Prince (1958 - 2016)

En 2004, el Rock and Roll Hall of Fame rindió tributo a George Harrison armando una banda all-star para tocar en vivo el clásico de Harrison y The Beatles “While My Guitar Gently Weeps”. Entre los músicos estaban Tom Petty, Steve Winwood, Dhani Harrison (único hijo de George) y Prince. Muchas cosas me llamaron la atención cuando vi el video por primera vez: lo bien que suena la banda, lo bien que suena la voz de Tom Petty, lo idéntico que es el hijo de Harrison a su padre (parece que fuera el mismo George venido desde 1964 a presentarse en el show) y ... dónde está Prince? Ah si! Está a la derecha de la pantalla en la oscuridad. Solo logro identificar que parte de su vestuario es rojo, y que toca un Telecaster, no mucho mas. Recién luego de los 2 minutos se ve un plano completo de el. Pero a partir de los 3.28 min. su actuación se convertirá en uno de los momentos guitarrísticos mas grandes que vi en toda mi vida.

Hohner nunca fue un gran fabricante de guitarras, la conocemos mas que nada por las armónicas o los acordeones. Pero a Prince le gustaba esa Hohner Madcat imitación Telecaster con golpeador de leopardo que había conseguido en los setenta. Por mas que pudiera conseguir una Fender, ya en 1984 en el film Purple Rain, Prince aparece usando su Madcat. Tanto Prince como la guitarra se hicieron muy famosos y Hohner sacó a la venta un modelo custom de dicho instrumento que bautizaron "The Prinz" así, con zeta. Previamente, tuvo que realizarle algunas variaciones, entre ellas, la modificación de la cabeza, luego de un pleito legal en el que Fender aludía que la Madcat era exactamente igual a la Telecaster.

Prince era dueño de un par de Hohners originales pero las guitarras que mayormente tocaba eran réplicas fabricadas por el luthier Roger Sadowsky. Antes del tour de Purple Rain, a Sadowski le fueron encargadas dos copias porque Prince tenía la costumbre de lanzar sus guitarras al aire. Además, la Hohner era difícil de mantener afinada y los micrófonos de fábrica eran un poco ruidosos. La construcción de la Sadowski desde luego, es excelente, con un cuerpo de maple que le da un sonido distintivo, brillante, y muy funky, algo que es vital para Prince.

Alguien le preguntó una vez a Eric Clapton, qué se sentía ser el mas grande guitarrista del mundo (una pregunta bastante boba, por cierto) y Clapton contestó:  "preguntale a Prince". Cierta o no, esta anécdota es creíble. Prince fue uno de los mas grandes guitarristas de rock de la historia. Su fuerza, control y sonido eran inigualables. Ya sea con sus guitarras personalizadas con esos diseños increíbles o con su amada Hohner imitación Telecaster, Prince hacía que sus guitarras hicieran lo que el quería: gritar, cantar, aullar, y por último, como vemos en el final de esta actuación, volar.



Pensando en la relación con Prince y su Hohner y volviendo a ver el video, me gusta pensar que Prince no murió. Se fue al cielo a buscar su Telecaster.


Fuentes:
http://www.openculture.com/
http://uniqueguitar.blogspot.com.ar/
http://edsguitarlounge.com/
http://legendary-guitars.blogspot.com.ar/

1984. Es muy dificil ver a Prince en esta foto y no pensar en Jimi Hendrix. 

Buddy Guy, Los Rolling Stones y la esencia de este blog

Leyendo una entrevista a Buddy Guy, encontré la esencia de Escuchate Esto! Así que, nada mejor que compartir esas declaraciones.

Buddy Guy y los Stones, la esencia del blog

"En Estados Unidos no sabían quien demonios eran B.B. King, Muddy Waters, hasta que lo ingleses empezaron a tocar blues y a visitar nuestro país... Había un programa de televisión en los 60’s llamado Shindig y estaban tratando de invitar a The Rolling Stones porque se estaban haciendo mas grandes que un chicle globo. Y Mick Jagger finalmente dijo "esta bien, lo hacemos si me dejan llevar a Muddy Waters" y le preguntaron a Jagger "Quién demonios es Muddy Waters?" Y Mick se ofendió. "Me estas diciendo que no sabés quien es Muddy Waters?! El nombre de nuestra banda es el nombre de uno de sus discos! Y esa fue la primera vez que lo vimos en televisión. Le debemos a estos tipos las gracias por esto."

Buddy Guy confunde a Muddy Waters con Howlin Wolf, quien finalmente acompañó a los Stones a Shindig. Pero no importa cuál de los dos fuera, la historia tiene el mismo valor. Tal como lo dice Keith Richards en su libro Vida (Life, 2011) los Stones fueron los encargados de “recuperar el gusto de los americanos por su propia música”.
Compartimos el video de Wolf en Shindig y, como dice Buddy, damos gracias a los Rolling Stones.

En este link pueden leer la entrevista completa a Buddy Guy
Mas sobre The Rolling Stones y la música negra

Chuck Berry - Berry Is on Top - 1959

En el post anterior aprovechamos a Howlin Wolf para conocer a Hubert Sumlin. En esta entrada de Escuchate Esto! ponemos como excusa un disco de Chuck Berry para presentarles al gran Johnnie Johnson, el pianista, descubridor y co-autor no reconocido de todos los más grandes éxitos de Berry.
Es sabido: Chuck Berry redefinió y desarrolló el rhythm and blues con elementos que hicieron del rock & roll algo diferente: letras sobre la vida adolescente y solos y riffs tomados de su predecesor, el gran T-Bone Walker (quién piensan que inventó el paso del pato?!). La guitarra eléctrica se convirtió en protagonista de las canciones como nunca antes en la música pop y Berry se transformó en un showman que influiría a todos los rockeros en adelante. Como dice Keith Richards, "esos discos que grabó Chuck Berry en los 50 todavía son el modo supremo de tocar la guitarra en el rock & roll"
Por ejemplo, "Berry is on Top" es un compilado de simples de Chuck Berry, reunidos por Chess Records en 1959. "Maybellene," "Carol," "Sweet Little Rock & Roller," "Little Queenie," "Roll Over Beethoven," "Around and Around," "Johnny B. Goode," sintetizan un mini greatest-hits grabados entre el 55 y 59. Clásicos esenciales, eternos y perfectos de 2 minutos y medio de duración, que influyeron desde los Stones, The Beatles, The Beach Boys, AC DC, The Clash, o cualquier persona que haya agarrado una guitarra eléctrica después de 1957. Lo dice Joe Perry de Aerosmith, "On Top es quizá mi disco preferido de todos los tiempos: define el rock & roll"

Pero, como casi toda historia, la de Chuck tiene un lado B, y su protagonista es Johnnie Johnson, su pianista histórico. Chuck Berry empezó tocando como miembro del Johnnie Johnson Trio. Al principio, Berry era limitado como guitarrista, pero agregó voces y un poco de show al grupo y así fue como quedó como miembro estable. Su gran golpe se dio cuando viajó a Chicago en mayo de 1955 y conoció a Muddy Waters, quien a su vez lo contactó con Leonard Chess de Chess Records. Chess sabía que la figura de Berry tenía algo especial y lo hizo firmar un contrato como solista. Se dio vuelta la tortilla y Johnson pasó a ser parte de su banda. En Chess, grabó "Maybellene" y llegó a vender mas de un millón de copias. Para fines de los 50, Chuck Berry era una mega estrella.Se sabe, cuando Keith Richards encontró a Jagger en aquella mítica estación de tren en Dartford en 1961, Mick llevaba bajo el brazo, entre otros discos de Chess, Rockin' at the Hop de Chuck Berry, y eso fue lo que atrajo a Keith y los inspiró a formar la banda. Mas adelante Richards conoció a Chuck, tocó con el, e incluso recibió un puñetazo del viejo. Cuando se le pregunta por Johnnie Johnson, Richards rememora las primeras escuchas a aquellos discos y dice que "le tomó un par de años rastrear quiénes eran los músicos que tocaban. En esa época no siempre se escribían los créditos de los músicos, en especial, conociendo a Chuck! Lo de Johnnie era asombroso, la forma en que abordaba las canciones, como complementaba a la guitarra. Es el tipo de arreglos que escucho cuando escuchó a Muddy Waters con Otis Spann o Pinetop Perkins. Johnnie era un jazzman, recuerdo oírlo hablar de Art Tatum. Pero en el rock & Roll, Johnnie sonaba "natural". Esa es la palabra. En aquellas mezclas de los 50 era difícil de percibir, pero luego de tantos años, lo fui descubriendo. Lo increíble era su mano izquierda, puro poder. Y la derecha, bueno... escuchen "Wee Wee Hours." En algún punto, Johnnie me recordaba mucho a Ian Stewart (el pianista de los Stones). Fue Ian quien me señaló a Johnnie, era un gran fanático de el. Todo es un círculo".

Johhnie, Chuck y Keith - 1986

Keith fue el líder de la banda en el film y concierto Chuck Berry: Hail! Hail! Rock ‘n’ Roll que celebró los 60 años de Berry en 1986, y reunió a Johnson con Chuck después de muchos años. Richards cuenta que "durante el concierto del 86, hablando con Johnnie, charlamos acerca de las canciones y el me contó cómo crearon aquellos temas juntos. Entonces le dije a Johnnie: "Eso es componer!!, deberían darte crédito por eso. Estas canciones deberían realmente ser de Berry/Johnson."

Finalmente en el año 2000 Johnson demandó a Berry por los créditos y regalías de mas de 50 canciones. En un punto Richards fue ideólogo de estas acciones legales. Pero un juez federal desechó el caso, alegando que había pasado mucho tiempo desde que las canciones fueron escritas y grabadas. El viejo Chuck se salió con la suya una vez mas.


Fuentes:
Amazon
Allmusic
Rolling Stone
 

Músicos:
Chuck Berry – guitar, lead vocals
Fred Below – drums
Bo Diddley – guitar
Willie Dixon – bass
Jerome Green – maracas
Ebbie Hardy – drums
Johnnie Johnson – piano
Lafayette Leake – piano
The Moonglows – backing vocals
George Smith – bass
Jaspar Thomas – drums

Lista de Temas:
Almost Grown
CarolMaybellene
Sweet Little Rock & Roller
Anthony Boy Johnny B. Goode
Little Queenie Jo Jo Gunne
Roll Over Beethoven
Around and around
Hey Pedro
Blues for Hawaians

Vintage Trouble en vivo en Argentina - 19 de marzo de 2016

Desde hace unos 3 años, cuando los descubrí en youtube tocando en vivo en Jolls Holland que muero de ganas de ver a Vintage Trouble. Aunque pensándolo bien, las ganas de ver en vivo a una banda como esta, vienen de antes. Desde que descubrí a James Brown, Otis Redding, Sam & Dave, o Wilson Pickett. Ese tipo de shows no se ven mas. Pero por suerte, llegó Vintage Trouble al Lollapalooza Argentina y me hizo pensar en que no necesito una máquina del tiempo para ver un show explosivo.
2.15 pm. Poca gente en el escenario principal 2. Empieza a sonar Hound Dog en la versión de Big Mama Thorton. Así es como sale VT al escenario. Arenga entre los 4, pequeñísima prueba de micrófonos y arrancan con todo: "High Times". Ya está, con eso alcanza para saber cómo será el show: intenso, eléctrico, percusivo, a los gritos, a los saltos, y a cantar todos. El cantante Ty Taylor se encargará de que aquello de "pregunta y respuesta" sea una constante con el público. Enganchan con su primer hit, "Blues Hand me Down" guiados por la batería primitiva y salvaje de Richard Danielson y ese riff tan potente (y tan Zeppelin). En menos de 10 minutos la cantidad de público ya se triplicó. No seguiré con la crónica tema por tema, porque es aburrida. Solo mencionaré algunos de las canciones que pasaron:"Doin' What You Were Doin'", "Total Strangers", "Nancy Lee","Angel City, California","Pelvis Pusher", "Nobody told me", con Facundo Monty como cantante invitado. El final llegó con "Run Like the River", donde todos miran a Ty Taylor nadar entre el los brazos del público, pero deberíamos prestarle un poco mas de atención al slide asesino de Nalle Colt. El final es con "Strike Your ligth", donde se hace evidente la influencia de Stevie Ray Vaughan en Colt."Olé, olé olé olé, Vintaaage, Vintaaaage". Esta hecho, el público argentino se enamoró de Vintage Trouble. Bajan del escenario, recorren la pasarela central saludando a la gente. Ojalá se hayan enamorado ellos también de Buenos Aires y vuelvan mas seguido.

    Vintage Trouble en vivo en Buenos Aires

Voz: Ty Taylor
Guitarra: Nalle Colt
Bajo: Rick Barrio Dill
Batería: Richard Danielson

Todas las fotos son cortesía de @PabloDCC salvo las especificadas

Ph by @DoctorDrew420

Hubert Sumlin: el mejor secreto de Howlin' Wolf

Son contadas con los dedos las sociedades musicales que han sido tan mágicas como las de Howlin’ Wolf y su guitarrista, Hubert Sumlin. En los 22 años juntos, Sumlin tuvo un rol central en la creación de algunos de los temas mas memorables e influyentes del siglo en la música negra americana. Su toque tan económico, sus notas estiradas a la perfección, el toque mágico de sus dedos y su original abordaje rítmico, fueron tan importantes para el blues como la poderosa voz y escena que desplegaba el mismo Howlin Wolf. En esta entrada de Escuchate Esto! repasamos algunos de los grandes clásicos del blues de Chicago y les presentamos a uno de los guitarristas mas importantes de la historia.

Jimi Hendrix casi siempre tocaba el cover de “Killing Floor” por su amor a Sumlin; los Rolling Stones asumieron un riesgo importante grabando "Little Red rooster" y editandolo como cara B en un single; Eric Clapton llevó a Wolf a grabar a Londres en 1970 y dijo "Si Hubert no viene, no hay grabación". Estos son algunos de los múltiples homenajes que marcan la importancia de esta dupla imbatible. 

En una entrevista para la revista Guitar World, Hubert rememora: "Cuando era un niño quería ser un guitarrista de jazz, como Charlie Christian, pero también amaba el blues. Charley Patton era un mago, un genio. Si Wolf y Muddy son los padres del rock and roll, entonces Charley Patton, Lonnie Johnson, Robert Johnson, son los abuelos." Hubert Sumlin contaba que su gran salto lo dió cuando dejó de tocar con púa y empezó a usar sus dedos: "Sentía que estaba tocando mejor que nunca, no necesitaba nada mas que mis dedos, comencé a tocar con mas alma... nunca mas agarré una púa. Ese fue mi secreto para abrir muchas puertas, mi tono, mi sonido, todo empezó a cambiar entonces." Otra de sus grandes influencias fue haber tocado junto a Jimmy Rogers durante los seis meses que Sumlin fue parte de la banda de Muddy Waters.

Hubert Sumlin se unió a la banda de Wolf en el 54 y se quedó hasta 1976, año de la muerte del cantante. Aunque le costó sobreponerse a la muerte de Wolf, Hubert continuó con su carrera grabando varios discos solistas. Su actividad en este siglo marca su participación en el concierto / documental Ligthnin' in a Bottle, de 2003, producido por Martin Scorsese, la edición del cd “About them shoes” (2005), con la colaboración de Eric Clapton y Keith Richards (quien lo ayudó a afrontar su gastos médicos en la última etapa de su vida) y apariciones en escenarios junto a figuras como Robert Cray y Jimmie Vaughan. Su último trabajo fue junto a Kenny Wayne Shepherd en 2010 en el disco "Live! in Chicago." Todos los que lo conocieron bien coinciden en que Hubert nunca actuaba como una gran estrella, era un tipo normal, a pesar de lo grande que fue su influencia y su obra. Su muerte se produjo el 4 de diciembre de 2011 y los gastos de su funeral estuvieron a cargo de Mick Jagger y Keith Richards. Compartimos una lista de los temas mas importantes de Hubert Sumplin acompañando a Howlin Wolf, publicada en el blog Stompbeast.

Fuentes:
http://www.guitarworld.com/
http://www.rollingstone.com
http://stompbeast.blogspot.com.ar/
 

Lista de temas: 
“SMOKESTACK LIGHTNIN’”
“KILLING FLOOR” 
"LOUISE"
“TAIL DRAGGER”
“HIDDEN CHARMS”
“YOU’LL BE MINE”
“WANG DANG DOODLE”
“FORTY-FOUR”
“COMMIT A CRIME”
“THREE HUNDRED POUNDS OF JOY”

Stevie Wonder - 1972 - 1976

El amigo Angel, del blog Zeppelin Rock Sabbath me desafió a armar una playlist con los mejores temas o discos de Stevie Wonder. Acepté el desafío, cualquier cosa que tenga que ver con Stevie siempre es un placer. Pero como para ponerle un poco mas de condimento a la cosa, mi objetivo fue  no elegir ninguno de los temas incluidos en el clásico compilado de Wonder "Song Review" (1998). Es como que te pidan los mejores temas de Marley y acudas a "Legend". Así que, sin ningún orden ni criterio específico, comparto en Escuchate Esto! mis temas favoritos del genio de Stevie Wonder de su época dorada


"I Believe (When I Fall in Love It Will Be Forever)"  Talking Book / 1972
Muchos conocerán el tema porque cierra la excelente High Fidelity (2000 - Richard Linklater). "I Believe" empieza como una simple balada, y como es tranquilo arroyo que se convierte en tormentoso río, deriva en un himno gospel blusero poderoso. Se ve claramente la habilidad de Stevie en aplicar sus arreglos sofisticados pero a la vez llenos de soul, tanto en la instrumentación como en los tracks vocales. Como en muchas de sus canciones, en algún momento aparece Dios haciéndose cargo del asunto. Una canción perfecta, interpretada de forma perfecta.

 "You Haven't Done Nothin'" Fulfillingness' First Finale / 1974La novedad en este tema es que las voces invitadas son Los Jackson 5 con su onda doo wop. La canción fue una de las declaraciones políticas mas furiosas de la carrera de Stevie Wonder y su blanco fue el presidente Richard Nixon, quien renunció dos días después de la edición del disco. La canción tiene uno de esos clavinets bien funky de Stevie y una de las primeras apariciones de la máquina de ritmo. 

"Happier than the morning sun" Music of my mind / 1972
Si hay algún sonido que pueda describir sentirse “mas feliz que sol de la mañana” seguramente sea esta canción. Un clavinet que parece querer imitar un arpegio de guitarra que suena a Bach, un bajo moog y la voz. Con eso le alcanza para armar una de sus canciones mas hermosas y mas simples, tanto en el sonido como en la letra.

"Boogie on reggae woman" Fulfillingness' First Finale / 1974
A pesar del título de la canción, no es ni un boogie ni un reggae. Llena de licks bluseros, el tema tiene un groove muy funky con el rhodes al frente, varias capas de voz y sintes. Es uno de los pocos temas en los que Stevie Wonder usa una armónica diatónica o blusera, en lugar de la clásica cromática que suele utilizar. La notable línea de bajo ejecutada por el sintetizador Moog también es otro sello de la canción. El tema dura 7 minutos y medio, incluye un solo de trombón de Art Baron.

"Sweet little girl" Music of my mind / 1972Podríamos catalogarlo como r&b, blues, swing... que se yo! Stevie canta muy
naturalmente en la parte A, se pone furioso en la parte B y sensual en la parte C. Se trata de un tema fundamentalmente de piano con la armónica haciendo comentarios constantemente. Incluso en casos como este, cuando usa básicamente el lenguaje del blues o del jazz mas básico, la música de Stevie Wonder sigue siendo maravillosa.

"Have a Talk with God" Songs in the key of life / 1976Es una de esas proezas donde el genio toca todos los instrumentos y canta todas las voces. Como ya lo hemos mencionado, la fe tiene un gran peso en la vida de Stevie Wonder. En este track, el mensaje es claro: “When you feel your life’s too hard, just go have a talk with God.”

"Too High" Innervisions / 1973"Too high" habla del abuso de drogas y es una de las poquísimas veces que Stevie Wonder se mete con este tema, Mientras que el sonido de Innervisions es mas bien funk, "Too High" tiene una impronta absolutamente jazz fusion. No olvidemos que estamos en plena época de Weather Report, Return to Forever o Hancock empezando a usar sintetizadores. Otra rareza de este track es que Stevie se rodea de tres vocalistas: Lani Groves, Tasha Thomas y Jim Gilstrap

"Ebony Eyes" Songs in the key of life / 1976
Como en casi todo este disco, Stevie se hace cargo de las voces, los teclados y la batería. Y se acompaña de su gran pilar, el bajista Nathan Watts, ademas de Jim Horn en el saxo y Peter Kleinnow en guitarra steel. Huele a blues de New Orleans.

"As" Songs in the key of life / 1976
Se trata de una de esas canciones que van increscecendo y en un momento te preguntás "¿Cómo demonios pudo llegar hasta esta intensidad?" La canción habla de ese tipo de amor que puede permanecer firme durante toda una vida. Escuchar esta canción me inspira, me levanta. Y también se puede bailar, claro! Pero atención, si vas a ver a Stevie Wonder en vivo, preparate porque "As" puede durar 20 minutos. 

 

Accedé a la playlist completa!

La mala suerte de Big Mama Thornton - Diario El País

Me pareció muy interesante este artículo del diario El País de España, por eso lo comparto. Ojalá les guste!

Cuando Big Mama Thornton rugía sus penas al aire, la tierra temblaba unos segundos. Cantaba como si la vida le fuese en ello, y es que el viaje de aquella mujer afroamericana por los circuitos del blues de los años cincuenta fue agitado, pero dotó a su música de una cruda veracidad. Bebedora feroz, fue tachada de lesbiana mientras se abría paso en un mundo de hombres donde abundaban los justicieros, los pendencieros y los borrachos armados. Aquel fue el escenario de esta pionera, educada musicalmente en las iglesias de Alabama, que soplaba la armónica como los grandes, tocaba varios instrumentos y componía sus propias canciones. 

Thornton vivió el auge del blues previo al rock y el revival impulsado por las bandas británicas en los sesenta, pero nunca tuvo demasiada suerte. A pesar de ello dejó dos canciones claves en la historia del rock. A principios de los 50 grabó Hound dog, el tema que más tarde lanzó a Elvis, y a mediados de la década siguiente compuso Ball and Chain, la canción que consagró a Janis Joplin. Por la grabación del tema de Lieber y Stoller recibió un cheque, por su gran éxito no cobró nada. A pesar de que Joplin siempre reconoció la autoría de Thornton, los derechos pertenecían a su antiguo sello, con quienes grabó una primera versión a principios de década que no se llegó a editar. En Ball and Chain, Big Mama Thornton mostró todo su talento para componer, tocar y cantar en una exhibición que medio siglo después sigue desgarrando el alma de los que acuden a su música en momentos de debilidad, los que buscan esa capacidad que tenía Thornton para golpearte con un blues salvaje y luego consolarte susurrándote una balada. Ball and Chain fue su mejor tema, que más tarde dio nombre a su álbum de 1968, pero también otra zancadilla del destino. Mientras ella siguió en una segunda fila, Janis Joplin se convirtió en una gran estrella, en parte por su interpretación de Ball and Chain en el festival de Monterrey de 1967, que luego fue uno de los singles del exitoso Cheap Thrills, el último disco de Joplin con Big Brother and The Holding Company. La banda de Joplin barnizó de psicodelia y rock aquel tema de blues, que habla del amor que se escapa, de las segundas oportunidades y de las condenas de las relaciones mal llevadas. Y su éxito fue una segunda oportunidad para Thornton, que gozó de prestigio entre los hippies de los sesenta y que visitó Europa con los grandes del blues con estatus de estrella. Aquella canción intensa unió de algún modo a ambas mujeres, las dos salvajes, fuertes en un mundo de hombres, capaces de repartir alegría y conmover con su tristeza. Las dos artistas compartieron canción y destino. Cada una la sintió a su manera, pero las dos la cantaron con el alma antes de que la muerte las fuese a buscar a un bar, a Joplin a los 27 años y a Big Mama Thornton a los 54. En 1995 el Rock n Roll Hall of Fame incluyó las interpretaciones de Thornton de Hound dog y Ball and Chain en su lista de las canciones que dieron forma al rock, un reconocimiento tardío a una artista única y demasiado olvidada.

                           En vivo en 1970 acompañada por la banda de Buddy Guy

Fuente: 
Diario El País 

Por cierto, les recomiendo se den una vuelta por el blog 101bluesllegar del amigo Luther BIG MAMA THORNTON - JAIL ( LIVE ) - 1975