The Black Keys - Delta Kream - 2021 / por Oscar Castro

UB 40 grabó hace muchos años un disco tributo llamado Labour of Love. ¿Por qué recordamos ese disco? Porque el titulo la quedaría como un guante al nuevo trabajo de The Black Keys.

Para los amantes del blues que tenemos que explicar cada tanto porqué seguimos escuchando grabaciones de gente que murió hace mucho tiempo, estos discos son como la escena de la jeringa en el pecho de Uma Thurman en Pulp Fiction: un shot de adrenalina que te dan ganas de levantarte de golpe y recomendar el disco a todas tus amistades, incluso a aquellas que dejaron de comprar discos. 

O sea: si en algún momento habías escuchado The Big Come Up (2002) y te había gustado, no podías esperar menos de estos dos tipos. Pero no grabaron un Greatest Hits del Blues. Buscaron en el oscuro cancionero del Hill Country Blues y en el aún más oscuro Patch Cotton Soul Blues que tienen en su ADN y lo llevaron a las radios y publicaciones de medios que jamás habían pasado un tema o escrito una línea sobre el género. 

La discografía de The Black Keys fue mutando del ya nombrado Big Come Up (un disco crudísimo, donde le meten blues hasta a She said, she said de The Beatles) a un sonido muchísimo más moderno y producido que desde hace tiempo les dio unos cuantos hits de su autoría que aparecieron en videojuegos, series de televisión, publicidades de productos de alta gama (Nissan, Sony), además de llevarlos desde los pequeños escenarios donde comenzaron a cerrar alguna edición de Lollapalooza, por ejemplo.

En los 11 temas que componen Delta Kream parecen volver al blues de sus inicios, pero con apenas una pátina de modernidad en su sonido. Cambian su crudeza inicial por sutilezas. Traen a las actuales plataformas de streaming a viejos artistas que además no eran los más conocidos de un género que no es el más escuchado.  Curiosamente (o no) en su primer disco ya habían grabado Do The Romp (Junior Kimbrough) además de dedicarle un E.P. entero: Chulahoma: The Songs of Junior Kimbrough.

Kimbrough y R. L. Burnside son el combustible del disco. Dan Auerbach se entusiasma como un predicador subido a su púlpito y predica: “…es posible que mucha gente no haya oído hablar de ellos, pero son dos de los músicos más importantes de EEUU…Pat y yo estamos haciendo todo esto en honor a ellos”.

Delta Kream empezó casi por azar. Auerbach invitó a Kenny Brown (alumno de Mississippi Joe Callicott) y Eric Deaton a venir desde el norte de Mississippi para trabajar en Sharecropper's Son, el disco de Robert Finley que estaba produciendo. Al terminar la jornada de grabación, los tres se sentaban en la sala central de Easy Eye y tocaban algunas canciones de Junior Kimbrough y R.L. Burnside. Auerbach sintió que estaban haciendo algo importante y llamó a Carney y le dijo que tenía que venir inmediatamente al estudio. Así, durante dos días, en dos sesiones de 10 hs, grabaron lo que terminó siendo Delta Kream: un hermoso catálogo de viejas canciones para iniciados y no tanto con nombres como John Lee Hooker, Rannie Burnette, Big Joe Williams y los omnipresentes Kimbrough y Burnside. 

Este disco tuvo una presentación en vivo acorde a estos tiempos pandémicos. Via Spotify pudimos verlos el 27 de mayo en el legendario Blue Front Café junto a la banda con la que grabaron. Hicieron un gran show de menos de 1 hora, con algo de público. Los temas sonaron con la energía que da tocar blues en vivo. Al día siguiente, vía mail, nos llegó a los espectadores del show una invitación para colaborar con la Mississippi Blues Trail Organization para “promover y preservar la auténtica música blues”.   

Pero…las personas de las que hablo al principio recordamos que este entusiasmo también nos vino cuando Eric Clapton grabó From The Cradle…y el revival del blues duró una corta temporada. ¿Sumamos adeptos a nuestras filas? Yo creo que sí. ¿Son muchos? no lo sabemos…y no sé si importa. Lo que sí sabemos es que nunca jamás nos sacaran las ganas de revolver viejas discografías en distintos formatos y buscar entre tantos artistas increíbles que son la semilla de casi toda la música que conocemos hoy.  

Esas personas levantamos nuestros imaginarios vasos con alcohol ilegalmente destilado y celebramos Delta Kream, la Labour of Love de The Black Keys para estos tiempos. 

Oscar Castro

Escuchar Delta Kream en Spotify

1. Crawling Kingsnake (John Lee Hooker / Bernard Besman)
2. Louise (Fred McDowell)
3. Poor Boy a Long Way From Home (Robert Lee Burnside)
4. Stay All Night (David Kimbrough, Jr.)
5. Going Down South (Robert Lee Burnside)
6. Coal Black Mattie (Ranie Burnette)
7. Do the Romp (David Kimbrough, Jr.)
8. Sad Days, Lonely Nights (David Kimbrough, Jr.)
9. Walk with Me (David Kimbrough, Jr.)
10. Mellow Peaches (Joseph Lee Williams)
11. Come on and Go with Me (David Kimbrough, Jr.)

The Black Keys
Dan Auerbach – vocals, electric guitar
Patrick Carney – drums

Additional
Eric Deaton – electric bass
Kenny Brown – electric guitar
Sam Bacco – percussion
Ray Jacildo – organ (tracks 5, 10, and 11)

The Kingstonians – Sufferer - 1968 / Por Soulsolete

Cada mañana al iniciar una nueva jornada tenemos la misma rutina: saludamos afectuosamente a la perrita malvada, preparamos una gran dosis de cafeína en la cocina para acomodarnos en el salón mientras desayunamos en paz, abrimos nuestros páginas web habituales a modo de consulta y buscamos algún disco que suene de fondo para encarar de la mejor forma posible el nuevo día. Como hábito, también solemos compartir a veces en alguna de nuestras redes las canciones que suenan en este momento del día. Así, cuando hace unas cuantas semanas publicamos un pequeño hilo en twitter sobre uno de nuestros discos jamaicanos favoritos sin la mayor importancia, volvimos a recibir una nueva propuesta por parte del amigo y autor de este blog para colaborar con una publicación para contar a sus lectores asiduos un poquito sobre este trabajo musical, por lo que a continuación, y con muchísimo gusto, procedemos a compartir algunas líneas sobre “Sufferer”. ¡Muchísimas gracias por invitarnos de nuevo a este acogedor espacio, amigo Tony!

Muchos jóvenes nativos de Montego Bay grabaron diversos temas a principios de los años 60 en Jamaica, pero tuvo que ser un trío formado en 1967 por Cebert Jackie Bernard, su hermano mayor “Footy” Bernard y su primo Lloyd Kerr el que marcara un cambio radical en la productividad y popularidad del emergente sonido Reggae. Los orígenes de The Kingstonians se remontan realmente a principios de los años sesenta cuando los tres integrantes de la banda anteriormente mencionados formaban un cuarteto de canto. El grupo participó bajo el nombre de Jack Lord & The Apostles en uno de los habituales concursos de talentos de la isla, obteniendo el primer premio y con ello, una preciada sesión de grabación con el célebre productor de Studio One, Sir Clement 'Coxsone' Dodd. Desafortunadamente, ninguno de los temas grabados logró despertar mucho interés en la ínsula. Por suerte, Jackie, el cantante principal y compositor del grupo, no tiró la toalla. Así, llegamos a 1967, año en el que el grupo (ahora ya convertido en trío) regresó nuevamente al estudio de grabación uniendo fuerzas junto a dos de los principales productores de discos de Kingston: Derrick Harriott y Sonia Pottinger. Con todo, las propuestas musicales del grupo para ambos cayeron en el olvido rápidamente sin dejar rastro de la capacidad musical del trío, así es que poco a poco y manteniendo la fe en el dicho popular de “a la tercera va la vencida”, poco después volvieron a probar suerte haciendo una nueva audición para el entonces relativamente inexperto productor Karl 'J.J.' Johnson. Corría el verano del año 1967 y la banda finalmente obtuvo su primer éxito musical titulado "Winey Winey".

Posteriormente grabaron varios sencillos que encabezaron las listas de éxitos entre 1968 y 1970. Gracias al éxito del tema llamado “Singer Man”, les llegó la oportunidad para lanzar su único LP, un trabajo con una portada para enmarcar que personalizaría el ritmo en Jamaica. El disco fue publicado originalmente en Trojan Sufferer y recopilaba una docena de sus canciones más conocidas. Los pegadizos sonidos producidos maravillosamente por el maestro Derrick Harriott llenaron las pistas de baile en la isla y se convirtieron en la banda sonora de muchos jóvenes de clase trabajadora del Reino Unido en los años 70. Las dulces y sedosas voces representan a la perfección el característico juego de armonías que otros tríos vocales también habían puesto en práctica anteriormente en canciones de temática amorosa. “Complicated Scene”, por ejemplo, goza de una gran línea vocal y sonidos skanking, o “Your Love” tiene un sonido de órgano muy evocador característico de la época. Las raíces del góspel del grupo siempre estuvieron en algún lugar en el fondo de sus voces, como muestran en la balada “I’ll be Around”, mientras que en “Sufferer”, el tema que da nombre al LP, la letra describía la difícil situación de los pobres de Kingston con una melodía matadora que fue la responsable de provocar la tormenta que alzaría a The Kingstonians a la vanguardia del boom del género Reggae y la subcultura Skinhead. Tal vez por estar compuesto principalmente por temas ya realizados anteriormente y en un esfuerzo por reducir los gastos y aprovechar al máximo el material publicado anteriormente, el disco “Sufferer” pueda sonar un poco irregular y desigual en comparación con otros álbumes grabados en la mima época, pero las pistas tomadas individualmente son un testimonio de la verdadera fortaleza de estos músicos. Las voces de acompañamiento complementan perfectamente a la del líder y las pistas rítmicas aún se sienten hoy como pisadas fuertes y directas en nuestro corazón, consiguiendo que imaginemos los sueños de triunfo musical que Jackie, Bernard y Lloyd ansiaban con tanta pasión. Así es el maravilloso legado de la música jamaicana, uno que en el caso concreto de The Kingstonians no fue un camino de rosas, sino el de unos genuinos sufridores. Bendita resiliencia. 

Escuchar el disco en spotify

Lista de temas:

Singer Man

Sufferer

Hold Down

I'll Be Around

Winey Winey (Reggae)

The Clip

Rumble Rumble

Come We Go Moonwalk

Complicated Scene

Easy Ride Reggae

Nice Nice

Escuchate Esto! 10 años

El 28 de abril de 2011 me dieron ganas de escuchar un disco... pero me di cuenta que había una forma de expandir esa experiencia. Desde siempre, cada vez que hacía un nuevo descubrimiento musical, algo en mi interior me obligaba a compartirlo. "Escuchate Esto!" siempre fue mi leitmotiv. Por eso la identificación permanente con The Blues Brothers y aquello de "We are on a mission from God". Un día después abrí este blog con una foto de Muddy Waters junto a los Rolling Stones. 

"Mas que críticas, lo que vas a encontrar acá, son historias" escribí en aquel primer posteo. Y conservar esa filosofía, además de mantener el blog activo luego de 1 década, representa un gran logro. Haber llegado al podcast (en parte gracias al confinamiento) es otro logro. Y de la mano del podcast y de la interacción permanente con amigos y amigas mediante ambas plataformas, sumadas a mi cuenta de twitter, los descubrimientos musicales no paran. Si sos una de esas personas que gracias a Escuchate Esto llegaste a un artista, a una canción, o a un disco, entonces, te tengo que agradecer por ayudarme a cumplir con mi misión. No tengo mucho mas para escribir hoy, ademas que expresar mi felicidad y festejar con todas y todos los que comparten, interactúan, leen el blog y escuchan el podcast. Cómo? Escuchando música, por supuesto. Gracias!   

Gladys Knight & The Pips - Feelin' Bluesy - 1968

El año pasado vi una entrevista a Bosco Mann (bajista de los Dap - Kings y fundador de Daptone Records) en youtube donde le preguntaban por sus discos favoritos de los 60. Bosco no lo dudó y entre uno de ellos puso este disco de 1968: "Feelin' Bluesy" de Gladys Knight & The Pips. Minutos después estaba escuchando ese disco y bueno, como saben, para eso estamos acá... así que, a compartirlo con todos ustedes!

Gladys Knight nació en 1944 en Atlanta, Georgia, ganó un concurso regional de talentos a los 7 años y en su adolescencia formó el grupo The Pips, con algunos de sus hermanos, primos y primas. En 1959 lanzaron su primer sencillo, "Every Beat of My Heart" (antes grabada por Johnny Otis). En 1961 volvieron a grabarla pero esta vez acreditada como "Gladys Knight & The Pips". 

En 1966 el grupo firma con Motown pero en "Motown Soul Records", una subsidiaria del sello que presentaba sencillos que tenían más sabor a R&B que a pop. Sus dos primeros singles, "Just Walk in My Shoes" y "Take Me in Your Arms and Love Me" fueron éxitos en Inglaterra. El despegue definitivo fue con su versión de 1967 de "I Heard It Through the Grapevine", lo que trajo varios éxitos sucesivos. Alguna vez, Gladys (también conocida como la Emperatriz del Soul) declaró que ella y los Pips fueron considerados como artistas de segunda opción, y que "The Supremes, The Temptations y Marvin Gaye recibian todos los éxitos, mientras nosotros tomamos las sobras". 

Tras el éxito de "Grapevine", el grupo trabajó con frecuencia con Norman Whitfield y así es como llegamos al disco "Feelin' Bluesy". Se trata de uno de los álbumes mas finos de Motown y de los menos conocidos. Para el año 1968 Gladys Knight & the Pips parecían estar en un concurso de cortes con otros artistas del sello (Marvin Gaye, the Temptations, Edwin Starr) que hacían temas del productor / autor Norman Whitfield. El primer éxito de "Feelin' Bluesy" es una versión del tema que había sido éxito de Kim Weston, "It Should Have Been Me". Los puntos mas altos de este disco son "The End of our road" y "Don't Let Her Take Your Love From Me", R&B bien crudo y con los Soul Brothers grooveando a pleno. Ojo, también te podes empalagar de cuerdas y vientos con "What Good Am I Without You" o "Your old stand by". Pero después se te pasa escuchando "That's the way love is" con que tiene un sonido mas a Soul sureño que a Motown. Por si hace falta, lo reafirmo, un disco poco escuchado y con un muy alto nivel. Además, cuando se acerquen a este álbum se van a dar cuenta que Sharon Jones y los Dap - Kings bebieron mucho de esta fuente. Por eso, no lo dudes y Escuchate Esto! 

Lista de temas: 

The End Of Our Road
That's The Way Love Is
Don't You Miss Me A Little Bit Baby
The Boy From Crosstown
Ain't You Glad You Chose Love
I Know Better
Don't Let Her Take Your Love From Me
It Should Have Been Me
Don't Turn Me Away
What Good Am I Without You
Your Old Standby
It's Time To Go Now

El Ska en los Estados Unidos y el origen de Hepcat por David Hillyard

Extraído de una extensa e interesante nota de David Hillyard, primer saxofonista de Hepcat, comparto este resumen sobre el nacimiento y el desarrollo del Ska en los Estados Unidos y el origen de Hepcat.

En los EEUU, el Ska nunca había salido de las comunidades inmigrantes jamaiquinas. El reggae fue acogido por hippies y surfers pero el Ska pasaba inadvertido. Se puede decir que el Ska americano empieza a partir del 2 Tone inglés, pero también existió Blue Riddim Band de Kansas, uno de los primeros grupos americanos -no compuestos de jamaiquinos- que tocó Ska y reggae en forma convincente a finales de los 70. 

La mayoría de las giras de las bandas 2 Tone inglesas por USA fueron bastante pobres. Solo unos pocos lo entendieron (algunas zonas costeras y algún que otro campus universitario), pero algunos grupos como The Beat, Madness y Bad Manners siguieron viniendo y su popularidad crecía. Pero a esta altura se orientaban hacia sonidos pop-rock diluidos y estilizados que solo tenían referencias jamaiquinas muy vagas. Así que, desde el principio, la concepción americana de Ska se alejó de su fuente de origen. La mayoría de americanos veían el Ska como algo que es inglés primero y jamaiquino después, mezcla entre rock y reggae. 

En California del Sur, los inicios y mediados de los 80 fueron la época de la locura mod-ska. El Ska era parte de un mini mundo de motos vintage, trajes y mocasines. Entre 1982 y 1985, el grupo local de referencia en esta escena fue The Untouchables de Los Angeles. 

También de LA, era Fishbone, probablemente el grupo de Ska más influyente de principios de los 80. Con Fishbone se oían asomos de 2 Tone, aunque con la misma probabilidad de oír heavy metal o funk. Su eclecticismo se convertiría en un modelo. Para la mayoría de los grupos americanos posteriores, como Reel Big Fish, No Doubt, Skankin’ Pickle, MU330, Mustard Plug. Sublime, The Mighty Mighty Bosstones  y otros, Fishbone fue el origen. Pero como Red Hot Chilli Peppers y Living Color estaban triunfando, probablemente pensaron que deberían seguir el mismo camino. 

A mediados de los 80 había otras escenas Ska en los EEUU (y Canadá). The Toasters iban a por un estilo 2 Tone mezclado con Beastie Boys. Llevaban traje así que tocaban Ska, ¿no? La escena era muy underground. Y entonces apareció el virus del funk: una vez que los Red Hot Chilli Peppers alcanzaron el éxito, al menos el 50% de los músicos que había en los EE.UU. siguieron su estela. Uno tras otro, los grupos de Ska se convirtieron en grupos de funk. Pero para otros, como No Doubt, y en parte para Fishbone, funcionó. Se las apañaron para conseguir contratos discográficos grandes.

The Skatalites volvieron a unirse a finales de los 80 y comenzaron a girar por USA. Grupos nuevos de SKA siguieron naciendo y multiplicándose, pero eran más underground que nunca. Aquí es donde entran en escena los festivales (casi siempre con la palabra SKA en su nombre) y los discos recopilatorios del género. Los grupos que actuaban en festivales de Ska de finales de los 80 todos seguían una fórmula: la canción introducida por reggae lento, seguida por una parte principal hiper-rápida. La canción introducida por jazz, seguida por la parte principal hiper-rápida. Quizá una canción reggae que habla de fumar hierba. Algo de heavy metal funk con rotura de reggae. 

Y entonces… Hepcat, la banda que llevó todo a otro nivel. 

Según Greg Lee, Hepcat nació porque cuando iban a los festivales, descubrieron que les gustaba mas el Ska jamaiquino que sonaba entre banda y banda, que los mismos grupos que tocaban en vivo. Hepcat tenía la misión de remasterizar el Ska, Rocksteady y Reggae clásicos. Básicamente, todo lo existente entre 1960 y 1975. Al principio, tocaban versiones y tenía un par de temas originales, escritos sobre todo por Alex Desert y Deston Berry. Tenían canciones influenciadas por 2 Tone sobre “rude boys” y también el pasaje instrumental “jazzy” en menores. Pero la orientación a perfeccionar los sonidos del Ska más antiguo de los 60 eclipsaba todo eso.

El objetivo de Hepcat era tocar Ska old style pero es ese camino, también otras influencias se hicieron notar. Soul, RnB, salsa, boogaloo, swing, jump blues. Se terminó creando un híbrido muy elegante, diferente a todo lo que se podía ver en la escena. Fueron teloneros de No Doubt en el Whisky, de The Toasters en el Roxy, de Desmond Dekker a finales de 1991 o principios de 1992. La gente decía que Hepcat sonaba igual que el Ska antiguo, “igual que The Skatalites“. Básicamente, a lo que se referían en realidad es que no había guitarras distorsionadas, nadie rapeaba, no había slap bass, ni solos metal, no había ritmos hardcore que inspiraran tirarse del escenario. Pero a la vez, Hepcat añadió toques de todos esos ritmos antes mencionados. Y el Ska tuvo swing. No a la manera de un baile de salón ridículo, sino a la manera cruda y dura de Lloyd Knibb. A la de Art Blakey. La misión estaba cumplida.

Fuente:
http://www.reggae.es/2012/04/03/la-historia-del-ska-en-eeuu-por-david-hillyard/
Texto: David Hillyard
Publicado originalmente en www.lawless-street.com por Jason Lawless
Traducción: Reborn4theVibe

Si quieren leer algo mas sobre Hepcat, los invito a leer el post sobre su disco Rigth on Time 

Escuchate Esto! Podcast - Tercera Temporada - 2021

Simplemente pasar por aquí para avisarles que la tercera temporada del Podcast de Escuchate Esto! ya esta en marcha en la plataforma Ivoox y también en el sitio amigo Ovejas Negrax de Madrid. Con muchas ganas y como siempre, mucho amor por la música iniciamos esta tercera etapa del podcast esta vez eligiendo un disco por cada episodio e invitando una amiga o amigo a charlar brevemente sobre música. Empezamos con "Desmond Dekkker - Rudy Got Soul" y el invitado es Lutxo Perez. Los espero por allá! 

Ivoox: https://www.ivoox.com/podcast-escuchate-esto_sq_f1875807_1.html
Ovejas Negrax: https://ovejasnegrax.com/

In The Pines

Conozcan la historia de ‘In The Pines’, una de las canciones más misteriosas y estremecedoras de la música folk y el blues norteamericano.

Muchos de nosotros conocemos ‘In The Pines’ gracias a ese lamento que cierra el ‘MTV Unplugged’ de Nirvana de 1993. Pero se trata de una canción que viene viajando por 150 años y que se sigue reinventando. La versión de Nirvana toma como fuente principal la de Leadbelly de 1944. De hecho Cobain cuando la anuncia dice “esta fue escrita por mi intérprete favorito” (las palabras exactas que usa son “my favourite performer”).

Muchas de las canciones más tradicionales y antiguas del folk y del blues llegaron a nosotros en primer lugar gracias a la oralidad, luego alguien las escribió y las publicó y más adelante alguien las grabó. Los orígenes y la autoría de ‘In The Pines’ se perdieron en algún lugar de ese viaje. Originada en la época de la Guerra de Secesión allá por los 1870s se habla de tres lugares donde la canción puede tener sus raíces: Appalachia, Virginia; Tennessee y Kentucky. La estructura tal como hoy la conocemos fue mutando mientras varias tonadas se fueron fusionando: The Longest Train I Ever Saw; Where Did You Stay Last Night; Look Up, Look Down That Lonesome Road; Don’t Tell Me No Lie;y Black Girl.

‘In The Pines’ es una “murder ballad”, una balada que trata sobre un asesinato. Las “murder ballads” se remontan a la época de William Shakespeare y a la tradición europea de los juglares que anunciaban las noticias en las calles de las aldeas. Estas historias llegaron a América y se convirtieron en lo que leemos al lado de muchas canciones tradicionales en las contratapas de algunos discos: ‘trad. Arr’. Esto encaja perfectamente para ‘In The Pines’, que llegó al Nuevo Mundo a través de un cruce de leyendas de inmigrantes ingleses, escoceses e irlandeses y en algún momento, chocó con la cultura de los esclavos.

Su letra ha sido reimaginada muchas veces a través de los años. “Esta canción es única, es como un cofre del tesoro pero sin fondo” escribió James Leisy en su libro de 1966 "El Abecedario de la Canción Folk". "Cuanto más hondo cavas, más elementos encontrás."

La primera versión impresa de la canción fue la que compiló Cecil Sharp en 1917, y se limitaba a cuatro líneas y una melodía. La primera grabación conocida es la del banjista de Carolina del Norte, Dock Walsh (The Carolina Tar Heels) y fue lanzada comercialmente en 1926. En abril de 1930 los Clayton McMitchen’s Georgia Wildcats graban una versión titulada ‘In the pines’, pero fue gracias a la grabación de 1941 del pionero del bluegrass Bill Monroe en que nuestra canción gana notoriedad nacional en los EE.UU.

El guitarrista y cantante de Blues, Huddie William Ledbetter, Leadbelly, es quien definitivamente ayudó a popularizar la canción. Leadbelly graba varias versiones entre 1944 y 1948, frecuentemente bajo el título "Black Girl" (o "Black Gal"). De acuerdo al musicólogo Alan Lomax, Leadbelly aprendió la canción gracias a la versión impresa en 1917 y de la grabación de 1926.

LeadBelly (nacido en 1888) había estado en prisión en 1917 por el asesinato de un hombre en Texas. Parecía ser el personaje ideal para esta canción. Leadbelly “encontró” la canción, la reinterpretó y la hizo suya. Y claro, le imprimió ese sentimiento blusero para siempre. Sus versiones son oscuras y tienen un aire aún más estremecedor, no solo en cuanto a la lírica, sino también musicalmente. El acompañamiento de su guitarra le otorga un sentimiento de soledad desgarrador.

En los sesentas aparecen más versiones. Pero hay una de 1965 a cargo del grupo del saxofonista Clifford Jordan, con la voz de Sandra Douglass para el sello Atlantic, que es destacable. La letra ha sido modificada, un hombre ha muerto bajo el tren y su esposa queda con la única chance de prostituirse para sobrevivir.

Con casi 200 interpretaciones conocidas del tema, otros artistas influyentes de la corriente conocida como ‘Americana’ también se acercaron a ella. The Louvin Brothers, Bob Dylan, The Four Pennies, Dolly Parton, Loretta Lynn, Screaming Trees, Mark Lanegan, y Fantastic Negrito, entre otros. Este último, artista de Oakland, California, cambió parte de la letra y le agregó un puente, para incluir la temática de las mujeres que debieron enterrar a sus hijos a merced al gatillo fácil de la policía. De hecho Negrito perdió un hermano de 14 años por esa razón.

La versión del grupo chileno Los Tres (2010), renombrada como ‘Diabla’, contiene modificaciones en la letra, armonía y melodía, pero mantiene la esencia de la tradicional y es la primera versión de la canción grabada en español.

Lo que sentí al hacer esta entrada del blog, investigando en mucho sitios, leyendo y escuchando tantas versiones, es que ‘In the pines’ es una canción que tiene vida propia, se retroalimenta y seguirá sorprendiéndonos y estremeciéndonos por siempre.

Fuentes: 

https://blackdeerfestival.com/pick/story-of-the-song-1-in-the-pines/#:~:text='In%20The%20Pines'%2C%20in,the%20form%20of%20sheet%20music.

https://slate.com/culture/2019/04/in-the-pines-song-kurt-cobain.html

https://nativeground.com/pines-history-lyrics-tips-playing/

https://www.nytimes.com/1994/11/13/arts/pop-music-a-simple-song-that-lives-beyond-time.html