En la cultura africana el griot es el encargado de mantener la tradición y la historia de la tribu a través de la palabra y la música. En la década del 70, a muchos kilómetros de la tierra madre, los descendientes de la diáspora en Estados Unidos, tal vez sin saberlo (o quizás con toda la conciencia de ello) tomaron esta tradición milenaria y se volcaron a las calles de Nueva York a llevar su palabra y su ritmo hasta crear una cultura que aún continúa expandiéndose a todos los barrios del mundo. Uno de esos griots usó las tornamesas (o tocadiscos) para comunicar a los integrantes de su tribu, su nombre es Dj Kool Herc.
Nacido como Clive Campbell en Kingston Jamaica,
traía con él la tradición del sound system de la isla y una melomanía heredada
de su padre, que había aumentado exponencialmente una vez que su familia se
asentó en Nueva York. En agosto de 1973 Herc pasó a la historia por realizar
una fiesta en un salón del West Bronx a la que concurrieron gran parte de los
pibes que andaban pululando por los suburbios en busca de aires nuevos… y vaya que los
encontraron!
Casi 50
años después, esa noche, esa fiesta, ese barrio y ese dj pasaron a convertirse
en parte de un mito fundacional del que todavía hablamos como si se tratara de
una leyenda urbana y que conmemoramos todos los años como el día que nació el
Hip Hop.
De a poco los chicos y chicas comenzaron a
reinventarse. Primero adoptaban un apodo que les parecía cool y después se
encargaban de que todo el mundo lo conociera estampándolo en cada superficie
limpia de la ciudad. Preferían dejar sus tags (firmas) o tirar unos cartones en
el piso para practicar sus nuevos pasos o pensar rimas ingeniosas en lugar de estar
rivalizando con otros chicos por el territorio. De a poco la generación de las
pandillas iba quedando atrás para darle lugar a nuevas formas de expresión a
través del baile, la pintura, el fraseo y la música. Sin saberlo estaban
creándose una nueva identidad, una nueva cultura.
Luego del éxito de la primer fiesta, Campbell
y su familia comenzaron a armar eventos en el mismo salón casi todos los meses,
principalmente apuntaban a los estudiantes de las secundarias cercanas, para
evitar la presencia de las pandillas y la violencia que estas acarreaban. Fue
así que la reputación de Herc creció entre el público ATP del Bronx siendo el
principal animador de los bailes escolares de la zona, por lo que empezó a
cosechar un grupo de fieles seguidores. Entonces decidió organizar su primer “Block
Party” (llamadas así porque se hacían justamente en medio de la calle alrededor
de los “bloques” o edificios). Era tal el respeto que infundía este dj que a
pesar de ser una fiesta al aire libre y estar expuesta a que ocurriese
cualquier percance, no hubo ningún tipo de desmán desde el comienzo hasta la
madrugada, cuando se dio por finalizada la velada.
A medida que su popularidad crecía se iba
sumando gente a su entorno, como su amigo y compatriota Coke La Rock con quien
armó un dúo en el que rememoraban al toasting jamaiquino logrando diferenciarse
de los típicos djs de música disco que sólo tiraban palabras sueltas u
onomatopeyas para agitar a la masa. Por el contrario, tal como venía haciendo
su compañero, La Rock respondía a los ritmos que le disparaba Herc con frases
elaboradas y rimas divertidas en las que a veces también se sumaba el público.
Kool Herc por Dan Lish
Otra de las características que hicieron
grande a Kool Herc fue su visión y el estudio minucioso de la pista de baile.
Al observar atentamente lo que sucedía cuando sonaba una canción se dio cuenta
que el entusiasmo de la gente crecía cuando quedaba sonando nada más que la
sección rítmica. Es por eso que decidió
concentrarse solamente en el break instrumental y empezó a seleccionar
basándose únicamente en esa parte de los discos con canciones de soul negro y
rock blanco con un beat rápido y a menudo afro latino. Para esto utilizaba una
técnica que denominó “The Merry Go Round” (la calesita) en la que ponía dos
discos con la misma canción y de ese modo alargaba la parte instrumental todo
el tiempo que fuera necesario y creaba su propia versión extendida. Esta utilización
del loop quedaría en el imaginario como
marca registrada de Herc y era festejada por los b-boys (o “break boys”) que justamente
adquirieron este nombre por su amor a los breaks que pinchaba el Dj.
A medida que fue pasando el tiempo y su
público fue creciendo tuvo que trasladar su equipamiento a Cedar Park, un lugar
con mucha más capacidad y donde se podía explotar más la potencia del sonido.
Este sitio terminó convirtiéndose en un semillero de nuevos dj’s, mc´s, b-boys
y graffiteros que seguían a esta especie de superhéroe negro de las bandejas e inspirados por él siguieron sus pasos dentro
de la cultura e inclusive llegó a armar junto a algunos de ellos su propia crew
llamada “Herculords”. La mecánica había cambiado, ahora las bandas eran de
deejays, de raperos, de escritores o de breakers. Fue en estas reuniones donde
se empezaron a realizar los cyphers (competencias en donde cada uno mostraba
sus habilidades o “skills”). Se había dejado de lado el baile grupal al estilo
“Soul Train”, ahora cada uno ponía a prueba su valía dentro del círculo de
gente que se formada, mientras Kool Herc tiraba los breaks desde el podio y los
animaba desde el micrófono. La
competencia siempre existió en el Hip Hop pero en la génesis estaba claro que
más allá de un tema de egos el asunto estaba en mirar las capacidades del otro
pero, para enfocarse más en las propias. Competir con uno mismo fue el lema
desde el principio.
Un amigo me contó que cuando fue a Nueva York
hace un par de años tuvo el honor de conocer a Kool Herc, quien en la
actualidad reparte su tiempo entre conferencias y “presencias” donde se sienta a hablar con cultores
de distintas partes del mundo sobre la historia y la actualidad de nuestra
comunidad. Su palabra es escuchada con devoción y respeto como a un viejo maestro
trasmitiendo secretos de sus hazañas, como se escucha atentamente a un griot contando
historias para que no caigan en el olvido.
Autora: Bar MamÄfriK
Publicado originalmente en el #1 de la revista Pagina Negra
https://www.instagram.com/bar.mamafrik/
https://www.instagram.com/paginanegra.revista/
-¿Puede explicarle a alguien que no sepa ni lo conozca, qué es el jazz?
-Es una forma de música estadounidense nacida en Nueva Orleans, Luisiana, en los albores del siglo XX. El ímpetu para interpretarlo proviene de la búsqueda afroamericana por los derechos humanos. Como tal, es una expresión irreprimible de libertad personal y creatividad colectiva. Cuenta con músicos que improvisan nuevas melodías en un ciclo armónico repetido, un groove muy duro dentro de un ciclo de un ritmo venido de África. Tiene además un estilo individualista de cantar a través de los instrumentos, de la manera más expresiva y conmovedora.
- ¿Cuánto tienen que ver las raíces africanas?
- Los conceptos filosóficos africanos de tocar en un ritmo par y extraño al mismo tiempo, es la esencia del swing, que es el ritmo fundamental del jazz. Además, el concepto africano de improvisar en ciclos rítmicos se encontró con el concepto europeo de tema y variación. Esto condujo a solos improvisados dentro en un patrón armónico. El concepto African Dance Beat se aplicó a los bailes europeos y caribeños, por ejemplo, el arrastre del jazz es como el jig (N. de la R: forma de folklore celta) de Irlanda, y hay muchos, muchos ejemplos más así. Finalmente, y no por eso menos importante, la creatividad tímbrica de los efectos vocales africanos se aplicó a los efectos instrumentales europeos: se podía hacer que una trompeta sonara como un pollo, un elefante o un bebé llorando, y cada músico desarrolló así sus especialidades particulares de efectos de sonido.
¿Es correcta la idea de que el jazz es la piedra fundamental de los estilos musicales del siglo XX?
- Es la madre de todas las formas musicales que utilizan una sección de ritmo de batería, bajo, guitarra o piano (también computarizada).
- ¿Qué pasa con lo que vino después: el blues y el rock and roll?
- El blues es un elemento importante de la base tripartita del jazz (improvisación, swing y blues). El rock and roll es una forma de ritmo y blues que se mezcla con el backbeat 2 y 4 pero acentuados.
- ¿Estos géneros musicales pertenecen a una línea de tiempo, es correcto?
- Blues, Jazz, Rhythm And Blues y Rock and Roll es la línea de tiempo
Fuente: Infobae
Cuando avanzada la década del 50, le preguntaban por su música ella contestaba “Oh, estos chicos y su Rock ‘n Roll, eso es simplemente rhythm and blues acelerado, yo lo vengo haciendo desde siempre.” Sister Rosetta Tharpe y su Gibson SG fueron la prueba más contundente de que las mujeres también podían rockear. “Shout, Sister, Shout!” (Gayle Wald, 2008) es la primera biografía de esta artista pionera que influyó de manera innegable en gente como Elvis Presley, Etta James, Bonnie Raitt, Johnny Cash y Chuck Berry, entre muchos otros, pero que ha recibido un reconocimiento en forma tardía. Nacida en Arkansas en 1915, Tharpe fue criada en la Iglesia Pentecostal y desde el punto de vista musical, claramente en la tradición góspel. Pero ella produjo música que cruzaría los géneros. Tharpe fue antes que nada la primera Super Estrella de la música góspel y una de las primeras en construir el puente con el Rythm & Blues y sentar las bases para el primer Rock ‘n Roll.
Muchos conocimos a Sister Rosetta Tharpe en el film realizado en 1964 donde la vemos llegar en una carreta a una escenografía de estación de tren y hace volar nuestras pelucas por el aire con esa Gibson SG. Esa actuación televisada fue parte de “The American Folk Blues Festival”, el festival de música itinerante que se celebró en distintos países de Europa entre el 62 y el 66 en el que también actuaron Muddy Waters, Howlin' Wolf, John Lee Hooker o Sonny Boy Williamson.
Su fama y su importancia fue por muchos
años eclipsada por el crecimiento de aquellos a quienes ella misma influyó. Pero afortunadamente, desde hace algunos años su figura no para de crecer. Bonnie Raitt dice que "Rosetta
fue una de las más amadas e influyentes artistas del góspel pero que también
forjó un camino para el resto de las mujeres guitarristas. Hace mucho tiempo
que Rosetta merece un reconocimiento más amplio y un sitio de honor en la
historia de nuestra música” concluye la colorada. En 2018 Felicia Collins, Brittany Howard, y Questlove se unieron para introducir a Sister Rosetta Tharpe al Rock and Roll Hall of Fame. En diciembre de 2019 la cantante y rapera
Sister Rosetta Tharpe en Spotify
Recomendaciones:
Cortometraje Documental "The Woman who Invented Rock n' Roll"
Fuentes:
Shout, Sister, Shout!: The Untold Story of Rock-and-Roll Trailblazer Sister
Rosetta Tharpe, de Gayle Wald
https://www.premierguitar.com/articles/11598-forgotten-heroes-sister-rosetta-tharpe?page=1
https://www.openculture.com/2020/02/the-woman-who-invented-rock-n-roll.html
https://www.openculture.com/2019/11/the-hot-guitar-solos-of-sister-rosetta-tharpe.html
https://www.rollingstone.com/music/music-news/lizzo-sister-rosetta-snl-930708/
“Necesito su ayuda. Esta es una imagen del hombre que conocí como mi abuelo. Me gustaría saber quién es realmente este hombre. No reniego esta imagen de un poderoso y digno rey negro que me ayudó a evitar una vida de malas decisiones, crimen y drogas, pero por favor, ayúdenme a identificar a esta persona. Crecí con la foto de alguien a quien creí mi abuelo por 53 años. Esta foto representa fuerza, coraje, posibilidades ilimitadas, desafío, pero no sé quién es esta persona, todo lo que tengo es esta foto. Mi apellido es Dphrepaulezz… ¿Quién inventó eso? Mi padre decía ser de Somalía pero recientemente me enteré que nació en Bahamas, en 1905. Vivir una mentira es una carga muy grande. Mi padre nació una generación después de la esclavitud, en 1905, y no puedo imaginar los obstáculos que tuvo que enfrentar, así que no lo culpo demasiado por fabricar completamente su origen. ¿De qué manera esta nueva revelación informa y me ayuda a navegar el tema de la raza en Estados Unidos? Ahora es más claro para mi cuánto hay de construcción es esto de las razas.”
1. Venomous Dogma
2. Highest Bidder
3. Mayor of Wasteland
4. They Go Low
5. Nibbadip
6. Oh Betty
7. You Don’t Belong Here
8. Man With No Name
9. You Better Have A Gun
10. Trudoo
11. In My Head
12. Register of Free Negroes
13. Virginia Soil
Starring @J_Sticknasty and Sahra Brubeck
Directed and shot by: Aerick Neal
Produced by: Heidi Roodvoets and Adyam Abraham
Filmed @RevPlantation
Visto desde la perspectiva de hoy en
día, lo que hizo a Muddy Waters diferenciarse y posicionarse como un artista
rupturista, parece sencillo y previsible: adaptar su toque de country blues y delta blues
a un instrumento amplificado con electricidad. Pero fue mucho mas que eso, fue empujar desde la guitarra eléctrica el nacimiento del
blues urbano que nos llevaría directamente al desarrollo del rock 'n' roll en
los '50. Y eso es mucho decir.
En el libro "Deep Blues", Muddy le cuenta a su autor, Robert Palmer, que una vecina le dejaba escuchar música en su fonógrafo todo el tiempo. Expuesto a las grabaciones de Blind Lemon Jefferson, Tampa Red, y Memphis Minnie, Waters desarrolló un vocabulario musical basado en el blues y la iglesia. Al mismo tiempo, empezó a tomar contacto con instrumentos musicales de manera artesanal. Cualquier cosa que produjera sonido era un escape al trabajo del campo. A los 8 años, Muddy tuvo acceso a un acordeón, luego a una armónica, con la que acompañaba a un amigo guitarrista y a los 10 años, su abuela le regaló su propio fonógrafo.
En el verano de 1941, Muddy Waters escuchó el rumor de que un hombre blanco lo estaba buscando. Alan Lomax, un musicológo de 26 años que trabajaba para la Biblioteca del Congreso, tenía la misión de documentar la música folk del Sur de los Estados Unidos. Lomax había escuchado que Waters era tan bueno como el fallecido bluesman Robert Johnson y quería grabar su música. Aún así, a Waters no le daba confianza el acercamiento de un hombre blanco. Para romper esa barrera de desconfianza, en el momento en que se conocieron, Lomax pidió al músico un poco de agua, y para su sorpresa, utilizó el mismo vaso del que Muddy había tomado. En el Sur segregado, un acto de esa naturaleza era inimaginable. Además de una entrevista, Lomax grabó dos canciones ese día: "Country Blues" y "I Be's Troubled". Muddy no solo se sorprendió al escuchar su voz en una grabación, sino que además, se dió cuenta que lo que hacía era tan bueno como cualquier otro disco que hubiera escuchado antes. Meses después, recibió un paquete por correo conteniendo dos discos y un cheque por 20 dolares. Así imaginó ese momento el director Darnell Martin en su film “Cadillac Records” (2008)
En 1946, su novedoso sonido llamó la atención de Columbia Records, para quienes grabó algunas canciones pero que nunca fueron editadas. Aquí es cuando su camino se cruzó con Lejzor y Fishel Chyzh. Estos dos hermanos polacos encontraron la veta de grabar musicos negros y se asociaron alm sello Aristocrat Records. A Leonard y Phillip Chess (así adaptaron sus nombres y apellido al idioma inglés) al principio les interesó grabar jazz, pero por alguna razón, esto no rindió sus frutos. Ellos podían entender el jazz, una música más universal tal vez, pero el blues rural era una música completamente extraña para ellos. Pero simplemente confiaron. Para 1950 siguieron creciendo y pudieron comprar el sello Aristocrat y lo renombraron "Chess Records" y claro, si hay que hablar de Chess, hay que hablar de Muddy. Pero esa, es otra historia.
Fuentes:
https://www.grunge.com/405181/the-untold-truth-of-muddy-waters/
"Feel Like going Home: Portraits in Blues and Rock 'n' Roll" de Peter Guralnick
"Can't Be Satisfied: The Life and Times of Muddy Waters" de Robert Gordon,
"Deep Blues", de Robert Palmer
Cadillac Records (2008), de Darnell Martin
Dos protagonistas de esta historia son La Fisk University’s Jubilee y la American Missionary Association (AMA), un grupo de evangelistas y abolicionistas que dirigían este colegio de 900 alumnos desde 1866. La AMA, mas radical que otras organizaciones misioneras abolicionistas, rehusaba recibir donaciones de los vendedores de esclavos e incorporó afroamericanos a su estructura dirigencial. Pero tanto educadores como alumnos sufrían las carencias económicas de la escuela. Ella Sheppard decía que “no había dinero ni siquiera para la comida, mucho menos para reparar un techo.”
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| Ella Sheppard |
