Jas Obrecht entrevista a Mick Taylor y a Ron Wood

Con el tiempo y los años me convencí: la etapa de los Rolling Stones que mas me gusta es la que va desde 1968 a 1972, son esos discos mágicos, Beggars Banquet, Let it Bleed, Sticky Fingers, Exile on main st. Y Mick Taylor es uno de los grandes responsables de que esos discos hayan sido lo que son. Por su puesto que la maduración del sonido de la banda, luego de girar varias veces por los Estados Unidos y, como dice Richards en Life, en tantas millas recorridas escuchar mucho blues y country en el lugar donde fue creado. Los Stones son, desde mi punto de vista, quienes mejor supieron mezclar esas músicas. Y ese resultado se ve claramente en estos discos mencionados.



Me considero fanático de todo aquello que tenga que ver con el uso de los instrumentos y las diferentes técnicas y equipamientos. Es por eso que comparto algunos pasajes de las entrevistas que Jas Obrecht* realizó tanto con Mick Taylor, como con Ron Wood. La Nota con Mick Taylor fue realizada el 22 de junio de 1979 en Los Angeles y fue editada en la edición de febrero de 1980 de la revista Guitar Player. 

Sus principales influencias
"Solía escuchar mucho a B.B. King, y el tiene ese gran vibrato. No lo supe hasta muchos años después, pero el crea el vibrato casi de la misma manera en que un guitarrista clásico lo hace, moviendo su mano en lugar de su dedo. También solía escuchar mucho los instrumentales de Booker T & the Mg's y mucho Otis Redding y Wilson Pickett. Siempre me ha gustado el sonido de Stax, Memphis.

La música favorita de su carrera 
"Blues From Laurel Canyon" de John Mayall es, de todos los discos que grabé, mi favorito. Esa era una buena banda, estaba John Mayall, Stevie Thompson, Colin Allen y yo. Era una banda compacta, probablemente lo mejor, o lo que mas disfruté. 

Jimi Hendrix
El que me ha influido mas que nadie, realmente, es Jimi Hendrix. Hay un tema de que grabamos con John (Mayall), “No Reply.” Eso fue muy Hendrix. En ese momento lo escuchaba todo el tiempo, de hecho solíamos compartir bastantes fechas con el. Recuerdo una en particular, con Jimi y Albert King en el Fillmore West en San Francisco. Aprendí de el todo el tiempo, me voló la cabeza completamente. En el escenario era simplemente increíble, para un guitarrista tener esa energía en su toque, y también el control y el ritmo. Para muchos guitarristas es muy difícil tocar así, o al menos intentar acercarse a tocar así, en trío, de esa forma. Eric Clapton lo hizo con Cream. Y Hendrix era grandioso en la forma en que cambiaba de rítmica a lead. Su guitarra y su voz eran casi lo mismo.

Hubert Sumlin y la Stratocaster
El primer guitarrista que escuché tocar con una Fender fue Hubert Sumlin, de la banda de Howlin’ Wolf. Había escuchado  “Goin’ Down Slow” de Wolf, pero hasta unos años mas adelante no supe que el guitarrista era Hubert y que usaba una Strato. 

La Keith Burst Gibson Les Paul 
Lo interesante de esa guitrarra es que se la compré a Keith Richards dos años antes de entrar a la banda. Le comenté a Ian Stewart que estaba buscando una Les Paul porque me habían robado una y me invitó al estudio a verla. Creo que estaban grabando Beggars Banquet, pero no recuerdo encontrarlo a Keith, sino a Ian. 

La llegada a The Rolling Stones
Me dijeron que estaban buscando un guitarrista porque querían salir de gira -hacía un par de años que no lo hacían. Le preguntaron a John Mayall por mi y John les dijo "Si, pueden llevarse a Mick, ya que acaba de dejar mi banda". Yo había renunciado a los Bluesbreakers antes de saber que los Stones ellos me estaban buscando. Así que John les hablo de mi y me llamaron. Simplemente fui, toqué, nos sentimos bien y ahí mismo, en el estudio, me preguntaron si me quería unir a la banda.
Fue genial, ESA era el tipo de banda, el tipo de música que quería tocar en ese momento, no era simplemente blues de 12 compases, y también sentí que pude aportar mucho a lo que los Stones estaban haciendo. 

Sticky Fingers (1971)
Es uno de mis discos favoritos de los Stones. Tiene una soltura y una espontaneidad que me gusta. Por ejemplo en “Can’t You Hear Me Knocking” tiene un solo largo, una jam, eso sucedió por accidente, no estaba planeado. Al final de la canción, solo seguí tocando y todos me siguieron y quedó... En una sola toma. En “Wild Horses” toqué la acústica en lo que se llama la afinación Nashville, que esta afinada exactamente igual, pero usas la primera y la segunda cuerda [el E alto y el B], y las afinas una octava mas arriba. Entonces estas tocando la misma afinación pero es como tocar una guitarra de 12 cuerdas pero con 6. Es una de las guitarras acústicas Gibson de Keith. En “Sway”, Mick Jagger toca la guitarra rítmica, Keith no toca en este track. A veces si nos daban ganas de tocar, lo hacíamos. Y por eso, en la base de este tema estamos solo Charlie, Mick, y yo. Después se agregó el resto

Exile on Main Street (1972)
Me gusta “Shine a Light”, uno de mis favoritos del disco, toqué el bajo en ese. Hay unas cuantas canciones en las que toqué el bajo, esa es una de ellas. En “Torn and Frayed” y “Tumbling Dice” también. Pasaba que Bill Wyman no estaba, o llegaba tarde, y realmente no podíamos esperar. Eso pasaba muy seguido. No que Bill llegara tarde siempre, pero nunca estábamos todos juntos al mismo tiempo.
(A Wyman no le gustó el ambiente de la casa de Richards, por lo que se abstuvo de participar en muchas de las sesiones. Sólo interviene en ocho de las canciones del álbum; en las restantes composiciones, el bajo lo tocan Taylor, Richards y Bill Plummer.)

Goat’s Head Soup (1973)
Goat’s Head Soup no es uno de mis discos favoritos pero hay muchas cosas interesantes en él. Creo que es un álbum débil, no tiene mucho rumbo. Creo que todos lo sentimos de esa manera. Me gusta el blues “Hide Your Love.” También toqué un poco el bajo en este disco, en “Dancing With Mr. D”, “Coming Down Again”, “Can You Hear the Music”. Bill tocó el sintetizador en algunos temas.

Tocando con Ron Wood 
Para fines del 74, ya habíamos hecho It’s Only Rock and Roll y estaba trabajando en el primer disco solista de Ronnie Wood (I've Got My Own Album to Do) - de hecho todos los estábamos. Yo lo conozco a Ronnie desde que tengo 16 años, somos viejos amigos. En ese tiempo en vivía en Londres, tenía un estudio en el sótano de su casa e íbamos a zapar de vez en cuando, y así terminamos ayudándolo en su álbum 

Keith Richards, Willie Weeks, Ian McLagan, Mick Jagger, David Bowie, George Harrison, Mick Taylor y Rod Stewart, entre otros tocan en este disco. Mick Taylor abandonó The Rolling Stones en este período, antes de entrar a grabar los temas que incluirían el disco Black & Blue editado en 1975


La salida de los Stones
Quería ampliar mi espectro como guitarrista y hacer algo mas, no es que estuviera cansado del rock n roll pero luego de 5 años se estaba volviendo todo un poco predecible. Siempre me sentí un miembro activo de la banda, cuando se trataba de sugerir alguna idea y hacer contribuciones, siempre había mucho espacio para hacerlo. 

Sus solos favoritos con los Stones 
“Can’t You Hear Me Knocking" es mi participación favorita con los Stones y el mejor solo de guitarra para mi, está en “Time Waits for No One.”

Dice Keith Richards sobre Mick Taylor
“Hicimos la música mas brillante juntos, alguna de las cosas mas brillantes que los Stones jamas hayan hecho. Todo estaba en su forma de tocar – el toque melódico, el bello sustain y la forma en que leía las canciones. Tenía un sonido hermoso, con mucho soul. El llegaba adonde yo estaba buscando llegar mucho antes, amé a ese tipo, amé trabajar con él, pero era muy tímido y distante"

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Como material adicional, comparto una parte de esta entrevista realizada a Ron Wood en julio de 1994, en la que charla con Jas Obretch sobre su técnica en la guitarra slide, y declara su admiración por Mick Taylor

El principio de su interés por el slide
Escuché a Duane Allman tocar “The Weight” , el tema de Aretha Franklin de 1969. En esa época yo estaba tocando el bajo en el Jeff Beck Group, y en cuanto escuché eso, enseguida lo quise probar. Nadie me ayudó, lo aprendí muy rápido. Escuché después a Blind Willie McTell en la guitarra de 12 cuerdas y aquellos guitarristas. Y claro! Mick Taylor es un gran guitarrista de slide. Me gustan cosas de él como “All Down the Line” y “Love in Vain”.


Afinación y volumen.
Afino mi guitarra en E abierto, así grabe mis primeros slides, como “Plynth” y mas adelante en “That’s All You Need” y “Borstal Boys” con The Faces. En los primeros tiempos grababa el slide en volumen 11! Pero no se. Si escuchás a Elmore James podés pensar que lo grababa en volumen muy alto, pero tal vez estaba distorsionado y eso te puede confundir. Pienso que si bajas un poco el volumen obtenés un sonido mas limpio . 

Como data adicional, en el sitio treblebooster.net, Till Hoheneder cuenta que Ron Wood uso docenas de guitarras diferentes durante su carrera, todo tipo de Fenders, Gibsons, ESPs, Duesenbergs, Versouls - pero con The Faces se lo vió casi siempre usando sus guitarras Zemaitis Humbuckers y las Dan Armstrong 

Fuentes:
http://jasobrecht.com/mick-taylor-rolling-stones-john-mayall-playing-guitar/

http://jasobrecht.com/ronnie-wood-interview-slide-guitar-faces-rolling-stones/

http://www.treblebooster.net/bsm-tonezone/ron-wood
http://jasobrecht.com

*Jas Obrecht es un músico y periodista ganador de muchos premios y reconocimientos y autor de muchos discos sobre el blues y la guitarra. Entre 1978 y 1998 fue editor de la revista Guitar Player, además de Rolling Stone, Mojo, y otras revistas musicales. Jas es colaborador de Living Blues y ha escrito notas para discos como Robert Johnson’s King of Delta Blues, Blind Willie Johnson’s Dark Was the Night, John Lee Hooker’s 50 Years: John Lee Hooker Anthology y King of the Boogie, 

Buddy Guy - The Blues is Alive and Well - 2018

"Cuando falleció B.B., fue como despertar y pensar: 'Soy el último...'"
Buddy Guy

Si hay una persona sobre esta tierra con la suficiente autoridad para decir "El Blues esta vivo y bien" esa persona es Buddy Guy. En su nuevo disco titulado "The Blues is Alive and well", Buddy Guy deja en claro un par de cosas: que no descansa en su status de leyenda y que siempre ha sido un grandioso cantante. 
El disco fue editado hoy y tiene invitados de la talla de Mick Jagger, Keith Richards, Jeff Beck, el gran bajista Willie Weeks y la sección de vientos de Muscle Shoals. Aprovechamos el lanzamiento de este trabajo para repasar algunos hitos en la vida de esta leyenda viviente. 

Jimi Hendrix alguna vez confesó ir a ver los shows de Buddy Guy, tanto en el Newport Folk Festival como en los pequeños clubes del Chitlin Circuit. Eric Clapton cuenta que ver a Guy y su trío en 1965 fue una completa inspiración para él. Santana una vez le dijo "Buddy, sos tan importante como Coltrane y Billie Holiday. Sos un pionero del sonido - y estas vivo!".  Jimmie Vaughan explica que "Buddy fue una especie de hermano mayor para mi y para Stevie Ray". Keith Richards dedica un capitulo entero a su hermandad con Buddy Guy en su documental "Under The Influence". Estos testimonios son solo algunas de las muestras de cariño y admiración que los grandes músicos de rock y blues tienen para darle a Buddy. "Los británicos hicieron mas por nosotros que cualquier sello discográfico" dice Buddy, retribuyendo el agradecimiento. Siempre le gusta contar la historia de cuando los Rolling Stones aceptaron aparecer en el popular show Shindig! solo si Howlin Wolf aparecía con ellos. "Eso me emociona hasta las lágrimas," dice Guy . "Hicieron que el público blanco americano supiera quiénes éramos."

Lo primero que aprendió Guy en la guitarra fue "Boogie Chillen" de John Lee Hooker. En su casa de Baton Rouge, Louisiana, escuchaba en la radio a Muddy Waters o Elmore James. En un momento, Buddy descubrió que todos esos músicos estaban en un mismo lugar. "Me dije, 'Si alguna vez tengo la oportunidad, me voy a Chicago,'" dice. "Solo ver a Muddy — De esto se trata todo." Una vez vino a tocar a Baton Rouge, el bluesman de New Orleans Guitar Slim. Fue un show explosivo, como todos los que hacía Slim. "Yo quería sonar como B.B. King pero ser un showman como Slim" dice. Llegó a Chicago el 25 de septiembre de 1957, la fecha que el llama su "segundo cumpleaños."

Ocurrió todo como en un cuento... Seis meses después de su llegada, a Buddy no le iban las cosas del todo bien, no tenía un centavo y estaba a punto de llamar a sus padres para que le manden un boleto de regreso. Pero un extraño en la calle lo vió con un estuche de guitarra y lo invitó al Club 708 Club, donde Otis Rush lo dejó tocar. Inmediatamente el dueño del bar llamó a Muddy Waters, quien se acercó al lugar. Luego del show, Waters lo invitó un sandwich de salame y lo convenció a quedarse en Chicago. En los siguientes años, Muddy se convertiría en una especie de padre para él.

Dixon, Muddy, Guy

Willie Dixon fue quien le abrió las puertas de Chess Records. Allí, como guitarrista de sesión, Guy inmediatamente fue reconocido por caerle bien a todos y ser muy puntual. Tocó en discos de Little Walter, Sonny Boy Williamson, Muddy Waters (Folk Singer) y Howlin and Wolf (Killing Floor). "Buddy era un músico muy joven en un campo totalmente dominado por tipos mucho mayores que él" dice Clapton. "Aún estando entre los Maestros, el sobresalió con su propia personalidad". Con el tiempo, Chess se cansó del estilo salvaje de Guy. "En los clubes, saltaba del escenario, ponía el volumen del amplificador al máximo, dejaba la guitarra sonando en el piso durante 5 minutos" cuenta Buddy, "pero en el estudio a Chess no le interesaba eso". Finalmente se fue. Alrededor del 68, Chess lo llamó y le pidió perdón. "Me estuviste tratando de mostrar esta mierda desde que llegaste, y fuí un tonto en no escucharte. Y ahora esta mierda esta vendiendo, y queremos que vuelvas con nosotros". Pero ya era tarde.  

Guy tocó en Fillmore y realizó un tour llamado "Festival Express" con Janis Joplin, The Grateful Dead y The Band. "Pensé que siguiéndolos a ellos podría ganar algo mas de plata" dice. "De haber ido a Inglaterra probablemente hubiera sido mas grande que el chicle globo".

Buddy Guy es un eterno agradecido también a sus grandes maestros. "B.B. King dedicó su vida al Blues hasta que no pudo andar mas," dice. "Muddy, Wolf, todos ellos lo hicieron. Porque lo amaban tanto como yo lo amo. Y yo pienso hacer lo mismo. Es mi deuda con ellos."

Hoy, 81 años después del primer nacimiento y 61 después del segundo nacimiento, Buddy Guy nos regala otra disco de blues. Y si... no lo dudes y Escuchate Esto!

Fuente: Revista Rolling Stone 

Janis Joplin, Otis Redding y Jimi Hendrix - Monterey International Pop Festival – 1967

El Monterey International Pop Festival fue un encuentro icónico para la cultura joven de los sesentas. Entre sus estrellas consagradas podemos mencionar a Jefferson Airplane, The Mamas & the Papas y The Who. En junio se cumplen 50 años de este festival que quedó en la historia como el padre de todos los festivales de rock y aprovechamos para repasar cómo Janis Joplin, Otis Redding y Jimi Hendrix, fueron catapultados a audiencias masivas gracias a este evento. 

Janis Joplin había empezado como cantante de blues y folk acústica en bares y tugurios ruteros, pero su carrera tomó otro impulso cuando se unió como cantante por primera vez en su vida a una banda con guitarras eléctricas: “Big Brother and the Holding Company”. Esta combinación de rock psicodélico y blues le sentó a la perfección. Aún así, ni el grupo (ni su cantante) habían sido visto aún por grandes audiencias ni managers importantes. De hecho en el afiche del festival aparece anunciado en letra muy pequeña y solo como “Big Brother…”. El show que dieron el viernes al inicio del festival, fue tan poderoso que fue necesario repetirlo para que D.A. Pennebaker, el documentalista a cargo del registro de los shows, pudiera filmarlo e incluirlo en la película oficial del film. Para eso, volvieron a tocar el sábado y el resultado fue igual o más impactante. Janis Joplin, con solo 24 años, muestra una voz y una interpretación poderosísimas. El renombrado manager Albert Grossman firmó con la banda de inmediato, lo que derivó en un posterior disco para Columbia Records. En breve fue evidente que Janis Joplin estaba a otro nivel que los Big Brother, y dejó la banda un año después. Pueden leer la review de su disco I Got Dem Ol' Kozmic Blues Again Mama de 1969, de Escuchate Esto! 

Janis en Monterey

Gracias a The Rolling Stones, The Beatles u otras bandas británicas, los artistas negros eran muy bien recibidos en Inglaterra y Europa. Pero era en su tierra donde tenían que trabajar a esas audiencias rockeras. Ya hemos mencionado elpaso de Otis Redding por el Whisky A Go Go como primer acercamiento a un pùblico mayoritariamente blanco. También realizaba conciertos en fiestas universitarias, pero no alcanzaba. Por eso, la importancia capital de Monterey. No solo por el público, sino también por la prensa y gente de la industria que asistió al festival. Otis Redding se enfrentó a un público casi totalmente ajeno a su música. Aún así, tomó el control del show. En la actualidad solo puedo pensar en una sola banda con las herramientas y la fuerza necesarias para hacer algo así y conquistar por entero al público: Vintage Trouble (lo vi con mis propios ojos en Lollapalooza Arg). Volviendo a Otis Redding, la forma en que maneja a la audiencia es magistral. Redding sacudió a Monterrey, pero el festival y todo su ambiente también influyeron en él. En su modo de componer, aparecía un nuevo estilo, nuevos arreglos, y (Sittin’ on the) Dock ofthe Bay, su mayor éxito, editado en forma póstuma, es un claro ejemplo de ello

Otis en Monterey

Ya hemos hablado del Hendrix del chitlin circuit. La carrera solista de Jimi Hendrix, sin embargo, empezó en 1966 cuando se cruzó con el manager Chass Chandler y formó “Experience” con Noel Redding y Mitch Mitchell. Tuvieron mucho éxito en Londres, en mayo del 67 se editó su primer disco, Are You Experienced. Todo estaba bien, pero Hendrix y su banda necesitaban hacerse un nombre en Estados Unidos. Y gracias a Paul MacCartney, muy ligado a la organización de Monterrey, Hendrix integró la grilla de artistas. Casi nadie imaginaba que el trío sería tan explosivo. La banda fue presentada por Brian Jones, guitarrista de los Stones y tocaron canciones como ‘Foxy Lady’, ‘Like a Rolling Stone’, ‘Hey Joe’, ‘The Wind Cries Mary’ y ‘Purple Haze’. Hendrix desplegó todas su pirotécnica durante el show. Pero faltaba lo mejor. Eligieron el cover de ‘Wild Thing’ para cerrar y durante esa canción, Jimi Hendrix prendió fuego su Fender Stratocaster. Este es el momento más perfecto, mas icónico en toda la historia del rock. La foto tan célebre es de Ed Caraeff. Esa imagen hizo que todo Estados Unidos conociera a Jimi Hendrix. Nacía una leyenda…y una remera.

Jimi en Monterey

En este link se puede ver el documental completo del festival

Fuente:

https://consequenceofsound.net/2017/06/how-janis-joplin-and-otis-redding-conquered-monterey-pop-festival/

Los 5 discos esenciales de guitarra de Nalle Colt

Extraido de www.classicrock.teamrock.com 
Traducido por TonySoulman 

El guitarrista de Vintage Trouble elige 5 albums de guitarra que lo marcaron.




Nalle Colt, el guitarrista de la explosiva banda de blues-rock Vintage Trouble, dejó su tierra natal en Suecia para perseguir su sueño musical en los Estados Unidos a los 21 años de edad. De hecho, estaba tan seguro de sus convicciones que se compro un pasaje de ida a Los Angeles. “Tantas ganas tenía de ser parte de la escena musical estadounidense,” dice. “No podía concretar nada en Suecia, pero cuando llegué a Los Angeles descubrí a toda esta gente que eran exactamente como yo. Querían estar en una banda y hacer que las cosas pasen. Me encantó eso.” Creciendo en Suecia, Colt se encontró virtualmente solo en su amor por el blues. Había un guitarrista local, sin embargo, Jan-Eric 'Fjellis' Fjellstrom, que tomó al joven Colt bajo su ala. “Fjellis era un guitarrista asombroso” recuerda Colt. “Lo iba a ver tocar y no podía creer lo bueno que era. Me dio una copia de Texas Flood y me ayudó en gran parte a entrar en contacto con música grandiosa. Mas que nadie, me inspiró a tocar la guitarra”

En su elección de 5 discos esenciales de guitarra, Colt encuentra cierto criterio que todos comparten, como grandes canciones (“no se puede ser simplemente un guitarrista virtuoso sin las canciones”), pero también un nivel de la comunicación a través del sonido. “Lo que también busco es a alguien que puede usar el sonido de su guitarra y convertirlo en algo único y personal,” explica. “Si podés mostrarme un lado de tu personalidad a través de tu sonido, esa es la clave. Se trata de traducir un sentimiento a través de tu instrumento, como lo puede hacer un cantante con su voz. Los grandes guitarristas saben de qué se trata.” Colt también nota que los guitarristas de la lista, hablan un lenguaje muy sofisticado a través de un abordaje que hacen parecer simple. "Amo a los guitarristas que pueden decir mas con menos, lo cual es mucho mas difícil de lo que parece,” dice. “Mis guitarristas favoritos usan sus limitaciones como una ventaja. Apenas empecé me di cuenta que nunca sería yo un guitarrista super técnico, pero decidí que usaría un par de notas para definir mi sello. Escucho a Hendrix, Page y Stevie Ray, y ellos podían decir todo lo que querían con una sola estrofa. Se trata de que el mensaje sea puro. No necesitas 20 pedales y todo tipo de cosas locas; si tenés una guitarra diciendo lo que vos querés decir, eso es suficiente. Encontrá tu particularidad y tu felicidad y usala.” 

The Jimi Hendrix Experience – Are You Experienced (1967) 

“Este es el disco que me hizo querer tocar la guitarra. Tenía yo 11 años cuando lo escuché y no pude dormir tranquilo por un tiempo. Debía conseguir una guitarra. Debía intentar hacer lo que Jimi estaba haciendo. No había discusión al respecto – este disco me marcó el camino. Había algo sobre el sonido de las guitarras en temas como Hey Joe y The Wind Cries Mary – me hablaban de una forma que inmediatamente entendí. Hendrix podía sonar cósmico pero a la vez tan terrenal. Es como que tomó el blues y lo envió al espacio. Cómo  alguien podía tocar con tanto fuego pero luego darse vuelta y sonar tan hermoso? Simplemente me voló la cabeza. Me senté por días y semanas tratando de aprender sus yeites. Se convirtió en un patrón constante: on-off, dar vuelta el disco, empezar otra vez. Estaba enloqueciendo a mi mamá, me aprendí todos los riffs. Una de las cosas que realmente me enganchó era cómo Jimi podía tocar pequeñas melodías entre acordes. Descubrir eso fue como haber tomado un año de clases de guitarra. Uso esa clase de técnica hoy en día.

Stevie Ray Vaughan and Double Trouble – Texas Flood (1983) 

“Creciendo en Suecia era difícil para mi conseguir buena música. Un día mi amigo Fjellis me trajo un disco y me dijo: Tenés que escuchar esto! Era Texas Flood. Lo pusimos y lo miré con cara de "A la mierda! Este tipo es increíble!" Ese tipo de cosas no pasan todo el tiempo, pero cuando pasan, es especial. “Me trajo todo lo que amaba de Jimi Hendrix. De repente, había un tipo joven haciendo lo que Hendrix había hecho, y llevándolo un paso mas allá. Luego de haber escuchado Texas Flood, buceé en el mundo de Stevie Ray Vaughan. Compré todos sus albums, y lo estudié por completo. Desearía haberlo visto en vivo, aunque he visto todos los DVD. Su aparición en Austin City Limits fue mágica. Nuestra banda tocó ahí hace un par de semanas, y lo único que pensaba era ‘Stevie estuvo aquí.’” 

Albert King – King of the Blues Guitar (1969) 

“Siendo un fanático de Stevie Ray Vaughan, leí todas sus entrevistas. Se la pasaba hablando de su héroe, Albert King, entonces eso me hizo investigar. Entonces me conseguí King of the Blues Guitar y quedé totalmente noqueado. Su actitud en la interpretación me desbordó. Esta completamente fuera de control. Descubrí de dónde había sacado todo Stevie Ray; el parecía ser una mezcla de Albert King y Jimi Hendrix. Una vez que entré en Albert King, empecé realmente a unir todo. Su música me atravesó con tanta seguridad, eso la hacía sonar tan expresiva. Nada había que se contuviera o fuera para atrás, no había filtro entre Albert y su pureza. Es siempre interesante escuchar a los pioneros. Simplemente parecen decirte "esto es lo que soy!". Si alguien quiere escuchar la mas cruda y auténtica guitarra de blues, el tipo que enseño a tantos de los grandes, entonces escuchen King of the Blues Guitar. Es un viaje.” 

Led Zeppelin – The Song Remains the Same (1976) 

Amo Physical Graffiti y Led Zeppelin II y todos sus discos, pero hay algo especial en escuchar a Zeppelin en vivo. Tenían una fuerza propia. No es que simplemente tocaban, ellos explotaban. Para mi, este es el mejor Jimmy Page. Lo que Page podía hacer con una Les Paul en un Marshall... que sonido! The Rain Song, Stairway to Heaven, Since I’ve Been Loving You – mi Dios, estamos hablando de hermosas interpretaciones de guitarra. Me encanta también que sea un poco desprolijo por momentos -ya sabes, es en vivo. Hay tantas bandas que pueden hacer buenos discos, pero no rinden en vivo. Zeppelin hacía discos increíbles, pero siempre los podía llevar a los conciertos. Lo que me gusta es ese espíritu que trae la interpretación de Page. La gente dice que es medio desproilijo, y a quién le importa? Yo también soy desprolijo. No necesito escuchar la perfección. Quiero escuchar actitud y emoción,y eso es lo que me queda de Page, especialmente en vivo. Jimmy se ha convertido en una gran influencia para mi, mas ahora que nunca antes.

Al Di Meola, John McLaughlin and Paco de Lucia – Friday Night in San Francisco (1981) 

Amo el blues y el rock n roll, pero este disco me habla en un lenguaje completamente diferente. Cuando era un niño , un amigo  me dio una copia y me hechizo inmediatamente. No es mi forma de tocar la guitarra pero puedo apreciar la maestría en el instrumento de cada uno de los tres. La música flamenca siempre me ha intrigado y el fuego y la pasión que estos tipos le ponen es muy inspirador. Su técnica esta fuera de mi control pero lo que realmente amo de este disco es la forma en que se comunican ente ellos. no es que estén tirando yeites o haciendo trucos; están conversando ente ellos y con el público. Si sos un guitarrista eléctrico, tal vez quieras chequear lo que estos tres tipos pueden hacer con acústicas. Tu mandíbula puede caerse al piso como pasó con la mía cuando los escuché. Y todavía me sigue sorprendiendo. Hay música aquí que no llego a entender, pero la siento y eso es lo que cuenta.”

fuente:
http://classicrock.teamrock.com/features/2015-11-03/nalle-colt-s-5-essential-guitar-albums