Desde aca quiero compartir mis discos, canciones o artistas favoritos de música de raíces afro... Blues, Soul, Funk, Ska, Reggae, Jazz... incluso Rock & Roll. También estamos en ivox
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Siguiendo con su serie Soulmates Project, esas “colaboraciones que nunca fueron”, en el año 2018 el productor Amerigo Gazaway reúne a Nina Simone y Lauryn Hill. El proyecto se llamó “The Miseducation of Eunice Waymon”. Nina y Lauryn conversan, se contestan, comparten referencias. Y hay que prestarles atención. “The Miseducation of Eunice Waymon” nace en 2016 durante una Mesa Redonda en Seattle, en la que en medio de un debate acerca del Soulmates Project, la escritora Zandria Robinson le preguntó al productor: “En qué parte de tu proyecto se celebra a las artistas mujeres?” Dos años después, Amerigo había terminado el trabajo. Finalmente, la misma Zandria Robinson fue una de las primeras en escuchar este nuevo álbum y escribir las liner notes (esos escritos que acompañan el arte de los discos), de las cuales citamos algunos pasajes:
“Dos mujeres negras, dos generaciones, trabajadoras de la cultura por los derechos civiles y base de la cultura hip hop femenina. Se trata de una conversación vívida, pregunta y respuesta, y un llamado a la acción - privada, personal y pública – a través del espacio y el tiempo. Con "The Miseducation of Eunice Waymon", Amerigo Gazaway convierte a sus oyentes en niños que viajan en el asiento trasero de un brillante Chevy negro, siendo testigos de los misterios de la conversación entre estas dos mujeres adultas. Conforme van pasando los tracks, ambas se van conociendo entre ellas, mientras que Amerigo combina audios de entrevistas. El piano de una acompaña a la otra, la voz de Nina resuena detrás de la guitarra acústica de Lauryn. La audiencia puede finalmente escuchar a estas mujeres hablando de quienes son realmente, los cuidados, la alienación, la desesperación, la maternidad, el trabajo, la paz interior, y fundamentalmente la necesidad de liberación” –
Amerigo Gazaway, esa especie de "arqueólogo del audio" en permanente búsqueda de tesoros sonoros, lo hizo otra vez. Por eso, no lo dudes y Escuchate Esto!
Tracklist: 01. Feeling Good 02. Ready Or Not feat. The Fugees 03. Doo Wop (ThatThing) 04. To Zion feat. Carlos Santana 05. Fu-Gee-La feat. The Fugees 06. The Sweetest Thing feat. John Forté 07. Take It Easy 08. Peace Of Mind 09. Lost Ones 10. Killing Me Softly 11. If I Ruled The World feat. Nas 12. How Many Mic feat. The Fugees 13. So High feat. John Legend 14. Care For What 1:04:16 15. Angel Of The Morning 16. The Miseducation of Eunice Waymon 17. Fu-Gee-La (Refugee Camp Remix) [Bonus Track]
Produced by Amerigo Gazaway Executive Producer: Rickey Mindlin Soul Mates 2018
Antes de que el ska
y el reggae fueran conocidos fuera del Caribe, hubo un personaje clave que logró
seguidores internacionales tocando música jamaicana y desempeñó un papel vital
en la popularización de sendos géneros en todo el mundo. Su nombre, Byron Lee,
el gran protagonista de la siguiente entrada del blog de Escuchate Esto!
Byron Lee formó parte de
esa larga estirpe del mestizaje chino-jamaicano que, con sus invaluables
producciones y trabajo, aportó una inmensidad de composiciones al desarrollo de
la música jamaicana y, por extensión, en la música popular a nivel mundial. Nunca
podemos olvidar que personajes como Ivan Chin en la era del mento, Leslie Kong,
Randy Chin, Justin Yap, Charlie Moo o The Hoo Kim Brothers en Channel One
Studios, fueron algunos de los arquitectos de la cultura sonora de nuestra isla
musical favorita a los que debemos agradecer la colocación de algunas piedras
angulares del reggae en el panorama mundial. Pero esa, es una batalla que ya fue contada magníficamente por el anfitrión de Escuchate Esto! y no procede en absoluto para desviarnos del camino
con el que empezamos a contar esta otra historia.
Lee aprendió a
tocar el bajo de manera autodidacta y el piano en el colegio, pero pulsó el
botón de pausa cuando entró a formar parte del equipo de fútbol de St George’s
College. La camiseta que usaba dicho equipo tenía un escudo con San Jorge
matando al dragón. Cuando el equipo ganó varias copas en tres divisiones, los
jugadores celebraban las victorias en el vestuario con cánticos que, sin quererlo,
dieron lugar a la génesis de la denominación de la banda de Byron Lee. The Dragonaires comenzaron
a forjar su fama como grupo en la isla tocando Mento y Calypso allá donde les
dejaban.
Lee abrió una agencia de reservas y promoción de conciertos a
principios de los años 60, Lee Enterprises Limited, así como su propio
sello, Dragon's Breath. Trajo a Jamaica a artistas estadounidenses como The
Drifters, Chuck Berry, Sam Cooke y Fats Domino y se encargó de que su banda fuera
la encargada de tocar en calidad de acompañantes musicales junto a dichas estrellas.
Con Lee a la cabeza y el manager Ronnie Nasralla co-produciendo y manejando los
arreglos comerciales, los Dragonaires hicieron todos los movimientos correctos
para despegar con éxito, algo que Lee aprovechó con la llegada del Ska. En ese instante, el que el grupo adaptó su repertorio a sabiendas de que dicho género podía
convertirse en uno que proporcionara una identidad musical propia a la isla,
rompiendo así el largo dominio del R&B estadounidense.
En 1962, la banda
tuvo una excelente exposición internacional cuando millones de personas vieron
la película 'Dr. No' de James Bond. Filmada en Kingston y alrededores,
presentaba a Lee y los Dragonaires en un selecto club nocturno mientras tocaban
“Jump Up”. La escena en la que aparecen es, además, doblemente
interesante desde el punto de vista de la casualidad cultural, ya que entre los
extras que bailan al son de la música de la banda, se encuentra un jamaiquino
blanco llamado Chris Blackwell, quien formaría Island Records aproximadamente
un año después de dicha aparición fílmica.
El gran año para Lee
fue 1964, momento en el que The Dragonaires tocaron en la Feria Mundial de
Nueva York respaldando a Prince Buster, Eric Morris y Peter Tosh. Fueron una
sensación en la feria y, gracias a ello, lograron dar conciertos importantes en
algunos de los mejores clubes nocturnos de Manhattan. De vuelta en Jamaica, Lee compró WIRL a Edward
Seaga y la renombró como Dynamic Sounds Recording, Inc., donde serían grabados
una inmensa mayoría de los éxitos de Reggae de principios de los 70, así como
material de artistas de la talla de Roberta Flack, Paul Simon, Johnny Nash o The Rolling Stones.
En medio de todas
estas actividades musicales y comerciales, Lee mantuvo un calendario completo
de presentaciones y grabaciones, editando sencillos regularmente y álbumes con
una asiduidad anual. Fue eminentemente exitoso, aunque en años posteriores,
incurriría en la ira editorial de algunos escritores que consideraban a su
banda de baile como una versión pálida y diluida del ska, en comparación con agrupaciones
como The Skatalites, The Maytals o The Wailers. Sin embargo, es innegable que Lee
y su banda contribuyeron sobremanera a popularizar el ska y la música jamaicana
durante los años 60. A pesar de esta
supuesta naturaleza diluida atribuida, Lee y los Dragonaires mantuvieron
seguidores hasta finales del siglo XX. Cuando la música dancehall comenzó a
tener auge en Jamaica, Lee expresó abiertamente que no le gustaba y convirtió a
los Dragonaires en una banda de soca, deleitando a las multitudes con sus
nuevos temas en la celebración anual del carnaval de Jamaica.
Byron Lee continuó en
activo incluso después de cumplir 70 años en 2005, pero al año siguiente fue
diagnosticado de cáncer de vejiga y quiso hacer pública su experiencia con la
enfermedad con el objetivo de crear conciencia. Fue un tipo con un alma
enérgica, un caballero y un astuto hombre de negocios cuya fuerza motriz final
fue el poder edificante de la música, y pese a que a menudo no se le toma en
serio como músico, nadie puede negar todo lo que hizo por los ritmos caribeños.
A modo de cierre, y
no sin antes agradecer con cariño y sinceridad a Tony su deseo de incluir de
nuevo con nuestra participación en su blog, recomendamos darle una escucha a un disco de Byron Lee donde el rocksteady es el protagonista. Eso sí, no esperéis
encontrar los habituales sonidos empalagosos o romanticones de Desmond Dekker,
Alton Ellis o Tommy McCook & The Supersonics, más bien canciones con carácter
y fuerza.
Hace 20
años emprendíamos lo que sería, hasta ese momento, el proyecto más ambicioso de
nuestras vidas: producir y dirigir un largometraje. Inspirados en documentales
que algunos conocidos nuestros habían realizado, nos adentramos en la aventura
de contar la vida de un hombre a quien admirábamos: Ricardo Pellican.
El proyecto lleva el título de una de sus canciones, “Apasionado”. Lo que jamás
imaginamos es que gracias al documental y a la relación que se fue forjando
entre nosotros, Ricardo se convertiría en un mentor, un maestro e incluso en
una figura de padre para nosotros dos.
En enero de
2002, iniciábamos el rodaje de esta película hecha por un equipo de amigos y amigas, un proyecto hecho con mucho amor, mucha
pasión, dedicación, muchas ganas y muy poca plata. Se trató de
una experiencia de vida inolvidable e inigualable. Fueron más de 5 años, desde el
nacimiento de la idea hasta la última decisión tomada en el montaje. La
película para nosotros representa la propia experiencia de conocer a un hombre,
admirarlo y convertirnos en parte de su familia.
Hoy en día
Ivana, nuestra hija de 12 años, es alumna de Andrés, hijo de Ricardo. ¿Más
detalles mágicos? Cuando empezamos el rodaje, Ricardo tenía 46 años, la edad
que tiene Tony hoy en día.
Hoy es 13
de enero, es el cumpleaños de Ricardo Pellican y nos parecía un día ideal para subir este recuerdo como regalo para él.
Gracias Ricky y feliz cumpleaños!
Tony Vardé,
Natalia Baldrich, Ciudad de Buenos Aires, 13 de enero de 2022
Apasionado,
La Vida de Ricardo Pellican (Argentina,
2005)
Dirección: Tony Vardé Guión: Tony Vardé, Natalia Baldrich Dirección
de Fotografía y Cámara: Sebastián Gallo Cámaras
Adicionales: Hernán Lastra, Natalia Baldrich Asistentes: Magalí Barbatto, Pablo Elias Dirección
de Arte: Carolina Del Aguila Sonido
Directo: Maximiliano Bello Post
Producción de Sonido: Pablo Fornasati Producción: Tony Vardé, Hernán Lastra, Natalia Baldrich Edición: Tony Vardé, Natalia Baldrich, Sebastián Gallo
Participaron: Carlos
Rodríguez, Carlos Inzillo, Guillermo César Vadillo, Osvaldo Gallo, Manfredo
Grüntzig, Juan Manuel González, Marcelo Vittor, Daniel González, Javier
Malosetti, Walter Malosetti, Leo yMario
Tegli, José Luis Seró, Daniel Galán, Jorge Aguirre, Luis De La Torre, Alfredo
Desiata, Jorgelina Alemán, Andrés Pellican, Hugo Pellican, Lia Pellican,
Sabrina Pellican, Néstor Gómez, Sergio Poli, Pablo González, Juan Carlos Ortega,
Claudio Morales, Sebastián Lascaleia, Juan Antonio Rodriguez, Botafogo, Omar
Mollo, Gabriel Cesario, Chachi Zaragoza
‘Heeby
Jeebbies’ de Little Richard fue la canción que realmente me inspiró a empezar a cantar.” Otis
Redding, del libro "Sweet
Soul Music, Rhythm and Blues and the Southern dream of freedom” de Peter
Guralnick
Sin ninguna razón en particular mas que la de celebrar su música y disfrutar de su figura una vez mas, comparto algunos pasajes de una entrevista que Little Richard dio a la revista Rolling Stone en 1990.
"Mucha gente me llama el arquitecto del Rock & Roll. Yo no me identifico de esa manera, pero creo que es verdad. Hay que tener en cuenta que ya era conocido en 1951. Estaba grabando para el sello RCA-Victor (si eras negro se llamaba Camden Records), antes que Elvis. Luego grabé para Peacock en Houston. Specialty Records me compro de Peacock, creo que pagaron 500 dólares por mí contrato, y mi primer disco en el sello fue un suceso allá por 1956: "Tutti Frutti", un éxito en todo el mundo."
"Inmediatamente empezamos recorriendo todo el país de gira. Viajamos en coche. En ese momento el racismo era tan pesado que no podías descansar en los hoteles, por lo que la mayoría de veces uno dormía en su coche, comía en su coche, tenias tus citas y te vestías en tu coche. Tuve un Cadillac, era la estrella en la ruta."
"Yo me vestía muy extravagante, y llevaba el maquillaje bien cargado. Muchos de los otros artistas de la época, The Cadillacs, The Coasters, The Drifters, llevaban maquillaje también, pero no tenían ningún kit de maquillaje. Una esponja y un poco de base en el bolsillo. Tuve un kit y todo el mundo empezó a llamarme gay."
"Algunos llamaba al rock & roll 'música africana'. Lo llamaban "música vudú." Dijeron que iba a volver a los chicos locos. Me dijeron que era sólo una moda pasajera, lo mismo que suelen decir sobre el hip-hop, sólo que era peor en ese entonces, porque hay que recordar que yo era el primer artista negro al cual los chicos blancos estaban empezando a comprarle discos. Los padres se enojaron bastante conmigo. Tocamos en lugares donde nos dijeron que no volviéramos más porque los niños se ponían muy salvajes. Destrozando cosas, lanzaban botellas y saltaban desde los balcones del teatro a la pista. En ese momento, los niños blancos tenían que estar en el balcón, eran "espectadores blancos". Pero entonces comenzaron a saltar para llegar abajo, donde los niños negros estaban."
"Los Rolling Stones empezaron conmigo, Los Beatles comenzaron conmigo, James Brown, Otis Redding, Jimi Hendrix, todos empezaron conmigo. Creo que cuando la gente quiera alegría, diversión y felicidad, van a escuchar el Rock & Roll de antaño y me alegra saber que yo fui parte de eso. "
“The Bright Mississippi” es uno de los tantos portales mágicos para entrar a la música de New Orleans. Este
disco del pianista Allen Toussaint, editado en 2009, encaja
perfectamente en esa categoría. Es
blues? Es jazz? Es New Orleans!
En “The Bright
Mississippi”, Toussaint re interpreta piezas clásicas del jazz y paga tributo varios referentes que influyeron en él:
Jelly Roll Morton ("Winin' Boy Blues" a dos pianos con Brad Mehldau), Sidney Bechet ("Egyptian Fantasy"), Louis
Armstrong y King Oliver ("West End Blues"), Duke Ellington ("Day
Dream" y "Solitude"), Django Reinhardt ("Blue Drag"),
Thelonious Monk ("The Bright Mississippi") y otros. El álbum incluye también versiones de las archi tradicionales "St. James Infirmary" y
"Just A Closer Walk With Thee."
Si repasamos la vasta carrera de Allen Toussaint,
llegamos a la conclusión de que el “jazz standard” no es su lugar natural, mas bien se trata de alguien
que siempre navegó las aguas del Soul, el Funk, del Rhythm, & Blues, pero el lenguaje jazzero siempre estuvo en su diccionario. Al fin y al cabo, Allen Toussaint nació en New Orleans al igual que el jazz, y esa familiaridad se puede escuchar en toda su carrera. “The Bright Mississippi” (el primer disco solista de
Toussaint en más de una década) es sin dudas un disco personal, donde no solo
el piano, sino también la trompeta de Nicholas Payton y la guitarra de Marc Ribot son protagonistas.
Mencionamos el repertorio, las versiones, la maestría de
Toussaint, pero “The Bright Mississippi” es uno de esos discos en los que el
trabajo del productor (en este caso Joe Henry) es de vital importancia. Hay una cosita funky por allá, algo blusero por acá, un poco de soul mas allá, un poco de second line... y claro, mucho pero mucho jazz piano regado por todos lados. Cada track en sí mismo, y todo el disco como conjunto, nos confirman la etiqueta “Música de New Orleans” es la mas apropiada. El álbum es una verdadera lección de la música del Delta, simplemente música maravillosa cocinada por uno de los tipos que más tiene para ofrecer en su paleta estilística, un verdadero tesoro musical.
Una vez, el músico de Mississippi Van Dyke Parks dijo
sobre Toussaint: "es el mas grande de los pianistas vivos, solo que nadie
lo sabe... ni siquiera él".
Egyptian Fantasy
Dear Old Southland
St. James Infirmary
Singin' the Blues
Winin' Boy Blues
West End Blues
Blue Drag
Just a Closer Walk with Thee
Bright Mississippi
Day Dream
Long Long Journey
Solitude
Músicos:
Allen Toussaint: piano, vocals
Don Byron: clarinet
Nicholas Payton: trumpet
Marc Ribot: acoustic guitar
David Piltch: bass
Jay Bellerose: drums and percussion
Brad Mehldau: piano
Joshua Redman: tenor saxophone.
Comparto algunos pasajes de esta
entrevista de Alex Greene a Eddie Floyd, publicada en memphisflyer.com con
motivo de la edición del libro “Knock! Knock! Knock! On Wood: My Life in
Soul” (Tony Fletcher).
“No se soy
merecedor de un libro, pero si voy a hacer uno, tiene que ser positivo” dice
Eddie Floyd, quien aprendió
música en el “Alabama's Mount Meigs Juvenile Correctional Center”. La noticia con
Eddie Floyd es que no tiene un origen como cantante de Iglesia, como si lo
tienen el 99% de los y las cantantes de soul. “El coro de Mount Meigs tenía un
buen componente gospel” aclara– pero también de música clásica y de jazz”.
Además del coro, lo que escuchaba durante su infancia en Detroit, eran las
grandes bandas de Jazz, como las de Count Basie o Duke Ellington, a las cuales
tuvo la posibilidad de ver en vivo en algunas ocasiones.
“Empecé en Detroit, Michigan, a los 13
años. Quería estar en un grupo doo-wop en aquel tiempo, entonces formé The
Falcons a los 16 años. Escribí algunas baladas para ese grupo, aunque no fueron
justamente los hits.”. Esos hits a los que Eddie hace referencia fueron dos: "You're
So Fine" (1959) y "I Found a Love" (1962) con
un joven Wilson Pickett en el grupo. Escuchen el falsette de Eddie Floyd en "Oh Baby"!
Luego Eddie Floyd conoció a Al Bell y
eso fue un punto de inflexión en su vida. “Con Al nos llevamos muy bien,
escribimos algunas canciones juntos para Carla Thomas y luego… Memphis”.
Allí Eddie conoció Stax Records, comenzó a escribir con Steve Cropper y
a grabar a dúo con Carla Thomas: "Stop! Look at What You're
Doing" y "Comfort Me." Con Cropper y Booker T. Jones hicieron "I've Never Found a
Girl" y luego "California Girl".
Hasta que llegó “Knock on Wood”, la
canción (o debemos decir himno?) que lo cambiaría todo. “En Stax todos
contribuían en cada canción. Steve y yo trajimos "Knock On
Wood" como un demo para Otis Redding, se la mostramos a los MGs, Donald Duck Dunn tocó esta línea de bajo sin que nadie le dijera qué hacer. Yo diría que no hubiera sido un hit a menos
que Al Jackson sugiriera poner ese corte en ese momento particular de la
canción (Por Dios! La humildad de este tipo, se dan cuenta?!). Al dijo 'un
momento, dejenme poner estos golpes!' 'I better knock,' boom boom boom boom. Stop. 'On
woooood.' Vuelta al beat. Recuerdo a Isaac Hayes con
su idea del puente. Y nunca habíamos escuchado un Puente como ese antes!.” Pero la canción no parecía material para Otis, así Cropper y Eddie convencieron a Jim Stewart, el presidente del sello, para que ese demo fuera lanzado como simple, naturalmente con la voz de Eddie Floyd como cantante principal.
Knock on Wood transmite todo la positividad de la que Eddie Floyd habla en la
nota. Su sonrisa y su energía, junto con este himno, lo acompañaron por el
resto de su carrera. “Todos contribuíamos en cada canción –continúa Eddie
hablando del clima y la forma de trabajo
en Stax. No había diferencias. Yo podía tranquilamente hacer coros en la canción
de alguien, si estaba en el estudio en ese momento. Y alguien haría lo mismo
por mi.”
Otro punto importante de su carrera,
años más tarde, son Los Blues Brothers. “Pasé mucho tiempo en la ruta con The
Blues Brothers. Una vez estaban en Canadá haciendo un homenaje a Stax, me
invitaron y terminé trabajando con ellos durante 22 años!”. El tramo de su carrera junto a los Blues Brothers incluyó una participación en la película Blues Brothers 2000 junto a Wilson Pickett y al guitarrista Jonny Lang haciendo el tema compuesto por Eddie y Cropper: 634-5789.
Hoy a los 83, Eddie Floyd parece no detenerse
ni un poco. En 2008 editó el disco “Eddie Loves you so” para Stax, sigue como
miembro activo de la Stax Music Academy, buscando mantener vivo el legado del
sello en las nuevas generaciones de músicos. Además asiste a todo
homenaje al Soul que se realice, como el organizó Booker T. Jones en la Casa Blanca en 2013.
“Nunca
voy a abandonar la música –dice Eddie Floyd. Te lo digo de esta forma, como le
digo a todo el mundo: Voy a rockear hasta el final.”
Sepan algo: nunca es tarde para descubrir un
artista nuevo. Eso mismo me pasó este año. Gracias al podcast de Escuchate
Esto! descubrí, a veces por exploración propia, otras por sugerencia de amigos y amigas oyentes y ocasionalmente gracias al algoritmo de youtube, muchos artistas y canciones
nuevas. Nathaniel Rateliff es alguien a quién yo tenía en el radar por ser
artista de Stax Records, pero al cual nunca le había prestado mayor atención. Y este año,
gracias al podcast, el simple SOB (Son of a Bitch) explotó en nuestra casa, en
nuestro auto, en todos lados. De Nathaniel Rateliff y su banda, The Night
Sweats, me gustaría referirme, al menos brevemente esta vez, sobre sus dos primeros
discos: Nathaniel Rateliff & The Night Sweats (2015) y Tearing atthe Seams (2016) ambos editados por Stax, el legendario sello de Memphis.
Rateliff se crió en Hermann,
Missouri. Inició su carrera tocando con su banda familiar en la iglesia, pero
eso terminó de repente con la muerte de su padre en un siniestro vial. El
bajista Joseph Pope III, que comparte el camino de la música con Nathaniel
desde 1998 lo grafica de esta forma: “siempre supimos que la música sería lo que nos
salvaría”. Su primera banda, Born in the Flood, gravitaba entre el heavy rock y
un sonido mas folk. Paralelamente, Rateliff editó
mas de un álbum como solista en el sello Rounder Records con otra banda llamada
The Wheel, pero aún así, siguió adelante tratando de encontrar el sonido
correcto para aquello que tenía para decir como autor. Hasta que unos demos
grabados en los primeros años de la década del 2010 basados en un sonido mas cercano al Soul, le
indicaron qué dirección tomar. “De todos los proyectos que tuvimos y todos los
géneros que tocamos, dice Pope, esto es lo mas natural que lo escuché cantar y
tocar.”
Esos fueron los demos que eventualmente los
llevarían al disco debut de la banda ediitado en 2015. La banda es Soul, es
Rhythm and Blues fiestero, es folk… "Nathaniel Rateliff & The Night Sweats" se
abrieron paso a través de cientos de shows en Norte America, el Reino Unido y
Australia, además de Festivales como Coachella, Newport, Monterey. Como a veces sucede, ese tiempo en la ruta decantó en el segundo álbum, "Tearing at the
Seams" (2016, también por Stax), que suena como un disco mucho más de
una banda que de un artista solista. Una vez mas, desde este blog te decimos, no lo dudes y... Escuchate Esto!
