un álbum muy poderoso. El disco es muy entretenido, tiene mucho groove, y esta muy bien producido, aparte de contar con invitados de alto vuelo: Doyle Bramhall II y Billy Gibbons en guitarras y Kim Wilson en armónica. Por último, Buddy Guy paga tributo a B.B. King y a su mentor y amigo, Muddy Waters.
2015 será por siempre "el año en que murió B.B. King". Vaya un recuerdo desde este humilde lugar cada vez que escuchemos nuestros tan amados los 12 compases.Feliz 2016 para todos, y que sea con mucha música!
Todos buscamos un riff de guitarra asesino y “The House Is Rockin” lo tiene. Ese simple power chord que suena a Chuck Berry pasado por el filtro de Terminator, fue el sello del regreso de Stevie Ray Vaughan. El último disco de estudio del guitarrista texano con su banda, Double Trouble,se editó en 1985. Un año después, cuando se lanzó el disco en vivo "Live Alive", Vaughan estaba en la cresta de la ola, pero su
vida era un infierno causado por las drogas y el alcohol. Stevie entró
en rehabilitación, se tomó un año, y para 1989 estaba limpio y con un disco inigualable bajo el brazo. Esta entrada de Escuchate Esto! se la dedicamos a "In Step", el último disco de estudio de Stevie Ray Vaughan & Double Trouble.
El nuevo sonido
de SRV en "In Step" suena mucho mas furioso que antes. El disco mezcla
algunos viejo clásicos, con nuevas composiciones que hablan de su lucha
contra las adicciones. "The House is Rockin", el tema 1 del CD, explotó como nunca antes lo había hecho ningún tema de Vaughan. En la escucha general del disco se aprecia mas R&B/soul/rock que blues. Algunos de esos temas son “Crossfire”, con un solo inigualable, "Wall of Denial" y “Tightrope”, donde el groove onda James Brown se encuentra con Albert King. Pero también los grandes momentos
del álbum son aquellos en los que revisa clásicos del blues: ‘Let Me
Love You’ (Willie Dixon), ‘Leave My Girl Alone’ (Buddy Guy), y ‘Love Me
Darlin’’ (Howlin’ Wolf). ‘In Step’ también triunfa en la consistencia sonora de la banda, que la completa, el bajista Tommy Shannon, el baterista Chris Layton, y el tecladista Reese Wynans.
Stevie Ray Vaughan es sin dudas el gran responsable del renacer del blues en la década del 80, y que muchos de los viejos bluesmen, como Albert Collins, Albert King o Buddy Guy, pudieran trabajar con la frecuencia merecida. Stevie
Ray contó con la colaboración de Doyle Bramhall en la
composición en algunos de los pasajes mas rockeros del disco, el
mencionado ‘The House is Rockin’’ y ‘Scratch-N-Sniff.’ El cierre del "in Step" está a cargo del hermoso instrumental de 9 minutos con aires de jazz ‘Riviera Paradise’. Un sonido limpio de Stratocaster, un poco de Kenny Burrell (aquel guitarrista de jazz que fue una gran influencia para SRV) y un piano eléctrico inolvidable. "In Step" suele ser mencionado como el mejor disco de estudio de Stevie Ray Vaughan, y es prpbable que eso sea cierto. Así que no lo dudes y Escuchate Esto!
