lunes, 3 de junio de 2024

"La Leyenda de Toots Hibbert ...y el Reggae Tuvo Soul" - Tony Vardé - Grupo Editor Colectivo Flota Negra - 2024


Con mucha emoción y felicidad, me toca anunciar la edición de mi nuevo libro disponible ya en preventa, “La Leyenda de Toots Hibbert - … y el Reggae tuvo Soul”. En esta obra me propuse recorrer el legado de una de las voces más importantes de la música jamaiquina. Desde sus inicios en la iglesia de su pueblo en la Jamaica rural, su llegada a la gran ciudad, la creación de su trío, sus éxitos en la era del ska, sus días en prisión y su conquista de los mercados internacionales, la historia de Toots Hibbert, el hombre que puso nombre al reggae, se transforma en estas páginas en una leyenda. El libro, editado por la editora autogestiva y afrocentrada Grupo Editor Colectivo Flota Negra, cuenta con prólogos de Juanchi Baleirón, líder de Los Pericos, y del autor español Lutxo Pérez.

Con una narrativa dinámica apoyada en entrevistas y gran cantidad de material de archivo, intento aportar mi mirada con un libro para escuchar, un trabajo que hace justicia y pone por primera vez en papel la obra de uno de los artistas jamaiquinos más influyentes. El libro incluye entrevistas que realicé a Ragnampaisser, Rudi King, Andy Bassford, Justin Henzell, Roger Rivas, David Katz, Paul Stone, Don Camel, Victor Rice, Gabriel Corocher, Osvaldo González, Daniel Flores, y textos de Perry Henzell, Javier Martín Boix, Julio Gómez, Soulsolete, Neco y Diana Hernández.

Este libro no es una enciclopedia, no es definitivo, es un primer acercamiento, es un puntapié inicial, ordena y reúne información, aclara muchos aspectos la vida y la música de Toots y puede funcionar como una puerta de entrada a su obra. La música de Toots Hibbert va más allá de un género. Claro que fue un pionero de la música jamaiquina, habiendo sido el hombre que inventó la palabra reggae, pero fue alguien que también se focalizó en darle al reggae un abordaje soul como nadie, me atrevo a decir. La influencia de Ray Charles –con su bagaje country western también- y de Otis Redding,  sus referentes principales, y de la influencia religiosa, ya sea desde la tradición Afrocristiana hasta la fe rastafari, el góspel es algo que está permanentemente en su música. Por todo esto, es uno de esos artistas universales que jugaron en la misma liga que Aretha, que John Coltrane, que James Brown, B.B King, Bob Marley, uno de los grandes, una figura muy apreciada y admirada por sus contemporáneos.

Del prólogo de Juanchi Baleirón
“Siempre nos pareció importante que todos supieran de la influencia que Toots and The Maytals tuvo sobre Pericos y al mismo tiempo invitar a la gente a que escuche su música. Es un artista que nos marcó siempre, con discos que nos influyeron mucho, con una banda que era una aplanadora, con un beat único, diferente y que fue determinante para nosotros”.

Del prólogo de Lutxo Pérez 
“Tratándose de una figura tan esencial para entender el reggae y,  qué demonios, el soul, resultaba inexplicable que todavía no contáramos con una biografía de Toots. En este libro, Tony acepta esa tarea titánica con el rigor del cronista y la pasión del fanático. Su documentado relato se ve salpicado por su experiencia y la de muchos otros amantes del reggae. La obra de Toots es un vínculo, un punto de encuentro, la definición perfecta de lo que entendemos como reggae. Y eso mismo es este libro.  

El libro está disponible en mi cuenta de Instagram, @tonysoulmanok, se puede solicitar a través de mi mail tonysoulman@gmail.com o en Malungo libros, puesto 44 de la feria de libros de Parque Centenario, CABA

https://www.instagram.com/p/C7xA5foPj-a/



viernes, 3 de mayo de 2024

The Rolling Stones ft. Irma Thomas - New Orleans 2024

Se han escrito infinidad de libros en todo el mundo sobre la banda de rock ‘n roll más grande de todos los tiempos, hojas y hojas que repasan acontecimientos importantes sobre los cuales los Rolling Stones han construido su historia. Sin embargo en las décadas recientes, la banda se ha encargado de seguir sumando hitos a su propia biografía. Tocar por primera vez en Cuba, tocar en Rio de Janeiro para 2 millones de personas, hacer un disco tributo al blues… y las invitaciones a otros músicos fundamentales son parte de esa historia. Bob Dylan, Paul Mccartney y algunas otras leyendas fueron parte de sus shows y de sus discos, al igual que el permanente tributo a figuras de la música negra que han sido sus referentes desde el primer minuto.  

Pero el cruce con Irma Thomas en la tarde del 2 de mayo de 2024, en el New Orleans Jazz and Heritage Festival 2024 tiene otro valor.

Puede ser que exista la categoría “canción que haya alterado la rotación de la tierra”? Aquella tarde del invierno del 1964, cuando Irma Thomas cantó por primera “Time is On My Side” frente al micrófono de un estudio en Los Angeles, pues ese día la rotación de la tierra se vio alterada. A mí nadie me va a convencer de lo contrario. La canción fue escrita por Jerry Ragovoy bajo el seudónimo de Norman Meade y grabada por primera vez por el trombonista Kai Winding en 1963. Aunque si me lo preguntan, esa versión original no me mueve un pelo.


Un rato antes que la Reina del soul de New Orleans entrara al estudio, Jimmy Norman de The Coasters completó la letra de la canción y se la dio a Irma en una hoja. “Time Is On My Side” fue lanzada en Junio de 1964 como lado B del single “Anyone Who Knows What Love Is (Will Understand)” a través del sello Imperial y no representó un hit en ese entonces.

Meses después, la cantante estaba de gira por Inglaterra cuando Mick Jagger y Keith Richards asistieron a uno de sus shows y se vieron cautivados por su interpretación del tema. Los Stone la grabaron en los estudios Chess de Chicago y para diciembre de ese año, su versión de “Time is On My Side” ya estaba en el Top 10 americano.

Muchos de nosotros conocimos esta canción gracias a los Rolling Stones, que fue incluida en la mayoría de los sus grandes éxitos, además de su álbum “12 x 5”. Fue también una de las 2 canciones que la banda británica tocó en su debut en el Ed Sullivan Show en los Estados Unidos en 1964. Según su propio el criterio, Irma Thomas nunca llegó a recibir el reconocimiento suficiente por parte del grupo y tuvo una suerte de desencanto con la canción. Tan es así que dejó de interpretarla en vivo hasta el Año Nuevo de 1992, oportunidad en que fue convencida por Bonnie Raitt para cantarla a dúo.

Sesenta años después, Irma Thomas en la cadena Fox de New Orleans zanjó el tema, declarando que sentía que la grabación de los británicos era como un homenaje hacia ella y que nunca había estado enojada con la banda. El círculo se cerró ayer por la tarde cuando los Stones invitaron a Irma a cantar la canción con ellos y dejar su sello en la historia de la música de la ciudad más musical del mundo.


Si algo tenemos que tener en claro con los Rolling Stones es que ningún show es igual a otro. Aunque pensemos que ya dieron todo lo que tenían para dar, acordate, a ellos siempre les queda un as bajo la manga.

Fuente: “Escuchate Esto – 75 Joyas de la Música Soul” de Tony Vadé y Zepi Crespo, Colectivo Editor Flota Negra, 2023

jueves, 2 de mayo de 2024

The Black Crowes - Happiness Bastards - 2024

Los Black Crowes pasaron por el estudio de grabación y están de vuelta con su nuevo trabajo llamado "Happiness Bastards", un disco cargado de rock 'n roll y de todas esas influencias setentosas que tanto disfrutamos por acá, The Rolling Stones, The Faces, The Allman Brothers, todo con un toque de Memphis Soul. Pero para nosotros, la gran noticia es que nuestro compatriota Nico Bereciartua forma parte no solo de la banda, sino también de este álbum, experiencia que definió como "un lujo". 

Seamos sinceros, no encontraremos acá los mejores tiempos de la banda, aquellos que tantos disfrutamos en "Shake Your Money Maker" (1990), "The Southern Harmony and Musical Companion" (1992) o incluso en "Amorica" (1994). Sin embargo, "Happiness Bastards" tiene un desenfado rockero y eso es un merito, una búsqueda perfectamente valida y que llega a buen puerto. La voz llena de soul de Chris, la reivindicación del riff a cargo de Rich, el toque único de Nico, el hammond saturado de Erik Deutsch, la base solida de Brian Griffin y Sven Pipien y los coros mágicos de de Vicki Hampton, Joanna Cotton y Robert Kearns, todo eso hacen de los Black Crowes modelo 2024 una sólida banda de rock 'n roll. La producción a cargo de Jay Joyce (también toca guitarras y teclados) se encarga de amalgamar toda la mezcla de ingredientes para que el resultado sea perfectamente contundente. 

En una charla de Nico Bereciartua con el sitio Data Diario, el guitarrista argentino explicaba que "grabar con ellos fue una experiencia increíble que además me toco al poco tiempo de haber entrado en la banda. Para mi fue otro sueño cumplido". El argentino explicaba que a la hora de entrar al estudio "tenes cierta libertad pero el productor (Jay Joyce) te pide algo y vas por ese lado. Ni si quiera los hermanos (Robinson) se metían tanto, ellos le dieron la confianza para que el decidiera ciertas cosas". 

Además de todas esas influencias que siempre se mencionan, es justo citar como referencia para este disco a los propios 35 años de carrera de la banda, aun con interrupciones. Esa discografía demuestra que los cuervos han sabido como viejos alquimistas del rock 'n roll mezclar tantas esas corrientes y lograr un resultado rockero lleno de shuffle, boogie y country soul. Es rock 'n roll añejo, sucio y lleno de fanfarronería. The Black Crowes suenan clásicos, que no es lo mismo que sonar viejo.  

Lista de temas:

1.Bedside manners
2.Rats and clowns
3.Cross your fingers
4.Wanting and waiting
5.Wilted rose - con Lainey Wilson
6.Dirty cold sun
7.Bleed it dry
8.Flesh wound
9.Follow the moon
10.Kindred friend

miércoles, 10 de abril de 2024

Greg Lee - 1970 - 2024

Una gran forma de recordar a Greg Lee vocalista de Hepctat, fallecido el 17 de marzo, es compartir algunos pasajes de este texto que su amigo el guitarrista Lino Trujillo publicó en su pagina de Facebook. Gracias a él, podemos conocer al Greg que empezaba su camino en la música y nos ayuda a entender porqué fue un frontman tan carismático, además de un gran compositor. 

"Conocí a Greg en 1986 cuando Rose, mi novia en ese momento comenzó a asistir a Kennedy High School en Mission Hills. Rose me habló de un chico que conoció en su instituto llamado Greg, al que le gustaba el ska, y que seguro que congeniaríamos. En aquella época, la escena ska de Los Ángeles sólo contaba con un puñado de personas en toda la ciudad, así que conocer a otro Rudie era todo un acontecimiento. Rose tenía razón, y Greg y yo congeniamos enseguida. A él le gustaba mucho Fishbone por aquel entonces. Aunque Greg solo tenía 15 años y no tenía carné de conducir, tenía y conducía un viejo Maverick (creo) marrón y destartalado llamado Mabel que se averiaba cada vez que salíamos. (...) Nessa fue el primer amor de Greg, y fue muy duro verle romper y el dolor que sufrió, pero también le hizo componer algunas de las canciones más hermosas y poéticas que jamás ha escrito y, en mi opinión, consolidó su lugar en el salón de los grandes compositores. Greg era el mejor artesano de la palabra que conocía y observando y participando en su proceso de composición de canciones, aprendí que daba mucho peso en cada una de las palabras que ponía sobre el papel. Incluso si esas palabras eran sin sentido como "¡Bee-Yoop!". Significaban algo para él, fuera lo que fuera. Ponía su alma en sus canciones, y su voz proyectaba esa alma. (...) 
Un día recibí una llamada de Greg, hablándome de un chico de su escuela llamado Deston, que también estaba muy metido en el Ska, y no sólo eso, tocaba música y escribía sus propias canciones. (...) Greg tenía una trompeta que había tocado en la banda del colegio cuando era más joven y yo acababa de recibir como regalo de Navidad la guitarra rosa Peavy que no tenía ni la más remota idea de cómo afinar, y mucho menos de tocar. Eso era más o menos todo nuestro bagaje, pero con Deston como profesor y director musical, empezamos a sacar canciones. Empezamos nuestro primer grupo, Sharpsville Step en 1988, donde tocábamos un estilo Two-Tone de Ska, con algunos originales, pero sobre todo versiones. En ese momento Greg tocaba la trompeta, pero también cantaba un par de versiones como "Too Much Pressure" y "Monkey Man". Esto fue mucho antes de que Greg se convirtiera en el maestro de la interpretación que llegaría a ser, y debido a los nervios cantaba de espaldas al público. Yo solía sentir su ansiedad mientras estábamos en el escenario, y deseaba que pudiera ver que no estaba siendo juzgado, y que la gente disfrutaba de lo que estaba haciendo, pero ahí es donde iniciaba su viaje como artista. 
Sharpsville Step se había disuelto y un día recibí una llamada de Deston para decirme que Greg había conocido a ese tipo de "TV 101" (Alex Desert) y que querían montar un grupo. No sólo querían montar una banda, sino que querían que el grupo tocara Ska al estilo jamaicano. Le pregunté a Deston si creía que éramos capaces de tocar ese estilo, debido a mi propia falta de habilidad y conocimientos musicales, y debido al hecho de que nadie aparte de los Ska Flames estaba siquiera intentando ese estilo, y me aseguró que podíamos, y así es como empezó el grupo. Poco después reclutamos a Joey Urquijo, Greg Narvas, Raul Talavera y Dave Hillyard apareció un poco mas tarde. (...) El nombre de Hepcat surgió tras una noche de ensayos y copas en casa de Alex, en Venice. Éramos muy jóvenes y estábamos llenos de energía y entusiasmo porque realmente estábamos haciendo lo que pensábamos que era música decente, y el dúo de compositores Lee & Berry nos tenía a todos entusiasmados tocando constantemente nuevas canciones. Escuchar nuestras primeras grabaciones puede dar escalofríos, pero una cosa que teníamos era amor y pasión mutuos por lo que hacíamos y esas grabaciones destilan esa energía. Ese entusiasmo juvenil y esa chulería se perciben en una canción como "Earthquake And Fire", escrita por un Greg de 18 años, que suena como un hombre con muchos años en esta tierra, cantando sobre cosas reales. Poco después de grabar nuestras dos primeras maquetas, Joey y yo dejamos el grupo, (...)  mas adelante volví a unirme a la banda y mi vida cambió para siempre. 



Escribimos "Scientific" y gran parte de "Right on Time" durante los dos años siguientes, y tocamos muchísimo. (...) Después de liderar Hepcat durante un tiempo, la confianza de Greg aumentó y su gran personalidad salió a relucir, pero en el fondo seguía luchando contra la ansiedad y las inseguridades. Me avergüenza admitirlo, me enfrenté a él sobre cómo estaba cambiando su personalidad en el escenario y cómo su ego estaba creciendo. En aquel momento, me costaba separar a mi buen amigo del artista en el que se estaba convirtiendo y no entendía su lucha personal. Greg me dijo que si no fuera esa persona grandilocuente en el escenario, no sería capaz de poner un pie ahí arriba por miedo. (...) Detrás de esa sonrisa y esa confianza, Greg aún tenía una parte de ese niño asustado que llevaba dentro, y éramos Hepcat contra el mundo, como hermanos, íbamos a pavonearnos en el escenario y a hacer bailar al público, quisiera o no. Por eso, antes de subir al escenario, antes de cada concierto, nos reuníamos y nos gritábamos lo que íbamos a hacer. Necesitaba saber que le cubríamos las espaldas en esta aventura, y que él pilotaría el barco. (...)
Justo antes de que Hepcat firmara con Epitaph Records, volví a dejar el grupo. Podía ver que Greg tenía una visión más grande para Hepcat, y yo tenía miedo (...), al crecer, me faltaba estabilidad en mi vida, y este futuro inestable me aterrorizaba. (...) Con el tiempo, el estrés de estar de gira sin parar, y luego pasar todo el tiempo en casa, en el estudio grabando "Push N Shove" realmente afectó a Greg y su aventura tomó un desvío a Costa Rica, donde construyó una relación, una casa y un negocio. Necesitaba alejarse, y lo hizo. Volvía a casa y nos contaba historias sobre la selva, sus criaturas y cómo no entendía Internet.

Dave Fuentes me preguntó si tocaría en Hepcat si volvían a juntarse, porque se estaba haciendo una oferta para actuar en Japón. Dije "¡Claro que sí!", y aunque el concierto no tuvo lugar, plantó la semilla para reagruparnos. (...) Greg había vuelto, más o menos. Aún vivía en Costa Rica y tenía que volar para los conciertos, lo que empezó a provocarle dolores de cabeza. Eso, junto con otras tensiones, estuvo a punto de separar al grupo, pero al final Greg volvió a Los Ángeles, y no sólo siguió al frente de Hepcat, sino que también compartió escenario con otros grupos de todo el mundo, cantando sus canciones de amor y vida. WST, The Kinky Koo Koos, The Aggrolites son sólo algunos de los grupos con los que actuaba. (...) Perdimos a Dave y Aaron demasiado pronto, y Greg se vio profundamente afectado por estas pérdidas. Vi un cambio en el comportamiento no sólo de Greg, sino de todo el mundo en Hepcat tras las pérdidas, hubo un vacío permanente en nuestra familia/grupo. A pesar de ello, Greg se recompuso y fue capaz de sonreír. (...) El año pasado dimos algunos conciertos como teloneros de los Interruptors, y fue la primera vez que Greg se perdió un show por enfermedad. Era el consumado animador de "El espectáculo debe continuar", así que perderse esos conciertos era algo muy importante para él. Probablemente pensaba que si no podía dar el 1000% allí arriba, no valía la pena para los fans, y Greg quería a nuestros fans de todo corazón. 
Hace poco, Greg nos dio la noticia de que Mandie estaba embarazada, y estaba muy emocionado. Creo que por fin estaba encontrando el equilibrio entre ser padre y artista, una situación difícil por la que pasamos algunos de nosotros. En los conciertos, la gente te dice constantemente lo mucho que significas para ellos y lo mucho que te quieren por la música que haces, lo cual es increíble, pero puede ser difícil apagar eso cuando llegas a casa, te pones los pantalones de padre y das a tus hijos ese mismo amor incondicional. Greg lo sabía y se aseguraba de que, cuando estaba en la ciudad, dedicaba su tiempo ante todo a sus hijas. Estos últimos años he podido compartir la experiencia de la paternidad con Greg, y he podido ver la alegría que le daban sus hijas, que le aportaban un propósito diferente en la vida. Mientras estábamos de gira en Ámsterdam, tuvimos una charla íntima sobre cómo nos percibirán nuestros hijos cuando ya no estemos, ¿pensarán que fuimos buenos padres? Ahí es donde estaba su corazón. Sus hijas lo eran todo para él..." 

Fuente: 

Otras entradas sobre Hepcat en el blog de Escuchate Esto! 


viernes, 1 de marzo de 2024

Fantastic Negrito feat The Pharcyde - I'm Sorry - 2024

Xavier Dphrepaulezz, aka Fantastic Negrito sigue superando los límites del género e innovando libremente como artista afro roots. 
Para Fantastic Negrito y Storefront Records, 2024 arranca con I'm Sorry, una canción de autorreflexión, autodestrucción y desenfreno. Fantastic Negrito colabora aquí con The Pharcyde, un grupo que ha aportado mucho al hip-hop, a la cultura californiana y a la música en general Con las voces de Slimkid3, Fatlip e Imani, la canción capta a la perfección la energía de la escena underground de principios de los 2000 con un toque de hip hop de los 90. En la sesión también aparecen los habituales colaboradores de FN, el japonés Masa Kohama  en guitarra y Cornelius Mims en bajo. 

Disponible en el sitio EVEN y en todas las plataformas.


lunes, 5 de febrero de 2024

King Curtis - 1934 - 1971

Aunque haya realizado innumerable cantidad de grabaciones durante su corta vida, King Curtis merece un lugar en la historia del soul y del rhythm and blues, solamente por dos solos de saxo que muestran su genialidad: “Yakety Yak” de los Coasters y “Respect” de Aretha Franklin. Físicamente imponente, callejero, experto en cartas, billar y dados, Curtis imponía respeto sin esfuerzo, uno de esos auténticos tipos de la calle, capaces de hacer retroceder a la gente con solo una mirada.

Curtis Ousley había nacido en Fort Worth, Texas y para 1952 ya trabajaba como músico en Nueva York. Aquel breve pero memorable solo en la canción de The Coasters de 1958, “Yakety Yak" revolucionó el papel del saxofonista en la música pop y lo situó entre los músicos de sesión elegidos por casi todos los productores del momento. Al mismo tiempo, comenzó a construir una carrera como solista. En 1960, Curtis reclutó a Wynton Kelly y Paul Chambers, dos tercios de la sección rítmica de Miles Davis, para tocar en “Soul Meeting”, uno de sus varios excelentes álbumes de hard-bop.

Para principios de la década del sesenta, King Curtis era una figura repetida en los estudios de grabación de New York como saxo tenor principal, y frecuentemente director de orquesta en casi todas las sesiones importantes de soul y r&b, y en muchas de rock. Y más que eso, se convirtió en hombre importante para el sello Atlantic Records, no solo como músico de sesión sino también como arreglador, responsable en reclutar músicos para sesiones y bandas en vivo.

El texano era un frecuente colaborador de Sam Cooke, tanto en el estudio como en giras, entre las cuales se destaca el legendario concierto en vivo -luego editado como álbum- “Live at The Harlem Square Club” de 1963. Pero fue sin duda su trabajo con Aretha Franklin lo que dejó una marca indeleble en la carrera de ambos. Curtis era saxofonista, arreglador y bandleader de la banda de la Reina, pero tomó una trascendencia en la vida de Aretha, llegando casi a convertirse en una figura de hermano mayor para ella. Frecuentemente leemos acerca del crédito que Jerry Wexler y los músicos de Muscle Shoals reciben por su trabajo con Aretha Franklin, pero Curtis era uno de sus colaboradores favoritos y no siempre recibe el crédito por ello.

Alguna vez se habían puesto a pensar qué sería de una canción como “Respect” sin ese solo de saxo tenor en el medio? Cuenta la leyenda que King Curtis y Charlie Chalmers, los dos saxofonistas de la banda, lanzaron una moneda al aire para decidir quién estaría a cargo del solo sobre ese puente en la mitad de la canción. Curtis ganó y cumplió con su trabajo. Y vaya si cumplió! En los ocho compases que tenía asignados, sólo 16 segundos, electrizó a millones de personas, y lo sigue haciendo cada vez que alguien escucha la canción en su versión original.

Habiendo ya tocado con los Isley Brothers y con vasta experiencia en el chitlin circuit, Jimi Hendrix se sumó la banda de Curtis, a partir de 1964, y se unió a ellos en el estudio para "Help Me (Get the Feeling)", con Ray Sharpe en la voz principal. Hendrix duró cuatro meses en los Kingpins (tal era el nombre de la banda) y solo ellos dos saben lo que interactuaron y el material valioso que intercambiaron como mutua influencia. Para 1967 King Curtis and the Kingpins lanzaron el máximo éxito del grupo, "Memphis Soul Stew", una canción instrumental en la que Curtis, en el papel de narrador, nos explica que cantidades específicas de bajo, batería, guitarra, órgano y vientos son necesarias para obtener una perfecta mezcla de Memphis Soul.

El álbum “Live at Fillmore West”, tal vez sea la mejor confirmación del lugar que ocupa King Curtis en la música popular. El disco registra tres conciertos que ofreció en el Fillmore West de San Francisco en marzo de 1971. Aquellas noches, la banda tuvo la doble tarea, por un lado de ser teloneros de Aretha y por otro, ser su backing band. Una banda descomunal con una interacción rítmica pocas veces escuchada, con Cornell Dupree en guitarra, Jerry Jemmot en bajo, Billy Preston en órgano, Bernard 'Pretty' Purdie en batería, apoyados por los Memphis Horns. La banda arrasa con algunos de los mayores éxitos del momento, como "Signed, Sealed, Delivered (I'm Yours)" de Stevie Wonder y "Whole Lotta Love" de Led Zeppelin, traduciéndolos al sonido del soul sureño, más otras bombas como "Changes" o el clásico de Curtis, "Memphis Soul Stew".

La noche del 12 de agosto de 1971, muy poco tiempo después de que el álbum fuese publicado, Curtis vio a un hombre y una mujer discutiendo en la puerta de su casa, en el número 50 de la calle 86 Oeste de Manhattan. Se enfrentó a la pareja y rápidamente se produjo una pelea en la que recibió una puñalada en el pecho que le causaría la muerte al día siguiente, el 13 de agosto de 1971, a la edad de 37 años. Al día siguiente de su muerte, el álbum alcanzó el número 54 en la lista Billboard 200, su mayor éxito como músico solista.

King Curtis aportó su sonido único a cientos de temas desde Wilson Pickett a Buddy Holly,  Sam Cooke, Isaac Hayes, Otis Redding, Sam Moore, Freddie King, fue mentor de Duane Allman, grabó con Eric Clapton y tocó en el álbum "Imagine" de John Lennon. En el año 2000, fue incluido a título póstumo en el Salón de la Fama del Rock & Roll como sideman. En su libro “Soul Serenade: King Curtis y su saxofón inmortal”, el autor Timothy R. Hoover narra el meteórico ascenso de King Curtis desde una humilde granja de Texas hasta los estudios de grabación de Memphis, Muscle Shoals y Nueva York. “Soul Serenade” es el resultado de más de veinte años de entrevistas e investigación de su autor.

Fuentes:

https://www.waxpoetics.com/article/the-massive-life-and-tragic-death-of-king-curtis/

https://www.amazon.com/Soul-Serenade-Immortal-Saxophone-Musician

https://nypost.com/2022/12/03/king-curtis-was-the-greatest-musician-youve-never-heard-of/


viernes, 5 de enero de 2024

Betty Harris - The Lost Queen Of New Orleans Soul - 1964 / 1969

Un sólido groove de bajo al que se sube un trabado beat de batería, un acople de guitarra y una poderosa frase de vientos. Inmediatamente una voz femenina grita “Everybody find they own thing and I guess you think you found yours”. Solo 17 segundos es todo lo que necesitan esta banda y esta cantante para mostrar su declaración de principios. “Soul diva” meets psicodelia funk” podría ser una buena forma de describir este track. Estamos ante Betty Harris y el compilado “The Lost Queen Of New Orleans Soul”.

Como mucha de la música que llega a mis oídos, esta cantante llegó gracias a mi amiga Soulsolete, a través de una recomendación en twitter. El compilado, editado en 2016 por el sello londinense Soul Jazz Records, reúne una buena cantidad de sencillos de soul sureño, heavy funk, profundas baladas y algo de northern soul, grabados por Betty Harris entre 1964 y 1969, compuestos y producidos por el legendario Allen Toussaint. Sin dudarlo, podemos afirmar que la colección refleja el sonido del soul orleano de la década del sesenta. Una voz poderosa con el perfecto acompañamiento de The Meters, una de las secciones rítmicas más perfectas de la historia. ¿Qué más se podría pedir?

Betty Crews, tal su apellido original, nació en Florida en 1939, y como prácticamente todas las figuras del Soul, sus raíces están en la Iglesia. Tanto su padre como su madre, eran ministros en una iglesia pentecostal y la música góspel, como fácilmente podemos imaginar, era parte de su vida diaria. Su padre, el Reverendo Rufus C. Crews era músico y cantante, pero además, representaba a muchos artistas y grupos góspel de la época. Cuando Betty tenía 4 años de edad, la familia se mudó a Alabama. A los doce, ella ya era la voz principal del coro de la iglesia de su padre y se codeaba periódicamente con importantes artistas como Sister Rosetta Tharpe, Sam Cooke, The Soul Stirrers, Johnny Taylor, The Blind Boys Of Alabama. Muy pronto, la joven Betty estaría siguiendo sus pasos.

En algún momento de su adolescencia, Betty descubrió que existía otra música además del góspel, aquella que salía de la radio, proveniente de Nashville, de Memphis, de New York… el soul, el jazz, el blues. A los 17 años dejó el nido y viajó a New Jersey. Durante el día trabajaba como personal de limpieza en un hotel y por la noche cantaba en un club nocturno. En 1960 se mudó a New York y conoció el teatro Apollo, una especie de Meca para cualquiera que formara parte del mundo de la música por aquellos días. Allí conoció a Big Maybelle, una de las pioneras del rhythm & blues. Betty se convirtió es una estudiosa de la técnica de Maybelle, la acompañó en giras y fue su ahijada artística.

La suerte la encontró estando en Chicago en 1963, cuando cruzó caminos con Marvin Leonard ‘Babe’ Chivian, compositor, productor y manager de Solomon Burke. Firmó contrato con Jubilee Records y de la mano del productor Bert Sterns entró al estudio a grabar “Cry To Me”, una canción que había sido un éxito para Burke un año antes. En la voz de Betty Harris, “Cry To Me” se convirtió en una profunda balada soul, y este es el verdadero inicio de su carrera como cantante profesional.

Betty Harris empezó a convertirse en un acto en vivo de esos que la gente no se perdía y llegó por mérito propio al teatro Apollo donde compartió cartel con Sam Cooke, Aretha Franklin y James Brown. Todavía tenía contrato con Jubilee Records cuando fue descubierta por Allen Toussaint, alguien muy importante para la música de New Orleans. Cantante, pianista,  compositor, arreglador y productor, Toussaint estaba a punto de lanzar su porpio sello, Sansu Records, junto a su socio Marshall Sehorn. Todo parecía estar funcionando para Betty Harris.

Hubo dos canciones grabadas por Betty en las sesiones con Toussaint en New Orleans que sonaron mucho en la escena del northern soul en Gran Bretaña: “I Don’t Wanna Hear It” (1966) y “Show It” (1968).  

En 1967 Allen Toussaint descubrió a Art Neville y The Neville Sounds tocando en Basin Street y entendió que esa banda podía hacer más grande a su sello. Grabando con el ingeniero Cosimo Matassa en su consola de 8 canales y producidos por Toussaint, nació el sonido de los Neville brothers. “I’m Gonna Git Ya”, de Betty Harris, es uno de los tracks grabados en aquellas primeras sesiones.

Ese año Betty Harris formó parte de una gira de 53 shows junto a Otis Redding y Carla Thomas. Betty acababa de firmar contrato con la compañía de representación de Redding y Phil Walden, su mano derecha. Un aparato comercial mejor armado era justo lo que necesitaba y Sansu Records no podía dárselo. Luego de aquel tour regional, Betty Harris acompañaría a Otis y a Carla por una gira europea. Pero todo se desmoronó cuando el avión que llevaba a Otis cayó en las frías aguas del lago Monona, Wiskonsin, el 10 de diciembre de 1967. Con la muerte de Otis, también se hundieron los planes para Betty Harris.

Para 1968 y 1969 el sonido de Toussaint empezó a mutar más hacia el funk. Paradójicamente, el ultimo track que grabó Betty Harris para Sansu fue aquel poderoso “There’s A Break in The Road”, el sencillo que abre este compilado. El bajista es George Porter Jr., el baterista es James Black y el guitarrista Leo Nocentelli, tres gigantes del groove de New Orleans que merecen la pena ser mencionados. La canción fue cedida al sello SSS International, como una última apuesta de Toussaint por intentar cambiar la fortuna de Betty. Pero nada cambió y ese fue el final de su carrera como artista profesional. En 1970 se mudó a Florida y se dedicó a llevar una vida familiar hasta 2005, año en que retornó al mundo de la música para cantar en vivo ocasionalmente.  

Lo sabemos, Irma Thomas es la reina indiscutida del soul de New Orleans, pero no está sola. Para el sello Soul Jazz Records, Betty Harris representa uno de los puntales en cuanto a Funk orleano se refiere y gracias a ellos, su música ha encontrado una audiencia más amplia y renovada. Abramos la puerta a Betty Harris, la Reina perdida del soul de New Orleans y a esta colección de gemas, un verdadero cofre del tesoro. Asique no lo dudes y ...Escuchate Esto! 

Lista de temas:

There’s A Break In The Road
12 Red Roses
Mean Man
I’m Gonna Git Ya
Ride Your Pony
Show It
I Don’t Wanna Hear It
Bad Luck
Hook, Line ’N’ Sinker
Lonely Hearts
What A Sad Feeling
What’d I Do Wrong
Trouble With My Lover
Sometime
I’m Evil Tonight
Nearer To You
All I Want Is You