A Love Supreme - John Coltrane - 1965

"Las luces del estudio estaban bajas. No se si fue idea de John o de alguien mas. Grabar este disco fue una experiencia maravillosa. Ninguno de nosotros sabíamos lo que estábamos por hacer, realmente no puedo explicar cómo se dieron las cosas. Había una comunicación sin palabras asombrosa durante las sesiones. De hecho John dio muy pocas instrucciones de manera verbal. Pero este álbum es la culminación y la extensión natural de una química que construimos como grupo durante años de tocar juntos." 

McCoy Tyner

John Coltrane, McCoy Tyner, Elvin Jones y Jimmy Garrison grabaron "A Love Supreme" en diciembre de 1964 y el disco sería editado al año siguiente. Coltrane lo presentó como una declaración espiritual que explicaba que su devoción musical estaba ahora dedicada a su Fe en Dios. "A Love Supreme" representa una compleja suite de cuatro partes alrededor de una idea musical básica, aunque fue en el escenario, durante sus shows en vivo, en donde el cuarteto ya había explorado, practicado, ensayado y compuesto este nuevo material. Tyner explica que "John tenía una forma maravillosa de ser flexible con la música y como banda logramos reflejar eso gracias a la libertad que nos daba. Y esa libertad dio sus frutos a la hora de grabar el disco" 

"A Love Supreme" es una obra maestra que además, tuvo una significancia personal muy fuerte para John Coltrane. En 1957, el músico había tocado fondo en su adicción a la heroína y fue despedido de la banda de Miles Davis. En teoría, Coltrane se rehabilitó y en las liner notes del disco escribió lo siguiente: "En el año 1957, experimenté, por la gracia de Dios, un despertar espiritual que me ha llevado a una vida mas rica, mas plena y mas productiva. ... a través de la mano piadosa de Dios, percibo su omnipotencia. Es en verdad 'Un amor supremo'." 

Es tal la influencia en la Fé, que este disco incluso ha derivado en la creación de una "Iglesia Coltraneana". El Reverendo Franzo Wayne King es pastor de la "Saint John Coltrane African Orthodox Church" en San Francisco y explica que la congregación mezcla la liturgia Ortodoxa Africana con citas de Coltrane y, por supuesto, mucha de su música. "Este disco es como 'Padre, Hijo y Espítiru Santo; Melodía, Armonía y Ritmo. Hay un deseo real entre los fieles a John Coltrane, dice el Pastor Wanika Stephens, no solo por su música, sino por su filosofía y su espiritualidad como creyente y como Santo". 

Coltrane tomó control de cada detalle del disco, como nunca antes había sucedido. John escribió el poema "Psalms", cuya su lectura coincide, según dicen haber descubierto los fieles de la St John Coltrane, con el cuarto movimiento del disco. El músico alguna vez dijo que, si bien el había sido criado en la religión cristiana, sus sucesivos aprendizajes lo llevaron a darse cuenta que todas las religiones tienen algo de verdad. 

No se conocen entrevistas posteriores en las que John Coltrane hable del disco y su significado personal, ni siquiera lo charló con sus compañeros de grupo. "Había muchas cosas de las que no hablábamos," dice McCoy Tyner "pero la banda sabía que "A Love Supreme" tenía un significado especial para John."

En un tour en 1966 en Japón, le preguntaron a Coltrane que quería ser dentro de 10 años. “Me gustaría ser un santo,” respondió.

Escuchar

Lista de Temas:

Acknowledgement 

Resolution 

Pursuance 

Psalm 

Músicos:

John Coltrane – Saxo tenor

McCoy Tyner – piano

Jimmy Garrison – Contrabajo

Elvin Jones – Batería

Fuentes: 

https://www.npr.org/2000/10/23/148148986/a-love-supreme

https://www.coltranechurch.org/50th-anniversary

1959: El año que cambió el Jazz

1959 fue un año bisagra para el jazz con la edición de 4 varios discos fudamentales, “Kind of Blue”, “Time Out”, “Giant Steps”, entre otros. Te presentamos el documental que devela su vital importancia.
Extraído del site Depóstito Sonoro 





1959 fue un año trascendental para el jazz, cuando la complejidad del bebop dio paso a nuevas formas, otorgando a los músicos una libertad sin precedentes para explorar y expresarse. Fue también un año clave para Estados Unidos, en términos del movimientos por los derechos sociales, con el jazz como fondo urbano que no escapaba a esta realidad
Ese año se editaron cuatro grandes discos: “Kind of Blue”, de Miles Davis, “Time Out”, de Dave Brubeck, “Mingus Ah Um”, de Charles Mingus, y “The Shape of Jazz to Come”, de Ornette Coleman. Raras imágenes de archivo y de actuaciones en vivo contribuyen a revivir la época y a develar la importancia vital de estos discos en 1959 y su influencia posterior.

Otros lanzamientos fundamentales de 1959, dos de ellos, desprendimientos de "Kind of Blue":

'Giant Steps' - JOHN COLTRANE
Como si 'Kind of Blue' hubiera hechizado a Coltrane (1926-1967), dos semanas después de grabar con Davis el saxofonista entró al estudio y en dos días salió con un álbum que significó un «paso de gigante», como indica su título. En este disco se perfila lo que más tarde sería conocido como «las sábanas de sonido», y que le liberaría en la improvisación hasta desconocer los límites temporales. 

'Portrait in Jazz' - BILL EVANS
Y ocho meses después de 'Kind of Blue', Bill EVans salió con un álbum influyente y definitivo para todo pianista de jazz y del formato del trío. Con Scott LaFaro en contrabajo y Paul Motian en batería. 

Fuentes:
https://twitter.com/DepositoSonoro
https://depositosonoro.com/2019/08/18/mira-el-documental-1959-el-ano-que-cambio-el-jazz/
https://www.larioja.com/culturas/musica/jazz-sacudio-mundo-20190818165004-ntrc_amp.html?__twitter_impression=true

La música que nunca volveremos a escuchar

Esta semana me topé con un tweet del periodista Federico Martínez Penna que decía:  
"Esto es tremendo. Resulta que en 2008, Universal se mandó un moco y se les prendió fuego un depósito con 500.000 CINTAS Y MASTERS IREEMPLAZABLES. Cuestión... se destapó la olla y el presidente de Universal ya decidió salir a blanquear junto con sus ejecutivos que fue exactamente lo que se perdió." Poco después Martin Sassone desde su blog Malbec Blues titulaba: "La mayor catastrofe musical de la historia". 

La síntesis de la noticia indica que una investigación periodística de The New York Times titulada "The Day the Music Burned" reveló que que el 1º de junio de 2008 en los estudios de Universal Records, en Los Ángeles, un incendio hizo desaparecer más de medio millón de másters originales de canciones de todos los géneros. Algo que originalmente se había informado como una pérdida menor, ahora se revela como algo de dimensiones incalculables. En aquel momento no se develó la magnitud del desastre, la compañía intentó ocultar la gravedad del asunto y evitar la “vergüenza pública” que eso suponía para la empresa. 

Con esta catástrofe  se han perdido másters originales de artistas como Billie Holiday, Louis Armstrong, Duke Ellington, Ella Fitzgerald. Se perdieron prácticamente todas las grabaciones de Chess Records de artistas como Chuck Berry, Muddy Waters, Little Walter y Bo Diddley. También de otros como Ray Charles, B.B. King, Four Tops, Joan Baez, Joni Mitchell, Al Green, Eric Clapton, The Eagles, Aerosmith, Tom Petty & the Heartbreakers, The Police, Nirvana, Beck, Sheryl Crow, Aretha Franklin, John Coltrane y la lista sigue. 

No solo se perdieron cintas magnéticas, sino también másters guardados en cintas digitales o discos duros, grabaciones multipistas, crudos con material descartado que se almacenaban en esos depósitos. Es imposible precisar qué había en cada cinta o disco duro, ni tampoco que clase de máster era. No había un inventario tan exhaustivo. Incluso información en las latas o en las cajas también se perdió. 

Es problable que una pregunta venga a tu mente:
"Pero acaso todo esto no estaba digitalizado, no esta en spotify, no hay cds, cuál es la vital importancia de la perdida de estos másters?". Seguro estos pasajes que rescaté de la investigación de The New York Times te van a aclarar las cosas 

"Es la fidelidad sonora por sobretodo, lo que define la importancia de los másters. Un máster es la verdadera captura, el momento justo de la música grabada. Cada copia que se hace, se aleja sonoramente un paso mas del original. El remedio? Volver al máster. Esta es una razón por la cual las reediciones de los discos clásicos se promocionan como "remasterizados de las cintas originales". Para que se entienda, el máster de una grabación es ESA grabación, es lo mas cercano a una máquina del tiempo que puede existir, el lugar y el momento justos. El máster contiene los detalles de la grabación en la forma mas pura: el grano en la voz del cantante, los timbres de los instrumentos, el ambiente en el estudio. Contiene la esencia que solo puede ser captada cuando te encontrás cara a cara con esa pieza de arte, sin intermediarios. ¿Es lo mismo ver el original de un cuadro que una reproducción, o una foto de ese cuadro? Con la grabación del sonido pasa lo mismo. El máster es la forma mas pura de apreciar el sonido que existe. Con recursos tecnológicos, el máster puede ser, potencialmente, "mejorado". La música de John Coltrane o de Chuck Berry no ha desaparecido. De hecho ahora mismo podes escuchar esos temas cuyos masters se perdieron en cualquier plataforma de streaming. Pero aún así, ese material representa una pérdida irreversible. Cuando las cintas desaparecieron, también lo hizo la posibilidad de que en el futuro cualquier tipo de revelación sonora pudieran venir con el acceso a las grabaciones originales. Y lo mismo con cualquier grabación extra o tomas no utilizadas que pudieron haber existido. Música que pudo haber sido nunca escuchada por nadie, después de haber sido grabada. Música que nunca volveremos a escuchar.

Fuentes:
The New Yor Times
Malbec Blues Blog

Fotos: The New Yor Times

Ray Manzarek - Sobre el nacimiento de The Doors, Ligth my fire y la influencia de la música negra

"No haces musica para la inmortalidad, la haces para el momento, para demostrar que estas vivo en esta Tierra. Todo el mundo debería experimentarlo alguna vez."

Podríamos escuchar a Ray Manzarek contar historias de The Doors por horas, y no nos aburriríamos. Y mucho mejor sería si, como en este caso, tiene su Vox Continental delante. En este pequeño video, Manzarek explica su encuentro con Jimi Morrison en la Universidad de Cine de California, la génesis de The Doors, y cómo compusieron Ligth my Fire entre los 4 miembros de la banda. Pero lo que mas me llamó la atención de esta charla del tecladista, es la cantidad de veces que menciona la influencia del jazz y la música negra en el grupo.

Que Morrison tenia una voz embrujada, muy a lo Chet Baker; que mientras lo escuchaba cantar Moonligth Drive, ya imaginaba un acompañamiento funky, bluesy, onda Ray Charles; que The Doors nació como una banda de Jazz Rock, aún antes de que ese concepto existiera; que Krieger presentó Ligth My Fire como una especie de folk, pero Densmore propuso hacerlo mas latin jazz; que para la parte de las improvisaciones se le ocurrió emular "My favourite Thigns" de Coltrane. Por todo esto, me pareció que Escuchate Esto! era el lugar apropiado para compartir este video. Ojalá lo disfruten tanto como yo.