Shout, Sister, Shout!: La historia no contada de la pionera del Rock ‘n Roll Sister Rosetta Tharpe - 2008

Quienes son los padres del Rock ‘n Roll es algo que está siempre en discusión. Fue Fats Domino gracias a su baterista Earl Palmer? Fue Ike Turner, gracias a la guitarra distorsionada de “Rocket 88”? Fue Louis Jordan con su Jump Blues? Como sea, siempre hablamos de los padres, pero nunca de la “madre”. Y claro, ella fue Sister Rosetta Tharpe.

Cuando avanzada la década del 50, le preguntaban por su música ella contestaba “Oh, estos chicos y su Rock ‘n Roll, eso es simplemente rhythm and blues acelerado, yo lo vengo haciendo desde siempre.” Sister Rosetta Tharpe y su Gibson SG fueron la prueba más contundente de que las mujeres también podían rockear. “Shout, Sister, Shout!” (Gayle Wald, 2008) es la primera biografía de esta artista pionera que influyó de manera innegable en gente como Elvis Presley, Etta James, Bonnie Raitt, Johnny Cash y Chuck Berry, entre muchos otros, pero que ha recibido un reconocimiento en forma tardía. Nacida en Arkansas en 1915, Tharpe fue criada en la Iglesia Pentecostal y desde el punto de vista musical, claramente en la tradición góspel. Pero ella produjo música que cruzaría los géneros. Tharpe fue antes que nada la primera Super Estrella de la música góspel y una de las primeras en construir el puente con el Rythm & Blues y sentar las bases para el primer Rock ‘n Roll.

Sister Rosetta Tharpe fue una marcada influencia Little Richard, quien fue invitado por ella para abrir su show en el Macon City Auditorium en Georgia. Pero hay que hablar de Elvis Preseley. El Rey grabó varias canciones que fueron hits de Tharpe, incluyendo “Up Above My Head,” “Just A Closer Walk With Thee,” “This Train” y “Down By The Riverside.” Elvis también se vio cautivado por el estilo único de púa que utilizaba Rosetta. Desde lo estrictamente musical, estamos ante una guitarrista que no se limitaba simplemente la escala de blues. Rosetta usaba muchos cromatismos, frecuentemente asociados al jazz. Sin embargo, los yeites de Rosetta no se sienten jazzeros, más que nada por su groove y por la manera en que estira las cuerdas. Este video de youtube recopila los mejores solos filmados de Rosetta.

Ella fue una de las primeras en diseñar un tour bus apto para poder comer y dormir en la carretera y así evitar episodios de discriminación racial. Pero ella misma no tenía ese problema y queda demostrado cuando contrató como coristas al cuarteto vocal The Jordanaires (cuatro hombres blancos), toda una movida desafiante para una artista negra. Rosetta vivió matrimonios fallidos, discriminación no solo por su color de piel, sino también por su orientación sexual (giró mucho tiempo con quien se dice era su amante, Marie Knight). Su música desafió cualquier clasificación y pasó por arriba muchas normas culturales y sociales de su tiempo. Todos estos elementos nos hacen dar cuenta que estamos describiendo a una Rock Star de pies a cabeza.

Muchos conocimos a Sister Rosetta Tharpe en el film realizado en 1964 donde la vemos llegar en una carreta a una escenografía de estación de tren y hace volar nuestras pelucas por el aire con esa Gibson SG. Esa actuación televisada fue parte de “The American Folk Blues Festival”, el festival de música itinerante que se celebró en distintos países de Europa entre el 62 y el 66 en el que también actuaron Muddy Waters, Howlin' Wolf, John Lee Hooker o Sonny Boy Williamson.

Su diabetes fue diagnosticada tarde y el problema había avanzado al punto de que una de sus piernas debió ser amputada. Pero ella siguió rockeando hasta su muerte en 1973 a causa de un paro cardíaco.  

Su fama y su importancia fue por muchos años eclipsada por el crecimiento de aquellos a quienes ella misma influyó. Pero afortunadamente, desde hace algunos años su figura no para de crecer. Bonnie Raitt dice que "Rosetta fue una de las más amadas e influyentes artistas del góspel pero que también forjó un camino para el resto de las mujeres guitarristas. Hace mucho tiempo que Rosetta merece un reconocimiento más amplio y un sitio de honor en la historia de nuestra música” concluye la colorada. En 2018 Felicia Collins, Brittany Howard, y Questlove se unieron para introducir a Sister Rosetta Tharpe al Rock and Roll Hall of Fame. En diciembre de 2019 la cantante y rapera Lizzo apareció en Saturday Night Live y su guitarrista, Celisse Henderson, utilizó la oportunidad para homenajear a la legendaria Rosetta. Henderson apareciò junto a Lizzo deformando la intro del tema “Truth Hurts” y adptándola al sonido de Rosetta, junto con un vestuario acorde y, por supuesto, una hermosa Gibson SG Custom color crema. 

Gayle Wald, autor del libro y biógrafo de Tharpe, lo dice mejor que nadie: “Rosetta, tenía el hábito de tocar los más alto que se pudiera, basado en la creencia Pentecostal de que el Señor sonríe a aquellos que producen un sonido alegre”

Sister Rosetta Tharpe en Spotify

Recomendaciones: 
Cortometraje Documental "The Woman who Invented Rock n' Roll"

Fuentes:

Shout, Sister, Shout!: The Untold Story of Rock-and-Roll Trailblazer Sister Rosetta Tharpe, de Gayle Wald 
https://www.premierguitar.com/articles/11598-forgotten-heroes-sister-rosetta-tharpe?page=1
https://www.openculture.com/2020/02/the-woman-who-invented-rock-n-roll.html
https://www.openculture.com/2019/11/the-hot-guitar-solos-of-sister-rosetta-tharpe.html
https://www.rollingstone.com/music/music-news/lizzo-sister-rosetta-snl-930708/

Fantastic Negrito - White Jesus Black Problems - 2022

En la vida de todo superhéroe -y Fantastic Negrito lo es- hay una historia de origen. Hoy se lanzó oficialmente el álbum visual “White Jesus Black Problems” (WJBP), la historia de origen de Fantastic Negrito. 

"En un mundo de nosotros contra ellos, zurdos contra diestros, negros contra blancos, esta es la historia de la relación prohibida e interracial de mis abuelos en séptima generación. No soy quien pensaba que era, pero soy exactamente quien necesito ser"
Fantastic Negrito

WJBP es el cuarto disco del tres veces ganador del Grammy, Fantastic Negrito, que fue editado a través de su propio sello, Storefront Records. Pero no se trata de cualquier disco. WJBP es una ópera rock, es un álbum y una película, o mejor dicho, un álbum visual, como a él le gusta llamarlo. Este trabajo habla de sus ancestros en Virginia en el siglo XVIII. Desde el sonido y las canciones, el álbum se trata del híbrido al que nos tiene acostumbrados Negrito, esa mezcla entre el blues más primitivo de Skip James y Robert Johnson y el funk de Prince o Sly Stone. A esta altura ya podríamos definir al músico de Oakland, California, como un género en sí mismo. Sin embargo, esta entrada de Escuchate Esto! no es una critica de su disco, sino mas bien hablar de la historia de vida de Fantastic Negrito y su nueva realidad a través de citas y declaraciones. "Fantastic Negrito es la verdad de un hombre dicha desde la música de raíces negras. Cada canción es una historia real." Esta cita es de 2014, el primer textual que recuerdo haber leído de él, y aún hoy, sigue vigente y se mantiene coherente a sus principios. 

En junio de 2021 pude hacer mi segunda entrevista con Xavier Amin Dphrepaulezz (Fantastic Negrito) para el programa de radio "Modo Nocturno", y el podcast y el blog de Escuchate Esto! Recuerdo esa charla como un momento muy especial. Mis intenciones fueron darle un abordaje musical a ese encuentro, pero Xavier la convirtió en una colección de vivencias, historias de auto superación y resiliencia. Esa fue, además, la primera vez que lo escuché mencionar el origen de su linaje y de lo que sería WJBP.

“Descubrí en el sitio ancesters.com a mi tataratataratatara… mi séptima abuela. ¡Fue una mujer blanca escocesa! En 1719 en Virginia, en el Sur, durante la esclavitud, mi séptima abuela blanca fue a la cabaña de los esclavos y se enamoró de mi abuelo esclavo, tuvieron un romance secreto. Fueron a la corte... ¡Encontré el registro de la corte! Fueron arrestados, y recibieron un cargo por ‘convivencia ilegal con un esclavo negro perteneciente a Henry Jones’. ¡Vengo de unos hijos de puta bien rebeldes, ¡¿Entendés!? ¡Está en mi sangre! Ese es mi linaje, mis ancestros reales. Escribí todo este nuevo álbum sobre su historia de amor y de cómo mi abuela blanca de Escocia enfrentó el racismo, la supremacía blanca, encontró el amor en un esclavo, tuvieron 7 hijos, les quitaron los hijos... una historia increíble. Es un álbum muy dramático, como una ópera rock, una película y un disco juntos y tal vez sea mi último disco.” 

Fantastic Negrito utiliza permanentemente sus cuentas en redes sociales para expresar absolutamente todo lo que pasa por su cabeza. Semanas después de publicar el primer sencillo del disco, llamado “Highest Bidder”, el 23 de febrero publicó esta foto en su cuenta cuenta de Twitter, junto con el siguiente texto:  

“Necesito su ayuda. Esta es una imagen del hombre que conocí como mi abuelo. Me gustaría saber quién es realmente este hombre. No reniego esta imagen de un poderoso y digno rey negro que me ayudó a evitar una vida de malas decisiones, crimen y drogas, pero por favor, ayúdenme a identificar a esta persona. Crecí con la foto de alguien a quien creí mi abuelo por 53 años. Esta foto representa fuerza, coraje, posibilidades ilimitadas, desafío, pero no sé quién es esta persona, todo lo que tengo es esta foto. Mi apellido es Dphrepaulezz… ¿Quién inventó eso? Mi padre decía ser de Somalía pero recientemente me enteré que nació en Bahamas, en 1905. Vivir una mentira es una carga muy grande. Mi padre nació una generación después de la esclavitud, en 1905, y no puedo imaginar los obstáculos que tuvo que enfrentar, así que no lo culpo demasiado por fabricar completamente su origen. ¿De qué manera esta nueva revelación informa y me ayuda a navegar el tema de la raza en Estados Unidos? Ahora es más claro para mi cuánto hay de construcción es esto de las razas.”

El 11 de marzo se lanzó oficialmente el segundo simple, llamado "Oh Betty" en referencia directa a su séptima abuela, Elizabeth Gallimore. " 'Oh Betty' fue tal vez una de las canciones más emocionales del disco. Traté de materializar las emociones de mi séptimo abuelo, sus miedos e inseguridad, su amor por su mujer y madre de sus hijos. El miedo y la ansiedad de que tal vez Betty Gallimore prefiriera dejar su vida como sirvienta y empezar una nueva, yéndose con otro hombre libre y elegir dejarlo." Negrito explica que eligió a los músicos de su banda, amigos y a su contador para actuar en la película. "Cuando comencé con este proyecto, no sabía cómo hacer una película y no conocía a ningún actor. Cuando estábamos grabando el disco, en un momento, me di vuelta y miré a James Small, el baterista de la banda. Pensé, este tipo es alto y apuesto, podría interpretar a mi abuelo en la película. Una vez que aceptó hacerlo, descubrí que el mismo estaba en una relación interracial con una hermosa mujer blanca -Sahara Brubeck-  que inmediatamente imaginé que podía interpretar a mi abuela. Les pregunté a ambos si querían ser parte del álbum visual y los dos la rompieron!" Desde lo estrictamente musical, explica que "pude canalizar a Skip James en un 100% en muchas de mis canciones, especialmente en 'Oh Betty'. Skip James es lo mas cercano al África que jamas había escuchado salido del Mississippi... Ha sido una influencia tan grande en mi música. ¿Y que hay de Robert Johnson...? Escuchen 'Hellhound on my trail', la cosa mas grande alguna vez grabada, mas que una canción, es un testamento espiritual de la condición humana." 

Acerca del título de su disco, "White Jesus, Black Problems", dice que "hay gente que esta odiando el título del disco. Nunca pensé que ser un artista implicaría tener miedo de que alguien pudiera sentirse ofendido por el contenido o el mensaje. ser un artista representa libertad. De otra forma, estaría trabajando en una oficina."

En cuanto al sencillo "Trudoo", el tercer adelanto, Negrito explicó que esa canción "representa el aspecto mas importante de la vida, el aspecto espiritual, mental, físico y de la salud de un ser humano. Todo eso es la libertad. Lo que tomo de esta historia, es que cualquier logro puede ser conseguido. Ellos perseveraron en una de las mas épocas mas traumáticas e inhumanas de la historia. Que su lección sea una inspiración para nosotros." “They Go Low”, una hermosa balada de piano, fue el cuarto adelanto del álbum. Negrito se refiere a este track como “una canción que su antepasado esclavo hubiera cantado acerca de la vida que hubiera querido vivir.”

Ya en el mes de julio y una vez iniciada su gira mundial que lo traerá a la Argentina en diciembre, Negrito sube a su cuenta de Instagram la tapa de la revista Premier Guitar que lo tiene como protagonista, acompañada del siguiente texto: "Gracias @premierguitar por tenerme en su portada. Entiendo que soy un completo freak y un raro a los ojos de algunas personas. Eso suele definirse como una "pesadilla de marketing" desde el primer día, pero no tengo problemas con eso... Manténganse honestos a quien realmente son, no importa lo que te digan."

Probablemente "White Jesus Black Problems", pase  a la historia como un manifiesto acerca de la importancia de nuestros orígenes, y de cómo el amor puede vencer al odio. Disfrutemos de este trabajo que, según sus propias palabras, tal vez sea la última obra como disco completo de Fantastic Negrito, un artista que en solo seis años, pasó de tocar en las calles por monedas, a convertirse en uno de los referentes actuales más importantes para la escena de la Bay Area de Oakland, Berkley y San Francisco. 

Por eso, no lo dudes y Escuchate Esto! 

Tracklist:

1. Venomous Dogma
2. Highest Bidder
3. Mayor of Wasteland
4. They Go Low
5. Nibbadip
6. Oh Betty
7. You Don’t Belong Here
8. Man With No Name
9. You Better Have A Gun
10. Trudoo
11. In My Head
12. Register of Free Negroes
13. Virginia Soil

Starring @J_Sticknasty and Sahra Brubeck
Directed and shot by: Aerick Neal
Produced by: Heidi Roodvoets and Adyam Abraham
Filmed @RevPlantation

Los inicios de Muddy Waters

Pocos artistas tuvieron tanta influencia en el desarrollo del blues eléctrico y del rock 'n' roll como tuvo Muddy Waters. En esta entrada de Escuchate Esto! vamos a repasar algunos pasajes del ensayo “THE UNTOLD TRUTH OF MUDDY WATERS” de William Wrigth acerca de los inicios de McKinley Morganfield, desde los campos de algodón en Mississippi en los años 40 hasta su explosión como artista emblemático en la ciudad de Chicago.

Visto desde la perspectiva de hoy en día, lo que hizo a Muddy Waters diferenciarse y posicionarse como un artista rupturista, parece sencillo y previsible: adaptar su toque de country blues y delta blues a un instrumento amplificado con electricidad. Pero fue mucho mas que eso, fue empujar desde la guitarra eléctrica el nacimiento del blues urbano que nos llevaría directamente al desarrollo del rock 'n' roll en los '50. Y eso es mucho decir.

Tanto el año de su nacimiento (1913 o 1915) como el lugar preciso (Sharkey o Isaqueana, ambos en Mississippi) son motivo de debate. Gracias al libro "Can't Be Satisfied: The Life and Times of Muddy Waters", de Robert Gordon, sabemos que su padre, Ollie Morganfield, trabajaba con mulas pero también que era un músico talentoso. De su madre, Berta Grant, en cambio casi nada se sabe, solo que murió poco tiempo después del nacimiento de McKinley. El cuidado del niño quedó a cargo de su abuela, Della Grant. Al pequeño le encantaba chapotear y jugar en las oscuras aguas del delta, por lo cual se ganó pronto el apodo de “Muddy” (barroso o lodoso). Con 8 años y luego de solo 3 de educación formal, el pequeño Muddy tuvo que abandonar la escuela para trabajar en el campo y ayudar a mantener a su familia. 

Pero trabajar la tierra por aquellos años estaba apenas un escalón por encima de la esclavitud. A cambio de una pequeña parcela, un aparcero y su familia debían trabajar de sol a sol en los campos de algodón y el terrateniente se llevaba la mitad de la cosecha y deducía las semillas, herramientas, y el poco ganado que hubiera sido entregado, de lo que quedaba. Aunque el trabajo dominaba la vida de Muddy, su abuela se aseguraba que el niño asistiera a la iglesia cada domingo. Y allí fue donde descubrió el poder de la música.

En el libro "Deep Blues", Muddy le cuenta a su autor, Robert Palmer, que una vecina le dejaba escuchar música en su fonógrafo todo el tiempo. Expuesto a las grabaciones de Blind Lemon Jefferson, Tampa Red, y Memphis Minnie, Waters desarrolló un vocabulario musical basado en el blues y la iglesia. Al mismo tiempo, empezó a tomar contacto con instrumentos musicales de manera artesanal. Cualquier cosa que produjera sonido era un escape al trabajo del campo. A los 8 años, Muddy tuvo acceso a un acordeón, luego a una armónica, con la que acompañaba a un amigo guitarrista y a los 10 años, su abuela le regaló su propio fonógrafo. 

A los 14 tuvo su epifanía en el Blues cuando vió tocar en vivo a Son House en las afueras de Clarksdale. Las habilidades de House para tocar la guitarra slide, empujaron a Muddy a dejar de lado la armónica y pasarse a la guitarra. Luego de vender un caballo, repartió las ganancias con su abuela, se quedó con algo de dinero, y por 2 dólares con 50 centavos, compro su primera guitarra. Inmediatamente empezó a tocar todas las noches en los juke joints de Clarksdale y alrededores llegando a ganar hasta u$s 2.50 cada noche. Pronto cambió aquella primera guitarra por una de 14 dólares, un modelo del catálogo de las famosas tiendas “Sears, Roebuck & Co.”.

En el verano de 1941, Muddy Waters escuchó el rumor de que un hombre blanco lo estaba buscando. Alan Lomax, un musicológo de 26 años que trabajaba para la Biblioteca del Congreso, tenía la misión de documentar la música folk del Sur de los Estados Unidos. Lomax había escuchado que Waters era tan bueno como el fallecido bluesman Robert Johnson y quería grabar su música. Aún así, a Waters no le daba confianza el acercamiento de un hombre blanco. Para romper esa barrera de desconfianza, en el momento en que se conocieron, Lomax pidió al músico un poco de agua, y para su sorpresa, utilizó el mismo vaso del que Muddy había tomado. En el Sur segregado, un acto de esa naturaleza era inimaginable. Además de una entrevista, Lomax grabó dos canciones ese día: "Country Blues" y "I Be's Troubled". Muddy no solo se sorprendió al escuchar su voz en una grabación, sino que además, se dió cuenta que lo que hacía era tan bueno como cualquier otro disco que hubiera escuchado antes. Meses después, recibió un paquete por correo conteniendo dos discos y un cheque por 20 dolares. Así imaginó ese momento el director Darnell Martin en su film “Cadillac Records” (2008)

Pensando en ser alguien en el ambiente musical, Muddy dejó su pueblo, Stovall, Mississippi, y viajó a St. Louis, pero encontró la gran ciudad demasiado fría e impersonal. Volvió a Stovall para luego volver a irse, esta vez, a la ciudad de Chicago. Muddy Waters llegó a Chicago en 1943, con una maleta y una guitarra. Trabajaba como camionero durante el día y tocaba en fiestas y bares por las noches. Sin embargo, según le contó Muddy a Peter Guralnick en el libro "Feel Like going Home: Portraits in Blues and Rock 'n' Roll.", para dejar su marca en la gran ciudad, necesitaba ser oído en las calles, en los bares, en los nightclubs, y para eso necesitaba una guitarra eléctrica. Aunque T-Bone Walker venía usando un instrumento amplificado desde hacía algunos años, la diferencia fue que Muddy utilizaba un amplificador pequeño que sacaba un sonido roto, casi distorsionado. Los licks inspirados en Son House, transformaron el instrumento para siempre y le dieron una voz poderosa al blues de Chicago.

En 1946, su novedoso sonido llamó la atención de Columbia Records, para quienes grabó algunas canciones pero que nunca fueron editadas. Aquí es cuando su camino se cruzó con Lejzor y Fishel Chyzh. Estos dos hermanos polacos encontraron la veta de grabar musicos negros y se asociaron alm sello Aristocrat Records. A Leonard y Phillip Chess (así adaptaron sus nombres y apellido al idioma inglés) al principio les interesó grabar jazz, pero por alguna razón, esto no rindió sus frutos. Ellos podían entender el jazz, una música más universal tal vez, pero el blues rural era una música completamente extraña para ellos. Pero simplemente confiaron. Para 1950 siguieron creciendo y pudieron comprar el sello Aristocrat y lo renombraron "Chess Records" y claro, si hay que hablar de Chess, hay que hablar de Muddy. Pero esa, es otra historia. 

Fuentes:

https://www.grunge.com/405181/the-untold-truth-of-muddy-waters/
"Feel Like going Home: Portraits in Blues and Rock 'n' Roll" de Peter Guralnick
"Can't Be Satisfied: The Life and Times of Muddy Waters" de Robert Gordon, 
"Deep Blues", de Robert Palmer
Cadillac Records (2008), de Darnell Martin

The Jubilee Singers - El primer supergrupo de la historia

The Jubilee Singers fueron una sensación mundial. Pero una agenda de giras muy agresiva dejó a estos jóvenes artistas del gospel mas primitivo, exhaustos, mal pagos y, en algunos casos, muertos. Fueron los productores -blancos, abolicionistas, educadores- quienes alentaron a las Jubilee Singers a cantar estas canciones ante el público de América y Europa y eventualmente los tour managers quienes les pagaban poco y nada y los explotaron. Esta historia tiene como fuente principal el relato que Ella Sheppard, una de las protagonistas, escribió en 1911. 

A fines de diciembre de 1871 y Henry Ward Beecher, el Ministro de la Iglesia Plymouth en Brooklyn, había invitado a este grupo de jóvenes de la Fisk University de Nashville a cantar para su congregación en New York. El grupo de artistas —5 mujeres y 4 varones afroamericanos de entre 14 y 25 años— comenzaron a cantar. Imaginen una audiencia encantada -en el literal significado de esa palabra- por una música que nunca antes habían escuchado. Un público transportado por spirituals que contaban historias de esclavitud y libertad. “El primer himno que cantaron fue ‘O, how I love Jesús!’.” Un cronista escribió: “Nunca olvidaré ese sonido celestial mientras sus voces se mezclaban en una melodía tan hermosa y emocionante". Los dulces sonidos de estas "melodías de las plantaciones", "himnos esclavos" o, como mas tarde se conocieron, “songs of jubilee” fueron producto de generaciones de soportar traumas, y resilencia ganada con esfuerzo, una creatividad genial criada en la esclavitud. Estas canciones nacidas a principios del siglo 19, no solo tocaban temas religiosos sino que también eran usadas a veces como herramientas para sobrevivir. “Wade in the Water,” por ejemplo contenía un código de escape que describía una estrategia para evadir a los sabuesos perseguidores. Harriet Tubman se refería a ellas como “map songs” como método de dar ubicaciones a los esclavos a escapar al norte. 

Dos protagonistas de esta historia son La Fisk University’s Jubilee y la American Missionary Association (AMA), un grupo de evangelistas y abolicionistas que dirigían este colegio de 900 alumnos desde 1866. La AMA, mas radical que otras organizaciones misioneras abolicionistas, rehusaba recibir donaciones de los vendedores de esclavos e incorporó afroamericanos a su estructura dirigencial. Pero tanto educadores como alumnos sufrían las carencias económicas de la escuela. Ella Sheppard decía que “no había dinero ni siquiera para la comida, mucho menos para reparar un techo.”

En el verano de 1871, George White, un maestro y director de coro de la Universidad de Fisk, reunió en una oficina a un grupo de 4 estudiares que habían cantado en el coro de la escuela en una oficina y los instó a cantar. Sonaron canciones que sus familias y ancestros les habían enseñado. “Jamás soñamos alguna vez cantarlas en público" escribió Ella Sheppard. Durante los siguientes meses, a pedido de George White, Ella se tomó el trabajo de transcribir las canciones, incluyendo “Before I’d Be a Slave” y “Swing Low, Sweet Chariot.” Con sus arreglos vocales, White creó un estilo único instruyendo al coro a cantar muy suavemente, pianissimo. Entonces apareció la idea de llevar a los Jubilee Singers al norte a tratar de ganar algo de dinero que la universidad necesitaba para mantenerse a flote. Luego de convencer a las familias, y, préstamo mediante, George White asumió los costos logísticos de la gira.  

Los integrantes del grupo inicial fueron Ella Sheppard, Maggie Porter, Isaac Dickerson, Thomas Rutling, Greene Evans, Benjamin Holmes, Eliza Walker (todos ellos nacidos en cautiverio). Solo dos habían nacido en libertad: Jennie Jackson, 19, soprano, y Minnie Tate, 14, contralto. En la imagen a la izquierda: Ella Sheppard, George White, Minnie Tate, Isaac Dickerson y Jennie Jackson

El primer tramo de la gira se inició el 6 de octubre de 1871 y duraría casi un año. Algo que les pasaba con frecuencia, es que muchos de quienes los contrataron  ignoraban su afrodescendencia, por lo cual pocas veces se les permitió utilizar ciertas comodidades y tuvieron que pasar las noches en estaciones de tren. No obstante, las noticias sobre el grupo corrían rápido y la cantidad de público iba en aumento ciudad tras ciudad. El despegue definitivo se dió en New York.  

En 1872 se unió al grupo Georgia Gordon Taylor. Ella relató que "cada noche alguno de nosotros contaba alguna historia de esclavitud, o cómo su madre fue vendida, o algo por el estilo" y luego cantaban canciones como “No More Auction Block for Me”—una serie de referencias al hambre y la violencia que traía consigo la esclavitud—“Nobody Knows the Trouble I See,” y “Steal Away to Jesus,” que visualiza el Paraíso como un escape de las degradaciones y el dolor de la vida cotidiana del esclavo

El grupo había estado en gira sin parar y cantando casi todas las noches sin ninguna ganancia (al menos no para ellos) y las exigencias de los viajes constantes empezaban a mellar en la salud de los artistas. En la primavera del 73 surgió el “Farewell Tour” con la ambiciosa idea de llevar su música al Reino Unido. Gran Bretaña se había vuelto un destino amigable para los afroamericanos libres en busca de asilo político y apoyo económico. Cantaron en Escocia para la Reina Victoria, quien les pidió escuchar “John Brown’s Body.” 

Las ganancias para la Fisk University del tour británico (a veces hacían hasta 3 presentaciones diarias ) fueron de mas de 1 millón de dólares en dinero actual. Pero sus condiciones laborales no cambiaron demasiado y los reclamos se hicieron sentir: vacaciones, menor cantidad de presentaciones semanales, permiso para poder cantar en forma solista y así poder tener su propio beneficio económico. Tan consumidos estaban por las demandas del tour, que solo uno de los miembros del grupo tuvo tiempo para ocuparse de sus estudios y logró obtener su título universitario. Y la salud también estaba en juego: en 1875 la tuberculosis se llevó la vida de Benjamin Holmes y un año mas tarde Julia Jackson sufrió lo que hoy conocemos como un ACV. 

En el Reino Unido, además, se enteraron de que los managers estaban entrenando a otros estudiantes para reemplazar a los cantantes cansados o enfermos. “De algún modo, ser un Jubilee Singer significaba estar esclavizado nuevamente, además de tener que responder a un manager blanco” escribió la historiadora Sandra Graham en su ensayo del 2006 “En el camino hacia la libertad: Los contratos de los Fisk Jubilee Singers.” 

En 1876, el grupo tuvo una batalla con la Universidad y con el AMA exigiendo dos meses de descanso que les habían sido prometidos. En 1878 viajaron a Alemania y recorrieron 41 ciudades y pueblos en 98 días, luego de lo cual el proyecto finalizó. AMA y los administradores de la Fisk, preocupados por el cansancio de los artistas, llegaron a la conclusión de que el grupo traía mas problemas que beneficios a esta altura y los hicieron volver. Lo que quedaba del grupo dió su ultimo show en la cubierta del barco que los traía de vuelta a New York  y cantaron “The Star-Spangled Banner” y “John Brown’s Body.” Se calcula que en esos años recaudaron algo así como $3 millones en dolares actuales que fueron para ambas instituciones. 

Ella Sheppard 

Ella Sheppard siguió girando con George White hasta 1882, y pudo generar sus propias ganancias para construir una casa para su madre y su media hermana en un lote que compró en Nashville; mas adelante se convertiría en docente y activista. Entre 1898 y 1901, surgió una nueva tradición de Jubilee Singers en la Fisk University que continúa hasta hoy con un grupo de estudiantes que viajan por el país -en mejores condiciones, claro- cantando las canciones que Ella Sheppard y los otros miembros del grupo recordaban de sus padres durante sus años como esclavos. Las grabaciones de "Swing Low, Sweet Chariot"  y "Done What You Tole Me To Do" de 1909 son el registro sonoro mas antiguo de los Fisk Jubilee Singers 

A medida que la lucha por los derechos civiles avanzó en el siglo XX, lo que alguna vez fueron canciones consideradas curiosas, se convirtieron en canciones de protesta y en una manera, una forma de comunicar al publico que esos relatos de cautiverio, siguen teniendo vigencia  y necesitan ser escuchados y entendidos 

Fuentes:

https://www.topic.com/they-introduced-the-world-to-songs-of-slavery-it-almost-broke-them
http://fiskjubileesingers.org/
Give Me Wings - the story of Ella Sheppard and the Jubilee Singers

Nina Simone & Lauryn Hill - The Miseducation of Eunice Waymon - 2018

Siguiendo con su serie Soulmates Project, esas “colaboraciones que nunca fueron”, en el año 2018 el productor Amerigo Gazaway reúne a Nina Simone y Lauryn Hill. El proyecto se llamó “The Miseducation of Eunice Waymon”. Nina y Lauryn conversan, se contestan, comparten referencias. Y hay que prestarles atención.

“The Miseducation of Eunice Waymon” nace en 2016 durante una Mesa Redonda en Seattle, en la que en medio de un debate acerca del Soulmates Project, la escritora Zandria Robinson le preguntó al productor: “En qué parte de tu proyecto se celebra a las artistas mujeres?” Dos años después, Amerigo había terminado el trabajo. Finalmente, la misma Zandria Robinson fue una de las primeras en escuchar este nuevo álbum y escribir las liner notes (esos escritos que acompañan el arte de los discos), de las cuales citamos algunos pasajes:

“Dos mujeres negras, dos generaciones, trabajadoras de la cultura por los derechos civiles y base de la cultura hip hop femenina. Se trata de una conversación vívida, pregunta y respuesta, y un llamado a la acción - privada, personal y pública – a través del espacio y el tiempo. Con "The Miseducation of Eunice Waymon", Amerigo Gazaway convierte a sus oyentes en niños que viajan en el asiento trasero de un brillante Chevy negro, siendo testigos de los misterios de la conversación entre estas dos mujeres adultas. Conforme van pasando los tracks, ambas se van conociendo entre ellas, mientras que Amerigo combina audios de entrevistas. El piano de una acompaña a la otra, la voz de Nina resuena detrás de la guitarra acústica de Lauryn. La audiencia puede finalmente escuchar a estas mujeres hablando de quienes son realmente, los cuidados, la alienación, la desesperación, la maternidad, el trabajo, la paz interior, y fundamentalmente la necesidad de liberación” –

Amerigo Gazaway, esa especie de "arqueólogo del audio" en permanente búsqueda de tesoros sonoros, lo hizo otra vez. Por eso, no lo dudes y Escuchate Esto! 

Tracklist: 
01. Feeling Good 
02. Ready Or Not feat. The Fugees 
03. Doo Wop (ThatThing) 
04. To Zion feat. Carlos Santana 
05. Fu-Gee-La feat. The Fugees 
06. The Sweetest Thing feat. John Forté 
07. Take It Easy 
08. Peace Of Mind 
09. Lost Ones 
10. Killing Me Softly 
11. If I Ruled The World feat. Nas 
12. How Many Mic feat. The Fugees 
13. So High feat. John Legend 
14. Care For What 1:04:16 
15. Angel Of The Morning 
16. The Miseducation of Eunice Waymon 
17. Fu-Gee-La (Refugee Camp Remix) [Bonus Track]

Produced by Amerigo Gazaway 
Executive Producer: Rickey Mindlin
Soul Mates 2018

Referencias, links para escuchar y descargar el disco

Teaser
https://youtu.be/KPyHcFTUggs 

Download the full album here:
https://soulmatesproject.bandcamp.com

The Miseducation of Eunice Waymon: The Original Samples
https://open.spotify.com/playlist/2iyAifdkFNDuKHC0hhEzQp

DIY Acapellas by The Goodwill Projects:
http://www.thegoodwillprojects.com

http://amerigomusic.com
http://soulmatesproject.com
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Byron Lee por Soulsolete

Antes de que el ska y el reggae fueran conocidos fuera del Caribe, hubo un personaje clave que logró seguidores internacionales tocando música jamaicana y desempeñó un papel vital en la popularización de sendos géneros en todo el mundo. Su nombre, Byron Lee, el gran protagonista de la siguiente entrada del blog de Escuchate Esto!

Byron Lee formó parte de esa larga estirpe del mestizaje chino-jamaicano que, con sus invaluables producciones y trabajo, aportó una inmensidad de composiciones al desarrollo de la música jamaicana y, por extensión, en la música popular a nivel mundial. Nunca podemos olvidar que personajes como Ivan Chin en la era del mento, Leslie Kong, Randy Chin, Justin Yap, Charlie Moo o The Hoo Kim Brothers en Channel One Studios, fueron algunos de los arquitectos de la cultura sonora de nuestra isla musical favorita a los que debemos agradecer la colocación de algunas piedras angulares del reggae en el panorama mundial. Pero esa, es una batalla que ya fue contada magníficamente por el anfitrión de Escuchate Esto! y no procede en absoluto para desviarnos del camino con el que empezamos a contar esta otra historia.      

Lee aprendió a tocar el bajo de manera autodidacta y el piano en el colegio, pero pulsó el botón de pausa cuando entró a formar parte del equipo de fútbol de St George’s College. La camiseta que usaba dicho equipo tenía un escudo con San Jorge matando al dragón. Cuando el equipo ganó varias copas en tres divisiones, los jugadores celebraban las victorias en el vestuario con cánticos que, sin quererlo, dieron lugar a la génesis de la denominación de la banda de Byron Lee. The Dragonaires comenzaron a forjar su fama como grupo en la isla tocando Mento y Calypso allá donde les dejaban. 

Lee abrió una agencia de reservas y promoción de conciertos a principios de los años 60, Lee Enterprises Limited, así como su propio sello, Dragon's Breath. Trajo a Jamaica a artistas estadounidenses como The Drifters, Chuck Berry, Sam Cooke y Fats Domino y se encargó de que su banda fuera la encargada de tocar en calidad de acompañantes musicales junto a dichas estrellas. Con Lee a la cabeza y el manager Ronnie Nasralla co-produciendo y manejando los arreglos comerciales, los Dragonaires hicieron todos los movimientos correctos para despegar con éxito, algo que Lee aprovechó con la llegada del Ska. En ese instante, el que el grupo adaptó su repertorio a sabiendas de que dicho género podía convertirse en uno que proporcionara una identidad musical propia a la isla, rompiendo así el largo dominio del R&B estadounidense.

En 1962, la banda tuvo una excelente exposición internacional cuando millones de personas vieron la película 'Dr. No' de James Bond. Filmada en Kingston y alrededores, presentaba a Lee y los Dragonaires en un selecto club nocturno mientras tocaban “Jump Up”. La escena en la que aparecen es, además, doblemente interesante desde el punto de vista de la casualidad cultural, ya que entre los extras que bailan al son de la música de la banda, se encuentra un jamaiquino blanco llamado Chris Blackwell, quien formaría Island Records aproximadamente un año después de dicha aparición fílmica.

El gran año para Lee fue 1964, momento en el que The Dragonaires tocaron en la Feria Mundial de Nueva York respaldando a Prince Buster, Eric Morris y Peter Tosh. Fueron una sensación en la feria y, gracias a ello, lograron dar conciertos importantes en algunos de los mejores clubes nocturnos de Manhattan. De vuelta en Jamaica, Lee compró WIRL a Edward Seaga y la renombró como Dynamic Sounds Recording, Inc., donde serían grabados una inmensa mayoría de los éxitos de Reggae de principios de los 70, así como material de artistas de la talla de Roberta Flack, Paul Simon, Johnny Nash o The Rolling Stones.

En medio de todas estas actividades musicales y comerciales, Lee mantuvo un calendario completo de presentaciones y grabaciones, editando sencillos regularmente y álbumes con una asiduidad anual. Fue eminentemente exitoso, aunque en años posteriores, incurriría en la ira editorial de algunos escritores que consideraban a su banda de baile como una versión pálida y diluida del ska, en comparación con agrupaciones como The Skatalites, The Maytals o The Wailers. Sin embargo, es innegable que Lee y su banda contribuyeron sobremanera a popularizar el ska y la música jamaicana durante los años 60. A pesar de esta supuesta naturaleza diluida atribuida, Lee y los Dragonaires mantuvieron seguidores hasta finales del siglo XX. Cuando la música dancehall comenzó a tener auge en Jamaica, Lee expresó abiertamente que no le gustaba y convirtió a los Dragonaires en una banda de soca, deleitando a las multitudes con sus nuevos temas en la celebración anual del carnaval de Jamaica.

Byron Lee continuó en activo incluso después de cumplir 70 años en 2005, pero al año siguiente fue diagnosticado de cáncer de vejiga y quiso hacer pública su experiencia con la enfermedad con el objetivo de crear conciencia. Fue un tipo con un alma enérgica, un caballero y un astuto hombre de negocios cuya fuerza motriz final fue el poder edificante de la música, y pese a que a menudo no se le toma en serio como músico, nadie puede negar todo lo que hizo por los ritmos caribeños.

A modo de cierre, y no sin antes agradecer con cariño y sinceridad a Tony su deseo de incluir de nuevo con nuestra participación en su blog, recomendamos darle una escucha a un disco de Byron Lee donde el rocksteady es el protagonista. Eso sí, no esperéis encontrar los habituales sonidos empalagosos o romanticones de Desmond Dekker, Alton Ellis o Tommy McCook & The Supersonics, más bien canciones con carácter y fuerza.

Muchas gracias y hasta la próxima. 
Soulsolete

 

Apasionado, la vida de Ricardo Pellican – 20 años

Hace 20 años emprendíamos lo que sería, hasta ese momento, el proyecto más ambicioso de nuestras vidas: producir y dirigir un largometraje. Inspirados en documentales que algunos conocidos nuestros habían realizado, nos adentramos en la aventura de contar la vida de un hombre a quien admirábamos: Ricardo Pellican. El proyecto lleva el título de una de sus canciones, “Apasionado”. Lo que jamás imaginamos es que gracias al documental y a la relación que se fue forjando entre nosotros, Ricardo se convertiría en un mentor, un maestro e incluso en una figura de padre para nosotros dos.

En enero de 2002, iniciábamos el rodaje de esta película hecha por un equipo de amigos y amigas, un proyecto hecho con mucho amor, mucha pasión, dedicación, muchas ganas y muy poca plata. Se trató de una experiencia de vida inolvidable e inigualable. Fueron más de 5 años, desde el nacimiento de la idea hasta la última decisión tomada en el montaje. La película para nosotros representa la propia experiencia de conocer a un hombre, admirarlo y convertirnos en parte de su familia.

Hoy en día Ivana, nuestra hija de 12 años, es alumna de Andrés, hijo de Ricardo. ¿Más detalles mágicos? Cuando empezamos el rodaje, Ricardo tenía 46 años, la edad que tiene Tony hoy en día.

Hoy es 13 de enero, es el cumpleaños de Ricardo Pellican y nos parecía un día ideal para subir este recuerdo como regalo para él.

Gracias Ricky y feliz cumpleaños! 

Tony Vardé, Natalia Baldrich, Ciudad de Buenos Aires, 13 de enero de 2022

El documental lo pueden ver acá

https://www.youtube.com/watch?v=Xn_BM-0SrKQ&list=PLGSY_8gfLdfAR2V_-VEkEU3pOhLZO82Z1

 

Apasionado, La Vida de Ricardo Pellican (Argentina, 2005)

Dirección: Tony Vardé
Guión: Tony Vardé, Natalia Baldrich
Dirección de Fotografía y Cámara: Sebastián Gallo
Cámaras Adicionales: Hernán Lastra, Natalia Baldrich
Asistentes: Magalí Barbatto, Pablo Elias
Dirección de Arte: Carolina Del Aguila
Sonido Directo: Maximiliano Bello
Post Producción de Sonido: Pablo Fornasati
Producción: Tony Vardé, Hernán Lastra, Natalia Baldrich
Edición: Tony Vardé, Natalia Baldrich, Sebastián Gallo

Participaron:
Carlos Rodríguez, Carlos Inzillo, Guillermo César Vadillo, Osvaldo Gallo, Manfredo Grüntzig, Juan Manuel González, Marcelo Vittor, Daniel González, Javier Malosetti, Walter Malosetti, Leo y  Mario Tegli, José Luis Seró, Daniel Galán, Jorge Aguirre, Luis De La Torre, Alfredo Desiata, Jorgelina Alemán, Andrés Pellican, Hugo Pellican, Lia Pellican, Sabrina Pellican, Néstor Gómez, Sergio Poli, Pablo González, Juan Carlos Ortega, Claudio Morales, Sebastián Lascaleia, Juan Antonio Rodriguez, Botafogo, Omar Mollo, Gabriel Cesario, Chachi Zaragoza