El Incomparable James Jamerson

Hay una filmación de Marvin Gaye junto a los Funk Brothers tocando “What’s Going on” en vivo. A la izquierda de Marvin esta James Jamerson con su Fender Precission. Les juro que trato, pero no puedo sacar mis ojos de su mano derecha y pensar cómo demonios toca esa linea de bajo tan melódica solo con su dedo índice y muteando la cuerda con el pulgar... un solo dedo y una actitud tan relajada (para tocar de esa forma y que suene con tanta consistencia, el volumen de ese bajo debería estar por las nubes!). Su linea, a pesar de ser compleja y llena de notas, jamas interfiere con la linea melódica de Marvin, conduce la canción de principio a fin y es profundamente espiritual. Eso era James Jamerson.

Tal vez nunca escuchaste el nombre de James Jamerson, pero te aseguro que si lo escuchaste tocar. Jamerson tocó en el los mas grandes éxitos de Motown, con los mas grandes artistas del Soul, Funk, R&B y pop, y ha influido a los bajistas mas importantes.

En un acto de justicia casi sin precedentes, en 2020 la revista Rolling Stone deja su costado tribunero de lado y coloca a Jamerson en el primer puesto del ranking de los 50 bajistas mas importantes de la historia, por encima incluso de figuras como Charles Mingus, Jaco Patorius o Paul McCartney. El mismo Macca alguna vez declaró que James Jamerson era su héroe, aunque en aquel momento no sabía su nombre. Keith Richards adoraba tanto el sonido de Jamerson que solo por ese motivo le insistió hasta el cansancio a Bill Wyman, bajista de The Rolling Stones, para que comenzara a usar bajos Fender. Jamerson ayudó a revolucionar el instrumento, trayendo ingredientes de síncopa, acordes adicionales que añadían profundidad y complejidad melódica, y elecciones sonoras que evocaban las armonías del gospel. Su estilo, frecuentemente llamado "melódico", sonaba como si estuviera haciendo un dúo con el vocalista principal de la canción. 

James había nacido en Carolina del Sur en 1936 y fue un músico completamente autodidacta. Se mudó con su madre a Detroit, Michigan en 1954. Tocó el piano y el contrabajo en el High School y mas tarde comenzó a tocar en bares de jazz. Ray Brown, bajista de Count Basie, fue sin dudas su principal influencia. Uno de sus primeros trabajos como músico de sesión fue tocar el contrabajo en el tema “Boom, Boom, Boom” de John Lee Hooker.

A Berry Gordy le pareció buena idea visitar los clubes de jazz de la ciudad en busca de músicos para formar la banda residente de su incipiente sello discográfico, Tamla Motown. Hank Cosby, colaborador de Gordy, conoció a James en uno de esos bares de la ciudad y le pareció buena idea llevarlo a una sesión de grabación en el nuevo estudio. Gordy quedó impresionado y comenzó a convocar a Jamerson para mas sesiones. Su primera grabación en Tamla fue en la canción de The Miracles, ‘Way Over There’ en enero de 1960. En 1961 lo persuaden para pasarse al bajo eléctrico y comienza a utilizar el Fender Precision que sería su símbolo por siempre y al que el llamaría “The Funk Machine”. Su primera grabación con el Fender fue ‘Strange I Know’ de The Marvelettes en 1962. Aún así, no dejó completamente de lado el contrabajo, e incluso en algunas grabaciones grababa ambos instrumentos mezclados. Su técnica de "un dedo" tiene mucho de contrabajo, por supuesto, y se conocía entre los músicos como 'Jamerson's Hook', o simplemente 'The Hook'.

Para 1971 James estaba algo alejado de Motown pero Marvin Gaye insistió en que tocara en su nuevo álbum, “What’s Going On”. Si bien James Jamerson tocó en el 95% de la música grabada en Motown en los 50s y los 60s, muchos creen que sus mejores trabajos fueron junto a Marvin Gaye. Motown no solía acreditar a los músicos de estudio, sin embargo en “What’s Going On”, los Funk Brothers son acreditados individualmente, y James Jamerson aparece como “El incomparable James Jamerson".

James y el resto de los músicos (Benny Benjamin, Earl Van Dyke, Richard “Pistol” Allen, Joe Hunter, Paul Riser, Robert White y otros) prácticamente vivían en el Studio A de Motown, en el espacio que llamaban "The Snakepit". Aunque sea difícil de creerlo, recién en 1989, con la edición del libro "Standing In The Shadows Of Motown" de Allan Slutsky, los nombres de los Funk Brothers comienzan a tener la trascendencia que merecen, inspirando además el documental de 2002 con el mismo nombre. 

Cuando Motown se mudó a Los Angeles, inicialmente The Funk Brothers no se sumaron. Casi todos ellos consiguieron otros trabajos en Detroit y por supuesto, Jamerson también. Falleció en 1983, con solo 47 años de edad. 

Para que midamos la importancia de James Jamerson en la historia de la música que escuchamos hoy: no solo fue el responsable de darle un impulso inimaginable al bajo eléctrico, darle su propia voz al instrumento, ser el primer virtuoso del bajo... además Jamerson ayudo a moldear el sonido Motown. Su técnica e influencia son tan importantes ahora como lo fueron en aquel entonces. 

"James Jamerson es el punto mas alto en creatividad, libertad, experimentación y audacia. Había que ser muy audaz para tocar esas notas en ese lugar y ser responsable de tanto groove"
Don Was.

James Jamerson: selección de sus líneas mas icónicas

1. Darling Dear - Jackson 5
2. Ain't No Mountain High Enough - Marvin Gaye and Tammi Terrell
3. Bernadette - Four Tops
4. What's Going On - Marvin Gaye
5. For Once In My Life - Stevie Wonder
6. Standing In The Shadows Of Love - Four Tops
7. Fever In The Funk House - James Jamerson and The Funk Brothers
8. Love Child - Diana Ross and The Supremes
9. It's The Same Old Song - Four Tops
10. Going To A Go Go - The Miracles
11. Home Cookin' - Jr Walker & The All Stars
12. I Heard It Through The Grapevine - Gladys Knight 
13. My Girl - The Temptations
14. You're my everything - The Temptations

Fuentes:

https://www.musicradar.com/news/bass/james-jamerson-iconic-basslines-594991
https://medium.com/@brandibabyimastarrbyas/the-incomparable-james-jamerson-66a7be660a0b
https://www.udiscovermusic.com/stories/james-jamerson-motown-bassist/
https://bassmusicianmagazine.com/2020/06/how-james-jamerson-became-the-iconic-bass-player-for-motown-records/
https://www.rollingstone.com/music/music-lists/50-greatest-bassists-of-all-time-1003022/
https://www.bassbooks.com/shopping/products/44-standing-in-the-shadows-of-motown/
https://www.bassbooks.com/bassbooks/samples/HL/HL017x03.pdf
https://scottsbasslessons.com/blog/what-really-made-james-jamerson-so-great 

Gladys Knight & The Pips - Feelin' Bluesy - 1968

El año pasado vi una entrevista a Bosco Mann (bajista de los Dap - Kings y fundador de Daptone Records) en youtube donde le preguntaban por sus discos favoritos de los 60. Bosco no lo dudó y entre uno de ellos puso este disco de 1968: "Feelin' Bluesy" de Gladys Knight & The Pips. Minutos después estaba escuchando ese disco y bueno, como saben, para eso estamos acá... así que, a compartirlo con todos ustedes!

Gladys Knight nació en 1944 en Atlanta, Georgia, ganó un concurso regional de talentos a los 7 años y en su adolescencia formó el grupo The Pips, con algunos de sus hermanos, primos y primas. En 1959 lanzaron su primer sencillo, "Every Beat of My Heart" (antes grabada por Johnny Otis). En 1961 volvieron a grabarla pero esta vez acreditada como "Gladys Knight & The Pips". 

En 1966 el grupo firma con Motown pero en "Motown Soul Records", una subsidiaria del sello que presentaba sencillos que tenían más sabor a R&B que a pop. Sus dos primeros singles, "Just Walk in My Shoes" y "Take Me in Your Arms and Love Me" fueron éxitos en Inglaterra. El despegue definitivo fue con su versión de 1967 de "I Heard It Through the Grapevine", lo que trajo varios éxitos sucesivos. Alguna vez, Gladys (también conocida como la Emperatriz del Soul) declaró que ella y los Pips fueron considerados como artistas de segunda opción, y que "The Supremes, The Temptations y Marvin Gaye recibian todos los éxitos, mientras nosotros tomamos las sobras". 

Tras el éxito de "Grapevine", el grupo trabajó con frecuencia con Norman Whitfield y así es como llegamos al disco "Feelin' Bluesy". Se trata de uno de los álbumes mas finos de Motown y de los menos conocidos. Para el año 1968 Gladys Knight & the Pips parecían estar en un concurso de cortes con otros artistas del sello (Marvin Gaye, the Temptations, Edwin Starr) que hacían temas del productor / autor Norman Whitfield. El primer éxito de "Feelin' Bluesy" es una versión del tema que había sido éxito de Kim Weston, "It Should Have Been Me". Los puntos mas altos de este disco son "The End of our road" y "Don't Let Her Take Your Love From Me", R&B bien crudo y con los Soul Brothers grooveando a pleno. Ojo, también te podes empalagar de cuerdas y vientos con "What Good Am I Without You" o "Your old stand by". Pero después se te pasa escuchando "That's the way love is" con que tiene un sonido mas a Soul sureño que a Motown. Por si hace falta, lo reafirmo, un disco poco escuchado y con un muy alto nivel. Además, cuando se acerquen a este álbum se van a dar cuenta que Sharon Jones y los Dap - Kings bebieron mucho de esta fuente. Por eso, no lo dudes y Escuchate Esto! 

Lista de temas: 

The End Of Our Road
That's The Way Love Is
Don't You Miss Me A Little Bit Baby
The Boy From Crosstown
Ain't You Glad You Chose Love
I Know Better
Don't Let Her Take Your Love From Me
It Should Have Been Me
Don't Turn Me Away
What Good Am I Without You
Your Old Standby
It's Time To Go Now

A Common Wonder - Stevie Wonder / Common - 2017

Con su ultimo proyecto del Soul Mates Project, titulado “A Common Wonder,” el productor y dj Amerigo Gazaway da vida a una sesión de estudio soñada entre el principe del Hip Hop de Chicago, Common Sense, y la leyenda de Motown, Stevie Wonder. Descubrí hace poco este disco y desde la primera escucha sentí que es algo tan bien logrado que maximiza la obra de Stevie Wonder y sirve para revisitarla desde otro lugar. Traduzco y comparto textualmente los textos originales del sitio oficial (con data muy nerd) y recomiendo visitar la web, descargar el disco en forma gratuita y disfrutar de esta maravilla.

Como dice Gazaway: “El uso de sintetizadores, samplers y máquinas de ritmo de Stevie Wonder, en muchos sentidos, pavimentó el camino para el hip-hop y el sampling. Parte de mi motivación par este proyecto fue poner el foco en esa contribución.” Arrancando desde el single de 2016 “Black America Again,” de Common y Stevie, Amerigo imagina y crea esta sesión con muchos recursos (capas de instrumentos, audio de entrevistas). Construyendo nuevos arreglos y deconstruyendo samples, el productor hace interactuar a ambos artistas en un proyecto que camina por la cornisa entre un “mashup” y un disco actual de duetos.

Transcribimos las liner notes del disco por Amerigo Gazaway

1. Intro Theme (I Wonder): El álbum empieza con una pregunta, un juego de palabras con el título “A Common Wonder: Me pregunto porqué el mundo es tan frío?”.  Si escuchas con detenimiento, te vas a dar cuenta que Common y Stevie se hacen las mismas preguntas en su música. También incluí un sample de Stevie recitando la letra de su canción “Visions”, en la que se hace otra pregunta: “Can a place like this exist so beautiful? Or do we have to take our wings and fly away to the visions in our mind”. Para mi, esto representa un lugar donde cualquier cosa es posible; un lugar en donde Common y Stevie colaboran en un álbum completo. (Para mas “preguntas”, vean “The Questions, de Common feat. Mos Def”)

2. I Was Made to Love H.E.R. Este es uno de los primeros tracks que hice para este proyecto. Tiene esa cálida vibra veraniega, además de paralelismos entre las letras de Stevie y las de Common. Muchos raperos han intentado la misma fórmula pero, en mi opinión, “I Used to Love Her” de Common fue (y sigue siendo) el molde para la perfecta canción de amor hip hop. 

3. Living For The Chi-City: Tuve acceso a las pistas multitracks originales de esta canción (batería, bajo, teclados, sintetizador, etc), lo que lo hizo mucho mas interesante. Para los versos, sin embargo, saqué casi todos los samples y grabé bajo, guitarra y teclados. Para la sección rítmica, usé muchas capas. Siento que el bajo sintetizado de Stevie y el ritmo agresivo de Common, fluyen de manera hermosa. 

4. Resurrection to Higher Ground: Para este track, realmente quise hacer una conexión entre “Resurrection” de Common y “Higher Ground” de Stevie (que es esencialmente una canción sobre la reencarnación). El beat esta sampleado de otro track de Stevie, pero rocié durante el tema una parte acapella de “Higher Ground” : “Let me try it again, Let-Let me try it again”. En el final, dejé el sample original (del pianista de jazz) Ahmad Jamal (porque está buenísimo). 

5. Bad Girl feat. Kanye West: Amo este tema. Es de la época en que Stevie empezó a incorporar sintetizadores en su música. Es muy funky y suave al mismo tiempo. Además Kanye y Common tienen una química musical innegable. Hay muchas otras juntadas de Common y Kanye que hubiese querido incluir en el álbum, pero no hay lugar para tanto Kanye.

6. The Sixth Superstition: Este creo que es el segundo track que hice. Incorpora multitracks (bajo, vientos, clavinet, synth vocals, etc) de “Superstition”, “Higher Ground” y “I Wish”. Amo escuchar a Stevie uniendo sintes con lineas de bajo, teclados y otros instrumentos, sobre todo el clavinet. Muy copado como termina siendo el tema 6 del disco... No había pensado eso hasta ahora. 

7. Innervision Intermission: El sample vocal es de una entrevista que Common hizo en el Rap Radar podcast donde habló sobre su colaboración con Stevie en la vida real. Mi socio creativo, Rickey, me mandó el link hace un tiempo para tal vez incluirlo en alguna parte del pero no estaba seguro dónde. Un día, me puse a jugar con este breakbeat (de la serie “Cracker Beats”) y encontré el que samplea “Hey Love” de Stevie y “Impeach The President” de The Honeydrippers. Me pareció perfecto. 

8. Sugar By The Pound: “Soul By the Pound” fue el single del álbum debut de Common “Can I Borrow A Dollar” aunque para esta versión usé las voces de “Thump Mix”, que es un poco diferente del original. Esa es la versión que crecí escuchando, y por alguna razón siempre me ha gustado un poco mas que la original publicada en el disco. 

9. For Once In My Life feat. Erykah Badu: Quería incluir a Erykah en algún lugar del proyecto y este parecía ser un gran lugar para hacerlo. Dato divertido: La batería esta sampleada de la intro de Amy Winehouse’s – “You Know I’m No Good”. Y si, ese es el legendario Chuck D en el final.

10. Like They Used to Say: Ah, Sir Duke. También tuve los multitracks originales acá, lo que me permitió recortar y rearreglar muchas cosas (teclas, vientos, guitarra, etc). Al final, se escucha un tema de jazz mientras ellos hablan. Es un tema de Duke Ellington titulado “Stevie”.

11. God Bless the Freestyle (Interlude): Este era un beat/interludio de Stevie Wonder que hice hace bastante y recordé que lo tenía. No pude encontrar un acapella adecuado para este, así que le tiré el sample de Common haciendo freestyle.

12. The Light (I’m Yours) feat. Bobby Caldwell: Este fue uno de los primeros. Estaba escuchando la versión original de “The Light” de Common y en cuanto lo escuché cantar “signed, sealed, delivered for us to grow together”… ahí es cuando supe qué había que hacer. Es Stevie tocando batería en este tema, pero lo saqué de otro. Pueden adivinar cuál es? 

13. Southside feat. Kanye West: Common y Kanye son todo en este tema. 

14. Pop’s Rap feat. Lonnie Lynn Sr.: Muchos de los discos de Common tienen a su padre, Lonnie Lynn Sr., hablando/rapeando en los finales, y este álbum no es la excepción. El sample es de una versión en vivo de Visions de Stevie Wonder, pero jugué un poco con el pitch y la transportación. También un par de breakbeats acelerados para darle una onda drum & bass. Me hace acordar a "Umi Says" de Mos Def o el final de "You Got me" de The Roots’ (en donde la batería de Questlove’s se acelera tanto al final que llega a doblar el tempo). 

*15. The Sixth Wonder (Bonus Track): Este gancho lo saqué de “So What The Fuss”, de Stevie Wonder, que originalmente tenía a Prince en guitarra. 

Fuentes: http://amerigomusic.com/2017/08/11/common-wonder-liner-notes/
http://amerigomusic.com/2017/08/08/common-wonder-album/

Credits
Soul Mates Records 2017
Produced by Amerigo Gazaway
Executive Producer: Rickey Mindlin 
Common: vocals/lyrics
Stevie Wonder: vocals/lyrics, instruments 
Amerigo Gazaway: sampler, bass, guitar, keys, synth, turntables 
DIY acapellas created by The Goodwill Projects

Marvin Gaye - What's Going On - 1971

Encontré en el sitio Soundonsound una muy interesante nota sobre "What's Going On", la obra cumbre de Marvin Gaye, y como es costumbre, comparto algunos extractos con los lectores de Escuchate Esto! La entrada esta llena de datos técnicos muy disfrutables y se puede seguir con algunas rarezas disponibles en youtube.

Los años previos a la edición de "What's Going On" en mayo de 1971, Marvin Gaye venía desencantado por la falta de libertad artística, regida por un sistema pop comercial por parte de la maquinaria Motown y su fundador Berry Gordy (quien también era su cuñado). La muerte de su colaboradora y amiga Tammy Terrel lo hundió en un profundo pozo depresivo, al punto tal que dejó la música de lado. Cuando finalmente accedió a volver a grabar, impuso sus condiciones, que significaban tomar decisiones artísticas por si mismo sin la intervención de Gordy.

Renaldo 'Obie' Benson, miembro del grupo The Four Tops, es quien inicialmente comienza a pensar en "What's Going on" cuando es testigo de una escena en que la policía esposa y arresta a un grupo de jóvenes que protestaban contra la guerra de Vietnam: "Picket lines and picket signs/ Don't punish me with brutality”. Los compañeros de grupo de Benson se rehúsan a cantar sobre un tema tan conflictivo. Al Cleveland, otro compositor de Motown, colabora en la letra y la canción es ofrecida a Joan Baez, quien también la rechaza. Aquí es cuando Marvin Gaye entra en escena. Obie Benson y Al Cleveland van a casa de Marvin y le muestran la canción inconclusa. Marvin le pone título y agrega mas letra, mientras que enriquece la canción con su piano. Un veterano de Vietnam regresa a casa y se desilusiona a su país, cuyos valores supuestamente había estado defendiendo a tantas millas de distancia, plagado de pobreza, brutalidad policíaca, abuso de drogas, niños abandonados y decadencia social. El 10 de junio de 1970, Marvin Gaye entra al Studio A de Motown para empezar a grabar la canción "What's going on". 

Era un procedimiento típico en Motown que una grabación fuera manejada por diferentes personas. En el caso de "What's Going on", Ken Sands y Mike McLean fueron ingenieros de grabación en distintas instancias. Sands explica: "Un ingeniero podía grabar la base de piano, bajo y batería, tal vez una guitarra también, y después otro ingeniero grababa el resto de los instrumentos: conga, pandereta, bongos, otra guitarra, Wurlitzer piano, Rhodes piano, lo que fuere, seguido después de la voz principal y los coros. Después algún otro podría grabar la sección de vientos o de cuerdas, pero no era una cuestión de especialización. Ciertos productores preferían a ciertos ingenieros, pero el trabajo era distribuido entre todos.”

Neumann U67s

En el caso de 'What's Going On', fue el ingeniero Steve Smith quien grabó batería, piano y bajo. "Así es como Marvin usualmente iniciaba las sesiones de grabación" explica Sands. "El tocaba el piano mientras que Richard 'Pistol' Allen estaba en la batería (finalmente sería reemplazado por Chet Forest, un baterista con un toque mas "swing big‑band") y James Jamerson en el bajo, y también hacía una voz principal a modo de demo." Para la voz se usaban micrófonos tube Neumann U67s (o su versión mas sólida, los Neumann U87) que proveen un sonido extremadamente limpio pero también permiten una cierta cantidad de distorsión/ compresión que llevan la grabación hasta el filo. Lo que siguió en la grabación fue todo el set de percusión, algo fundamental en el sonido Motown: la pandereta y la percusión estuvieron a cargo de Jack Ashford; bongos y congas por Eddie 'Bongo' Brown. Marvin Gaye grabó la voz principal, una "doble voz" como sugerencia de Sands, que se transformaría en una marca registrada del cantante en el futuro, llegando a grabar a veces hasta 3 voces principales para un mismo track. El saxo alto de Eli Fountain no era parte de la idea original de Gaye. Marvin lo escuchó tocar arriba del playback y le peguntó "qué es eso?" Nada, estoy boludeando" (esa sería la traducción en Argentina) fue la respuesta. "Bueno, pues boludeas exquisitamente", respondió Marvin y luego decidió dejar el saxo en la mezcla final. 

Marvin Gaye y el ingeniero Ken Sands hicieron la mezcla stereo de 'What's Going On' usando una consola Electrodyne y un par de monitores Altec 604Es. El resultado... una canción de protesta como nunca antes hubo. La canción se pregunta "Qué está pasando", de una forma relajada nos invita a reflexionar sobre los sucesos post vietnam, llama a su padre ("father, father”) en referencia a su problemática relación con su propio padre (quien eventualmente lo terminaría matando) y también con Dios. Pero también llama a su hermano ("brother, brother, brother”) no solo en forma literal, refiriéndose a su hermano Frankie, veterano de la guerra, sino a toda la humanidad. La obra maestra de Marvin Gaye y el momento mas fino de la música soul, What's Going On, una especie de loop de cuatro acordes enfocada en cómo se autodestruía el sueño americano, todo en una oscura atmósfera jazzera con uno de los cantantes mas exquisitos de la historia.

Berry Gordy rechazó lanzar el single por considerarlo demasiado jazzy. Marvin Gaye le respondía con una medida de fuerza: se rehusó a grabar cualquier otro material hasta que 'What's Going On' fuese editado. Finalmente en enero del 71, junto con 'God is love' en el lado B, se lanzaron 100,000 copias. En 24 horas la tirada se agotó y se imprimieron 100,000 mas. Alcanzando el número dos en el Billboard Hot 100, el single terminó vendiendo 2 millones y medio de copias, un récord en la historia de Motown hasta ese entonces. Predecible tal vez, Berry Gordy mandó a grabar un disco completo para acompañar el éxito, y en diez días se grabaron los otros 9 temas. "What's Going On" fue el primero de lo álbumes de Marvin Gaye en darle crédito como productor. Así que no lo dudes y Escuchate Esto! 

Youtube esta lleno de videos más que interesantes sobre la grabación de este tema y de este disco, no se los pierdan: 

De este link te podes descargar todos los tracks de la grabación original para hacer tu propia mezcla: http://remixpacks.ru/load/21-1-0-3564

Disco Completo 
Pista instrumental
A Cappella
Bass Track by James Jamerson
Background Vocals Only
Bass track L band track R
Multitrack
Mezcla alternativa sin la voz principal 

Bass and Voice 

Muy interesante entrada del blog 7notasestudio.com completísima sobre Motown, con mas datos nerds!!
Harry Weinger and Questlove desarman "What's Going On"

Fuentes: 
https://www.soundonsound.com/people/marvin-gaye-whats-going
Standing In The Shadows Of Motown (Paul Justman - 2002)


Lista de canciones:
1. What's Going On
2. What's Happening Brother
3. Flyin' High (In The Friendly Sky)
4. Save The Children
5. God Is Love
6. Mercy Mercy Me (The Ecology)
7. Right On
8. Wholy Holy
9. Inner City Blues (Makes Me Wanna Holler)
10. God Is Love (Bonus Track)
11. Sad Tomorrows aka Flyin' High (In The Friendly Sky)

Los sellos discográficos que marcaron mi vida

En algún momento deje de ser un simple adolescente al que le gustaba escuchar discos, y me convertí en un fanático de la música. Pasados mis 20 años, empecé a leer libros, buscar recortes de diarios, leer mas en detalle los booklets de los cds, y hurgar en todo lo que tuviera que ver con los músicos que yo escuchaba, sus orígenes, sus influencias, sus instrumentos. Y claro, los nombres de las discográficas empezaban a repetirse. Rock & Roll, Blues, Soul, Jazz, Rocksteady...en esta entrada comparto las principales discográficas que día a día me alimentan.

Lo primero que sale cuando pensas en Sun Records es Elvis. Pero el viejo Sam Phillips, en su estudio de Memphis, grabó y editó a muchos músicos negros de blues y soul. Sun fue la primera casa independiente fuerte en la historia del Rock & Roll. Ike Turner colaboró con Phillips desde el principio, incluso descubriendo talentos como Howlin' Wolf o B.B. King, y llevándolos a grabar a su establecimiento. 

Mi top 5:
"How Many More Years" - The Howlin' Wolf: En 1951 Sun Records se llamaba Memphis Recording Service. Phillips la grabó y se la pasó a Chess Records para editarla. Wolf canta y toca la armónica, y algunos dicen que el pianista es Ike Turner. Howlin' Wolf es el primer aporte de Sam Phillips al rock & roll, ya que para 1951 no era usual encontrar una banda con un sonido tan poderoso. 
"Rocket '88'" - Jackie Brenston & His Delta Cats: Esta canción de 1951 siempre fue acreditada como el primer single de rock & roll de la historia, por varios motivos. El ritmo, el estilo de “heavy blues” de la interpretación (muy adelantado para su época), el sonido oscuro del tema, pero fundamentalmente se destaca por ser la primera grabación en la que suena una guitarra con distorsión, a cargo de Willie Kizert. Ike Turner en piano es indestructible. 
"She's Dynamite" - B.B. King: Boogie pura sangre, grabado en 1951, también con Ike Turner en piano. Demoledor. 
"Tiger Man (King Of The Jungle)" - Rufus Thomas. Thomas se convirtió en una celebridad en el Sur con esta canción de 1953. Uno de los mas grandes showmen del soul. 
"I'm Gonna Murder My Baby" - Pat Hare : Dice Keith Richards en su libro "Life": “Pat Hare solía tocar con Muddy Waters y también hizo unas cuantas canciones con Chuck Berry. Una de las que llegaron a ver la luz se titulaba "I’m gonna murder my baby" y apareció en el baúl de los recuerdos de los estudios Sun después de que Pat hiciera precisamente eso y luego se cargara al policía que mandaron a investigar lo ocurrido: lo condenaron a cadena perpetua a principios de los 60 y murió en una cárcel de Minnesota”. 

A Chess Records le debemos a Muddy Waters, Chuck Berry, Little Walter, Buddy Guy. ¿Qué mas se puede pedir? Para mi, el sello de blues más importante de la historia. Nunca podremos estar lo suficientemente agradecidos a los hermanos Leonard y Phil Chess por todo lo que hicieron. La película Cadillac Records (2008) es una interesante biopic sobre la historia de Chess y aunque algunos pasajes nos puedan parecer exagerados, el film da una idea bastante cercana de cómo se hacían las cosas en aquellos años. 

Mi top 5: 

"Forty Days Forty Nights" - Muddy Waters: Basado en un tema de Bernard Roth. La armónica distorsionada de Little Walter está llamativamente al frente de la mezcla, lo cual hace que el tema sea sumamente pesado. La sesión esta recreada en Cadillac Records. 

"Commit a crime" - Howlin Wolf: La canción esta protagonizada por el gran riff a cargo de Hubert Sumlin, el genio detrás de Wolf

"Let me love you baby" - Buddy Guy: No suelo escuchar viejos temas de Guy de la época de Chess. Debería hacerlo mas seguido. Este tema lo conocí gracias al cover de Stevie Ray Vaughan en su disco "In Step".

"Hate to see you go"- Little Walter: En Blue & Lonesome, ultimo disco de los Stones, esta incluido este cover. Un solo tono, típico riff Chicago y mucha onda para el único y el mas grande de la armónica, Walter Jacobs. 

"Little Queenie" - Chuck Berry: Chuck Berry y Johnnie Johsnon, nada puede salir mal

Cualquiera que haya leído alguna entrada de este blog alguna vez, seguramente se ha cruzado con algun dato referido a Stax Records. Creada por los hermanos Jim Stewart y Estelle Axton , Stax Records (primero Satellite Records), se instaló en un viejo cine en el sur de Memphis, pleno barrio negro de la ciudad. El estudio de grabación fue instalado en el auditorio del cine. Según algunos especialistas, el hecho de que el suelo del estudio (del cine) estuviese inclinado, creaba una anormalidad acústica que se trasladaba a las grabaciones, y dió como resultado el potente, profundo y crudo sonido Stax. "Cause I love you" de Rufus Thomas y su hija Carla Thomas,  fue el primer hit creado en ese estudio en 1961. Ese año Atlantic Records, llegó a un acuerdo para la distribución del material a nivel nacional. En 1962 llega a Stax un adolescente que tocaba el órgano y la tuba, llamado Booker T. Jones. Meses después, el tal Otis Redding. Estos dos músicos cambiarían para siempre la historia de la discográfica. 

Mi top 5:
(No estan "Green Onions", ni "Knock On wood" ni "I can't turn you loose". Elijo otras.)"I'm depending on you"- Otis Redding: De las recientes grabaciones restauradas en vivo del Whisky A Go Go de 1966, toda la potencia de Otis Redding en este tema. 

"Chinese Checkers" - Booker T and the Mg's: Siempre la elijo porque es muy agradable escuchar a Booker tocando el rhodes. Los matices de los vientos son inigualables. 

"Set my soul on fire" - Eddie Floyd: Probaron escucharlo cantar otra cosa que no sea "Knock on wood"?

"Baby get hip to yourself" - Little Johnnie Taylor: La sonoridad y la banda de la casa Stax siempre le sentaron muy bien al blues, y Little Johnnie Taylor es uno de los que lo pudo comprobar.

"I take what I want" - Sam & Dave. La fuerza de estos dos cantantes era inusitada. 

A Motown la conocí primero por The Jackson Five, pero luego aparecieron en mi camino Marvin Gaye, Stevie Wonder, The Temptations y el enorme bajista de la banda residente, uno de mis héroes en el bajo, James Jamerson. Berry Gordy la fundó en Detroit en 1959 y desde entonces ha jugado un papel fundamental en la difusión de la música popular estadounidense, influyendo en la mayoría de los estilos actuales. Su sonido es una marca registrada. Pero también Gordy se ha destacado por la manera en que exprimía a los artistas que pasaban por la casita Motown.

Mi top 5 (todos tocados con el Fender Precision de Jamerson):

"Stubborn kind of fellow" - Marvin Gaye: Las figuras de ídolo pop y cantante gritón coinciden en este soul con cencerro y flautas de los primeros años de Marvin.

"The world is rated X" - Marvin Gaye: Marvin ya estaba en su etapa combativa. De su obra cumbre, "What's Going on", sale este oscuro funk.

"Signed, Sealed, Delivered, I'm yours" - Stevie Wonder: Los vientos, los coros, la pandereta y los gritos de Stevie, llevan adelante este tema de 1970.

"I was made to love her" - Stevie Wonder: Este tema corrió cabeza a cabeza en los charts de 1967 junto a "Ligth My Fire", de The Doors. Armónica, sitar eléctrico y una guitarra muy sucia por el canal derecho. 

"Ain't too proud to beg" - The Temptations: David Ruffin a cargo de la voz principal. Es todo lo que necesitan saber.

Alfred Lion y Francis Wolff formaron un equipo artístico único: mientras que el primero se ocupaba de las producciones musicales, el otro se encargaba de la producción gráfica y la publicidad. Todo comenzó en 1939. Su filosofía estaba clara: grabar jazz de calidad. Sidney Bechet, Thelonius Monk, Bud Powell, Sonny Rollins, John Coltrane, Miles Davis, Art Blakey, Horace Silver, Dexter Gordon, Herbie Hancock, Wayne Shorter, la lista de artistas que han grabado para Blue Note, produce vértigo. Pasaron del hot jazz al hardbop, del swing al free jazz, del bebop al nu soul, al hip hop. Por supuesto, hoy sigue muy activa. 

Mi top 5

"Boogie Woogie Stomp " - Albert Ammons - Meade "Lux" Lewis: Del disco "The First Day". Esto es, literalmente, la primer grabación de Blue Note.

"Somethin' Else" - Cannonball Adderley: El cálido saxo alto de Adderley, tocando este tema compuesto por Miles Davis y acompañado por el mismísimo Miles, además de Hank Jones en piano, Sam Jones en contrabajo y Art Blakey en batería.

"Chitlins con carne" - Kennt Burrell: Conocí este tema y a este guitarrista, gracias a Stevie Ray Vaughan. Burrel fue una de las principales influencias que siempre mencionaba SRV. Esto sería lo que se conoce como soul - jazz

"Instrospection" - Thelonious Monk. Cuesta creer que Monk grabó este tema en 1947. Las ideas suenan muy avanzadas para la época

"Backward Country Boy Blues" - Duke Ellington. Ellington, Charles Mingus y Max Roach "casi" hacen blues tradicional. 

A partir de 1956, Verve grabó a prácticamente todo aquel que tenía algo nuevo que aportar al mundo del jaz. Al mismo tiempo, tuvo mucho peso en la lucha contra la segregación racial. Fue la primera empresa en juntar a músicos negros y blancos, pagarles lo mismo, permitirles que compartieran camerino y dejar que en el público las razas también se mezclaran para disfrutar de los shows. A principios de los años cuarenta, el fundador de Verve, Norman Granz organizó por primera vez una noche de jazz para blancos y negros y luego llevó la experiencia al aire libre, en el auditorio filarmónico de Los Ángeles, donde montó la serie "Jazz at the Philarmonic". 

Mi Top 5
"Satisfaction" - Jimmy Smith: Del clásico de Jagger y Richards, Smith solo toma el título. Este tipo es el padre del acid jazz: Acá pueden comprobar porqué. Groove con mayúsculas. 
"Djangology" - Django Reinhardt: Todo el virtuosismo del gitano mas grande de todos, que encontró en el violinista francés Stephane Grappelli, su balance en este mundo. 
"Rails" -  Dizzy Gillespie Small Group Sessions: Gillespie siempre exquisito, su sabor bebop, mezclado con música afrocubana. 
"Love me or leave me" - Nina Simone: Nina fue un prodigio del piano (tocaba desde los 3 años) y logró mezclar su formación clásica con la música popular negra. Su background era lo clásico y la iglesia. El solo de piano en "Love me or leave me" es el encuentro que nunca se dió entre Oscar Peterson y Bach. 
"Lester Leaps in" - Charlie Parker: La caja "Bird: The Complete Charlie Parker" es infinita. En ella podemos escuchar cada nota que Parker grabó para Verve, incluyendo sus apariciones en "Jazz at the Philharmonic". Parker grabó para Verve en los últimos 5 años de su vida, un período en el que, además de tocar con su quinteto, experimentó con cuerdas y música Afrocubana. Tenía que elegir un tema y elegí "Lester Leaps".

Bonus Tracks: 

Entre el 66 y el 68, Jamaica vivió la era dorada del rocksteady, puente entre el ska y el reggae. Resulta que Treasure Isle y Studio One ayudaron a tender ese puente. Duke Reid y Coxsone Dod, apuraban las sesiones de grabación y competían ferozmente por el mercado. El Rocksteady fue, sin dudas, el soul de Jamaica. Cualquiera de estos artistas podría hacer nacido en Memphis y hubiera sido tranquilamente una estrella del soul. 
Crédito: Catarsis Rocksteady, Lutxo Pérez, 33 Series

Mi Top 5

"Wear you to the ball" - The Paragons: Se dan cuenta a lo que me refiero? Esto es soul con todas las letras. John Holt es un angel. 

"Moonligth Lover" - Joya Landis: Toda la sencillez y dulzura del rocksteady se sintetiza en este tema.

"Why did you Leave" - Alton Ellis & Phillys Dillon: Desde el primer golpe de la batería, con la apoyatura de los vientos, este tema muestra su fuerza. Alton y Phillys Dillon fueron uno de los mejores dúos de la era.

"Nice Time" - Bob Marley and the Wailers: La influencia de The Impressions (Motown) se nota a las claras en esta primera versión.

"Fu Man chu" - Desmond Dekker: El timbre único de Desmond Dekker, el burbujeo de guitarra del maestro Lynn Taitt y todo el misticismo en este tema.

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Stevie Wonder - 1972 - 1976

El amigo Angel, del blog Zeppelin Rock Sabbath me desafió a armar una playlist con los mejores temas o discos de Stevie Wonder. Acepté el desafío, cualquier cosa que tenga que ver con Stevie siempre es un placer. Pero como para ponerle un poco mas de condimento a la cosa, mi objetivo fue  no elegir ninguno de los temas incluidos en el clásico compilado de Wonder "Song Review" (1998). Es como que te pidan los mejores temas de Marley y acudas a "Legend". Así que, sin ningún orden ni criterio específico, comparto en Escuchate Esto! mis temas favoritos del genio de Stevie Wonder de su época dorada


"I Believe (When I Fall in Love It Will Be Forever)"  Talking Book / 1972
Muchos conocerán el tema porque cierra la excelente High Fidelity (2000 - Richard Linklater). "I Believe" empieza como una simple balada, y como es tranquilo arroyo que se convierte en tormentoso río, deriva en un himno gospel blusero poderoso. Se ve claramente la habilidad de Stevie en aplicar sus arreglos sofisticados pero a la vez llenos de soul, tanto en la instrumentación como en los tracks vocales. Como en muchas de sus canciones, en algún momento aparece Dios haciéndose cargo del asunto. Una canción perfecta, interpretada de forma perfecta.

 "You Haven't Done Nothin'" Fulfillingness' First Finale / 1974La novedad en este tema es que las voces invitadas son Los Jackson 5 con su onda doo wop. La canción fue una de las declaraciones políticas mas furiosas de la carrera de Stevie Wonder y su blanco fue el presidente Richard Nixon, quien renunció dos días después de la edición del disco. La canción tiene uno de esos clavinets bien funky de Stevie y una de las primeras apariciones de la máquina de ritmo. 

"Happier than the morning sun" Music of my mind / 1972
Si hay algún sonido que pueda describir sentirse “mas feliz que sol de la mañana” seguramente sea esta canción. Un clavinet que parece querer imitar un arpegio de guitarra que suena a Bach, un bajo moog y la voz. Con eso le alcanza para armar una de sus canciones mas hermosas y mas simples, tanto en el sonido como en la letra.

"Boogie on reggae woman" Fulfillingness' First Finale / 1974
A pesar del título de la canción, no es ni un boogie ni un reggae. Llena de licks bluseros, el tema tiene un groove muy funky con el rhodes al frente, varias capas de voz y sintes. Es uno de los pocos temas en los que Stevie Wonder usa una armónica diatónica o blusera, en lugar de la clásica cromática que suele utilizar. La notable línea de bajo ejecutada por el sintetizador Moog también es otro sello de la canción. El tema dura 7 minutos y medio, incluye un solo de trombón de Art Baron.

"Sweet little girl" Music of my mind / 1972Podríamos catalogarlo como r&b, blues, swing... que se yo! Stevie canta muy
naturalmente en la parte A, se pone furioso en la parte B y sensual en la parte C. Se trata de un tema fundamentalmente de piano con la armónica haciendo comentarios constantemente. Incluso en casos como este, cuando usa básicamente el lenguaje del blues o del jazz mas básico, la música de Stevie Wonder sigue siendo maravillosa.

"Have a Talk with God" Songs in the key of life / 1976Es una de esas proezas donde el genio toca todos los instrumentos y canta todas las voces. Como ya lo hemos mencionado, la fe tiene un gran peso en la vida de Stevie Wonder. En este track, el mensaje es claro: “When you feel your life’s too hard, just go have a talk with God.”

"Too High" Innervisions / 1973"Too high" habla del abuso de drogas y es una de las poquísimas veces que Stevie Wonder se mete con este tema, Mientras que el sonido de Innervisions es mas bien funk, "Too High" tiene una impronta absolutamente jazz fusion. No olvidemos que estamos en plena época de Weather Report, Return to Forever o Hancock empezando a usar sintetizadores. Otra rareza de este track es que Stevie se rodea de tres vocalistas: Lani Groves, Tasha Thomas y Jim Gilstrap

"Ebony Eyes" Songs in the key of life / 1976
Como en casi todo este disco, Stevie se hace cargo de las voces, los teclados y la batería. Y se acompaña de su gran pilar, el bajista Nathan Watts, ademas de Jim Horn en el saxo y Peter Kleinnow en guitarra steel. Huele a blues de New Orleans.

"As" Songs in the key of life / 1976
Se trata de una de esas canciones que van increscecendo y en un momento te preguntás "¿Cómo demonios pudo llegar hasta esta intensidad?" La canción habla de ese tipo de amor que puede permanecer firme durante toda una vida. Escuchar esta canción me inspira, me levanta. Y también se puede bailar, claro! Pero atención, si vas a ver a Stevie Wonder en vivo, preparate porque "As" puede durar 20 minutos. 

 

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