viernes, 1 de abril de 2022

The Jubilee Singers - El primer supergrupo de la historia

The Jubilee Singers fueron una sensación mundial. Pero una agenda de giras muy agresiva dejó a estos jóvenes artistas del gospel mas primitivo, exhaustos, mal pagos y, en algunos casos, muertos. Fueron los productores -blancos, abolicionistas, educadores- quienes alentaron a las Jubilee Singers a cantar estas canciones ante el público de América y Europa y eventualmente los tour managers quienes les pagaban poco y nada y los explotaron. Esta historia tiene como fuente principal el relato que Ella Sheppard, una de las protagonistas, escribió en 1911. 

A fines de diciembre de 1871 y Henry Ward Beecher, el Ministro de la Iglesia Plymouth en Brooklyn, había invitado a este grupo de jóvenes de la Fisk University de Nashville a cantar para su congregación en New York. El grupo de artistas —5 mujeres y 4 varones afroamericanos de entre 14 y 25 años— comenzaron a cantar. Imaginen una audiencia encantada -en el literal significado de esa palabra- por una música que nunca antes habían escuchado. Un público transportado por spirituals que contaban historias de esclavitud y libertad. “El primer himno que cantaron fue ‘O, how I love Jesús!’.” Un cronista escribió: “Nunca olvidaré ese sonido celestial mientras sus voces se mezclaban en una melodía tan hermosa y emocionante". Los dulces sonidos de estas "melodías de las plantaciones", "himnos esclavos" o, como mas tarde se conocieron, “songs of jubilee” fueron producto de generaciones de soportar traumas, y resilencia ganada con esfuerzo, una creatividad genial criada en la esclavitud. Estas canciones nacidas a principios del siglo 19, no solo tocaban temas religiosos sino que también eran usadas a veces como herramientas para sobrevivir. “Wade in the Water,” por ejemplo contenía un código de escape que describía una estrategia para evadir a los sabuesos perseguidores. Harriet Tubman se refería a ellas como “map songs” como método de dar ubicaciones a los esclavos a escapar al norte. 

Dos protagonistas de esta historia son La Fisk University’s Jubilee y la American Missionary Association (AMA), un grupo de evangelistas y abolicionistas que dirigían este colegio de 900 alumnos desde 1866. La AMA, mas radical que otras organizaciones misioneras abolicionistas, rehusaba recibir donaciones de los vendedores de esclavos e incorporó afroamericanos a su estructura dirigencial. Pero tanto educadores como alumnos sufrían las carencias económicas de la escuela. Ella Sheppard decía que “no había dinero ni siquiera para la comida, mucho menos para reparar un techo.”

En el verano de 1871, George White, un maestro y director de coro de la Universidad de Fisk, reunió en una oficina a un grupo de 4 estudiares que habían cantado en el coro de la escuela en una oficina y los instó a cantar. Sonaron canciones que sus familias y ancestros les habían enseñado. “Jamás soñamos alguna vez cantarlas en público" escribió Ella Sheppard. Durante los siguientes meses, a pedido de George White, Ella se tomó el trabajo de transcribir las canciones, incluyendo “Before I’d Be a Slave” y “Swing Low, Sweet Chariot.” Con sus arreglos vocales, White creó un estilo único instruyendo al coro a cantar muy suavemente, pianissimo. Entonces apareció la idea de llevar a los Jubilee Singers al norte a tratar de ganar algo de dinero que la universidad necesitaba para mantenerse a flote. Luego de convencer a las familias, y, préstamo mediante, George White asumió los costos logísticos de la gira.  

Los integrantes del grupo inicial fueron Ella Sheppard, Maggie Porter, Isaac Dickerson, Thomas Rutling, Greene Evans, Benjamin Holmes, Eliza Walker (todos ellos nacidos en cautiverio). Solo dos habían nacido en libertad: Jennie Jackson, 19, soprano, y Minnie Tate, 14, contralto. En la imagen a la izquierda: Ella Sheppard, George White, Minnie Tate, Isaac Dickerson y Jennie Jackson

El primer tramo de la gira se inició el 6 de octubre de 1871 y duraría casi un año. Algo que les pasaba con frecuencia, es que muchos de quienes los contrataron  ignoraban su afrodescendencia, por lo cual pocas veces se les permitió utilizar ciertas comodidades y tuvieron que pasar las noches en estaciones de tren. No obstante, las noticias sobre el grupo corrían rápido y la cantidad de público iba en aumento ciudad tras ciudad. El despegue definitivo se dió en New York.  

En 1872 se unió al grupo Georgia Gordon Taylor. Ella relató que "cada noche alguno de nosotros contaba alguna historia de esclavitud, o cómo su madre fue vendida, o algo por el estilo" y luego cantaban canciones como “No More Auction Block for Me”—una serie de referencias al hambre y la violencia que traía consigo la esclavitud—“Nobody Knows the Trouble I See,” y “Steal Away to Jesus,” que visualiza el Paraíso como un escape de las degradaciones y el dolor de la vida cotidiana del esclavo

El grupo había estado en gira sin parar y cantando casi todas las noches sin ninguna ganancia (al menos no para ellos) y las exigencias de los viajes constantes empezaban a mellar en la salud de los artistas. En la primavera del 73 surgió el 
“Farewell Tour” con la ambiciosa idea de llevar su música al Reino Unido. Gran Bretaña se había vuelto un destino amigable para los afroamericanos libres en busca de asilo político y apoyo económico. Cantaron en Escocia para la Reina Victoria, quien les pidió escuchar “John Brown’s Body.” 

Las ganancias para la Fisk University del tour británico (a veces hacían hasta 3 presentaciones diarias ) fueron de mas de 1 millón de dólares en dinero actual. Pero sus condiciones laborales no cambiaron demasiado y los reclamos se hicieron sentir: vacaciones, menor cantidad de presentaciones semanales, permiso para poder cantar en forma solista y así poder tener su propio beneficio económico. Tan consumidos estaban por las demandas del tour, que solo uno de los miembros del grupo tuvo tiempo para ocuparse de sus estudios y logró obtener su título universitario. Y la salud también estaba en juego: en 1875 la tuberculosis se llevó la vida de Benjamin Holmes y un año mas tarde Julia Jackson sufrió lo que hoy conocemos como un ACV. 

En el Reino Unido, además, se enteraron de que los managers estaban entrenando a otros estudiantes para reemplazar a los cantantes cansados o enfermos. “De algún modo, ser un Jubilee Singer significaba estar esclavizado nuevamente, además de tener que responder a un manager blanco” escribió la historiadora Sandra Graham en su ensayo del 2006 “En el camino hacia la libertad: Los contratos de los Fisk Jubilee Singers.” 

En 1876, el grupo tuvo una batalla con la Universidad y con el AMA exigiendo dos meses de descanso que les habían sido prometidos. En 1878 viajaron a Alemania y recorrieron 41 ciudades y pueblos en 98 días, luego de lo cual el proyecto finalizó. AMA y los administradores de la Fisk, preocupados por el cansancio de los artistas, llegaron a la conclusión de que el grupo traía mas problemas que beneficios a esta altura y los hicieron volver. Lo que quedaba del grupo dió su ultimo show en la cubierta del barco que los traía de vuelta a New York  y cantaron “The Star-Spangled Banner” y “John Brown’s Body.” Se calcula que en esos años recaudaron algo así como $3 millones en dolares actuales que fueron para ambas instituciones. 

Ella Sheppard 
Ella Sheppard siguió girando con George White hasta 1882, y pudo generar sus propias ganancias para construir una casa para su madre y su media hermana en un lote que compró en Nashville; mas adelante se convertiría en docente y activista. 
Entre 1898 y 1901, surgió una nueva tradición de Jubilee Singers en la Fisk University que continúa hasta hoy con un grupo de estudiantes que viajan por el país -en mejores condiciones, claro- cantando las canciones que Ella Sheppard y los otros miembros del grupo recordaban de sus padres durante sus años como esclavos. Las grabaciones de "Swing Low, Sweet Chariot"  y "Done What You Tole Me To Do" de 1909 son el registro sonoro mas antiguo de los Fisk Jubilee Singers 

A medida que la lucha por los derechos civiles avanzó en el siglo XX, lo que alguna vez fueron canciones consideradas curiosas, se convirtieron en canciones de protesta y en una manera, una forma de comunicar al publico que esos relatos de cautiverio, siguen teniendo vigencia  y necesitan ser escuchados y entendidos 




Fuentes:

martes, 8 de marzo de 2022

Nina Simone & Lauryn Hill - The Miseducation of Eunice Waymon - 2018


Siguiendo con su serie Soulmates Project, esas “colaboraciones que nunca fueron”, en el año 2018 el productor Amerigo Gazaway reúne a Nina Simone y Lauryn Hill. El proyecto se llamó “The Miseducation of Eunice Waymon”.
Nina y Lauryn conversan, se contestan, comparten referencias. Y hay que prestarles atención.

“The Miseducation of Eunice Waymon” nace en 2016 durante una Mesa Redonda en Seattle, en la que en medio de un debate acerca del Soulmates Project, la escritora Zandria Robinson le preguntó al productor: “En qué parte de tu proyecto se celebra a las artistas mujeres?” Dos años después, Amerigo había terminado el trabajo. Finalmente, la misma Zandria Robinson fue una de las primeras en escuchar este nuevo álbum y escribir las liner notes (esos escritos que acompañan el arte de los discos), de las cuales citamos algunos pasajes:

“Dos mujeres negras, dos generaciones, trabajadoras de la cultura por los derechos civiles y base de la cultura hip hop femenina. Se trata de una conversación vívida, pregunta y respuesta, y un llamado a la acción - privada, personal y pública – a través del espacio y el tiempo. Con "The Miseducation of Eunice Waymon", Amerigo Gazaway convierte a sus oyentes en niños que viajan en el asiento trasero de un brillante Chevy negro, siendo testigos de los misterios de la conversación entre estas dos mujeres adultas. Conforme van pasando los tracks, ambas se van conociendo entre ellas, mientras que Amerigo combina audios de entrevistas. El piano de una acompaña a la otra, la voz de Nina resuena detrás de la guitarra acústica de 
Lauryn. La audiencia puede finalmente escuchar a estas mujeres hablando de quienes son realmente, los cuidados, la alienación, la desesperación, la maternidad, el trabajo, la paz interior, y fundamentalmente la necesidad de liberación” –

Amerigo Gazaway, esa especie de "arqueólogo del audio" en permanente búsqueda de tesoros sonoros, lo hizo otra vez. Por eso, no lo dudes y Escuchate Esto



Tracklist: 

01. Feeling Good 
02. Ready Or Not feat. The Fugees 
03. Doo Wop (ThatThing) 
04. To Zion feat. Carlos Santana 
05. Fu-Gee-La feat. The Fugees 
06. The Sweetest Thing feat. John Forté 
07. Take It Easy 
08. Peace Of Mind 
09. Lost Ones 
10. Killing Me Softly 
11. If I Ruled The World feat. Nas 
12. How Many Mic feat. The Fugees 
13. So High feat. John Legend 
14. Care For What 1:04:16 
15. Angel Of The Morning 
16. The Miseducation of Eunice Waymon 
17. Fu-Gee-La (Refugee Camp Remix) [Bonus Track]

Produced by Amerigo Gazaway 
Executive Producer: Rickey Mindlin
Soul Mates 2018



Referencias, links para escuchar y descargar el disco

Teaser
https://youtu.be/KPyHcFTUggs 


Download the full album here:
https://soulmatesproject.bandcamp.com


The Miseducation of Eunice Waymon: The Original Samples
https://open.spotify.com/playlist/2iyAifdkFNDuKHC0hhEzQp

DIY Acapellas by The Goodwill Projects:
http://www.thegoodwillprojects.com

http://amerigomusic.com
http://soulmatesproject.com
http://facebook.com/AmerigoGazaway
http://twitter.com/AmerigoGazaway
http://instagram.com/amerigo.gazaway



martes, 1 de febrero de 2022

Byron Lee por Soulsolete

Antes de que el ska y el reggae fueran conocidos fuera del Caribe, hubo un personaje clave que logró seguidores internacionales tocando música jamaicana y desempeñó un papel vital en la popularización de sendos géneros en todo el mundo. Su nombre, Byron Lee, el gran protagonista de la siguiente entrada del blog de Escuchate Esto!

Byron Lee formó parte de esa larga estirpe del mestizaje chino-jamaicano que, con sus invaluables producciones y trabajo, aportó una inmensidad de composiciones al desarrollo de la música jamaicana y, por extensión, en la música popular a nivel mundial. Nunca podemos olvidar que personajes como Ivan Chin en la era del mento, Leslie Kong, Randy Chin, Justin Yap, Charlie Moo o The Hoo Kim Brothers en Channel One Studios, fueron algunos de los arquitectos de la cultura sonora de nuestra isla musical favorita a los que debemos agradecer la colocación de algunas piedras angulares del reggae en el panorama mundial. Pero esa, es una batalla que ya fue contada magníficamente por el anfitrión de Escuchate Esto! y no procede en absoluto para desviarnos del camino con el que empezamos a contar esta otra historia.      

Lee aprendió a tocar el bajo de manera autodidacta y el piano en el colegio, pero pulsó el botón de pausa cuando entró a formar parte del equipo de fútbol de St George’s College. La camiseta que usaba dicho equipo tenía un escudo con San Jorge matando al dragón. Cuando el equipo ganó varias copas en tres divisiones, los jugadores celebraban las victorias en el vestuario con cánticos que, sin quererlo, dieron lugar a la génesis de la denominación de la banda de Byron Lee. The Dragonaires comenzaron a forjar su fama como grupo en la isla tocando Mento y Calypso allá donde les dejaban. 

Lee abrió una agencia de reservas y promoción de conciertos a principios de los años 60, Lee Enterprises Limited, así como su propio sello, Dragon's Breath. Trajo a Jamaica a artistas estadounidenses como The Drifters, Chuck Berry, Sam Cooke y Fats Domino y se encargó de que su banda fuera la encargada de tocar en calidad de acompañantes musicales junto a dichas estrellas. Con Lee a la cabeza y el manager Ronnie Nasralla co-produciendo y manejando los arreglos comerciales, los Dragonaires hicieron todos los movimientos correctos para despegar con éxito, algo que Lee aprovechó con la llegada del Ska. En ese instante, el que el grupo adaptó su repertorio a sabiendas de que dicho género podía convertirse en uno que proporcionara una identidad musical propia a la isla, rompiendo así el largo dominio del R&B estadounidense.

En 1962, la banda tuvo una excelente exposición internacional cuando millones de personas vieron la película 'Dr. No' de James Bond. Filmada en Kingston y alrededores, presentaba a Lee y los Dragonaires en un selecto club nocturno mientras tocaban “Jump Up”. La escena en la que aparecen es, además, doblemente interesante desde el punto de vista de la casualidad cultural, ya que entre los extras que bailan al son de la música de la banda, se encuentra un jamaiquino blanco llamado Chris Blackwell, quien formaría Island Records aproximadamente un año después de dicha aparición fílmica.

El gran año para Lee fue 1964, momento en el que The Dragonaires tocaron en la Feria Mundial de Nueva York respaldando a Prince Buster, Eric Morris y Peter Tosh. Fueron una sensación en la feria y, gracias a ello, lograron dar conciertos importantes en algunos de los mejores clubes nocturnos de Manhattan. De vuelta en Jamaica, Lee compró WIRL a Edward Seaga y la renombró como Dynamic Sounds Recording, Inc., donde serían grabados una inmensa mayoría de los éxitos de Reggae de principios de los 70, así como material de artistas de la talla de Roberta Flack, Paul Simon, Johnny Nash o The Rolling Stones.

En medio de todas estas actividades musicales y comerciales, Lee mantuvo un calendario completo de presentaciones y grabaciones, editando sencillos regularmente y álbumes con una asiduidad anual. Fue eminentemente exitoso, aunque en años posteriores, incurriría en la ira editorial de algunos escritores que consideraban a su banda de baile como una versión pálida y diluida del ska, en comparación con agrupaciones como The Skatalites, The Maytals o The Wailers. Sin embargo, es innegable que Lee y su banda contribuyeron sobremanera a popularizar el ska y la música jamaicana durante los años 60. A pesar de esta supuesta naturaleza diluida atribuida, Lee y los Dragonaires mantuvieron seguidores hasta finales del siglo XX. Cuando la música dancehall comenzó a tener auge en Jamaica, Lee expresó abiertamente que no le gustaba y convirtió a los Dragonaires en una banda de soca, deleitando a las multitudes con sus nuevos temas en la celebración anual del carnaval de Jamaica.

Byron Lee continuó en activo incluso después de cumplir 70 años en 2005, pero al año siguiente fue diagnosticado de cáncer de vejiga y quiso hacer pública su experiencia con la enfermedad con el objetivo de crear conciencia. Fue un tipo con un alma enérgica, un caballero y un astuto hombre de negocios cuya fuerza motriz final fue el poder edificante de la música, y pese a que a menudo no se le toma en serio como músico, nadie puede negar todo lo que hizo por los ritmos caribeños.

A modo de cierre, y no sin antes agradecer con cariño y sinceridad a Tony su deseo de incluir de nuevo con nuestra participación en su blog, recomendamos darle una escucha a un disco de Byron Lee donde el rocksteady es el protagonista. Eso sí, no esperéis encontrar los habituales sonidos empalagosos o romanticones de Desmond Dekker, Alton Ellis o Tommy McCook & The Supersonics, más bien canciones con carácter y fuerza.

Muchas gracias y hasta la próxima. 
Soulsolete

 


jueves, 13 de enero de 2022

Apasionado, la vida de Ricardo Pellican – 20 años

Hace 20 años emprendíamos lo que sería, hasta ese momento, el proyecto más ambicioso de nuestras vidas: producir y dirigir un largometraje. Inspirados en documentales que algunos conocidos nuestros habían realizado, nos adentramos en la aventura de contar la vida de un hombre a quien admirábamos: Ricardo Pellican. El proyecto lleva el título de una de sus canciones, “Apasionado”. Lo que jamás imaginamos es que gracias al documental y a la relación que se fue forjando entre nosotros, Ricardo se convertiría en un mentor, un maestro e incluso en una figura de padre para nosotros dos.





En enero de 2002, iniciábamos el rodaje de esta película hecha por un equipo de amigos y amigas, un proyecto hecho con mucho amor, mucha pasión, dedicación, muchas ganas y muy poca plata. 
Se trató de una experiencia de vida inolvidable e inigualable. Fueron más de 5 años, desde el nacimiento de la idea hasta la última decisión tomada en el montaje. La película para nosotros representa la propia experiencia de conocer a un hombre, admirarlo y convertirnos en parte de su familia.

Hoy en día Ivana, nuestra hija de 12 años, es alumna de Andrés, hijo de Ricardo. ¿Más detalles mágicos? Cuando empezamos el rodaje, Ricardo tenía 46 años, la edad que tiene Tony hoy en día.

Hoy es 13 de enero, es el cumpleaños de Ricardo Pellican y nos parecía un día ideal para subir este recuerdo como regalo para él.

Gracias Ricky y feliz cumpleaños! 

Tony Vardé, Natalia Baldrich, Ciudad de Buenos Aires, 13 de enero de 2022


El documental lo pueden ver acá

https://www.youtube.com/watch?v=Xn_BM-0SrKQ&list=PLGSY_8gfLdfAR2V_-VEkEU3pOhLZO82Z1

 

Apasionado, La Vida de Ricardo Pellican (Argentina, 2005)

Dirección: Tony Vardé
Guión: Tony Vardé, Natalia Baldrich
Dirección de Fotografía y Cámara: Sebastián Gallo
Cámaras Adicionales: Hernán Lastra, Natalia Baldrich
Asistentes: Magalí Barbatto, Pablo Elias
Dirección de Arte: Carolina Del Aguila
Sonido Directo: Maximiliano Bello
Post Producción de Sonido: Pablo Fornasati
Producción: Tony Vardé, Hernán Lastra, Natalia Baldrich
Edición: Tony Vardé, Natalia Baldrich, Sebastián Gallo

Participaron:
Carlos Rodríguez, Carlos Inzillo, Guillermo César Vadillo, Osvaldo Gallo, Manfredo Grüntzig, Juan Manuel González, Marcelo Vittor, Daniel González, Javier Malosetti, Walter Malosetti, Leo y  Mario Tegli, José Luis Seró, Daniel Galán, Jorge Aguirre, Luis De La Torre, Alfredo Desiata, Jorgelina Alemán, Andrés Pellican, Hugo Pellican, Lia Pellican, Sabrina Pellican, Néstor Gómez, Sergio Poli, Pablo González, Juan Carlos Ortega, Claudio Morales, Sebastián Lascaleia, Juan Antonio Rodriguez, Botafogo, Omar Mollo, Gabriel Cesario, Chachi Zaragoza

miércoles, 1 de diciembre de 2021

Little Richard - Entrevista - 1990

‘Heeby Jeebbies’ de Little Richard fue la canción que realmente me inspiró a empezar a cantar.” 
Otis Redding,
d
el libro "Sweet Soul Music, Rhythm and Blues and the Southern dream of freedom” de Peter Guralnick




Sin ninguna razón en particular mas que la de celebrar su música y disfrutar de su figura una vez mas, comparto algunos pasajes de una entrevista que Little Richard dio a la revista Rolling Stone en 1990.

"Mucha gente me llama el arquitecto del Rock & Roll. Yo no me identifico de esa manera, pero creo que es verdad. Hay que tener en cuenta que ya era conocido en 1951. Estaba grabando para el sello RCA-Victor (si eras negro se llamaba Camden Records), antes que Elvis. Luego grabé para Peacock en Houston. Specialty Records me compro de Peacock, creo que pagaron 500 dólares por mí contrato, y mi primer disco en el sello fue un suceso allá por 1956: "Tutti Frutti", un éxito en todo el mundo." 

"Inmediatamente empezamos recorriendo todo el país de gira. Viajamos en coche. En ese momento el racismo era tan pesado que no podías descansar en los hoteles, por lo que la mayoría de veces uno dormía en su coche, comía en su coche, tenias tus citas y te vestías en tu coche. Tuve un Cadillac, era la estrella en la ruta."

"Yo me vestía muy extravagante, y llevaba el maquillaje bien cargado. Muchos de los otros artistas de la época, The Cadillacs, The Coasters, The Drifters, llevaban maquillaje también, pero no tenían ningún kit de maquillaje. Una esponja y un poco de base en el bolsillo. Tuve un kit y todo el mundo empezó a llamarme gay."

"Algunos llamaba al rock & roll 'música africana'. Lo llamaban "música vudú." Dijeron que iba a volver a los chicos locos. Me dijeron que era sólo una moda pasajera, lo mismo que suelen decir sobre el hip-hop, sólo que era peor en ese entonces, porque hay que recordar que yo era el primer artista negro al cual los chicos blancos estaban empezando a comprarle discos. Los padres se enojaron bastante conmigo. Tocamos en lugares donde nos dijeron que no volviéramos más porque los niños se ponían muy salvajes. Destrozando cosas, lanzaban botellas y saltaban desde los balcones del teatro a la pista. En ese momento, los niños blancos tenían que estar en el balcón, eran "espectadores blancos". Pero entonces comenzaron a saltar para llegar abajo, donde los niños negros estaban."

"Los Rolling Stones empezaron conmigo, Los Beatles comenzaron conmigo, James Brown, Otis Redding, Jimi Hendrix, todos empezaron conmigo. Creo que cuando la gente quiera alegría, diversión y felicidad, van a escuchar el Rock & Roll de antaño y me alegra saber que yo fui parte de eso. "

Fuente: Entrevista Revista Rolling Stone


miércoles, 10 de noviembre de 2021

The Bright Mississippi - Allen Toussaint - 2009

“The Bright Mississippi” es uno de los tantos portales mágicos para entrar a la música de New Orleans. Este disco del pianista Allen Toussaint, editado en 2009, encaja perfectamente en esa categoría. Es blues? Es jazz? Es New Orleans!  

En “The Bright Mississippi”, Toussaint re interpreta piezas clásicas del jazz y paga tributo varios referentes que influyeron en él: Jelly Roll Morton ("Winin' Boy Blues" a dos pianos con Brad Mehldau), Sidney Bechet ("Egyptian Fantasy"), Louis Armstrong y King Oliver ("West End Blues"), Duke Ellington ("Day Dream" y "Solitude"), Django Reinhardt ("Blue Drag"), Thelonious Monk ("The Bright Mississippi") y otros. El álbum incluye también versiones de las archi tradicionales "St. James Infirmary" y "Just A Closer Walk With Thee." 

Si repasamos la vasta carrera de Allen Toussaint, llegamos a la conclusión de que el “jazz standard” no es su lugar natural, mas bien se trata de alguien que siempre navegó las aguas del Soul, el Funk, del Rhythm, & Blues, pero el lenguaje jazzero siempre estuvo en su diccionario. Al fin y al cabo, Allen Toussaint nació en New Orleans al igual que el jazz, y esa familiaridad se puede escuchar en toda su carrera. “The Bright Mississippi” (el primer disco solista de Toussaint en más de una década) es sin dudas un disco personal, donde no solo el piano, sino también la trompeta de Nicholas Payton y la guitarra de Marc Ribot son protagonistas. 

Mencionamos el repertorio, las versiones, la maestría de Toussaint, pero “The Bright Mississippi” es uno de esos discos en los que el trabajo del productor (en este caso Joe Henry) es de vital importancia. Hay una cosita funky por allá, algo blusero por acá, un poco de soul mas allá, un poco de second line... y claro, mucho pero mucho jazz piano regado por todos lados. Cada track en sí mismo, y todo el disco como conjunto, nos confirman la etiqueta “Música de New Orleans” es la mas apropiada. El álbum es una verdadera lección de la música del Delta, simplemente música maravillosa cocinada por uno de los tipos que más tiene para ofrecer en su paleta estilística, un verdadero tesoro musical.  

Una vez, el músico de Mississippi Van Dyke Parks dijo sobre Toussaint: "es el mas grande de los pianistas vivos, solo que nadie lo sabe... ni siquiera él".

Escuchar en Spotify

Lista de temas:

Egyptian Fantasy
Dear Old Southland
St. James Infirmary
Singin' the Blues
Winin' Boy Blues
West End Blues
Blue Drag
Just a Closer Walk with Thee
Bright Mississippi
Day Dream
Long Long Journey
Solitude

Músicos:
Allen Toussaint: piano, vocals
Don Byron: clarinet
Nicholas Payton: trumpet
Marc Ribot: acoustic guitar
David Piltch: bass
Jay Bellerose: drums and percussion
Brad Mehldau: piano
Joshua Redman: tenor saxophone.

2009 | Nonesuch Records

Fuentes:
BBC; Allaboutjazz

sábado, 2 de octubre de 2021

Eddie Floyd: Mi vida en el Soul - 2020

Comparto algunos pasajes de esta entrevista de Alex Greene a Eddie Floyd, publicada en memphisflyer.com con motivo de la edición del libro “Knock! Knock! Knock! On Wood: My Life in Soul” (Tony Fletcher).

“No se soy merecedor de un libro, pero si voy a hacer uno, tiene que ser positivo” dice Eddie Floyd, quien aprendió música en el “Alabama's Mount Meigs Juvenile Correctional Center”. La noticia con Eddie Floyd es que no tiene un origen como cantante de Iglesia, como si lo tienen el 99% de los y las cantantes de soul. “El coro de Mount Meigs tenía un buen componente gospel” aclara– pero también de música clásica y de jazz”. Además del coro, lo que escuchaba durante su infancia en Detroit, eran las grandes bandas de Jazz, como las de Count Basie o Duke Ellington, a las cuales tuvo la posibilidad de ver en vivo en algunas ocasiones.

“Empecé en Detroit, Michigan, a los 13 años. Quería estar en un grupo doo-wop en aquel tiempo, entonces formé The Falcons a los 16 años. Escribí algunas baladas para ese grupo, aunque no fueron justamente los hits.”. Esos hits a los que Eddie hace referencia fueron dos: "You're So Fine" (1959) y "I Found a Love" (1962) con un joven Wilson Pickett en el grupo. Escuchen el falsette de Eddie Floyd en "Oh Baby"!

Luego Eddie Floyd conoció a Al Bell y eso fue un punto de inflexión en su vida. “Con Al nos llevamos muy bien, escribimos algunas canciones juntos para Carla Thomas y luego… Memphis”.  Allí Eddie conoció Stax Records, comenzó a escribir con Steve Cropper y a grabar a dúo con Carla Thomas: "Stop! Look at What You're Doingy "Comfort Me." Con Cropper y Booker T. Jones hicieron "I've Never Found a Girl" y luego "California Girl".

Hasta que llegó “Knock on Wood”, la canción (o debemos decir himno?) que lo cambiaría todo. “En Stax todos contribuían en cada canción. Steve y yo trajimos "Knock On Wood" como un demo para Otis Redding, se la mostramos a los MGs, Donald Duck Dunn tocó esta línea de bajo sin que nadie le dijera qué hacer. Yo diría que no hubiera sido un hit a menos que Al Jackson sugiriera poner ese corte en ese momento particular de la canción (Por Dios! La humildad de este tipo, se dan cuenta?!). Al dijo 'un momento, dejenme poner estos golpes!' 'I better knock,' boom boom boom boom. Stop. 'On woooood.' Vuelta al beat. Recuerdo a Isaac Hayes con su idea del puente. Y nunca habíamos escuchado un Puente como ese antes!.” Pero la canción no parecía material para Otis, así Cropper y Eddie convencieron a Jim Stewart, el presidente del sello, para que ese demo fuera lanzado como simple, naturalmente con la voz de Eddie Floyd como cantante principal. 

Knock on Wood transmite todo la positividad de la que Eddie Floyd habla en la nota. Su sonrisa y su energía, junto con este himno, lo acompañaron por el resto de su carrera. “Todos contribuíamos en cada canción –continúa Eddie hablando del clima y la forma de trabajo en Stax. No había diferencias. Yo podía tranquilamente hacer coros en la canción de alguien, si estaba en el estudio en ese momento. Y alguien haría lo mismo por mi.”

Otro punto importante de su carrera, años más tarde, son Los Blues Brothers. “Pasé mucho tiempo en la ruta con The Blues Brothers. Una vez estaban en Canadá haciendo un homenaje a Stax, me invitaron y terminé trabajando con ellos durante 22 años!”. El tramo de su carrera junto a los Blues Brothers incluyó una participación en la película Blues Brothers 2000 junto a Wilson Pickett y al guitarrista Jonny Lang haciendo el tema compuesto por Eddie y Cropper: 634-5789.

Hoy a los 83, Eddie Floyd parece no detenerse ni un poco. En 2008 editó el disco “Eddie Loves you so” para Stax, sigue como miembro activo de la Stax Music Academy, buscando mantener vivo el legado del sello en las nuevas generaciones de músicos. Además asiste a todo homenaje al Soul que se realice, como el organizó Booker T. Jones en la Casa Blanca en 2013.

 “Nunca voy a abandonar la música –dice Eddie Floyd. Te lo digo de esta forma, como le digo a todo el mundo: Voy a rockear hasta el final.”

Fuente:
https://m.memphisflyer.com/memphis/knock-on-wood/Content?oid=23561958