Los inicios de Muddy Waters

Pocos artistas tuvieron tanta influencia en el desarrollo del blues eléctrico y del rock 'n' roll como tuvo Muddy Waters. En esta entrada de Escuchate Esto! vamos a repasar algunos pasajes del ensayo “THE UNTOLD TRUTH OF MUDDY WATERS” de William Wrigth acerca de los inicios de McKinley Morganfield, desde los campos de algodón en Mississippi en los años 40 hasta su explosión como artista emblemático en la ciudad de Chicago.

Visto desde la perspectiva de hoy en día, lo que hizo a Muddy Waters diferenciarse y posicionarse como un artista rupturista, parece sencillo y previsible: adaptar su toque de country blues y delta blues a un instrumento amplificado con electricidad. Pero fue mucho mas que eso, fue empujar desde la guitarra eléctrica el nacimiento del blues urbano que nos llevaría directamente al desarrollo del rock 'n' roll en los '50. Y eso es mucho decir.

Tanto el año de su nacimiento (1913 o 1915) como el lugar preciso (Sharkey o Isaqueana, ambos en Mississippi) son motivo de debate. Gracias al libro "Can't Be Satisfied: The Life and Times of Muddy Waters", de Robert Gordon, sabemos que su padre, Ollie Morganfield, trabajaba con mulas pero también que era un músico talentoso. De su madre, Berta Grant, en cambio casi nada se sabe, solo que murió poco tiempo después del nacimiento de McKinley. El cuidado del niño quedó a cargo de su abuela, Della Grant. Al pequeño le encantaba chapotear y jugar en las oscuras aguas del delta, por lo cual se ganó pronto el apodo de “Muddy” (barroso o lodoso). Con 8 años y luego de solo 3 de educación formal, el pequeño Muddy tuvo que abandonar la escuela para trabajar en el campo y ayudar a mantener a su familia. 

Pero trabajar la tierra por aquellos años estaba apenas un escalón por encima de la esclavitud. A cambio de una pequeña parcela, un aparcero y su familia debían trabajar de sol a sol en los campos de algodón y el terrateniente se llevaba la mitad de la cosecha y deducía las semillas, herramientas, y el poco ganado que hubiera sido entregado, de lo que quedaba. Aunque el trabajo dominaba la vida de Muddy, su abuela se aseguraba que el niño asistiera a la iglesia cada domingo. Y allí fue donde descubrió el poder de la música.

En el libro "Deep Blues", Muddy le cuenta a su autor, Robert Palmer, que una vecina le dejaba escuchar música en su fonógrafo todo el tiempo. Expuesto a las grabaciones de Blind Lemon Jefferson, Tampa Red, y Memphis Minnie, Waters desarrolló un vocabulario musical basado en el blues y la iglesia. Al mismo tiempo, empezó a tomar contacto con instrumentos musicales de manera artesanal. Cualquier cosa que produjera sonido era un escape al trabajo del campo. A los 8 años, Muddy tuvo acceso a un acordeón, luego a una armónica, con la que acompañaba a un amigo guitarrista y a los 10 años, su abuela le regaló su propio fonógrafo. 

A los 14 tuvo su epifanía en el Blues cuando vió tocar en vivo a Son House en las afueras de Clarksdale. Las habilidades de House para tocar la guitarra slide, empujaron a Muddy a dejar de lado la armónica y pasarse a la guitarra. Luego de vender un caballo, repartió las ganancias con su abuela, se quedó con algo de dinero, y por 2 dólares con 50 centavos, compro su primera guitarra. Inmediatamente empezó a tocar todas las noches en los juke joints de Clarksdale y alrededores llegando a ganar hasta u$s 2.50 cada noche. Pronto cambió aquella primera guitarra por una de 14 dólares, un modelo del catálogo de las famosas tiendas “Sears, Roebuck & Co.”.

En el verano de 1941, Muddy Waters escuchó el rumor de que un hombre blanco lo estaba buscando. Alan Lomax, un musicológo de 26 años que trabajaba para la Biblioteca del Congreso, tenía la misión de documentar la música folk del Sur de los Estados Unidos. Lomax había escuchado que Waters era tan bueno como el fallecido bluesman Robert Johnson y quería grabar su música. Aún así, a Waters no le daba confianza el acercamiento de un hombre blanco. Para romper esa barrera de desconfianza, en el momento en que se conocieron, Lomax pidió al músico un poco de agua, y para su sorpresa, utilizó el mismo vaso del que Muddy había tomado. En el Sur segregado, un acto de esa naturaleza era inimaginable. Además de una entrevista, Lomax grabó dos canciones ese día: "Country Blues" y "I Be's Troubled". Muddy no solo se sorprendió al escuchar su voz en una grabación, sino que además, se dió cuenta que lo que hacía era tan bueno como cualquier otro disco que hubiera escuchado antes. Meses después, recibió un paquete por correo conteniendo dos discos y un cheque por 20 dolares. Así imaginó ese momento el director Darnell Martin en su film “Cadillac Records” (2008)

Pensando en ser alguien en el ambiente musical, Muddy dejó su pueblo, Stovall, Mississippi, y viajó a St. Louis, pero encontró la gran ciudad demasiado fría e impersonal. Volvió a Stovall para luego volver a irse, esta vez, a la ciudad de Chicago. Muddy Waters llegó a Chicago en 1943, con una maleta y una guitarra. Trabajaba como camionero durante el día y tocaba en fiestas y bares por las noches. Sin embargo, según le contó Muddy a Peter Guralnick en el libro "Feel Like going Home: Portraits in Blues and Rock 'n' Roll.", para dejar su marca en la gran ciudad, necesitaba ser oído en las calles, en los bares, en los nightclubs, y para eso necesitaba una guitarra eléctrica. Aunque T-Bone Walker venía usando un instrumento amplificado desde hacía algunos años, la diferencia fue que Muddy utilizaba un amplificador pequeño que sacaba un sonido roto, casi distorsionado. Los licks inspirados en Son House, transformaron el instrumento para siempre y le dieron una voz poderosa al blues de Chicago.

En 1946, su novedoso sonido llamó la atención de Columbia Records, para quienes grabó algunas canciones pero que nunca fueron editadas. Aquí es cuando su camino se cruzó con Lejzor y Fishel Chyzh. Estos dos hermanos polacos encontraron la veta de grabar musicos negros y se asociaron alm sello Aristocrat Records. A Leonard y Phillip Chess (así adaptaron sus nombres y apellido al idioma inglés) al principio les interesó grabar jazz, pero por alguna razón, esto no rindió sus frutos. Ellos podían entender el jazz, una música más universal tal vez, pero el blues rural era una música completamente extraña para ellos. Pero simplemente confiaron. Para 1950 siguieron creciendo y pudieron comprar el sello Aristocrat y lo renombraron "Chess Records" y claro, si hay que hablar de Chess, hay que hablar de Muddy. Pero esa, es otra historia. 

Fuentes:

https://www.grunge.com/405181/the-untold-truth-of-muddy-waters/
"Feel Like going Home: Portraits in Blues and Rock 'n' Roll" de Peter Guralnick
"Can't Be Satisfied: The Life and Times of Muddy Waters" de Robert Gordon, 
"Deep Blues", de Robert Palmer
Cadillac Records (2008), de Darnell Martin

Muddy Waters - At Newport, 1960

El concierto de Muddy Waters en Newport y su posterior edición, han significado, como tantas otras actuaciones en vivo repasadas en este blog, un antes y un después. El disco nos muestra al rey del Blues de Chicago en pleno apogeo, gritando su música por encima de una banda descomunal que incluía a Otis Spann y y liderada por el gigante de la armónica James Cotton. El film del concierto muestra la energía de Muddy y su banda haciendo temas como "Hoochie Coochie Man", "I Feel So Good" y uno de los primero clásicos del blues eléctrico: "Got My Mojo Working." Estamos ante un documento fílmico y sonoro de una época en la que Waters y el blues de Chicago intentaban llegar a un público masivo en los Estados unidos. Esto ya se había logrado en parte en Europa, pero en su propio país llegar a una audiencia blanca era una deuda pendiente. Finalmente lo lograría años después gracias a la llegada de esos flacuchos ingleses, The Rolling Stones, pero esa es otra historia.

En 1960 una multitud de aproximadamente 12 mil jóvenes sin tickets invadió literalmente la ciudad de Newport, en Rhode Island e intentó irrumpir en el predio del Newport Jazz Festival. Muchos alcoholizados se enfrentaron con la policía y la guardia nacional. Ray Charles, Horace Silver y otros, estaban tocando, mientras 200 policías intentaban evitar que la multitud invadiera el predio. Al día siguiente, Waters y su banda no pudieron ni siquiera acercarse al lugar y en el medio del camino debieron dar la vuelta y volver a la ciudad porque era imposible llegar. La jornada estuvo a punto de cancelarse pero dada la importancia cultural del festival, el promotor George Wein convenció al alcalde de la ciudad para continuar.

Llamativamente en la foto de portada del álbum se lo ve a Muddy con una guitarra semi acústica. Para esta imagen, Waters decidió dejar de lado su Telecaster y posar con la guitarra de John Lee Hooker, quien también participó del Festival. El autor de la foto es de Burt Goldblatt.

La performance de la banda es poderosa y para el final del show, toda la audiencia estaba bailando. El chico vergonzoso que había grabado Alan Lomax menos de 20 años antes, explota como estrella en este show. En esta oportunidad estamos ante uno de los primeros y mejores discos de blues grabados en vivo en la historia. No se pierdan al genio de Muddy Waters ("a la altura de Mozart" como lo considera Keith Richards), en su mejor momento. Así que … No lo dudes y escuchate Esto! 

Músicos

    Muddy Waters - guitar, vocals
    Otis Spann - piano, vocals
    Pat Hare - guitar
    James Cotton - harmonica
    Andrew Stephens - bass
    Francis Clay - drums

Lista de Temas

  1. I Got My Brand On You
  2. (I'm Your) Hoochie Coochie Man
  3. Baby, Please Don't Go
  4. Soon Forgotten
  5. Tiger In Your Tank
  6. I Feel So Good
  7. I've Got My Mojo Working
  8. I've Got My Mojo Working, Part 2
  9. Goodbye Newport Blues
  10. I Got My Brand On You
  11. Soon Forgotten
  12. Tiger In Your Tank
  13. Meanest Woman

The Rolling Stones play Chuck Berry

La historia es harto conocida. En la estación de tren de Dartford, Keith Richards se acercó a Mick Jagger. La cara le sonaba del colegio. Le preguntó por los discos de Chuck Berry y Muddy Waters que llevaba bajo el brazo y se pusieron a hablar de blues. Ese fue el puntapié inicial para el nacimiento de The Rolling Stones. En marzo de este año, ante la noticia de la muerte de Chuck Berry, Keith Richards dijo “una de mis luces se apagó"; "es el fin de una era" opinó Ronnie Wood, mientras que Mick Jagger aseguró que "Chuck Berry dió vida a nuestros sueños de poder ser músicos de Rock & Roll.". Estas palabras tan sentidas, nos dan una dimensión de la importancia que tuvo el viejo pionero para la banda británica. Sin embargo, el legado musical de Berry, recae fundamentalmente sobre Richards. Hace poco, la revista Rolling Stone publicó una entrevista al viejo Keith, dedicada a su ídolo. Reproducimos en esta entrada algunos pasajes y de paso, compartimos una playlist con aquellos covers que los Rolling Stones han grabado, fundamentalmente en los años sesentas.

“Una vez vimos s Chuck Berry en New York. Al finalizar el show fui a los camarines y allí estaba su Gibson en el estuche. Por exclusivo interés profesional, agarré la guitarra y apenas pulse una cuerda, Chuck me dió una trompada en el ojo izquierdo. Con el tiempo me dí cuenta de que el error fue mío y que yo hubiera hecho lo mismo.” 

“Chuck es como un abuelo para todos nosotros. Aunque seas un guitarrista que no lo nombrarías entre tus influencias, su legado seguro puede ser encontrado entre tus referentes. El es la pura esencia del rock & roll. La forma en que se movía, como manejaba el ritmo era místico y algo que merecía la pena ser contemplado. Usaba todo su brazo para tocar, su hombro y codo... (la mayoría de los guitarristas usan solo su muñeca) yo mismo sigo trabajando en usar el hombro un poco mas. Y su expresión…  la sonrisa de Chuck estaba siempre, no importaba lo que estuviera tocando.”

“Las letras de Chuck eran todo … cómo podes salir con algo como "Too Much Monkey Business"? "Jo Jo Gunne," "School Days," "Back in the U.S.A."?! y "Memphis, Tennessee" !? Es perfecta! Tiene una belleza propia, una ternura. Y la secuencia de acordes, hermosamente tocada, la batería es maravillosa. Y todo en 2 minutos y medio. Su música es interesante para tocar porque no es tan simple como parece y también tiene que ver con cuán interesante la haces parecer vos. El ritmo y el swing que le ponía Chuck le daba un sabor diferente, ese es el significado del rock & roll: es elástico, cada uno le pone lo suyo. Cuando los Stones tocaban en clubes, era básicamente Chuck y el blues – lo cual para mi no es diferente! Nos encantaba tocar "Around and Around."

“Hay un periodo de oro de Chuck, sus años de Chess, allí hizo sus mejores discos, con los mejores músicos, con Willie Dixon detrás. Siempre pienso en el término “exuberante" cuando escucho aquellos discos, era exuberante de principio a fin – la producción, el sonido, la energía que tenían. En sus discos posteriores, siempre lo escuché como buscando algo. Y la prisión no lo ayudó en absoluto. Cuando salió, era una hombre diferente.”

“Era increíblemente versátil para la música. Podía tocar cualquier cosa, guitarra como los viejos jazzeros,– Charlie Christian, y definitivamente T-Bone Walker con ese trabajo de la doble cuerda tan importante. Era un gran fan del Nat King Cole Trio. El escuchaba de todo, le gustaba la música country también. Su música es una increíble mezcla americana. También hay música española, bayou y pantano de New Orleáns.”

“En 1986, cuando hicimos “Hail! Hail! Rock 'n' Roll”, me mudé a su casa por algunas semanas. Fue como un sueño hecho realidad… estoy viviendo en la casa de Check Berry, armando una banda con el! Steve Jordan, Chuck Leavell y Joey Spampinato también estaban, y cada día era una aventura diferente. Una noche me desperté y lo encontré con una enorme máquina limpiando las alfombras "Alguien lo tiene que hacer! "

“La escena de “Carol” en la película era una especie de juego hacia mi, me estaba tomando el pelo. Es cierto, me esta corrigiendo, pero se puede tocar levemente diferente cada vez. Yo pensé "Bueno, le mostraré que tan estoico puedo ser en ocasiones como esta!” 

“Cuando me llamaron para darme la noticia de su fallecimiento, no fue un shock total e inesperado, pero tuve una sensación extraña, y me hizo volver al día que Buddy Holly murió. Estaba en el colegio y el rumor empezó a propagarse. Toda la clase dio este gemido de terror. Esta vez fue la misma sensación en los intestinos. Me pegó más fuerte de lo que creía.”

Entrevista por Patrick Doyle para Rolling Stone

Playlist

https://open.spotify.com/user/escuchateesto/playlist/7BoZuZUOnhNjlUw4yY4NtU

Aunque algunas de las composiciones no son originales de Chuck Berry, los Rolling Stones usaron sus versiones como referencia principal. 

Come On

Carol

Confessin’ the blues (MacShannan, Brown)

Around and around

You can’t catch me

Route 66 (Troup)

Talkin’ ‘bout you (Ray Charles)

Down the road apiece (Don Rae)

Don’t lie to me (original de Tampa Red, luego modificada por Fats Domino)

Bye Bye Johhny

Let it Rock

Little Queenie

Sweet Little Sixteen

La música de Chuck Berry

"Mi música es simple. Yo quería tocar blues pero no era lo suficientemente "blue", digamos, como Muddy Waters. Gente que realmente la había pasado mal. En mi casa había comida en la mesa. Entonces me concentre en hacer música divertida, autos, chicas, adolescentes, discos que los blancos pudieran comprar. Ese era mi objetivo: mirar en mi cuenta bancaria y ver un millón de dólares"

Chuck Berry, Revista Rolling Stone, 2001

  

Chuck Berry - 1926 - 2017

Me enteré de la muerte del viejo Chuck el sábado a la noche a través de twitter, en la cuenta oficial de los Rolling Stones y las personales de Mick, Keith y Ronnie. Pero instantes después me cayó una catarata de testimonios de grandes figuras del Rock y aledaños que en 140 caracteres lo despedían y dejaban una percepción sobre su infinita importancia y su inmortalidad indiscutida. Nadie va a definir mejor a Chuck Berry que sus propios discípulos. De Keith Richards a Dave Mustaine, esto escribían:

Keith Richards: "Esos discos q grabó Chuck Berry en los 50 todavía son el modo supremo de tocar la guitarra en el Rock & Roll. Una de mis luces se apagó."
Ronnie Wood. "Es el fin de una era." 
Mick Jagger: "Chuck Berry dió vida a nuestros sueños de poder ser músicos de Rock & Roll."
Paul Stanley: "Una piedra fundamental de lo que es, fue y será el Rock & Roll."
Eric Clapton: "No hay otro modo de tocar la guitarra en el Rock & Roll que no sea como la toca Chuck." 
Alice Cooper: "Todos nosotros en el rock, hemos perdido a nuestro padre." 
The Doobie Brothers: "Fue el padre del Rock & Roll, una influencia para todos nosotros, será recordado por siempre."
Gregg Allman‏: "El primero, el mejor, un amigo. Descansa en Paz." 
Roger Glover: "El primer disco que compré con mi propio dinero fue uno Chuck Berry. Toda banda de Rock & Roll del planeta ha aprendido con sus canciones. Inmortal." 
Steve Cropper: "No estaríamos haciendo esto si no fuera por Chuck Berry
Ringo Starr: "El fue Mr. Rock & Roll music."
ACDC: "Chuck Berry es Rock & Roll. Es un día triste, pero su música vivirá por siempre."
Dave Mustaine: "Uno de los primeros solos que aprendí fue uno de Chuck Berry." 
Rod Stewart: "Todo empezó con Chuck Berry. Nos inspiró a todos. El primer álbum que compré fue "Live at the Tivoli" de Chuck, y nunca fui el mismo."
Slash: "Indiscutiblemente fue el Rey."
The Doors. "Uno de los mas grandes innovadores del Rock & Roll y una enorme influencia para nosotros."
Brian May: "Fue extremadamente original y desafiante."
Toots Hibert: "Master Musician....Major Melody Maker...Roots of Rock & Roll....Fantastic Friend......"
Bruce Springsteen: "El mas grande autor de Rock & Roll que haya existido." 
Lenny Kravitz: "Ninguno de nosotros estaríamos aquí si no fuera por Chuck."
Joe Perry: "On Top de Chuck Berry es quizá mi disco preferido de todos los tiempos: define el Rock & Roll"
Fantastic Negrito: "Rey, leyenda, genio, un artista puro y maestro escritor de canciones." 
John Lennon : "Si quieres ponerle al rock and roll otro nombre, podrías llamarle Chuck Berry"

Pero nunca nos olvidemos, sin T Bone Walker, no hubiera habido Chuck Berry. Hoy Chuck se encuentra con su maestro.  

The Rolling Stones - Out of Our Heads - 1965

A mediados de los sesenta, The Beatles mostraban con cada nuevo álbum editado, nuevas facetas de lo que una banda de pop y rock podía hacer en aquellos tiempos. Mientras tanto, The Rolling Stones se iban convirtiendo solo en una buena banda de covers que no tenía mucho mas para decir. "Out of Our Heads" cambiaría esa historia para siempre. En solo 30 minutos, los Stones hurgan en su pasado (con seis covers) y espían a su futuro (con otra media docena de temas propios) y, liderados mas que nunca por Jagger y Richards, llevan a la banda al próximo nivel. 

Para hacer este álbum, en mayo del 65 los Stones visitaron por segunda vez los estudios Chess de Chicago, el hogar de sus ídolos. Sin embargo, eligieron covers mas alejados del blues para acercarse al soul mas puro. En "Out of Our Heads" eligen artistas de R & B americanos, desconocidos para muchos adolescentes blancos en esa época. Los Stones entregan crudas versiones de "Mercy Mercy" (Don Covay), "That's How Strong My Love Is" ( Otis Redding), "Good Times" (Sam Cooke), "Cry to Me" (Solomon Burke) y "Hitch Hike" (Marvin Gaye). Podríamos afirmar que re interpretan los temas en lugar de simplemente "hacer covers". Jagger no es comparable con esos cantantes negros, eso lo sabemos. No obstante suena sumamente auténtico y personal en su desempeño al frente de estos clásicos.

La explosión, sin embargo, la trajo una canción que Jagger y Richards escribieron: "(I can't get no) Satisfaction,". En ese track, Jagger encuentra el perfecto traje para ese personaje que estaba creando; Keith Richards asume el mandato divino de convertirse en Rey del Riff y el resto de la banda acompaña de manera mas que correcta, con una justeza rítmica y algunos matices muy apropiados. Aún así, Mick y Keith se sentían inseguros como dupla compositiva y eligieron usar el seudónimo "Nanker Phelge" para otros temas:, "Play With Fire," "The Under Assistant West Coast Promotion Man". "The Last Time" y "Satisfaction," en cambio, llevan la estampa "Jagger / Richard". Richard sin la "S" final, pues en esa época Keith estaba peleado con su padre y decidió modificar su apellido.

Para 1965, el mercado de la música pop era algo muy endeble pensando en el futuro, era una moda que no otorgaba garantías de pasar a la posteridad: ¿Cuánto podía durar esa locura adolescente? Viéndolo desde nuestro punto de vista, mas de 50 años después, resulta extraño de pensar, pero en muchos aspectos era así. “Satisfaction” pega una patada a esa estantería y consolida las cosas. La canción desafía al sistema y The Rolling Stones se visten de héroes de los adolescentes y representantes de esa contra cultura y desde el título del disco lo asumen: "Si, estamos tan locos como todos piensan y tal vez estemos un poco drogados ("Out of our heads" se podría traducir como "De la Cabeza").


“Satisfaction” es sucia, pendenciera, blusera, un clásico de una era, una formula que sería reciclada una y otra vez por cientos de bandas alrededor del mundo, la número 1, la marca registrada de los Stones. En su libro "LIFE", Keith Richards cuenta algunas intimidades: "Todo fue cuestión de usar un pequeño pedal, el pedal de distorsión Gibson que acababa de salir hacía poco. Solo usé pedales en dos ocasiones, los efectos no son lo mío. En "Satisfaction" me estaba tratando de imaginar un arreglo de vientos, lo grabé para luego usarlo como referencia. La distorsión sirvió para darle algo de forma de lo que después serían los vientos, que nunca se grabaron. Quedó un sonido que no se había oído jamás en ninguna parte y fue lo que captó la atención de todo el mundo. Andrew Oldham la sacó sin consultarnos mientras estábamos en la carretera, la escuchamos por primera vez en una radio perdida en Minnesota, la mezcla aún no estaba terminada! A los diez días eramos número uno en todo USA.... Pasaron mas de diez años hasta que la empezamos a tocar en vivo, porque no lográbamos hacerla sonar como nosotros queríamos."   

Otis Redding en el 65 y Aretha Franklin en el 67 hicieron su cover de "Satisfaction" y legitimaron de alguna manera a The Rolling Stones dentro de la música negra. Además de las mencionadas sesiones en Chess, el disco también fue grabado en los Regent Sound Studios de Londres y RCA Studios en Hollywood (allí fue grabada "Satisfaction"), así como también una versión en vivo de "I'm Allrigth" de Bo Diddley. La foto de tapa es de David Bailey y llamativamente la cara de Richards esta en el centro de la foto y se lleva toda la atención, mientras que Jagger asoma por detrás.

Los Stones grabando en los Estudios Chess

Nada fue igual luego de este disco. Los Stones se harían mas y mas grandes y harían mejores discos con el correr de los años, dejando de lado los covers. Como ya mencionamos en el blog alguna vez, en esta época habían empezado a girar varias veces por año por todo el territorio de los Estados Unidos. Horas de ruta escuchando radios locales, frecuentes visitas a los paradores negros en donde escucharon y zaparon blues en el lugar mismo donde nació. Todas estas experiencias los convirtieron en verdaderos musicólogos, expertos en la música americana y ellos como nadie cruzaron esa música de blancos y de negros y la transformaron en su adn. "Out of Our Heads" fue el primer paso significativo en esa dirección, por eso, no lo dudes y Escuchate Esto! 

Little Walter - The Best of (1958)

Si por esas casualidades venis siguiendo nuestro blog últimamente, seguramente has leído que muchos grandes nombran a un tal Little Walter: Jagger, Richards, Iggy Pop, Billy Gibbons, por solo mencionar las últimas entradas de Escuchate Esto! Déjenme presentarles a Walter Jacobs, Little Walter o Walter a secas... el pequeño Walter, el rey de los armoniquistas de blues, un genio, un virtuoso, un innovador, un tipo peligroso, un mago que desarrolló el distorsionado sonido de la armónica de forma que ninguno de sus predecesores pudo haber imaginado. Sus innovaciones instrumentales fueron frescas y adelantadas a su tiempo. Como compositor, cantante, y genio de la armónica, Little Walter fue uno de los mas grandes e influyentes artistas de blues de la posguerra.

Walter Jacobs era un creole nacido en Marksville, Louisiana en 1930. A los 14 se fue a Helena, Arkansas, y cayó bajo la influencia de Rice Miller, mas conocido como Sonny Boy Williamson II, quien junto a Walter Horton, forjaron su personalidad como armoniquista. El siguiente paso en su evolución se dio cuando empezó a escuchar los discos del saxofonista Louis Jordan y aprendió sus solos nota por nota en la armónica. En 1947 llegó a Chicago y empezó a grabar para el sello Ora Nellie, pero cruzó caminos con Muddy Waters en 1949, en una sesión de Jimmy Rogers y eso cambió su vida. Para 1950, Walter ya estaba firmemente establecido como el armoniquista de Muddy Waters en los estudios Chess, y de vez en cuando, aparecía como guitarrista en alguna grabación.

Sonny Boy Williamson y Snooky Pryor, fueron otros armoniquistas que habían usado amplificación antes, pero solo para ganar volumen. Little Walter, en cambio, creó nuevos sonidos nunca antes escuchados. Usaba amplificadores pequeños, los saturaba y así creaba distorsión. Algunos se arriesgan en afirmar que fue el primer músico en usar distorsión en forma intencional. La primer aparición de la armónica amplificada de Little Walter es en el tema de Muddy Waters, "Country Boy" (Chess 1952), grabado en julio de 1951. El sonido fue revolucionario. Ahora si, Waters tenía la banda mas ruda y con el sonido mas duro de Chicago. Los resultados de esa pareja sonora aún resuenan hoy en día.  El la película Cadillac Records (Darnell Martin, 2008), hay una acertada actuación de Columbus Short en el papel de Little Walter, aunque por momentos pueda parecer estereotipada.

Al igual que Williamson y otros, Walter fue maestro en bloquear ciertas notas y generar acordes, lo cual convertía su armónica en un instrumento rítmico muy efectivo. Al contrario de lo que muchos pueden imaginar, Little Walter no solo se dedicaba a la armónica diatónica. Hay grabaciones tocando la armónica cromática (el instrumental de 1956 "Teenage Beat" con Robert Jr. Lockwood y Luther Tucker Manning) . 
En 1952, Walter grabó "Juke", un gran hit tema instrumental producto de una zapada en una sesión con Muddy Waters. Little Walter se había convertido en una estrella. Entre 1952 y 1958, Jacobs metió 14 Top Ten hits, incluyendo "Mean Old World", "Tell Me Mama", "Blues with a Feeling",  "You Better Watch Yourself”, "Last Night" y "My Babe", una adaptación de Willie Dixon del gospel tradicional "This Train.".

Su violento temperamento, combinado con su severo alcoholismo, llevaron a Walter a protagonizar varios hechos de violencia. Uno de esos incidentes, producido en 1968, lo dejó con graves heridas que le costaron la vida a los 37 años. Como Muddy Waters dijo luego de su muerte, “Little Walter ya estaba muerto 10 años antes de morir.”

Su influencia para cualquiera que toque la armónica blusera es ineludible. En forma directa o indirecta, lo que Walter hizo te va a llegar de una u otra manera. Para conocerlo un poco mas y entender de qué se trata, compartimos el disco "The Best of Little Walter", disco fundamental en la historia del blues. Así que no lo dudes y Escuchate Esto!

Fuentes:
http://www.celticguitarmusic.com/harmlw.htm

http://www.gibson.com/News-Lifestyle/Features/en-us/spotlight-0215-2011.aspx

http://www.newworldencyclopedia.org/entry/Little_Walter

http://www.amazon.com/Little-Walter/e/B000APZWZI

http://www.rollingstone.com/music/artists/little-walter

Lista de Temas

1. My Babe
2. Sad Hours
3. You're So Fine
4. Last Night
5. Blues with a Feeling
6. Can't Hold Out Much Longer 
7. Juke

8. Mean Old World
9. Off the wall
10. You better watch yourself
11. BLue ligth

12. Tell me mamma

Músicos:

• Little Walter – lead vocals, harmonica
  Muddy Waters – guitar on "Juke" and "Can't Hold Out Much Longer"
  Jimmy Rogers – guitar on "Juke" and "Can't Hold Out Much Longer"
  David Myers – guitar
  Louis Myers – guitar
  Leonard Caston – guitar on "My Babe"
  Robert Lockwood, Jr. – guitar on "My Babe"
  Willie Dixon – bass, producer
  Elgin Evans – drums on "Juke" and "Can't Hold Out Much Longer"
  Fred Below – drums

Buddy Guy, Los Rolling Stones y la esencia de este blog

Leyendo una entrevista a Buddy Guy, encontré la esencia de Escuchate Esto! Así que, nada mejor que compartir esas declaraciones.

Buddy Guy y los Stones, la esencia del blog

"En Estados Unidos no sabían quien demonios eran B.B. King, Muddy Waters, hasta que lo ingleses empezaron a tocar blues y a visitar nuestro país... Había un programa de televisión en los 60’s llamado Shindig y estaban tratando de invitar a The Rolling Stones porque se estaban haciendo mas grandes que un chicle globo. Y Mick Jagger finalmente dijo "esta bien, lo hacemos si me dejan llevar a Muddy Waters" y le preguntaron a Jagger "Quién demonios es Muddy Waters?" Y Mick se ofendió. "Me estas diciendo que no sabés quien es Muddy Waters?! El nombre de nuestra banda es el nombre de uno de sus discos! Y esa fue la primera vez que lo vimos en televisión. Le debemos a estos tipos las gracias por esto."

Buddy Guy confunde a Muddy Waters con Howlin Wolf, quien finalmente acompañó a los Stones a Shindig. Pero no importa cuál de los dos fuera, la historia tiene el mismo valor. Tal como lo dice Keith Richards en su libro Vida (Life, 2011) los Stones fueron los encargados de “recuperar el gusto de los americanos por su propia música”.
Compartimos el video de Wolf en Shindig y, como dice Buddy, damos gracias a los Rolling Stones.

En este link pueden leer la entrevista completa a Buddy Guy
Mas sobre The Rolling Stones y la música negra

Chuck Berry - Berry Is on Top - 1959

En el post anterior aprovechamos a Howlin Wolf para conocer a Hubert Sumlin. En esta entrada de Escuchate Esto! ponemos como excusa un disco de Chuck Berry para presentarles al gran Johnnie Johnson, el pianista, descubridor y co-autor no reconocido de todos los más grandes éxitos de Berry.
Es sabido: Chuck Berry redefinió y desarrolló el rhythm and blues con elementos que hicieron del rock & roll algo diferente: letras sobre la vida adolescente y solos y riffs tomados de su predecesor, el gran T-Bone Walker (quién piensan que inventó el paso del pato?!). La guitarra eléctrica se convirtió en protagonista de las canciones como nunca antes en la música pop y Berry se transformó en un showman que influiría a todos los rockeros en adelante. Como dice Keith Richards, "esos discos que grabó Chuck Berry en los 50 todavía son el modo supremo de tocar la guitarra en el rock & roll"
Por ejemplo, "Berry is on Top" es un compilado de simples de Chuck Berry, reunidos por Chess Records en 1959. "Maybellene," "Carol," "Sweet Little Rock & Roller," "Little Queenie," "Roll Over Beethoven," "Around and Around," "Johnny B. Goode," sintetizan un mini greatest-hits grabados entre el 55 y 59. Clásicos esenciales, eternos y perfectos de 2 minutos y medio de duración, que influyeron desde los Stones, The Beatles, The Beach Boys, AC DC, The Clash, o cualquier persona que haya agarrado una guitarra eléctrica después de 1957. Lo dice Joe Perry de Aerosmith, "On Top es quizá mi disco preferido de todos los tiempos: define el rock & roll"

Pero, como casi toda historia, la de Chuck tiene un lado B, y su protagonista es Johnnie Johnson, su pianista histórico. Chuck Berry empezó tocando como miembro del Johnnie Johnson Trio. Al principio, Berry era limitado como guitarrista, pero agregó voces y un poco de show al grupo y así fue como quedó como miembro estable. Su gran golpe se dio cuando viajó a Chicago en mayo de 1955 y conoció a Muddy Waters, quien a su vez lo contactó con Leonard Chess de Chess Records. Chess sabía que la figura de Berry tenía algo especial y lo hizo firmar un contrato como solista. Se dio vuelta la tortilla y Johnson pasó a ser parte de su banda. En Chess, grabó "Maybellene" y llegó a vender mas de un millón de copias. Para fines de los 50, Chuck Berry era una mega estrella.Se sabe, cuando Keith Richards encontró a Jagger en aquella mítica estación de tren en Dartford en 1961, Mick llevaba bajo el brazo, entre otros discos de Chess, Rockin' at the Hop de Chuck Berry, y eso fue lo que atrajo a Keith y los inspiró a formar la banda. Mas adelante Richards conoció a Chuck, tocó con el, e incluso recibió un puñetazo del viejo. Cuando se le pregunta por Johnnie Johnson, Richards rememora las primeras escuchas a aquellos discos y dice que "le tomó un par de años rastrear quiénes eran los músicos que tocaban. En esa época no siempre se escribían los créditos de los músicos, en especial, conociendo a Chuck! Lo de Johnnie era asombroso, la forma en que abordaba las canciones, como complementaba a la guitarra. Es el tipo de arreglos que escucho cuando escuchó a Muddy Waters con Otis Spann o Pinetop Perkins. Johnnie era un jazzman, recuerdo oírlo hablar de Art Tatum. Pero en el rock & Roll, Johnnie sonaba "natural". Esa es la palabra. En aquellas mezclas de los 50 era difícil de percibir, pero luego de tantos años, lo fui descubriendo. Lo increíble era su mano izquierda, puro poder. Y la derecha, bueno... escuchen "Wee Wee Hours." En algún punto, Johnnie me recordaba mucho a Ian Stewart (el pianista de los Stones). Fue Ian quien me señaló a Johnnie, era un gran fanático de el. Todo es un círculo".

Johhnie, Chuck y Keith - 1986

Keith fue el líder de la banda en el film y concierto Chuck Berry: Hail! Hail! Rock ‘n’ Roll que celebró los 60 años de Berry en 1986, y reunió a Johnson con Chuck después de muchos años. Richards cuenta que "durante el concierto del 86, hablando con Johnnie, charlamos acerca de las canciones y el me contó cómo crearon aquellos temas juntos. Entonces le dije a Johnnie: "Eso es componer!!, deberían darte crédito por eso. Estas canciones deberían realmente ser de Berry/Johnson."

Finalmente en el año 2000 Johnson demandó a Berry por los créditos y regalías de mas de 50 canciones. En un punto Richards fue ideólogo de estas acciones legales. Pero un juez federal desechó el caso, alegando que había pasado mucho tiempo desde que las canciones fueron escritas y grabadas. El viejo Chuck se salió con la suya una vez mas.


Fuentes:
Amazon
Allmusic
Rolling Stone
 

Músicos:
Chuck Berry – guitar, lead vocals
Fred Below – drums
Bo Diddley – guitar
Willie Dixon – bass
Jerome Green – maracas
Ebbie Hardy – drums
Johnnie Johnson – piano
Lafayette Leake – piano
The Moonglows – backing vocals
George Smith – bass
Jaspar Thomas – drums

Lista de Temas:
Almost Grown
CarolMaybellene
Sweet Little Rock & Roller
Anthony Boy Johnny B. Goode
Little Queenie Jo Jo Gunne
Roll Over Beethoven
Around and around
Hey Pedro
Blues for Hawaians