Charles Bradley - 1948 - 2017

Se fue Charles Bradley, otra joya del soul que conocimos gracias a Daptone Records. RIP y saludos a Sharon

“From Spirituals to Swing: An Evening of American Negro Music." – Varios Artistas – 1938 / 1939

“La música que será presentada en el programa de "From Spirituals to Swing" es muy poco escuchada, pero no por eso es rara, ya que América es rica gracias a ella. Grandes autores la han negado y hoy debe encontrar sus seguidores entre nuevos grupos libres de prejuicios. La música negra americana (American Negro music) ha crecido en una atmósfera de denigración, opresión, distorsión, y escaso entusiasmo.”

Pasaje del prologo del programa de “From Spirituals to Swing”, escrito por John Hammond, 1938.

John Hammond será recordado en la historia de la música como el descubridor y productor de artistas de la talla de Billie Holiday, Count Basie, Bob Dylan, Bruce Springsteen y Stevie Ray Vaughan, por solo nombrar algunos. Tuvo un papel importante en la organización de la banda de Benny Goodman al convencerlo de que contratara a músicos negros, incluyendo Charlie Christian, Teddy Wilson y Lionel Hampton. Pero sin dudas, “From Spirituals to Swing”, su producción de 1938 y 1939, fue su más grande aporte a la música popular americana. 

Big Bill Broonzy

Para 1938, los Estados Unidos aún no habían emergido del todo de la Gran Depresión. Además, la Segunda Guerra Mundial estaba a la vuelta de la esquina. En este contexto, el empresario de jazz John Hammond organizó un par de conciertos que abarcaron lo que el dió en llamar “La Música Que Nadie Conoce” –African-American blues, gospel, y jazz- presentada ante una audiencia integrada (blancos y negros) en una de las más prestigiosas salas de New York: El Carnegie Hall. El evento fue dedicado a la cantante Bessie Smith, quien había muerto un año antes en un accidente automovilístico en Virginia. Muchos de los artistas que se presentaban eran completamente nuevos para el público blanco que asistiría al concierto. Todos estos factores repercutieron en grandes dificultades para conseguir sponsors para la producción del show, pero Hammond siguió adelante y con el aporte económico del diario The New Masses y el Theater Arts Committee, ambas organizaciones abiertamente comunistas, el proyecto pudo concretarse. En su autobiografía,​ explica: "No oía ningún color en la música... Dar reconocimiento a la supremacía de los negros en el jazz era la forma más efectiva y constructiva de protesta social que podía pensar." Finalmente el primer concierto, acontecido en 1938 tuvo tanto éxito, que pudo repetirse un año después, y ambos fueron editados en 1959.

Basie y Jo Jones

John Hammond pudo reunir a los exponentes más finos del jazz del momento, junto con músicos de blues y gospel, mucho menos populares en la ciudad. La actuación de The Count Basie Orchestra es de lo mejor del evento, con la indestructible sección rítmica de Walter Page en contrabajo y Jo Jones en batería, más los solistas destacados Lester Young y Buck Clayton. Se trata de la mejor y más real versión que se puede encontrar de la Basie Orchestra en cualquier disco en vivo de la preguerra. Las perfomances vocales que se destacan son las de Ida Cox, Big Joe Turner, Helen Humes, y Jimmy Rushing, además de la cantante gospel Sister Rosetta Tharpe, pionera del R&B. La música de New Orleáns está representada por The Golden Gate Quartet y el pianista James P. Johnson.

Para el blues, Hammond buscó a Robert Johnson, pero ante la noticia de su muerte unos meses antes, debió reemplazarlo por Big Bill Broonzy (Sonny Terry es el otro blusero que participa). “From Spirituals to Swing” muestra a los bluseros como un estereotipo del músico negro del Sur, granjero y campesino. Por ejemplo, a Broonzy se lo presenta como un granjero de Arkansas que tuvo que comprar su primer par de zapatos para presentarse en el Carnegie. Broonzy en realidad era considerado uno de los más importantes bluesmen de Chicago en la década del 30, con varias grabaciones y fue en uno de los primeros en usar un pequeño grupo instrumental.

Charlie Christian

Combinaciones artísticas inusuales, convierten a este evento en algo único en la historia de la música. Por ejemplo, el cruce de los pianistas de boogie-woogie Meade Lux Lewis, Albert Ammons, y Pete Johnson; o los tres temas de The Kansas City Six, que cruzan por única vez en la historia al saxofonista Lester Young con el enorme Charlie Christian, precursor de la guitarra eléctrica. Christian también aparece junto a Lionel Hampton y al pianista Fletcher Henderson en una pequeña banda liderada por Benny Goodman, tocando clásicos como "I Got Rhythm", "Stompin' at the Savoy" y "Oh, Lady Be Good".

Gracias a la acústica natural de la sala y a la innovadora tecnología usada, el resultado sonoro es llamativamente bueno para un registro en vivo en esos años. La grabación fue editada en 1959, con anuncios falseados, grabados por Hammond, además de unos pocos tracks adiccionales grabados en estudio. El álbum fue reeditado en 3 CD en 1999.

Si bien el género preponderante es el Jazz, “From Spirituals to Swing” fue el primer puente entre el Jazz y el Blues en la historia. Además de las barreras raciales que se rompen, estamos ante una nueva legitimidad para la música negra. Y como si eso fuera poco, nos quedan casi 3 horas de música genial. Hoy día, en cualquier festival de jazz en el mundo, podemos escuchar blues, bebop, gospel, soul… podríamos hablar de “La Música que todos conocemos”. Y eso hay que agradecérselo en gran parte a John Hammond. Así que no lo dudes y Escuchate Esto!

Fuentes:

carnegiehall.orgindianapublicmedia.org
wikipedia
nodrepression.com

Lista de artistas:

23/12/38
The Count Basie Orchestra: Ed Lewis, Harry Edison, Buck Clayton, Shad Collins (trumpets); Dicky Wells, Dan Minor, Benny Morton (trombones); Earle Warren (alto sax); Herschel Evans, Lester Young (tenor sax, clarinet); Jack Washington (baritone sax, alto sax); Count Basie (piano); Freddie Green (guitar); Walter Page (bass); Jo Jones (drums)
Oran "Hot Lips" Page with the Count Basie Orchestra
Meade Lux Lewis
Albert Ammons
Pete Johnson
Joe Turner with Pete Johnson
Sister Rosetta Tharpe with Albert Ammons
Mitchell's Christian Singers: William Brown (1st tenor), Julius Davis (2nd tenor), Louis David (baritone), Sam Bryant (bass)
Big Bill Broonzy with Albert Ammons
Sonny Terry
James P. Johnson
Jimmy Rushing with the Count Basie Orchestra
The Kansas City Six: Buck Clayton, Lester Young, Leonard Ware (electric guitar), Freddie Green, Walter Page, Jo Jones
The Golden Gate Quartet: Willie Johnson (1st bass), Henry Owens (1st tenor), William Langford (2nd tenor), Orlandus Wilson (2nd bass)

24/12/39
The Benny Goodman Sextet: Benny Goodman (clarinet), Charlie Christian (electric guitar), Lionel Hampton (vibes), Fletcher Henderson (piano), Arthur Bernstein (bass), Nick Fatool (drums)
James P. Johnson
Ida Cox with Shad Collins, Dicky Wells, Buddy Tate (tenor sax), James P. Johnson, Freddie Green, Walter Page, Jo Jones
Big Bill Broonzy with Albert Ammons
Sonny Terry with Bull City Red
The Kansas City Six: Buck Clayton, Lester Young, Charlie Christian, Freddie Green, Walter Page, Jo Jones
Helen Humes with James P. Johnson and the Count Basie Orchestra: Ed Lewis, Harry Edison, Buck Clayton, Shad Collins, Dicky Wells, Dan Minor, Benny Morton, Earle Warren, Lester Young, Buddy Tate, Jack Washington, Count Basie, Freddie Green, Walter Page, Jo Jones

That's All - Sister Rosetta Tharpe & Albert Ammons 

https://www.youtube.com/watch?v=kcpgTzDpW-Q

ALBERT AMMONS - Chicago In Mind

https://www.youtube.com/watch?v=6nELFcuZ9yE

The Wire - HBO - 2008 / 2008

The Wire es una serie producida por HBO entre 2002 y 2008 cuya trama sucede en Baltimore. Más que eso. Baltimore es la verdadera protagonista de la serie. Trafico de drogas, interna policial y rosca política es lo que más se ve. Debajo de todo eso, están las relaciones humanas y es ahí donde la serie despliega todo su potencial. Muchos la consideran la mejor serie de toda la historia. Yo también.

Pero más que otra cosa, lo que me convoca a compartir The Wire en Escuchate Esto! es su banda sonora, que incluye The Blind Boys of Alabama, Tom Waits, The Neville Brothers o Solomon Burke, entre otros. El tema principal de la serie se llama "Way Down in the hole", un oscuro blues compuesto por Tom Waits, incluido en su disco "Frank's Wild years" del '87. En la primer temporada el tema lo interpretan The Blind Boys of Alabama, en la segunda se utiliza la versión original de Waits, variando el intérprete en cada temporada subsiguiente. Comparto con ustedes el soundtrack de las 5 temporadas y un informe pormenorizado de la serie extraído de la prestigiosa revista española Jot Down Magazine . "Imperdible" o "Imprescindible" suele ser una palabra muy usada para recomendar algo vía redes sociales últimamente. Esta vez no dudo en que así sea. 

Dynamite - Tommy McCook & The Supersonics

Como me pasa cada tanto, a través de Twitter suelo descubrir joyas musicales. Esta vez, fue Roger Rivas, tecladista de The Aggrolites, quien posteó un tema de Tommy McCook & The Supersonics, llamado Dynamite. Justamente, esa dinamita me voló la peluca. De inmediato, recordaba que en su libro Catarsis Rocksteady, el escritor español Lutxo Pérez, dedicaba algunos párrafos a McCook, así que, siguiendo la esencia de este blog, comparto ambos.

"La culpa fue de McCook"

"Tenía apellido pirata, así que tal vez estaba destinado a convertirse en uno de ellos. Tommy McCook (1927 – 1998) había vivido hasta los 6 años en su Habana natal y fue uno de los alumnos más célebres de la Alpha School de Kingston. Pero fue en un viaje a Miami, en 1954, el que alteró definitivamente su rico ADN sonoro. Allí escuchó por primera vez las notas del saxo de John Coltrane. Y que les voy a contar (…) Su arte también alumbró al joven McCook, cuyo amor por el jazz ha propiciado pasajes realmente memorables de la cosa jamaicana (desde los Skatalites hasta la esencial “Jamaica Bolero”).

"Tras liderar la banda de ska mas grande de todos los tiempos, el saxofonista fue pretendido por Coxsone y Duke. El cansancio de la vida en Studio One y las diferencias con sus viejos compañeros de andanzas le sumaron al clan de los piratas en 1965, justo un año después de que el Duque hubiera mandado construir su estudio (…) en la azotea de su tienda de licores. Allí fue encargado de liderar y conjuntar la banda residente, The Supersonics. Un nombre que, desde luego, les venía al pelo. Además de reforzar el carácter espacial de la aventura Rocksteady, lo de “supersónico” también daba cuenta de los reputados músicos que pasaron por sus filas."

"Entre ellos, conozcan los nombres de Vic Gordon, trombón; Herman Marquis, saxo alto, Lennox Brown, saxo; Baba Brooks, trompeta, Jackie Gordon, bajo; y Hugo Malcolm, batería. Además de ellos, sumen el trabajo del guitarrista, arreglista y prohombre Lynn Taitt, un fijo en las sesiones del Duque."

"(…) Emocionante como un rayo de sol que se mece en los pliegues del océano, el rocksteady de Tommy sabía a jazz y hablaba latino. Llevaba un parche en el ojo y un loro agarrado al hombro. McCook tenía apellido de pirata y se pasó media vida enterrando piedras preciosas en la arena. Su saxo tenor nos dejó antes del nuevo milenio por culpa de una neumonía, pero el brillo de sus gemas no dejará de lucir  nunca."

Catarsis Rocksteady. La edad dorada de la música jamaiquina, una crónica sentimental / Pérez, Lutxo / 2014 / ISBN: 978-84-616-4364-6 / Editorial: 33Series Ediciones

Este video pertenece a uno de los capítulos de la serie de documentales que hizo la BBC en los 80, llamada "Deep Roots Music". Son 7 en total y abarcan la historia de la música jamaiquina. 

The Rolling Stones play Chuck Berry

La historia es harto conocida. En la estación de tren de Dartford, Keith Richards se acercó a Mick Jagger. La cara le sonaba del colegio. Le preguntó por los discos de Chuck Berry y Muddy Waters que llevaba bajo el brazo y se pusieron a hablar de blues. Ese fue el puntapié inicial para el nacimiento de The Rolling Stones. En marzo de este año, ante la noticia de la muerte de Chuck Berry, Keith Richards dijo “una de mis luces se apagó"; "es el fin de una era" opinó Ronnie Wood, mientras que Mick Jagger aseguró que "Chuck Berry dió vida a nuestros sueños de poder ser músicos de Rock & Roll.". Estas palabras tan sentidas, nos dan una dimensión de la importancia que tuvo el viejo pionero para la banda británica. Sin embargo, el legado musical de Berry, recae fundamentalmente sobre Richards. Hace poco, la revista Rolling Stone publicó una entrevista al viejo Keith, dedicada a su ídolo. Reproducimos en esta entrada algunos pasajes y de paso, compartimos una playlist con aquellos covers que los Rolling Stones han grabado, fundamentalmente en los años sesentas.

“Una vez vimos s Chuck Berry en New York. Al finalizar el show fui a los camarines y allí estaba su Gibson en el estuche. Por exclusivo interés profesional, agarré la guitarra y apenas pulse una cuerda, Chuck me dió una trompada en el ojo izquierdo. Con el tiempo me dí cuenta de que el error fue mío y que yo hubiera hecho lo mismo.” 

“Chuck es como un abuelo para todos nosotros. Aunque seas un guitarrista que no lo nombrarías entre tus influencias, su legado seguro puede ser encontrado entre tus referentes. El es la pura esencia del rock & roll. La forma en que se movía, como manejaba el ritmo era místico y algo que merecía la pena ser contemplado. Usaba todo su brazo para tocar, su hombro y codo... (la mayoría de los guitarristas usan solo su muñeca) yo mismo sigo trabajando en usar el hombro un poco mas. Y su expresión…  la sonrisa de Chuck estaba siempre, no importaba lo que estuviera tocando.”

“Las letras de Chuck eran todo … cómo podes salir con algo como "Too Much Monkey Business"? "Jo Jo Gunne," "School Days," "Back in the U.S.A."?! y "Memphis, Tennessee" !? Es perfecta! Tiene una belleza propia, una ternura. Y la secuencia de acordes, hermosamente tocada, la batería es maravillosa. Y todo en 2 minutos y medio. Su música es interesante para tocar porque no es tan simple como parece y también tiene que ver con cuán interesante la haces parecer vos. El ritmo y el swing que le ponía Chuck le daba un sabor diferente, ese es el significado del rock & roll: es elástico, cada uno le pone lo suyo. Cuando los Stones tocaban en clubes, era básicamente Chuck y el blues – lo cual para mi no es diferente! Nos encantaba tocar "Around and Around."

“Hay un periodo de oro de Chuck, sus años de Chess, allí hizo sus mejores discos, con los mejores músicos, con Willie Dixon detrás. Siempre pienso en el término “exuberante" cuando escucho aquellos discos, era exuberante de principio a fin – la producción, el sonido, la energía que tenían. En sus discos posteriores, siempre lo escuché como buscando algo. Y la prisión no lo ayudó en absoluto. Cuando salió, era una hombre diferente.”

“Era increíblemente versátil para la música. Podía tocar cualquier cosa, guitarra como los viejos jazzeros,– Charlie Christian, y definitivamente T-Bone Walker con ese trabajo de la doble cuerda tan importante. Era un gran fan del Nat King Cole Trio. El escuchaba de todo, le gustaba la música country también. Su música es una increíble mezcla americana. También hay música española, bayou y pantano de New Orleáns.”

“En 1986, cuando hicimos “Hail! Hail! Rock 'n' Roll”, me mudé a su casa por algunas semanas. Fue como un sueño hecho realidad… estoy viviendo en la casa de Check Berry, armando una banda con el! Steve Jordan, Chuck Leavell y Joey Spampinato también estaban, y cada día era una aventura diferente. Una noche me desperté y lo encontré con una enorme máquina limpiando las alfombras "Alguien lo tiene que hacer! "

“La escena de “Carol” en la película era una especie de juego hacia mi, me estaba tomando el pelo. Es cierto, me esta corrigiendo, pero se puede tocar levemente diferente cada vez. Yo pensé "Bueno, le mostraré que tan estoico puedo ser en ocasiones como esta!” 

“Cuando me llamaron para darme la noticia de su fallecimiento, no fue un shock total e inesperado, pero tuve una sensación extraña, y me hizo volver al día que Buddy Holly murió. Estaba en el colegio y el rumor empezó a propagarse. Toda la clase dio este gemido de terror. Esta vez fue la misma sensación en los intestinos. Me pegó más fuerte de lo que creía.”

Entrevista por Patrick Doyle para Rolling Stone

Playlist

https://open.spotify.com/user/escuchateesto/playlist/7BoZuZUOnhNjlUw4yY4NtU

Aunque algunas de las composiciones no son originales de Chuck Berry, los Rolling Stones usaron sus versiones como referencia principal. 

Come On

Carol

Confessin’ the blues (MacShannan, Brown)

Around and around

You can’t catch me

Route 66 (Troup)

Talkin’ ‘bout you (Ray Charles)

Down the road apiece (Don Rae)

Don’t lie to me (original de Tampa Red, luego modificada por Fats Domino)

Bye Bye Johhny

Let it Rock

Little Queenie

Sweet Little Sixteen

La música de Chuck Berry

"Mi música es simple. Yo quería tocar blues pero no era lo suficientemente "blue", digamos, como Muddy Waters. Gente que realmente la había pasado mal. En mi casa había comida en la mesa. Entonces me concentre en hacer música divertida, autos, chicas, adolescentes, discos que los blancos pudieran comprar. Ese era mi objetivo: mirar en mi cuenta bancaria y ver un millón de dólares"

Chuck Berry, Revista Rolling Stone, 2001

  

Janis Joplin, Otis Redding y Jimi Hendrix - Monterey International Pop Festival – 1967

El Monterey International Pop Festival fue un encuentro icónico para la cultura joven de los sesentas. Entre sus estrellas consagradas podemos mencionar a Jefferson Airplane, The Mamas & the Papas y The Who. En junio se cumplen 50 años de este festival que quedó en la historia como el padre de todos los festivales de rock y aprovechamos para repasar cómo Janis Joplin, Otis Redding y Jimi Hendrix, fueron catapultados a audiencias masivas gracias a este evento. 

Janis Joplin había empezado como cantante de blues y folk acústica en bares y tugurios ruteros, pero su carrera tomó otro impulso cuando se unió como cantante por primera vez en su vida a una banda con guitarras eléctricas: “Big Brother and the Holding Company”. Esta combinación de rock psicodélico y blues le sentó a la perfección. Aún así, ni el grupo (ni su cantante) habían sido visto aún por grandes audiencias ni managers importantes. De hecho en el afiche del festival aparece anunciado en letra muy pequeña y solo como “Big Brother…”. El show que dieron el viernes al inicio del festival, fue tan poderoso que fue necesario repetirlo para que D.A. Pennebaker, el documentalista a cargo del registro de los shows, pudiera filmarlo e incluirlo en la película oficial del film. Para eso, volvieron a tocar el sábado y el resultado fue igual o más impactante. Janis Joplin, con solo 24 años, muestra una voz y una interpretación poderosísimas. El renombrado manager Albert Grossman firmó con la banda de inmediato, lo que derivó en un posterior disco para Columbia Records. En breve fue evidente que Janis Joplin estaba a otro nivel que los Big Brother, y dejó la banda un año después. Pueden leer la review de su disco I Got Dem Ol' Kozmic Blues Again Mama de 1969, de Escuchate Esto! 

Janis en Monterey

Gracias a The Rolling Stones, The Beatles u otras bandas británicas, los artistas negros eran muy bien recibidos en Inglaterra y Europa. Pero era en su tierra donde tenían que trabajar a esas audiencias rockeras. Ya hemos mencionado elpaso de Otis Redding por el Whisky A Go Go como primer acercamiento a un pùblico mayoritariamente blanco. También realizaba conciertos en fiestas universitarias, pero no alcanzaba. Por eso, la importancia capital de Monterey. No solo por el público, sino también por la prensa y gente de la industria que asistió al festival. Otis Redding se enfrentó a un público casi totalmente ajeno a su música. Aún así, tomó el control del show. En la actualidad solo puedo pensar en una sola banda con las herramientas y la fuerza necesarias para hacer algo así y conquistar por entero al público: Vintage Trouble (lo vi con mis propios ojos en Lollapalooza Arg). Volviendo a Otis Redding, la forma en que maneja a la audiencia es magistral. Redding sacudió a Monterrey, pero el festival y todo su ambiente también influyeron en él. En su modo de componer, aparecía un nuevo estilo, nuevos arreglos, y (Sittin’ on the) Dock ofthe Bay, su mayor éxito, editado en forma póstuma, es un claro ejemplo de ello

Otis en Monterey

Ya hemos hablado del Hendrix del chitlin circuit. La carrera solista de Jimi Hendrix, sin embargo, empezó en 1966 cuando se cruzó con el manager Chass Chandler y formó “Experience” con Noel Redding y Mitch Mitchell. Tuvieron mucho éxito en Londres, en mayo del 67 se editó su primer disco, Are You Experienced. Todo estaba bien, pero Hendrix y su banda necesitaban hacerse un nombre en Estados Unidos. Y gracias a Paul MacCartney, muy ligado a la organización de Monterrey, Hendrix integró la grilla de artistas. Casi nadie imaginaba que el trío sería tan explosivo. La banda fue presentada por Brian Jones, guitarrista de los Stones y tocaron canciones como ‘Foxy Lady’, ‘Like a Rolling Stone’, ‘Hey Joe’, ‘The Wind Cries Mary’ y ‘Purple Haze’. Hendrix desplegó todas su pirotécnica durante el show. Pero faltaba lo mejor. Eligieron el cover de ‘Wild Thing’ para cerrar y durante esa canción, Jimi Hendrix prendió fuego su Fender Stratocaster. Este es el momento más perfecto, mas icónico en toda la historia del rock. La foto tan célebre es de Ed Caraeff. Esa imagen hizo que todo Estados Unidos conociera a Jimi Hendrix. Nacía una leyenda…y una remera.

Jimi en Monterey

En este link se puede ver el documental completo del festival

Fuente:

https://consequenceofsound.net/2017/06/how-janis-joplin-and-otis-redding-conquered-monterey-pop-festival/