Keith Richards, Mick Jagger, Iggy Pop - Playlist de blues - 2011

En la revista Rolling Stone edición Argentina nro 155, editada en febrero de 2011, aparecen varios artistas eligiendo una playlist de 10 temas en particular. Qué tienen en común Keith Richards, Mick Jagger e Iggy Pop? Que los tres eligieron temas de blues. Mick Jagger sorprende eligiendo a Stevie Ray Vaughan, Richards incluye a Gregory Isaacs como "raíz del rock" y los tres tiene una elección en común: Little Walter. En Escuchate Esto! compartimos y transcribimos esas listas. Disfruten y sorpréndanse!



Mick Jagger - Blues clásico:
“Traté de incluir distintas épocas y estilos, aunque en la selección predominan los años 50. La música Pop en Gran Bretaña solía llegar filtrada por una enorme maquinaria. Con estos discos, te daba la impresión de que llegaba a vos directamente, con una crudeza que hablaba de una existencia distinta. John Lee Hooker, Memphis Slim, Big Bill Broonzy, se los consideraba artistas folclóricos en Gran Bretaña.Era un poco condescendiente, pero lo esencia, estaba ahí.

1. "I got to go" - Little Walter (1955)
Tiene un tempo rápido y extraño, un tempo ferroviario. Little Walter fue una gran influencia, el Charlie Parker de la armónica
2. "First time I met the Blues" - Buddy Guy (1960)
Fue un virtuoso. B.B. King y Otis Rush influyeron a muchos guitarristas británicos, pero Buddy tenía mas virtuosismo y mas yeites que los demás. Tenía una voz mas rasposa que cualquier otro
3. "Forty day and forty nigths" - Muddy Waters (1956)
Los matices religiosos la hacen conmovedora. Uno podría elegir muchísimas otras, pero esta da escalofríos.
4. "Stones in my passaway" - Robert Johnson (1937)
Una de las características esenciales de R. Johnson, es lo sobrecogedor que es, y esta canción lo ejemplifica bien: la letra, la forma en que lo canta. El tema con las letras de blues es que nunca sabés quién las escribió. Son como un collage, cada persona agarra lo que le gusta y lo embellece con sus propios versos. Pero nunca escuché nada como esto. 
5. "Lonely Avenue" - Ray Charles (1956)
Tiene un tempo buenísimo, un shuffle hermoso. Canté este tema con los Stones, con otra gente. Doc Pomus era un buen compositor, muy subvalorado, pero yo siempre lo valoré mucho
6. "Cold Shot" - Stevie Ray Vaughan (1984)
Es un intérprete que absorvió mucho de Hendrix, pero que a la vez es urbano. Tiene tempos lentos, como el de este tema. En esta canción, se relaja
7. "Everybody knows about my good thing" - Z.Z.Hill (1982)
Nunca lo vi en vivo, pero me encanta esta canción. Hay todo un género dentro del blues, la cosa celosa de no dejar entrar a nadie en tu casa. Pero en esta canción, todo el mundo entra. La esposa deja entrar a todo el mundo a la casa. 
8. "Dark was the nigth, cold was de ground" - Blind Willie Johnson (1927)
Era un cantante de iglesia itinerante, solo hacía temas religiosos. Tiene varias voces raras. Puede sacar una voz rasposa de gospel, de repente tiene una voz mas afeminada. Pasa de una a otra, es muy sobrecogedor.
9. "Forty Four" - Howlin' Wolf (1954)
Es un blues de piano con un tempo extraño. Es muy poderoso. Era casi imposible para cualquier otro hacer esa voz. Estaba perdido en otra dimensión. Tenía una voz extraña... era extraño en todo sentido.
10. "Going down" - Freddie King (1971)
Venía muy seguido a tocar a Inglaterras, y yo solía verlo en Los Angeles todo el tiempo. Esta canción es genial y es distinta. No es solo un blues de 12 compases: alguien pensó en cómo iba a funcionar con esa linea de bajo. Está por encima del nivel habitual.
Escuchá la playlist de Mick Jagger

Keith Richards - Raíces del Rock:
“Cuando a uno le piden que haga una lista como esta, uno no quiere caer en lo obivo. Todos conocemos los clásicos. Vimos miles de listas de estas. Traté de buscar cosas que se hubieran pasado por alto. Miro la lista y pienso... Es una lista bastante buena, puedo vivir con ella"
1. "Stagolle" - Jesse Fuller (1958)

Esta canción representa mi sentir. Fuller mezcla distintos géneros: ragtime, blues, folk y country. El solo es una banda completa. 
2. "When did you leave heaven" - Big Bill Broonzy (1951)
Fue el intérprete de blues estadounidense más conocido en Inglaterra en los 50. Hay un filmación en la que interpreta esta canción en un bar en Bélgica o algo así, no se la pierdan.
3. "It hurts me too" - Elmore James (1957)
Brian Jones me hizo conocer a Elmore. Tiene una gran voz, y su manera de tocar guitarra slide, que parece sin esfuerzo, es insusual.
4. "Blues hangover" - Slim Harpo (1960)
Esa cosa pantanosa que tiene... tenía que estar, mas que nada porque a la vez somete a toda la banda a una resaca.
5. "Key to the highway" - Little Walter (1958)Es el sonido, la forma en que la banda está ahí nomás atrás de Walter. Es la mejor versión que hay de esta canción.
6. "Piece of my heart" - Emma Franklin (1967)
Janis Joplin hizo un buen cover de este tema. Pero Emma es la posta, mas rústica que su hermana Aretha.
7. "In a Dis Ya Time" - The Itals (1998)
Los Itals inscriben en la tradición armónica del reggae. Es la cumbre del género.

8. "Innocent people cry" - Gregory Isaacs - 1974Me pasé meses en Jamaica buscando esto. Iba de un lado al otro preguntando por "Chookie No Lookie" (el estribillo). La gente se me quedaba mirando. Hasta que alguien me dijo "ah, vos te referís a 'Innocent people cry'". De dónde sacó ese título?
9. "Memphis Tenesse" - Chuck Berry (1958)
Creo que toca todos los instrumentos excepto la batería y un poco de piano. Hay algo que tiene que ver con cómo se mezclan las guitarras. Me saco el sombrero. El mas grande de todos. 
10. "32-20" - Robert Johnson (1936)
Miren, está hablando de armas!  
Escuchá la playlist de Keith Richards 

Iggy Pop - Blues de Chicago
Cuando era un pibe de 18 años, tome una decisión trascendental.. voy a ser musico y si no nada. Una vez que tomaste esa decisión te convertiste en un joven en busca de calidad.
1. Hoodoo man blues - Junior Wells Chicago Band with Buddy Guy (1965)

2. In the wee hours - Junior Wells Chicago Band with Buddy Guy (1965)Junior cantaba con una actitud juvenil, con cierto desparpajo que me gustaba. Su voz nunca suena demasiado diferente de su armónica. El timbre de ambas se mezclan y termina confundiendosé.
3. Slam Hummer - Johnny Young (1967)
Una noche alguien me enganchó para tocar a beneficio en una iglesia con Johnny Young y Big Walter Horton, y yo en batería. Me gané 10 dólares. Y tocamos ese tema.
4. Feel so bad - Little Milton (1967)
Tiene unos versos tremendos. "Me siento tan mal como jugar a la pelota un día de lluvia". No dice "mi corazón sangra con tristeza incurable". Es una metáfora genial de la vida cotidiana.
5. Rollin Stone' - Muddy Waters (1950)
Cómo usa el espacio y los ritmos avanzados! Haga lo que haga va a ser creíble. Una vez le pregunté al bajista de Paul Butterfield, Jerome Arnold, qué le parecía como tocaba yo la batería. Me dijo: "Dale sentido a lo que tocas". Yo tocaba demasiados ritmos a la vez.
6. The red rooster - Howlin wolf (1961)
7. Smokestack ligthning - Howlin wolf (1956)
Howlin wolf me sirvió de mucho para fun house. Es un disco muy wolfiano, al menos tanto como fui capaz.
8. Help me - Sonny boy Williamson (1963)

Tocábamos este tema con mi banda de blues de la universidad, los Prime Movers (foto). El tema incita a un flaco a que sea más abierto sexualmente. Cuando la escuché por primera vez, no tenía ni idea de lo que quería decir la letra.
9. Stop crying - Sonny boy Williamson (1951)
No hay otro que suene como él. La idea de esta canción es simple y básica. Pero se siente lo que hay detrás de ella.
10. It's too late brother - Little Walter (1956)
En esta canción, él le dice a otro tipo " si vamos dos pasos más allá,  va a haber un baño de sangre". Era un armoniquista tremendamente atmosférico.
11. I'm a man - Bo Diddley (1955)
La versión de Muddy Waters es fantástica, pero prefiero la de Bo. Su gemido te hace cagar en las patas
12. No shoes - John Lee Hooker (1960)

Acá, en dos palabras,  hay un hecho significativo... sin zapatos. Con eso te lo está diciendo todo. lo sentis. Y el yeite de guitarra es tremendo. John Lee Hooker se tenía toda la confianza del mundo, y podía tomarse todo el tiempo que quisiera.
13. Brigth Ligths, Big city - Jimmy Reed (1961)
Esta canción me hace acordar un poco a los buenos discos de AC/DC, por la manera en que Jimmy Reed elige un pasaje de guitarras para introducir un tema o terminar la progresión de acordes. Y la voz... nunca se sale del personaje
14. All your love - Magic Sam (1967)
15. Looking good - Magic Sam (1982)
Esto está en el disco "Live at Ann Arbor in Chicago". Probablemente "All your love" haya sonado 10 veces mejor en vivo, pero todavía tiene mucha vida en la voz. En la otra se percibe que era una noche bulliciosa. Y tiene un nombre hermoso: Magic Sam
Escuchá la playlist de Iggy Pop

Lo mejor del 2015

Por primera vez en su corta vida, Escuchate Esto! elije, con total autoritarismo, los discos que mas nos han impactado en 2015. Aquí van:

Keith Richards - Crosseyed Heart

Alguna vez escuchaste a Keith Richards tocar delta blues? En el track 1 de su nuevo disco lo hace y con eso solo merece integrar esta lista tan egoísta. Tiene 71 y sigue rockeando. Cómo no sonreír como lo hace desde la portada del disco? Se trata de un fuerte testamento de la música que el viejo Keith (y nosotros también) tanto ama: el rock & roll,el reggae, el country y el blues.

Fantastic Negrito - Deluxe Edition EP

Fantastic Negrito es el descubrimiento contemporáneo mas fresco y original del que tengo recuerdo. Suena clásico pero muy moderno al mismo tiempo. Tanto su sonido como sus letras son puras vivencias en las calles de Oakland: honesto, salvaje, crudo. Un artista con una pasión genuina como hace muchos años no escuchaba. Su tema "Lost in a Crowd" lo hizo ganar el Tiny Desk Concert y abrir muchas puertas para el. Con "An Honest man", llegó a la TV como tema principal de Hand of God, la serie de Amazon protagonizada por Ron Perlman.

Vintage Trouble’ - 1 Hopeful Rd.

A Don Was (productor del disco) le gustó tanto cómo sonaba Vintage Trouble en la sala de ensayo, que quiso replicar ese sonido en el disco. Entonces, recordó que una vez Sam Phillips (Si, Sam Phillips!) le dijo: "Yo no microfoneaba los instrumentos, microfoneaba la sala". Se consiguió unos RCA 44 y esa fue la clave de todo.  El tema 1 del disco, Run like the river, un gospel capitaneado por una salvaje y distorsionada guitarra slide, los hace merecedores de integrar esta lista. Este es el primer disco de Rock en la historia del sello Blue Note. Por algo será...

Buddy Guy - Born to play guitar

Como nos tiene acostumbrados, Buddy Guy se despacha con un álbum muy poderoso. El disco es muy entretenido, tiene mucho groove, y esta muy bien producido, aparte de contar con invitados de alto vuelo: Doyle Bramhall II y Billy Gibbons en guitarras y Kim Wilson en armónica. Por último, Buddy Guy paga tributo a B.B. King y a su mentor y amigo, Muddy Waters.

2015 será por siempre "el año en que murió B.B. King". Vaya un recuerdo desde este humilde lugar cada vez que escuchemos nuestros tan amados los 12 compases. Feliz 2016 para todos, y que sea con mucha música!

Stevie Ray Vaughan & Double trouble - In Step - 1989

Todos buscamos un riff de guitarra asesino y “The House Is Rockin” lo tiene. Ese simple power chord que suena a Chuck Berry pasado por el filtro de Terminator, fue el sello del regreso de Stevie Ray Vaughan. El último disco de estudio del guitarrista texano con su banda, Double Trouble, se editó en 1985. Un año después, cuando se lanzó el disco en vivo "Live Alive", Vaughan estaba en la cresta de la ola, pero su vida era un infierno causado por las drogas y el alcohol. Stevie entró en rehabilitación, se tomó un año, y para 1989 estaba limpio y con un disco inigualable bajo el brazo. Esta entrada de Escuchate Esto! se la dedicamos a "In Step", el último disco de estudio de Stevie Ray Vaughan & Double Trouble.

El nuevo sonido de SRV en "In Step" suena mucho mas furioso que antes. El disco mezcla algunos viejo clásicos, con nuevas composiciones que hablan de su lucha contra las adicciones. "The House is Rockin", el tema 1 del CD, explotó como nunca antes lo había hecho ningún tema de Vaughan. En la escucha general del disco se aprecia mas R&B/soul/rock que blues. Algunos de esos temas son “Crossfire”, con un solo inigualable, "Wall of Denial" y “Tightrope”, donde el groove onda James Brown se encuentra con Albert King. Pero también los grandes momentos del álbum  son aquellos en los que revisa clásicos del blues: ‘Let Me Love You’ (Willie Dixon), ‘Leave My Girl Alone’ (Buddy Guy), y ‘Love Me Darlin’’ (Howlin’ Wolf). ‘In Step’ también triunfa en la consistencia sonora de la banda, que la completa, el bajista Tommy Shannon, el baterista Chris Layton, y el tecladista Reese Wynans.

Stevie Ray Vaughan es sin dudas el gran responsable del renacer del blues en la década del 80, y que muchos de los viejos bluesmen, como Albert Collins, Albert King o Buddy Guy, pudieran trabajar con la frecuencia merecida. Stevie Ray contó con la colaboración de Doyle Bramhall en la composición en algunos de los pasajes mas rockeros del disco, el mencionado ‘The House is Rockin’’ y  ‘Scratch-N-Sniff.’ El cierre del "in Step" está a cargo del hermoso instrumental de 9 minutos con aires de jazz ‘Riviera Paradise’. Un sonido limpio de Stratocaster, un poco de Kenny Burrell (aquel guitarrista de jazz que fue una gran influencia para SRV) y un piano eléctrico inolvidable. "In Step" suele ser mencionado como el mejor disco de estudio de Stevie Ray Vaughan, y es prpbable que eso sea cierto. Así que no lo dudes y Escuchate Esto!

 

Fuentes:
ultimateclassicrock.com
guitarplayer
guitarworld

Los 5 discos esenciales de guitarra de Nalle Colt

Extraido de www.classicrock.teamrock.com 
Traducido por TonySoulman 

El guitarrista de Vintage Trouble elige 5 albums de guitarra que lo marcaron.




Nalle Colt, el guitarrista de la explosiva banda de blues-rock Vintage Trouble, dejó su tierra natal en Suecia para perseguir su sueño musical en los Estados Unidos a los 21 años de edad. De hecho, estaba tan seguro de sus convicciones que se compro un pasaje de ida a Los Angeles. “Tantas ganas tenía de ser parte de la escena musical estadounidense,” dice. “No podía concretar nada en Suecia, pero cuando llegué a Los Angeles descubrí a toda esta gente que eran exactamente como yo. Querían estar en una banda y hacer que las cosas pasen. Me encantó eso.” Creciendo en Suecia, Colt se encontró virtualmente solo en su amor por el blues. Había un guitarrista local, sin embargo, Jan-Eric 'Fjellis' Fjellstrom, que tomó al joven Colt bajo su ala. “Fjellis era un guitarrista asombroso” recuerda Colt. “Lo iba a ver tocar y no podía creer lo bueno que era. Me dio una copia de Texas Flood y me ayudó en gran parte a entrar en contacto con música grandiosa. Mas que nadie, me inspiró a tocar la guitarra”

En su elección de 5 discos esenciales de guitarra, Colt encuentra cierto criterio que todos comparten, como grandes canciones (“no se puede ser simplemente un guitarrista virtuoso sin las canciones”), pero también un nivel de la comunicación a través del sonido. “Lo que también busco es a alguien que puede usar el sonido de su guitarra y convertirlo en algo único y personal,” explica. “Si podés mostrarme un lado de tu personalidad a través de tu sonido, esa es la clave. Se trata de traducir un sentimiento a través de tu instrumento, como lo puede hacer un cantante con su voz. Los grandes guitarristas saben de qué se trata.” Colt también nota que los guitarristas de la lista, hablan un lenguaje muy sofisticado a través de un abordaje que hacen parecer simple. "Amo a los guitarristas que pueden decir mas con menos, lo cual es mucho mas difícil de lo que parece,” dice. “Mis guitarristas favoritos usan sus limitaciones como una ventaja. Apenas empecé me di cuenta que nunca sería yo un guitarrista super técnico, pero decidí que usaría un par de notas para definir mi sello. Escucho a Hendrix, Page y Stevie Ray, y ellos podían decir todo lo que querían con una sola estrofa. Se trata de que el mensaje sea puro. No necesitas 20 pedales y todo tipo de cosas locas; si tenés una guitarra diciendo lo que vos querés decir, eso es suficiente. Encontrá tu particularidad y tu felicidad y usala.” 

The Jimi Hendrix Experience – Are You Experienced (1967) 

“Este es el disco que me hizo querer tocar la guitarra. Tenía yo 11 años cuando lo escuché y no pude dormir tranquilo por un tiempo. Debía conseguir una guitarra. Debía intentar hacer lo que Jimi estaba haciendo. No había discusión al respecto – este disco me marcó el camino. Había algo sobre el sonido de las guitarras en temas como Hey Joe y The Wind Cries Mary – me hablaban de una forma que inmediatamente entendí. Hendrix podía sonar cósmico pero a la vez tan terrenal. Es como que tomó el blues y lo envió al espacio. Cómo  alguien podía tocar con tanto fuego pero luego darse vuelta y sonar tan hermoso? Simplemente me voló la cabeza. Me senté por días y semanas tratando de aprender sus yeites. Se convirtió en un patrón constante: on-off, dar vuelta el disco, empezar otra vez. Estaba enloqueciendo a mi mamá, me aprendí todos los riffs. Una de las cosas que realmente me enganchó era cómo Jimi podía tocar pequeñas melodías entre acordes. Descubrir eso fue como haber tomado un año de clases de guitarra. Uso esa clase de técnica hoy en día.

Stevie Ray Vaughan and Double Trouble – Texas Flood (1983) 

“Creciendo en Suecia era difícil para mi conseguir buena música. Un día mi amigo Fjellis me trajo un disco y me dijo: Tenés que escuchar esto! Era Texas Flood. Lo pusimos y lo miré con cara de "A la mierda! Este tipo es increíble!" Ese tipo de cosas no pasan todo el tiempo, pero cuando pasan, es especial. “Me trajo todo lo que amaba de Jimi Hendrix. De repente, había un tipo joven haciendo lo que Hendrix había hecho, y llevándolo un paso mas allá. Luego de haber escuchado Texas Flood, buceé en el mundo de Stevie Ray Vaughan. Compré todos sus albums, y lo estudié por completo. Desearía haberlo visto en vivo, aunque he visto todos los DVD. Su aparición en Austin City Limits fue mágica. Nuestra banda tocó ahí hace un par de semanas, y lo único que pensaba era ‘Stevie estuvo aquí.’” 

Albert King – King of the Blues Guitar (1969) 

“Siendo un fanático de Stevie Ray Vaughan, leí todas sus entrevistas. Se la pasaba hablando de su héroe, Albert King, entonces eso me hizo investigar. Entonces me conseguí King of the Blues Guitar y quedé totalmente noqueado. Su actitud en la interpretación me desbordó. Esta completamente fuera de control. Descubrí de dónde había sacado todo Stevie Ray; el parecía ser una mezcla de Albert King y Jimi Hendrix. Una vez que entré en Albert King, empecé realmente a unir todo. Su música me atravesó con tanta seguridad, eso la hacía sonar tan expresiva. Nada había que se contuviera o fuera para atrás, no había filtro entre Albert y su pureza. Es siempre interesante escuchar a los pioneros. Simplemente parecen decirte "esto es lo que soy!". Si alguien quiere escuchar la mas cruda y auténtica guitarra de blues, el tipo que enseño a tantos de los grandes, entonces escuchen King of the Blues Guitar. Es un viaje.” 

Led Zeppelin – The Song Remains the Same (1976) 

Amo Physical Graffiti y Led Zeppelin II y todos sus discos, pero hay algo especial en escuchar a Zeppelin en vivo. Tenían una fuerza propia. No es que simplemente tocaban, ellos explotaban. Para mi, este es el mejor Jimmy Page. Lo que Page podía hacer con una Les Paul en un Marshall... que sonido! The Rain Song, Stairway to Heaven, Since I’ve Been Loving You – mi Dios, estamos hablando de hermosas interpretaciones de guitarra. Me encanta también que sea un poco desprolijo por momentos -ya sabes, es en vivo. Hay tantas bandas que pueden hacer buenos discos, pero no rinden en vivo. Zeppelin hacía discos increíbles, pero siempre los podía llevar a los conciertos. Lo que me gusta es ese espíritu que trae la interpretación de Page. La gente dice que es medio desproilijo, y a quién le importa? Yo también soy desprolijo. No necesito escuchar la perfección. Quiero escuchar actitud y emoción,y eso es lo que me queda de Page, especialmente en vivo. Jimmy se ha convertido en una gran influencia para mi, mas ahora que nunca antes.

Al Di Meola, John McLaughlin and Paco de Lucia – Friday Night in San Francisco (1981) 

Amo el blues y el rock n roll, pero este disco me habla en un lenguaje completamente diferente. Cuando era un niño , un amigo  me dio una copia y me hechizo inmediatamente. No es mi forma de tocar la guitarra pero puedo apreciar la maestría en el instrumento de cada uno de los tres. La música flamenca siempre me ha intrigado y el fuego y la pasión que estos tipos le ponen es muy inspirador. Su técnica esta fuera de mi control pero lo que realmente amo de este disco es la forma en que se comunican ente ellos. no es que estén tirando yeites o haciendo trucos; están conversando ente ellos y con el público. Si sos un guitarrista eléctrico, tal vez quieras chequear lo que estos tres tipos pueden hacer con acústicas. Tu mandíbula puede caerse al piso como pasó con la mía cuando los escuché. Y todavía me sigue sorprendiendo. Hay música aquí que no llego a entender, pero la siento y eso es lo que cuenta.”

fuente:
http://classicrock.teamrock.com/features/2015-11-03/nalle-colt-s-5-essential-guitar-albums

Pappo's Blues - Volumen 1 - 1971

A menudo hago el ejercicio de elegir un músico consagrado y revisar su primer disco. En este caso, lo hice con Pappo y "Volumen 1", y el resultado fue asombroso. El álbum es mucho mas que el debut solista de Norberto Napolitano; se trata de la semilla del rock duro en argentina. Los invito a escucharlo y descubrir una de las joyas del rock en nuestro país.
Para 1970, el Carpo ya había grabado "Rock de la mujer perdida" de Los Gatos, y había pasado fugazmente por Los Abuelos y Conexión #5. El productor Jorge Alvarez, dueño del sello Mandioca, ya vislumbraba en el una carrera solista. "Cuando preparábamos el lanzamiento de Manal en el Nuevo Teatro -cuenta Alvarez en el reverso de Volumen 1, "Pappo asistía a los ensayos. En los descansos, se colgaba su guitarra y las paredes se caían. Luego fue a Mar del Plata; durante 15 días Manal fue un cuarteto. Norberto ya un monstruo de la improvisación que nos hacía vibrar. Entonces empezó nuestra persecución para que Pappo fuera Pappo." 

David Lebon, recién llegado de los EE.UU., vió por primera vez al Carpo en aquellos conciertos de Manal. Lebon se quedo conmovido y rápidamente se unió a Pappo como bajista de su trío. Sumado Black Amaya en batería, en el verano del 71 grabaron el primer disco de Pappo`s blues en el estudio Phonal, dotado únicamente de una mesa de 4 canales. En un ambiente de zapada y un volumen ensordecedor, el Carpo tocó todo el disco con una Strato blanca, Black utilizó una batería sin marca con un redoblante roto y Lebon, además de tocar el bajo en todos los temas, grabó la batería en "El Viejo". La producción estuvo a cargo de Billy Bond.

El álbum abre con "Algo ha cambiado", un riff intenso con un wah wah salvaje. Se escucha una ineludible impronta Black Sabbath y un oscuro Hendrix. El bajo y la guitarra van en bloque y crean una fuerza demoledora. En "Hansen" podemos encontrar parte del ADN de Divididos y de La Renga. Un error en el diseño gráfico hizo que el tema "Gris y Amarillo" saliera publicado bajo el titulo "Hansen" y viceversa. La confusión fue corregida recién en el año 2000. Si bien algunas cosas de Vox Dei o La Pesada se podían acercar a lo que hacía Pappo, nadie había grabado un disco tan pesado en nuestro país gasta entonces. 

El registro del disco fue hecho con el trío tocando en vivo las bases de los temas, sin muchos efectos. "Los primeros que se engancharon con la banda fueron los pibes que ya tenían los discos de Black Sabbath", explica Lebon. Jimi Hendrix, Cream, Mick Taylor, Peter Green, esas eran las referencias para la música de Pappo. Que decir de "El hombre suburbano"?. Con una letra que es un fiel reflejo de su tiempo, el tema se volvió ineludible en cualquier zapada de rock o de blues en Argentina. El bajo de Lebon es una clínica de walking bass en si misma.

En el medio, hay tiempo para "Adios Willy", una zapada soul instrumental con piano que dura menos de 2 minutos. El disco cierra con "Adonde está la libertad", uno de los pocos temas que podríamos relacionar con eso que se llama "rock nacional". Moris podría haberla grabado tranquilamente. Frases como "nunca la hemos pasado tan mal", "es imposible aguantar"  o "escapar de toda esta locura intelectual" , suenan muy fuertes siendo cantadas en pleno gobierno del dictador Onganía. El final del track es una zapada larguísima liderada por el bajo, con aires a "First rays of the new rising sun" de Hendrix que luego muta en rythm & blues tradicional y se lo tienen que llevar por fade.

Meses después de editado el disco, Pappo hace un viaje a Europa. Estando en Inglaterra, recibe un telegrama de Jorge Alvarez: "Pappo's blues No1 en Argentina. Teatro Metro. Tres Fechas". Pappo todavía no había cumplido 22 años y ya volvía al país como un héroe de la guitarra, disco de oro y shows para 2 mil personas. Alvarez cierra su mensaje en la contratapa del disco: "Decir Gracias Pappo, es ser absolutamente convencional, pero, ¿hay alguna palabra menos usada que signifique tanto y que sea tan precisa? Creo que no. Por lo tanto Gracias Pappo de nuevo." No lo dudes y escuchate esto!

Texto completo de Jorge Álvarez que aparece en la contratapa de este disco 


Fuentes:
Revista Rolling Stone
www.elsitiodepappo.com.ar

Black, Pappo y Lebon en la puerta del Teatro Metro

1.		Algo ha cambiado
2.		El viejo
3.		Hansen
4.		Gris y amarillo
5.		Adios Willy
6.		El hombre suburbano
7.		Especies
8.		Adónde está la libertad Pappo Guitarra, Piano y voz David Lebon (aka Davies) Bajo Black Amaya Batería Todos los temas fueron compuestos por Pappo. Producción: Jorge Álvarez - Pedro Santiago Pujó Manager de grabación: Billy Bond Técnicos: Norberto Orliac - Héctor Fogerty Cámaras EMT Grabado en la Argentina, entre Diciembre de 1970 y Enero de 1971.