Fuente:
https://staxrecords.com/artist/nathaniel-rateliff-the-night-sweats/
viernes, 3 de septiembre de 2021
Nathaniel Rateliff & the Night Sweats - 2015 // Tearing at the Seams - 2016
lunes, 30 de agosto de 2021
Lee "Scratch" Perry (1936 - 2021)
Los faders y las perillas eran sus pinceles y la consola y la mesa de mezcla su lienzo. Ya lo dijo Keith Richards, "Lee Perry es él Salvador Dalí de la música. Mas que un productor, el sabe cómo inspirar el alma del artista. Scratch es un shaman."
Cuando le preguntaron cómo con una mesa de cuatro pistas creó sonidos que productores expertos fueron incapaces de recrear con complicadas máquinas digitales, "Scratch" respondió: "Solo había 4 pistas en la mesa, pero yo recibí más de 20 de los extraterrestres".
En 1966, grabó "I am the upsetter" y ya nada sería lo mismo. Dos años después produjo una canción con un nuevo ritmo, nunca oído antes, "Long shot", para The Pioneers, considerada por muchos el primer reggae, antes incluso de que existiera ese término. Su cruce con Bob Marley & The Wailers en los primeros setenta, su propia banda The Upsetters, y, a partir de 1974, con el estudio Black Ark como instrumento principal de su creatividad fueron hitos de su obra. Perry facturó clásicos del reggae como Police and Thieves (Junior Murvin), I Shall Be Released (The Heptones) o Chase the Devil (Max Romeo).
El documental "The Upsetter" trazó 70 años en la vida de Lee Scratch Perry en una entrevista concedida a los cineastas Ethan Higbee y Adam Bhala Lough en Suiza en 2006, además de ser un legado visual único de 30 años de música y cultura jamaicanas.
Si a punta de pistola, me obligarían a elegir un solo track de toda su obra, ese sería "Jungle Lion", su propia re interpretación de "Love & Happiness" de Al Green.
Y ya saben, Lee Perry no murió, simplemente volvió a su planeta.
Fuentes:
Jamaica Observer
https://twitter.com/soulsolete
https://twitter.com/lutxo_2073
miércoles, 25 de agosto de 2021
Charlie Watts (1941 - 2021)
Cómo vas a pensar que un Rolling Stone de va a morir, si ellos son inmortales?!
En algún momento de mi adolescencia me vi cautivado por esos bateristas explosivos, como Bonzo, o Mitch Mitchell, pero según pasaban los años, me fui dando cuenta que la explosión y la pirotecnia no lo son todo, y lo mas importante es el groove. O al menos, es el tipo de interpretación que mas disfruto cuando escucho música. Así fue como descubrí a grandes bateristas como Al Jackson Jr, Steve Jordan, Steve Gadd, Clyde Stubblefield, o incluso Ian Paice. A pesar de que los Stones siempre fueron mi banda favorita, recién en ese momento me di cuenta lo gran baterista que era Charlie Watts. Aquello de tocar "in the pocket", con el groove en el bolsillo, eso que solo unos pocos consiguen.
Y Charlie fue un abanderado del groove.
Porque al fin y al cabo, ¿Qué es lo que hizo de los Rolling Stones la banda mas grande del planeta? Probablemente tener un baterista de jazz. Como dice Jim Cennelly en esta nota "no fue hasta que Jimmy Miller y Glyn Johns empezaron a mezclar su batería correctamente durante la grabación de Beggars Banquet que la gente se dió cuenta que Charlie era un 'fucking monster'." Este comentario me hizo volver en el tiempo a mis 18 años, recuerdo que me encerraba en mi cuarto y ponía una y otra vez Jigsaw Puzzle a máximo volumen para escuchar la batería como si estuviera ahí mismo conmigo.
No es mucho mas lo que puedo escribir aquí, la tristeza me invade y se mezcla con recuerdos, muy felices por supuesto, de todas las veces que fui bendecido de poder verlos tocando en vivo, de toda una vida con su música acompañándome -y estoy completamente seguro que me seguirá acompañando hasta el ultimo día de mi vida.
Si visitan my feed de Twitter van a encontrar muchas cosas que compartí estos días, infinidad de fotos, algunas notas, retweets de otros artistas, de los cuales quiero robar algunas frases, palabras breves, sencillas y que significan mucho.
Roger Taylor, baterista de Duran Duran: "Cuando escuchas a Charlie tocar, te das cuenta que todo está en el groove, no hace falta mas."
Lenny Kravitz: "No hay palabras, su groove habla por si mismo."
Vintage Trouble: "Crecimos con tu groove único."
El groove... siempre el groove
Por ultimo, siempre consideré que lo que hace Charlie Watts en el tema Plundread my Soul es tocar la batería con sentimiento y no cualquiera puede hacer eso. Charlie, saqueaste mi alma y ya te extraño.
Tony Vardé, 25/08/2021
lunes, 9 de agosto de 2021
Entrevista a Deborah Ayo y Fran Panadero de Freedonia
Tuve la posibilidad de entrevistar para el programa de radio Modo Nocturno y Escuchate Esto a dos de los integrantes de la banda española Freedonia: Fran panadero, bajista y uno de los miembros fundadores y Deborah Ayo, vocalista, y como ella misma dice, la última en subirse al barco. Freedonia, esta banda nacida en 2006, marca el rumbo en la escena del Soul y el Funk en España. Freedonia se presenta a si misma como una asociación cultural sin fines de lucro cuyo propósito es hacer música sin las ataduras asociadas a los rigores de la industria.
FRAN PANADERO
Los inicios de Freedonia:
"Nosotros estábamos aprendiendo el estilo y nuestra intención
era aprender y divertirnos, ir a tocar a la playa. Lo que ocurre
es que el nacimiento de la banda coincidía en tiempo con la época del 15M aquí en España, la crisis
gorda económica que hubo y un revuelo sociopolítico, aunque nosotros
siempre solemos comentar que nos fijamos más en lo social que en lo político. De
repente se hablaba mucho de los valores y de las cosas que no andaban
bien, entonces de alguna forma lo que
empezó siendo algo por pura diversión, empezó a tener un reflejo. Luego
empezamos a conceptualizarlo bastante más y empezamos a hablar de dignidad y
libertad que era lo que realmente veíamos que en la sociedad se repetía, y de
alguna forma enfocándolo todo en una cosa muy humana, "esto es necesario" pensamos, empezamos a poner de manifiesto todos los conflictos que hay a nivel
mundial, de migrantes de gente que simplemente por haber nacido en un sitio o
tener un color o yo que se, pues de repente tiene una vida mucho peor que otra gente. Todo ese tipo de injusticias
empezamos a volcarlo en las letras de las canciones. Al principio hacíamos como
un ejercicio más de estilo, queríamos sonar como el Soul, Funk de ciertas épocas o yo que sé pero luego eso
se fue enseguida a tomar por culo en tanto y en cuanto ahora si queremos
mantener ese tipo de estética pero muy actualizada a lo que hay hoy en día. O sea no quiero ser un tío de los 60, quiero ser un tío del 2021 que tiene una
edad y le gustan esas cosas.
"Nos parece que los formatos que hay actualmente son muy válidos para una comunicación directa, me encanta y escucho música en mp3 y no soy un cromañónico de la tecnología, ni un hater, pero es como cuando tu pruebas un guiso que esta cocinado en forma tradicional puedes apreciar un montón de matices y un montón de historias que lleva encerrado ese guiso, entiendes que es un guiso de pastor y yo que se…"
Trabajar de forma artesanal:
"Empezamos a hacer cosas que en este momento la gente está
haciendo mucho y no fuimos nosotros los primeros ni nada, solo que le dimos una
importancia a esto que te contaba de la escucha secuencial y como escuchaba música
mi padre. Me acuerdo cuando lo hablamos ¿No se venden vinilos? Esto es tirar el
dinero, Da igual, lo tiramos, y de repente hay un revival y pasan 10, 12 años
de esto y ves que se vuelven a abrir pequeñas tiendas de discos, que hay una
compra-venta de vinilos en internet brutal, que la gente se vuelve a comprar
equipos, porque esto mismo que me pasa a mi le pasa a los demás. Pues al final
pasa un poco eso, lo que tu dices del guiso y de preparar bien los temas,
llegar al estudio con seguridad, no utilizar ningún tipo de vocoders ni trucos
que están ahí, el que lo quera usar que lo use, pero yo no lo
quiero así, a mi me gustan más los garbanzos de mi abuela."
"Uno de los primeros en hacerlo fue Extremoduro antes de que se llamara Crowdfunding, el primer disco de Extremoduro lo hicieron vendiendo papeletas, el tío escribía en un papel “vale por un disco” y le dabas las mil pesetas. Eso en el fondo es un Crowdfunding, o sea una financiación colectiva de gente que confía en ti como artista y te dice “hagas lo que hagas me va a molar y te lo pago por adelantado”. Eso te elimina todo el sesgo de una disquera, una casa discográfica pero… a ver, a veces se equivoca el termino, hay sellos discográficos que son magníficos, pero también esta aquel mastodonte que viene, te da 20 mil pavos, se queda con sus movidas, te hace un préstamo chungo y te empieza a decir “no cantes en inglés, no tantos metales, cómo que vinilo?!” Entonces de esta forma tenemos la libertad creativa total, nosotros queremos meter todo esto, si la gente nos da el dinero y confía en nosotros, pues vale. Tuvimos suerte que en tener un montón de amigos que confiaron en nosotros."
Colaborando:
"Todo lo que ganamos se reinvierte en grabar, colaboramos en campañas con Open Arms, trabajamos con Goteo, una plataforma que creo la universidad de Barcelona que tiene no te aceptan el proyecto un retorno social. Trabajamos además con Creative Commons, se tiene que pagar derecho de autor si tú vas a lucrar con nuestra música, pero sino, tu eres libre de escuchar mi música, y si la quieres comprar, bienvenido, me ayudará, pero si no tío la puedes escuchar todas las veces que quieras que yo lo he hecho pa’ ti y pa’ la gente. Lo hacemos aportando nuestra parte para que el mundo sea un poquito mejor en la medida de lo posible. Esto te cierra un poco todas las puertas de la industria con lo cual el crowfounding es la única manera viable de financiarnos y además mola mucho porque ya esa barrera que hay entre público y banda se rompe definitivamente, estamos todos en el proyecto. Todos hemos hecho este disco, no solo los 9 o 12 o 15 tíos que lo grabamos, sino también la gente, y eso está bueno."
"Conciencia" se basa en una charla que dio el escritor José Saramago en unas jornadas que dio en Extremadura y hablaba de la necesidad de tener conciencia como elemento de lucha contra este encerramiento en las personas y en el fondo tú te pones a tirar del hilo, la conciencia de uno mismo,… la letra de la canciones esta sacada directamente de las palabras de Saramago de darte cuenta que todos los problemas que hay es porque no somos conscientes de que el mundo es de todos, nosotros como artistas queremos reflejar eso.
DEBORAH AYO
Influencias:
"Yo llevo cantando toda mi vida, en la iglesia, yo he crecido en la iglesia y ahí la música Soul siempre… creí escuchando música en mi casa, mi padre era muy de montar fiestas, invitar a sus colegas y siempre había música afro, o sea, música africana por doquier, música de Motown por todos lados. Y aparte la iglesia también y el góspel siempre ha sido parte mía. O sea yo tengo influencias pues de afro, de neo soul me gusta mucho Lauryn Hill, hip hop por mis hermanos mayores, escuchar mucho Whitney Houston, Aretha, todos estos nombres que todo el mundo conoce, pero influenciado más que otros diaria dos artistas que son mis favoritas que son India Arie y Lauryn Hill ."
"Es que no es lo mismo. Poder se puede pero el sonido… no sé, es diferente es como si yo me pusiese a cantar flamenco en inglés, sabes? No es que no se pueda pero es diferente. Te digo una cosa, no creo que no se pueda hacer pero es como que el idioma está muy asociado a ello, siento que no va a a ser lo mismo, la fonética, como colocas la lengua para hablar en español. O sea mira que diferente es el mismo español en Argentina que en España. Es muy diferente el soniquete, será más cómodo cantarlo en inglés que en español."
Las Letras de Freedonia
"Se componen las canciones todos en conjunto. O sea tú tienes
una letra, la presentas al grupo y todos van aportando, o bien en las letras, o
en las melodías, o en los arreglos y así es como se han hecho las canciones. Incluso
una de las canciones que hay en este último disco, "Conciencia", que se llama "Good Thing Together" se hizo con letras que la gente aportó, la comunidad Freedonica,
lo cual es maravilloso, una forma muy bonita de trabajar con cada uno poniendo
su granito de arena."
Twitter
twitter.com/FreedoniaSoul
twitter.com/FranPanadero
twitter.com/AyoDebb
Instagram
www.instagram.com/freedoniasoul/
www.instagram.com/fran.panadero.cordon/
www.instagram.com/debbayo/
sábado, 17 de julio de 2021
A Love Supreme - John Coltrane - 1965
McCoy Tyner
John Coltrane, McCoy Tyner, Elvin Jones y Jimmy Garrison grabaron "A Love Supreme" en diciembre de 1964 y el disco sería editado al año siguiente. Coltrane lo presentó como una declaración espiritual que explicaba que su devoción musical estaba ahora dedicada a su Fe en Dios. "A Love Supreme" representa una compleja suite de cuatro partes alrededor de una idea musical básica, aunque fue en el escenario, durante sus shows en vivo, en donde el cuarteto ya había explorado, practicado, ensayado y compuesto este nuevo material. Tyner explica que "John tenía una forma maravillosa de ser flexible con la música y como banda logramos reflejar eso gracias a la libertad que nos daba. Y esa libertad dio sus frutos a la hora de grabar el disco"
Es tal la influencia en la Fé, que este disco incluso ha derivado en la creación de una "Iglesia Coltraneana". El Reverendo Franzo Wayne King es pastor de la "Saint John Coltrane African Orthodox Church" en San Francisco y explica que la congregación mezcla la liturgia Ortodoxa Africana con citas de Coltrane y, por supuesto, mucha de su música. "Este disco es como 'Padre, Hijo y Espítiru Santo; Melodía, Armonía y Ritmo. Hay un deseo real entre los fieles a John Coltrane, dice el Pastor Wanika Stephens, no solo por su música, sino por su filosofía y su espiritualidad como creyente y como Santo".
No se conocen entrevistas posteriores en las que John Coltrane hable del disco y su significado personal, ni siquiera lo charló con sus compañeros de grupo. "Había muchas cosas de las que no hablábamos," dice McCoy Tyner "pero la banda sabía que "A Love Supreme" tenía un significado especial para John."
En un tour en 1966 en Japón, le preguntaron a Coltrane que quería ser dentro de 10 años. “Me gustaría ser un santo,” respondió.
Lista de Temas:
Acknowledgement
Resolution
Pursuance
Psalm
Músicos:
John Coltrane – Saxo tenor
McCoy Tyner – piano
Jimmy Garrison – Contrabajo
Elvin Jones – Batería
Fuentes:
https://www.npr.org/2000/10/23/148148986/a-love-supreme
https://www.coltranechurch.org/50th-anniversary
lunes, 12 de julio de 2021
Tha Skatalites - Entrevista con Lutxo Pérez
Durante el programa, pudimos hablar con Lutxo Pérez, escritor y periodista español especializado en la música de Jamaica. Compartimos en esta entrada del blog nuestra charla con Lutxo
Pablo: ¿Podemos hablar de los Skatalites como hombres del Jazz?
Lutxo: Claro! El jazz llega a Jamaica en los años 20 y a partir de entonces se empiezan a configurar una serie de músicos de jazz muy notables dentro de la Isla. En un principio Jamaica no tiene una industria musical propia, tiene unos cuantos espacios donde se interpreta música sobre todo para los británicos que en ese momento son los que gobiernan la isla y también para los turistas norteamericanos. Entonces muchos de estos jazzmen van a tener que buscar su fortuna en otras islas cercanas como Bahamas, donde quizá había una mayor escena también relacionada con el turismo. Y bueno, pues el que fue el jefe de los Skatalites, Tommy McCook, allá por los años 50 se fue a hacer una estadía en Nassau, capital de Bahamas, y allí acabó residiendo 3 o 4 años. El se volvió a Jamaica y ya había como una escena importante de propietarios de "sound systems" que quieran grabar a músicos locales y que querían canciones propias de Jamaica para poner en sus "sound systems" y ya empieza a nacer la idea de crear una superbanda. Coxsone Dodd, que en 1961 fundaría Studio One, tuvo esa ambición; juntar a los mejores músicos de la Isla para que su house band, la banda de su estudio, este compuesta por los hombres mas brillantes y con mayor talento. Lo curioso de esto es que Tommy McCook se consideraba , como lo decías, un jazzman, entonces no le interesaba la música que se estaba haciendo en Jamaica, que tenia como muchas influencias del Rythm & blues de New Orleans, el quería dedicarse al jazz. Y hay una historia muy curiosa que tiene que ver con una canción producida por Sir Coxsone Dodd que se llama "Schooling The Duke", una canción instrumental muy bonita de la que ya participan muchos de los músicos que van a acabar siendo los Skaltalites. Después de haber rechazado ser el jefe de esa banda, Tommy McCook escuchó la canción "Schooling The Duke" en la radio y dijo "Vaya, esto es mas jazz de lo que pensaba... esto es definitivamente jazz!". Y ese fue el momento en que el dijo "Ok, quiero ser el jefe de la banda" y cuando se empezó a gestar esta formación de estrellas, de genios que fue The Skatalites.
Lutxo: la independencia tiene un valor simbólico brutal para la escena musical de la isla. Como todas las escenas de raíz negra, y en concreto la jamaicana, que se desarrolla en un espacio muy pequeño, en Kingston, es una escena que esta constantemente hablando de lo que le ocurre a los habitantes de la ciudad. Es una escena que explica la sociedad, o actúa como espejo de la sociedad jamaicana. Cuando llega la independencia, primero hay una escena muy importante de estudios y de propietarios dispuestos a pagar a músicos y a técnicos para grabar canciones y sacar discos, y de repente el hecho de que Jamaica se convierta en una nación dependiente, hace que el publico tenga muchas mas ganas de escuchar "temas locales". De hecho durante 1962 cuando se produce la independencia hay todo un subgénero de canciones que tienen que ver con la independencia de la isla, con temas nacionalistas, y en este contexto el ska, que es un ritmo que se viene cociendo desde finales de los años 50, de repente toma una entidad mucho mayor. Los jamaicanos lo relacionan con el ritmo propio de la isla, el primer ritmo moderno y urbano y a la vez el ritmo de la independencia. Siendo el ska una música tan alegre y acelerada, pues tiene los ingredientes perfectos para servir como banda sonora a esa gran celebración.
Pablo: Tiene que ver con esto que el ska tiene un espíritu de libertad muy grande, ¿es cierto?
Lutxo: Totalmente. Como les decía, el ska viene desde las raíces del Rythm & Blues mas alocado y en Jamaica los propietarios de los Sound Systems en los 50, cuando no había producción musical, tenían que tirar constantemente de discos de la escena negra de Estados Unidos. Era algo muy curioso, buscaban canciones pero no cualquier tipo de canciones. Les gustaban mucho las baladas, porque en todos los bailes tenia que haber un momento para que las parejas disfrutaran del contacto físico, pero sobre todo les gustaban los ritmos mas viscerales de Rythm & blues, ese que se hacía en el Sur de los Estados Unidos, que ademas le había llegado a ellos por las emisoras de radio de Tennessee o de New Orleans. New Orleans de hecho era muy importante porque tenía un estilo muy sincopado, artistas como Professor Longhair tenían este off-beat que luego los jamaicanos imitarían. Yo creo que el ska es muy interesante porque tiene un influencia muy clara de estos ritmos de los que os estoy hablando y sin embargo también se deja influir en gran manera por el resto de las músicas que se están produciendo en el Caribe. Ritmos cubanos, el Mambo, y también el Calypso de Trinidad. Entonces al final los jamaicanos que son expertos en tomar prestado, copiar pero hacerlo a su manera, de repente consiguen esta especie de híbrido de un montón de fuentes diferentes que consigue esta música tan enérgica y alegre como es el ska.
Tony: Otra institución importante para el desarrollo de los Skatalites y de muchos músicos de Jamaica fue el Alpha Boys School, que es en gran parte responsable de que este grupo de músicos, una especie de constelación de estrellas confluyeran en un mismo espacio tiempo.
Tony: ¿Porque decís que fue una banda que estaba destinada a naufragar?
Lutxo: Había demasiado gallo en ese corral. Estaban dos saxos tenores, como Roland Alphonso y Tommy McCook, por cierto los dos procedentes de Cuba, que era don instrumentistas maravillosos, que tocaban el mismo instrumento y tenían una competencia brutal entre ellos. Luego había otros músicos como Don Drummond que por si solo era capaz de parir unas discografías inmensas, unas canciones brutales. Entonces evidentemente aquel experimento de los Skatalites no iba a durar mucho. Pero ademas creo que los Skatalites fueron el molde para las futuras bandas que iban a llegar en los sucesivos ritmos de Jamaica, para que esas bandas posteriores se conformaran y tuvieran una identidad.
Lutxo: La música jamaicana vive mucho de la economía de medios y de que las limitaciones sean parte del motor de la creatividad. Yo creo que es muy importante que los estudios fueran tan precarios para que sus canciones tuvieran esa chispa que perdura hasta hoy. Y luego también creo que es muy importante el que todo estuviera pasando no solo en una Isla, sino dentro de una ciudad, y dentro de esa ciudad en una serie de barrios muy concretos y los músicos formaban parte de ese tejido cultural y estaban constantemente cruzándose los unos con los otros. También es importante que no hubiera bandas fijas. Hay alrededor de 20 músicos que participaron en grabaciones que acreditamos como The Skatalites, no había banda fija. Cruzarse unos con los otros, al final conseguía que cada uno pusiera su granito de arena y se consiguiera un estilo mu propio y peculiar, que aunque a muchas personas ajenas a el les pueda parecer reiterativo, durante su corta historia tiene muchos matices y subgéneros diferentes.
Tony: Hay que hablar de Don Drummond, el trombonista del grupo y principal compositor, uno de los músicos más influyentes de la música jamaiquina y sin dudas, uno de los trombonistas más importantes de la historia, ya no hablo de la música jamaiquina, sino de la música en general.
Las grabaciones de los Skatalites deben ocupar un lugar privilegiado en la historia de la música. Podemos poner sus grabaciones a la altura de Louis Armstrong, Muddy Waters, … artistas influyentes de la música negra.
Agradecemos una vez mas a Lutxo Perez por la amabilidad de brindarnos estos minutos para charlar.
Pueden escuchar la charla y el programa en este link
https://www.ivoox.com/escuchate-esto-63-entrevista-a-lutxo-perez-audios-mp3_rf_72107721_1.html
twitter @lutxo_2073
Podcast de Lutxo: Cinta de Varios
jueves, 1 de julio de 2021
Moonlight Benjamin
Imaginemos a los santos del voodoo del Caribe cruzando
caminos con los espíritus del Blues eléctrico. En el medio, tambores
africanos, una voz contralto que canta en creole, melodías oscuras, tenebrosas y
combativas. Todo el combo es hipnótico, místico, sorprendente, pero aun así en
algún punto te suena familiar. Escuchas la música de Moonligth Benjamin y no
sabes dónde pararte. Los críticos no saben cómo catalogarla y hablan de un
cruce improbable, de un choque sensorial. Un usuario de Youtube la describe como "haitian afro heavy blues rock". Hagan la prueba. En mi caso, Tchoule fue la primera canción que conocí.
Nacida en Haití, pero con residencia en Francia desde
2002, Moonlight Benjamin es hija de un pastor protestante y se crió cantando en
una iglesia, aunque entró en contacto con la música voodoo desde muy temprana
edad. En su juventud comenzó a cantar profesionalmente en Puerto Príncipe, pasando
por la música clásica, el pop, las baladas. Comienza su carrera como artista en
su Haití natal. Su primer álbum Mouvman (2011), está hecho con guitaras acústicas
y suave percusión, algo que suena como la música de Cesaria Evora. Más adelante,
en 2013, tiene contacto con el jazz realizando colaboraciones con el pianista
cubano Omar Sosa y Jacques Schwarz-Bart, un saxofonista y compositor nacido en
la isla de Guadalupe. Benjamin abandona su tierra con destino a Europa para
perseguir su sueño de ser cantante profesional. En 2017 en Francia, cruza
caminos con el guitarrista francés Matthis Pascaud y aquí es donde se produce la chispa para lo
que hoy escuchamos.
Sus influencias, según ella misma dice, mezclan tanto artistas del rock, del jazz y del blues, como como Billile Holliday, Nina Simone, Tina Turner, Janis Joplin, David Bowie y Queen, como artistas de su país, como Ti-Coca, Azor, Mambo Diela y Toto Bissainthe.
Si bien se trata de un sonido netamente guitarrero –la banda
tiene dos guitarristas- la batería tiene una importancia muy grande también. El
resultado es definitivamente impactante. No solo su voz y el sonido de la
banda, sino que la puesta en escena resulta igual de impactante y magnética. Con esta banda, Moonligth Benjamin tiene dos discos
editados: Siltane (2018) y Simido (2020). Desde mi percepción, ambos trabajos
se pueden escuchar como un disco doble, aunque el segundo puede sonar más rockero
que el primero. Moonligth Benjamin dice que con su música busca despertar
conciencias, y dar un mensaje de unidad al pueblo haitiano, regado por todo el
mundo. “En realidad – afirma, cualquiera puede sentirse identificado con el
mensaje que expresan las letras, aunque, por cantar en kreyòl, no todos me puedan entender.”.
El kreyòl ayisyen, o creole es la lengua criolla hablada en Haití, basada en el
francés, pero mezclada con lenguas del África Occidental. “Es mi identidad –dice
ella- y quiero compartir la lengua creole con más gente.”
¿Quieren una muestra clara de lo que sería el Heavy Blues hecho por esta banda? Escuchen esta versión de Siltane en vivo en Alemania y se van a dar cuenta rápidamente de lo que les estoy hablando. Algún crítico la calificó como “La sacerdoiza Voodoo del Blues Haitiano”. Cuando hablamos del voodoo, hablamos de una música basada en la religión, en donde cada espíritu y figura posee distintos cantos y ritmos, por lo cual es un estilo que varía bastante y tiene muchas aristas. El voodoo Haitiano o “vaudou”, probablemente una de las religiones menos entendidas de la actualidad, nació de la mezcla entre tradiciones del África occidental traídas por los esclavos en la era colonial, y el catolicismo impuesto por los españoles. Esta combinación de creencias resulta muy importante en la construcción de la identidad del pueblo haitiano y la tradición voodoo es parte de ella. Moonligth Benjamin utiliza muchos aspectos de la cultura voodoo en sus shows, como unos dibujos en su rostro –no son tatuajes- que representan los diagramas que se pintan en el suelo durante las ceremonias para invocar a diferentes espíritus. “Siempre canto sobre Haití – dice, sobre nuestro orgullo, nuestros problemas socio culturales, y el amor que tengo por mi país”.
Escuchar su música en Soundcloud :
https://soundcloud.com/moonlightbenjamin
https://www.instagram.com/moonlightbenjamin/
https://twitter.com/MoonlightBenja1
Fuentes:
https://www.songlines.co.uk/features/moonlight-benjamin-voodoo-priestess-of-haitian-blues
https://www.theguardian.com/music/2018/nov/30/moonlight-benjamin-siltane-review-no-nonsense-haitian-blues-rock
https://theartsdesk.com/new-music/album-moonlight-benjamin-simido
https://worldgroove.com/contenido/entrevista-moonlight-benjamin-rock-y-blues-vintage-con-esencia-vudu
http://espiritudelsur.com/artistas/moonlight-benjamin-haiti-francia/
https://www.lossonidosdelplanetaazul.com/disco/moonlight-benjamin-siltane/
https://www.sudradio.fr/loft-music-sud-radio-2018-03-27
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