Barbara Lynn: La emperatriz de la Costa del Golfo por Bar MamÄfriK

Este texto fue escrito por Bar MamÄfriK y publicado en la segunda edición de la revista Pagina Negra. Muchas gracias Bar por compartirlo! 

 Barbara Lynn nació en 1942 en Texas, Estados Unidos, y desde chica mostró una notable facilidad para la música, primero con el canto, luego en el piano y por último en la guitarra, instrumento que la marcó a fuego al punto de pasar a ser una nueva extremidad en su cuerpo. La niña simplemente no podía separarse de su viola. A su entusiasmo por desmenuzar cada sonido del instrumento, se sumaba el hecho de que era zurda, por lo tanto debía practicar mucho más. Cualquier lugar y momento eran apropiados para ponerse a sacar los primeros blues y rhythm and blues que se escuchaban en la radio familiar.

Después de presentarse en varios concursos de talentos, en su adolescencia funda su primer banda, “Bobbie Lynn and her Idols” íntegramente conformada por chicas, motivo que les dio cierta fama en su ciudad, aunque debían tocar a escondidas en bares y clubes, por temor a ser expulsadas del colegio.

En uno de esos shows, Barbara conoce al  cantante Joe Barry y al productor Huey P. Meux, que la llevan a grabar a New Orleans, previa autorización de sus padres. Es así como nuestra protagonista sienta un precedente único en la época: ser la primer mujer afroamericana en lograr un numero uno con un tema debut, “You’ll lose a good thing”, compuesto por ella misma, con arreglos y producción conjunta con Meux. Les puedo asegurar que en el 1962 yanqui no era solo un suceso para las listas de rhythm and blues (prácticamente copadas por artistas negros), sino que además conquistó el top ten de las listas pop. Todo un bombazo musical, cultural, y porque no, político. Una proeza para “the chick with the guitar” de acuerdo a la mirada condescendiente de algunos músicos, en su gran mayoría varones. Es que la muchacha presentaba un ataque múltiple al ego de estos señores: era joven, dotada y negra (como diría Nina) y además componía, arreglaba y cantaba todas sus canciones, y la descocía tocando la viola con su mano izquierda.

Gracias a la repercusión de su primer disco a principios de los 60, ya estaba inmersa en la vanguardia de la música R&B y es así como se ganó el apodo de “La emperatriz de la Costa del Golfo”.

Barbara Lynn se caracterizó por un estilo que iba más allá de su “hot guitar”, sus composiciones eran originales y aunque en su mayoría trataban temas de amor, se permitía ir un poco más allá con canciones de aceptación, como “I am a goodwoman” u optimistas como “What’d I say”. Aun sin ser una prodigiosa en la voz, tenía una presencia tanto vocal como escénica, cautivantes.

Debido a esta maquinaria inagotable de hits, el reconocimiento y la fama pronto aparecieron, comenzó a codearse en giras con la mayoría de los ídolos musicales de la época: Smokey Robinson, Sam Cooke, James Brown,  Stevie Wonder, Marvin Gaye y muchísimos más. Por supuesto que cada vez que uno de sus singles lograba un éxito, su presencia estaba en todos los programas musicales de la TV, que en ese entonces eran la única galería para llegar a todos los hogares norteamericanos. No es un dato menor que sus canciones fueron versionadas por gigantes como Aretha Franklin, que llevó a la masividad absoluta a “You’lll lose a good thing” y también The Rolling Stones, que hicieron lo propio a nivel mundial con “Oh baby (we got agood thing going)”.

Pero toda esta vorágine musical, los casi 10 años de carrera, los 3 discos, decenas de singles y las giras se terminarían de forma abrupta cuando a principios de los 70 decidió casarse y formar una familia. Además del mandato familiar, lamentablemente tan aceptado en esa época, se sumó la escasa promoción que estaba teniendo de parte de su sello discográfico Atlantic Records, circunstancias que la llevaron a tomar la decisión de alejarse de la música.

Pero como decía un sabio, “cuando quedas estaqueado por un amor, es imposible elegir” (o algo así, perdón Cortázar). A pesar de desarrollarse como una gran madre y esposa, para Barbara no era una cuestión de elección, ese rayo que le partía los huesos cuando interpretaba su música, ese fuego interno nunca pudo ser apagado del todo. Tuvo algunas apariciones en vivo durante los 70 en Los Angeles, (su nuevo lugar de residencia) y en los 80 editó un disco en vivo, producto de una gira por Japón. En la década del 90 enviuda y vuelve a su Texas natal, donde de a poco comienza a retomar su carrera musical.  Claro que la industria había cambiado y los 4 álbumes que lanzo entre 1993 y 2004 no tuvieron la repercusión de antaño.

A pesar de que los grandes titulares de la historia del rock prácticamente la hayan olvidado, Barbara Lynn sigue vigente, es constantemente reconocida con numerosos premios por su trayectoria y su inmenso aporte al rhythm and blues, al blues y al rock n’ roll, y es sampleada por las nuevas generaciones que continúan su legado. Atenti al sampleo de Moby en su disco “18”. N es extraño verla en algún escenario contando anécdotas con sus hermosos 80 años, cantando viejos hits y punteando su guitarra con esa zurda infernal.

Recomendamos el documental “I am the Blues” (DanielCross / 2015)

Autora: Bar MamÄfriK

 
Publicado originalmente en el #1 de la revista Pagina Negra

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“Beau Dollar” Bowman: I Can’t Stand Myself (When You Touch Me) - James Brown 1968

Continuando con esta saga dedicada a bateristas y percusionistas, comparto esta entrada de Escuchate Esto! a un baterista que estoy seguro desconocían, y mucho mas, relacionado con James Brown. Se trata de William 'Beau Dollar' Bowman, batero de The Dapps. Aunque encontré poca información certera, se dice que The Dapps acompañaron a James Brown en las "Lickin' Stick" sessions para el sello King, luego editadas por Soul Records. Entre las grabaciones que quedaron de esta sesión, se destaca muy por encima de cualquier otra, el simple "I Can’t Stand Myself (When You Touch Me)", grabada en octubre de 1967, en la que el pulso hipnótico de Bowman se transforma en un beat absolutamente fundacional en materia de funk. 

Como ya lo mencionamos en una entrada anterior, para esa época, la banda de James Brown contaba con dos bateristas, dos verdaderos próceres del funk: Clyde Stubblefield, el funky drummer, y John "Jabo" Starks. Sin embargo, en el sencillo al que nos referimos, "I Can’t Stand Myself", quienes acompañan a James son The Dapps, una banda de Cincinatti compuesta por 8 músicos blancos y formada en 1965, en la que usualmente tocaba el gran guitarrista Lonnie Mack. 

Esta claro que el groove aportado por el baterista de esta banda, William 'Beau Dollar' Bowman, le debe mucho a lo que había hecho Stubblefield's algunos meses atrás con "Cold Sweat". Sin embargo, en aquella canción, el gran trabajo de la batería se destacaba desde el hi hat, mientras que aquí, lo que hace Bowman con el bombo es lo que la eleva  por encima de cualquier otra. A los 4 minutos y medio de la canción, Brown dice "everyone to lay out but the drummer" y aquí es cuando el perfecto groove de Bowman sube al cielo. El baterista decide no hacer ningún cambio, ni un fill, mucho menos un solo. El simplemente sigue sonando así, hipnótico, insistente, tenso, para que generaciones y generaciones de bateristas en el futuro pudieran apreciar, sin obstáculos, como se toca un beat de funk. "Do you fell the groove?!" pregunta James 40 segundos mas tarde. Si James, por supuesto que lo sentimos!  

"I Can't Stand Myself (When You Touch Me)", también conocida como "I Can't Stand It" es además, una muestra perfecta de esa habilidad única que tenía James Brown para entrar en una sesión de grabación, manejar como nadie el groove de una banda con la que no se había cruzado antes, improvisar una letra sobre una base insistente y repetitiva, sacar lo mejor de una sección rítmica, aun sin vientos, y convertirlo en un hit. 

Entre tantas leyendas que encontramos por internet a diario, hay una que dice que el tempo de esta canción fue acelerado mecánicamente luego de su grabación para su lanzamiento en 1968. Elijo no creer. 

Fuente:  https://daily.redbullmusicacademy.com/2013/08/funk-archaeology-beau-dollar-bowman

RIP Jim Stewart - 1930 - 2022

 

Para que tengamos noción de la importancia que la figura de Jim Stewart, fundador de Stax Records, fallecido el lunes 5 de diciembre a los 92 años de edad, tuvo para el soul, comparto y traduzco esta nota publicada en billboard, escrita por Booker T. Jones.

Jim Stewart, el padre de Stax, ha muerto. El barco ha perdido a su capitán y nuestros corazones están perdidos en el mar. Para un jovencito como yo, él parecía eterno y siempre pensé que este día nunca llegaría, mientras me llevaba a su sueño de hacer música para el mundo.

Había un fuego intenso encendido en el pecho de Jim, nacido del amor por la música, y ese fuego rápidamente se expandió a todos a su alrededor. ¿Qué era lo que pensaba Jim, instalando este estudio de música country en el medio del Sur de Memphis? Los jóvenes vecinos músicos convirtieron a Stax en algo propio. Llegaban al estudio en bicicleta, trabajaban en el almacén que estaba enfrente, se escapaban del colegio para ir a grabar al estudio. Stax se convirtió en un paraíso, un lugar para que los jóvenes autores y compositores del barrio pudieran expresarse

Jim nunca admitió haber creído en mí. ¿Qué tal si tu jefe fuera un pequeño león encerrado, que nunca te decía exactamente lo que esperaba o lo que quería de vos, aparte de que llegues al trabajo en horario? Hubiera preferido el rugido del león, antes que el leve asentir de su cabeza y su mirada de fingido desinterés. En retrospectiva, me doy cuenta que fue esa frecuente mirada de decepción lo que me llevaba a intentar hacer mejor música.

Luego de que Booker T. & The M.G.’s grabáramos “Behave Yourself,” a Jim le había gustado tanto que quería sacarla como simple. Jim empujó a la banda como un jinete clavando las espuelas en su caballo en ese momento, para que consiguiéramos un lado B para “Behave Yourself.”  Por suerte para mí, había estado trabajando en una secuencia musical blusera, se la pasé a la banda y así salió “Green Onions.” De esa forma, Jim se lleva el crédito por empujarnos a grabar la canción que se convirtió en la icónica “Green Onions”. 

Tal era la naturaleza de Jim Stewart, la fuerza conductora detrás de gran Stax Records de Memphis, Tennessee. Para mí, él fue la fuente de incontables horas de felicidad musical, así como también del privilegio de hacer música en un estudio a menos de dos cuadras de mi casa. 

Jim peleó por Stax Records hasta el final, sacrificando su casa, su hogar y su bienestar. Por su entrega a mí, a la familia de Stax y al mundo, descasa en la paz de Dios Jim.

Adios a un Rey.

Booker T. Jones

Fuente: 
https://www.billboard.com/pro/booker-t-and-the-mgs-singer-remembers-stax-records-jim-stewart/

Queen Sylvia Embry (1941 - 1992)

Me crucé en la cuenta de twitter de @bluezharp con esta poderosa foto en blanco y negro del fotógrafo Eyd Kazery en la que se ve a una señora ataviada en un vestido floreado tocando un Precision Bass con mucha actitud. De inmediato, me vi obligado a buscar su nombre: Queen Sylvia Embry, blues de Chicago de los '70, una solida base y una voz llena de góspel. Su verdadero nombre fue Sylvia Lee Barton, nacida en la Wabbaseka, en la Arkansas rural en 1941 y fallecida en Chicago en 1992. Una corta vida que le sirvió para erigirse como la única mujer bajista en la escena del blues de Chicago, pero aún así con muy poco reconocimiento. Para eso existe este blog y desde aquí queremos homenajearla y poner en valor su figura, al menos con esta pequeña entrada. 

En algún momento pudo haber parecido que Queen Sylvia Embry llegaría a emerger como una de las nuevas figuras femeninas del blues de Chicago, pero la escena machista se encargó de que no lo lograra. “Cuando comencé a tocar con Lefty Dizz” explicó en una de las pocas entrevistas disponibles (sitio oficial de Alligator Records), “ni siquiera conocía las escalas en el bajo. Pero me gustaba tocar y Lefty siempre era amable conmigo, nunca me menospreció por ello. Mi problema era con otros bajistas. Frecuentemente me decían cosas como 'No podés tocar nada, andate a tu casa a criar bebés'"

Durante su adolescencia, Sylvia comenzó tocando el piano pero pronto dejó de interesarle, ya que su abuela se era muy estricta con respecto a las clases. A Sylvia le gustaba el boogie y la música de Chuck Berry y Lloyd Price, mientras que su abuela le demandaba que tomara el camino de la música religiosa. Para satisfacer los mandatos familiares, Sylvia cantó en algunos coros góspel, incluso integró el grupo The Southern Echoes. Pero el nido familiar era demasiado estrecho para ella y a los 19 años se fue a Memphis, con la idea de ser actriz o cantante profesional. Finalmente en esta nueva ciudad se casó y se convirtió en una ama de casa. 

La cosa no funcionó, y luego de divorciarse, Sylvia siguió camino al Norte hasta llegar a Chicago en la década del 60. Allí conoció y se casó con el guitarrista Johnny Embry, alguien que nunca estuvo entre los nombres mas populares, pero si fue considerado por muchos como uno de los guitarristas mas finos de la ciudad. En 1971, el simple de Z.Z. Hill “Don’t Make Me Pay For His Mistakes” llegó alto en los charts y Sylvia entendió con esta canción que una buena línea de bajo podía ser todo lo que ella necesitaba. Según cuenta, "John me enseñó a tocar el bajo, aunque al principio me decía que no iba a poder, que era muy difícil. Pero soy una persona muy determinada y logré mi cometido". Por supuesto, aquella canción de ZZ Hill  fue lo primero que aprendió a tocar en su nuevo instrumento.

Con una sólida técnica de púa, Sylvia se sumó como bajista a la banda de John y al poco tiempo estaba componiendo y haciéndose cargo de la voz principal en muchas canciones. Ya separados pero en buenos términos, John y Sylvia grabaron un vinilo titulado "John & Sylvia Embry With The Blues Kings – After Work”, según discogs editado en 1980 bajo el sello Razor Records. Luego fue convocada como bajista para el guitarrista Lefty Dizz y su banda The Shock treatment, con quienes se presentaba con frecuencia en el el Checkerboard Lounge, uno de los clubes de Blues mas clásicos del South Side de Chicago.

Su desempeño como bajista y vocalista impresionó al legendario Willie Dixon, quien la convocó para un viaje por Europa como parte de la gira del "American Blues Festival". Al mismo tiempo comenzó su sociedad profesional con Jimmy “Fast Fingers” Dawkins, con quien retrornó a Europa para una nueva gira y grabó un álbum. Su figura crecía y había formado su propia banda y debutó con sus propias grabaciones bajo el prestigioso sello Alligator de Chicago dentro de la colección "Living Chicago Blues series". Pero su salud había desmejorado a causa de un cáncer y falleció el 28 de febrero de 1992. Aún sin ser una gran estrella dentro del mundo del blues, mucha gente recordará por siempre a Sylvia Lee Barton o Queen Sylvia, su gran sonrisa, su cálida presencia en el escenario, su fraseo góspel, y por supuesto, su solido toque en las cuatro cuerdas. Por eso, no lo dudes y Escuchate Esto! 

https://open.spotify.com/artist/6ctDj9FHaqmy203dLptK4h
https://www.youtube.com/watch?v=-BEUQe3N8cM
https://www.youtube.com/watch?v=PB0sngwb5hI
https://www.youtube.com/watch?v=UPkOJHiry-I
https://www.youtube.com/watch?v=ewXHnfNRBuA
https://www.youtube.com/watch?v=h7vsMprQRqw

Fuentes: 
https://twitter.com/bluezharp
https://www.alligator.com/artists/Queen-Sylvia-Embry/
https://www.allaboutbluesmusic.com/queen-sylvia-embry/
https://www.discogs.com/es/release/4170897-John-Sylvia-Embry-With-The-Blues-Kings-After-Work

Rip Jerry Lee Lewis - 1935 - 2022

Hoy, a los 87 años de edad, dejó esta tierra el gran Jerry Lee Lewis, el asesino de Louisiana.  

Comparto, a modo de homenaje una pasaje del capitulo titulado "Una mano izquierda negra y una mano derecha blanca", incluido en mi libro "Grabando Emociones - La Revolución de Stax Records".  

"A mis 15 o 16 años, aún no tenía televisión por cable, pero mi amigo Santiago, que vivía a la vuelta de casa, sí. Entonces mi rutina era investigar en la revista de la programación al principio de cada mes, marcar con un resaltador lo que me interesaba y acercarle algunos VHS para que grabara las películas señaladas. De esta forma, gracias al film “Great Balls of Fire” (Jim McBride, 1989) y a su soundtrack, descubrí el blues, el rock 'n' roll, el furioso piano de Jerry Lee Lewis, y también a figuras como Ike Turner con el incendiario “Rocket 88”. Hoy día, a más de 30 años de distancia, puedo entender la clave de todo: Jerry Lee Lewis y Ike Turner, uno rubio y el otro negro, ambos iconos de la ciudad de Memphis, simbolizan la música que amo y respiro día a día. Esta película simboliza todo el poder del rhythm & blues creado en el Sur.

El inicio del film es memorable, y lo comparto en este post (bah, comparto la película completa!)

En el segregado Sur de los Estado Unidos, este joven estaba cruzando un límite, resistiendo las normas de convivencia impuestas. Pero a Jerry Lee, a Elvis y a tantos otros jóvenes blancos que crecieron cautivados por la cultura afroamericana, eso no les importaba. A nivel cultural, era imposible segregar a Memphis."

El ultimo de los pioneros del Rock & Roll ha dejado este mundo. 

Mi libro "Grabando Emociones - La Revolución de Stax Records" está disponible por sistema de preventa en https://milenacaserola.com/producto/grabando-emociones/

"Grabando Emociones - La Revolución de Stax Records" - Tony Vardé - 2022

 

Ayer 12 de octubre de 2022 salió en a través del sistema de preventa para la editorial Milena Caserola, mi primer libro, titulado “Grabando Emociones – La Revolución de Stax Records”. El libro cuenta la historia del sello discográfco emblema del soul sureño, al punto que se erige casi como un género en sí mismo. Música creada en medio de una sinergia utópica entre negros y blancos en la segregada ciudad de Memphis, en el Sur de los Estados Unidos en la década del sesenta. Se trata de un libro que, aún sin saberlo, comencé a escribir en 2011, con el nacimiento de este blog.  

Este es un libro para escuchar; escuchar música, descubrir un sonido, conocer artistas increíblemente influyentes e historias que tienen que ver con el talento pero también con la igualdad de oportunidades. Un relato de pasión por la música, de comunidad artística y de la fuerte convicción de creer en algo hasta que se vuelve realidad. Una historia atravesada por el Movimiento por los Derechos Civiles, para el cual Stax Records representó un capitulo importante y aportó el soundtrack perfecto. 

Compartimos pasajes de algunas de la entrevistas que integran el libro

"Tan vivencial como buen narrador, Tony nos abre de par en par las puertas de Stax Records y de su propia experiencia. Nos habla de esa curiosidad maravillosa que lo caracteriza, de su incansable trabajo como periodista musical, del bonito y esforzado camino que nuestra generación tuvo que recorrer para encontrar los estilos que realmente nos gustaban. Por eso, es normal sentirnos contagiados por la pasión del autor. Podemos decir sin reparos que este libro es puro soul. Stax fue un relato fascinante y, para nosotros, es una suerte que alguien como Tony Vardé haya decidido contárnoslo."
Del prólogo de Lutxo Perez, escritor y periodista español

"Lo que hizo Stax Records fue encontrar una arista más áspera para la música soul, oxidar el concepto de soul prolijo y educado que tenía Motown, rascar en los márgenes y llegar a otro público, sin darle importancia a la corrección política o a la liviandad en las letras."
Dany Jiménez, músico, DJ y conductor y productor radial

"La música de Stax Records ha influenciado a artistas tales como The Beatles, The Rolling Stones, Elvis, Aretha, y muchos más. Y aún hoy podemos observar su impacto."
Jared Boyd (periodista, artista, DJ y conductor y productor radial, Memphis, Tennessee).

"Esas canciones fueron parte importante de mi adolescencia y muy influyentes a la hora de volcarme a la música soul y al rhythm and blues. Stax Records es en gran parte responsable en el desarrollo y la difusión del r&b americano, del blues y del soul. Hubo muchos pioneros y Stax Records fue uno de ellos." 
Ollan Christopher Bell (cantante, bajista y productor, Oakland, California).

“Cuando elegís una canción de Stax al azar para escuchar, aunque no sepas que canción pueda ser, lo que si sabes, es cómo va a sonar. ¡Va a sonar a Stax!
Victor Rice (músico, productor e ingeniero, Sao Pablo, Brasil)

"La razón por la que Stax ha tenido una influencia tan grande en la historia de la música está en la calidad de los y las artistas y bandas que produjeron y difundieron. (…) Si no fuera por Stax, no sé si hubiésemos conocido a un artista como Otis Redding…"
Florencia Andrada (cantante y compositora de soul y r&b, Buenos Aires, Argentina)

"Cuando pienso en Stax pienso en algo profundo. Cuando decís Stax Records realmente no tienes que decir nada más, porque el sonido era el sentimiento. Ellos no grababan música, grababan emociones…"
Fantastic Negrito (músico y productor, 3 veces ganador del premio Grammy, Oakland, California).

"No importaba el color de tu piel, siempre y cuando pudieras patear traseros con tu música. Lo que hizo Stax por difundir el soul en el mundo tiene una importancia suprema y particularmente ese periodo en la música es invalorable."
Rick Barrio Dill (bajista de Vintage Trouble, Los Angeles, California).

Disponible por sistema de preventa en
https://milenacaserola.com/producto/grabando-emociones/

También, recomendamos esta playlist conferccionada con todas las canciones mencionadas en la obra
https://open.spotify.com/playlist/1vLQ7B6lzfn2uD7sFIRIso

Tony Vardé aka Tony Soulman, es un periodista, realizador cinematográfico y músico, nacido en Buenos Aires, Argentina en 1975. “Grabando Emociones - La Revolución de Stax Records” es su primer libro.

 

Rocky Dzidzornu y The Rolling Stones

En algunos lugares su nombre figura como Rocky Dzidzornu, en otros Rocky Dijon o Dejon. Hace algunos días, volviendo a ver las filmaciones del Rock 'n Roll Circus de los Rolling Stones, su figura llamó particularmente mi atención. Me puse a investigar y el primer dato que surgió es que Rocky nació en Ghana en 1935 (¿Acaso el único músico africano en en tocar con los Stones en toda la historia...?), que también tocó con Hendrix, Jimmy Cliff, Ginger Baker, Stevie Wonder, Billy Preston, Herbie Hancock, el disco solista de Bill Wyman de 1976, y que además, fue un importante colaborador de Taj Mahal en seis de sus discos. Luego de escribir sobre Steve Jordan, me pareció apropiado que la siguiente entrada que se publicara en Escuchate Esto! estuviera dedicada a un percusionista que tocó con los Rolling Stones. Pues a eso vamos!  

Dzidzornu llegó a Londres escapando de la pobreza en su país y entró a la escena musical inglesa de la mano del productor Jimmy Miller, quien lo había conocido en Tanger, Marruecos. La primera sesión de Rocky con los Rolling Stones fue para la canción “Citadel” del disco "Their Satanic Majesties Request", aunque, como en prácticamente todos los casos en sus colaboraciones futuras con la banda, su aporte no fue acreditado. 

Su trabajo mas prominente y llegaría en las sesiones para "Beggar’s Banquet" en el icónico “Sympathy for the Devil”. Según el critico Ned Sublette, “Sympathy ... era una canción inicialmente aburrida, pero que cobró vida gracias a las las congas de Dijon. Como muestra la foto de la sesión de grabación en los Olympic Studios de Londres, Charlie Watts en batería, Bill Wyman en shekere, y Rocky Dijon en congas. 

El arsenal de bongos, shakers y maracas que Rocky aportó en otros tracks como “Jumpin’ Jack Flash”, “Street Fighting Man”, “Factory Girl” hizo que las canciones tomaran una dirección completamente nueva. Siguió con los Rolling Stones por un tiempo mas, participando del ya mencionado evento del Rock and Roll Circus, e incluso se lo puede escuchar en el disco "Sticky Fingers" en el track "Can't You Hear Me Knocking", una canción en donde la percusión tiene un peso muy grande. 

Rocky dejó la música en 1981 y mantuvo desde entonces un bajo perfil en su lugar de residencia en Oakland, California, donde murió en 1993 a la edad de 58 años.

Fuentes:
https://rateyourmusic.com/artist/rocky-dzidzornu/credits/
https://www.facebook.com/a.rapanja
https://www.culturesonar.com/rocky-dijon-the-spicy-percussion-master/