What Happened, Miss Simone? - Liz Garbus - 2015

Jazz, gospel, soul, folk ... nunca nadie pudo catalogarla con mucha precisión. Hasta eso fue polémico en su vida. La historia de Nina Simone esta plagada de éxitos y fracasos, de ascensos y caídas, de amor y violencia. El documental producido por Netflix, dirigido por Liz Garbus, y candidato al Oscar, muestra no solo la brillante trayectoria artística sino también su turbulenta vida personal. El film cuenta con extraordinario material de archivo (imágenes, fotos, cartas, shows y grabaciones de todas sus épocas y de muy diversos orígenes y connotaciones) y con conmovedores testimonios a cargo de su hija, su ex marido, sus músicos y amigos más cercanos. El film es clásico en su estructura (recorre incluso su vida de manera cronológica), pero siempre contundente y valioso.

El documental aborda sus orígenes humildes en un pueblo de Carolina del Norte, sus primeros éxitos en los escenarios de Nueva York a finales de los cincuenta, su debut en el Festival de Jazz de Newport, su consagración, su conversión en artista comprometida y el exilio. Si bien existía material documental previo a este film, nunca antes se había logrado una proximidad tan íntima como en "What happened, Miss Simone?" ni nunca se había hecho tan palpable el infierno de su vida privada. Como lo dijo la propia Nina Simone: “Soy yo la que tiene que convivir con Nina”.

Nina Simone fue el nombre que Eunice Kathleen Waymoon eligió para que el mundo la conociera, con la idea de convertirse en la primera mujer negra en triunfar en la música clásica. Con un talento fuera de serie para tocar el piano, se vio frenada por su color de piel. Nina enfrentó una etapa de feroz racismo y su música fue influenciada por la lucha por la igualdad de los derechos de los negros durante los '50 y los '60. Composiciones como "Mississippi Goddam" (censurada en la mayoría de las radios) expresan su rabia. “Strange Fruit” y “Tour Women” son otros temas polémicos. Nina podía componer y cantar como si cada frase tuviera el poder de convertirse en una declaración de principios. “Young, Gifted and Black”, con letra de Weldon Irvine se convirtió en la canción que aunó a toda una generación de universitarios negros. Simone se volcó al fundamentalismo, y proclamaba en cada presentación por un Estado negro separado y llamó a las armas a los negros.

Desde lo musical, Nina Simone reúne a Billie Holiday, Bob Dylan, Bach y Ray Charles, todo en uno. Como muestran las secuencias musicales de "What happened, Simone?" una artista irrepetible, una voz que emanaba música con total naturalidad y unas manos que volaban por arriba de las teclas, convirtiendo una canción swingeada en una fuga de Bach. Parece jazz, parece soul, parece blues, parece todo eso junto a la vez. Eso en Nina Simone.

Ficha IMDB

Living Colour - Middle Man - 2016

Parece que los años le han sentado muy bien a Living Colour. Acá los vemos hace unos días haciendo una versión jazzera de su clásico "Middle Man". Y si tenés alguna duda, Corey Glover al finalizar el tema, le dice a sus compañeros: "That was jazzier than last nigth!"

Living Colour - Middle Man June 1st, 2016 City Winery New York

Fantastic Negrito - The Last Days of Oakland - 2016

No es retro, no es clásico; el sonido de Fanatastic Negrito es original, un filtro por el que pasan Robert Johnson, Leadbelly, Muddy Waters, y cuyo resultado es una paleta sonora tremendamente  amplia. En una charla con Escuchate Esto!, Xavier Dphrepaulezz, conocido como Fantastic Negrito y su fiel ladero, el guitarrista chileno Tomás Salcedo, nos hablan de música, influencias, y de su nuevo disco recientemente editado, "The Last Days of Oakland".





Muchas cosas pasaron el la carrera de Fantastic Negrito luego de ganar hace mas de un año el Tiny Desk Contest de NPR Music para artistas independientes: su single "Lost in a crowd" (que le hizo ganar el concurso) fue el tema principal de la serie de Amazon "Hand of God" protagonizada por Ron Perlman. Fue convocado a casi cualquier festival de blues, jazz, y música independiente que se hiciera en los Estados Unidos (incluso participó del Festival Byron Bay en Australia). Fue elegido por Chris Cornell como telonero en toda su gira europea durante la primera mitad de 2016, llegando a tocar en el mismísimo Royal Albert Hall de Londres. Y hace pocos días realizó un cameo con su banda en la serie "Empire", de Fox. Mientras pasaban todas estas cosas, Fantastic Negrito grababa en su propio estudio casero ubicado en su ciudad, Oakland, California, su disco debut, "The Last Days of Oakland". El resultado es la música mas cruda que puedas llegar a escuchar este año. 

"Fantastic Negrito es la verdad de un hombre dicha desde la música de raíces negras. Cada canción es una historia real", explica el músico descendiente de musulmanes y nacido en Masachussets. Esa verdad, honestidad y crudeza que destilan sus letras, también se traducen en su sonido. Pero, ¿qué aportan calles de Oakland? "El sonido de Oakland es el sonido de los bordes, es sucio, explica FN, el abanico musical que surge de la Bay Area es vasto. Y la raíz de ese sonido es la cultura callejera". Tomás Salcedo, guitarrista chileno que vive en Estados Unidos desde los 18 años, cuenta que una vez vió a Xavier tocando en la calle. "El estaba con su piano en una esquina. Me metí a tocar y nos quedamos como 3 horas animando al publico que se había formado delante de nosotros. Ahí supe que el tenia el talento y la motivación, así que le dije que a la guerra yo lo iba a acompañar." 

"The Last Days of Oakland" es el trabajo de un artesano muy sofisticado que, tal como el lo explica, encara las grabaciones de la forma mas cruda y minimalista posible. "Me gusta arriesgarme en el terreno de la producción, amo crear sonidos en el estudio y tengo la mente muy abierta cuando se trata de la mezcla, para obtener resultados diferentes. Cuando empecé a escuchar mas y mas esta música que tanto me influyó, Leadbelly, Robert Johnson, sentí su crudeza y eso proviene del sonido." dice el Negrito. Tomás explica que en el disco se escuchan "muchas joyas en materia de percusión: golpes en el piso, claps, llaves, cadenas, pedazos de madera y otros instrumentos no muy ortodoxos. También muchas capas de voces, beatboxing muy sutil... hay mucho.""Lost in a Crowd", el tema acústico que los hizo ganar el concurso, se lleno de electricidad y fuerza en el estudio y se convirtió en el primer corte. "Working poor" fue el segundo adelanto, un tema con un groove funky con mucha presencia de hammond. Siempre el piano o el órgano están mas al frente, además de las voces de Negrito que se multiplican por capas y capas. Como explica Salcedo, "no somos una banda donde la guitarra es la estrella, trato de interpretar las canciones de una forma de apoyar a la voz y tomar mis momentos para brillar." El estilo tan amplio del chileno lo pueden llevar a sonar como Muddy Waters o como Tom Morello. "About a bird" es otro de los puntos altos del disco, una balada dramática con aroma jazzero, mucho soul y mucho blues. "Escribir canciones es como una terapia para mi", afirma FN, y la letra de "Hump through the winter" explica algo de eso: "Tengo tres trabajos para poder pagar mis cuentas, si eso no me detuvo, nada mas lo hará". Fantastic Negrito explica que nunca encara la música pensando en un estilo: "Primero trato de que la canción sea buena. Si la canción no es buena, no importa que estilo sea, no vas a conectar con la gente. Y ese es mi objetivo, conectar con quien este escuchando". El disco cierra con "Nothing without you", una balada soul bien clásica y super efectiva.

Tomás Salcedo sintetiza para nosotros el poder de Fantastic Negrito: "Xavier tiene un mensaje aplicable a la vida, vivir tu verdad, aceptarte como eres y no someterte al miedo ni al que dirán. Eso empaquetado en una presentación musical poderosa tiene un efecto consistente en el publico." En la segunda mitad del año, Fantastic Negrito volverá a acompañar a Chris Cornell en su gira por EE.UU. y, según nos adelantan, puede que en 2017 FN llegue a Sudamérica. Mientras esperamos ansiosos, tenemos la oportunidad de escuchar The Last Days of Oakland, así que no lo dudes y Escuchate Esto!

Lista de Temas:
1. Intro - Last Days of Oakland
2. Working Poor
3. About a Bird
4. Scary Woman
5. Interlude 1 - What Do You Do
6. The Nigga Song
7. In the Pines
8. Hump Thru the Winter
9. Lost in a Crowd
10. Interlude 2 - El Chileno
11. The Worst
12. Rant Rushmore
13. Nothing Without You

Fantastic Negrito y Tomás Salcedo en acción

Little Walter - The Best of (1958)

Si por esas casualidades venis siguiendo nuestro blog últimamente, seguramente has leído que muchos grandes nombran a un tal Little Walter: Jagger, Richards, Iggy Pop, Billy Gibbons, por solo mencionar las últimas entradas de Escuchate Esto! Déjenme presentarles a Walter Jacobs, Little Walter o Walter a secas... el pequeño Walter, el rey de los armoniquistas de blues, un genio, un virtuoso, un innovador, un tipo peligroso, un mago que desarrolló el distorsionado sonido de la armónica de forma que ninguno de sus predecesores pudo haber imaginado. Sus innovaciones instrumentales fueron frescas y adelantadas a su tiempo. Como compositor, cantante, y genio de la armónica, Little Walter fue uno de los mas grandes e influyentes artistas de blues de la posguerra.

Walter Jacobs era un creole nacido en Marksville, Louisiana en 1930. A los 14 se fue a Helena, Arkansas, y cayó bajo la influencia de Rice Miller, mas conocido como Sonny Boy Williamson II, quien junto a Walter Horton, forjaron su personalidad como armoniquista. El siguiente paso en su evolución se dio cuando empezó a escuchar los discos del saxofonista Louis Jordan y aprendió sus solos nota por nota en la armónica. En 1947 llegó a Chicago y empezó a grabar para el sello Ora Nellie, pero cruzó caminos con Muddy Waters en 1949, en una sesión de Jimmy Rogers y eso cambió su vida. Para 1950, Walter ya estaba firmemente establecido como el armoniquista de Muddy Waters en los estudios Chess, y de vez en cuando, aparecía como guitarrista en alguna grabación.

Sonny Boy Williamson y Snooky Pryor, fueron otros armoniquistas que habían usado amplificación antes, pero solo para ganar volumen. Little Walter, en cambio, creó nuevos sonidos nunca antes escuchados. Usaba amplificadores pequeños, los saturaba y así creaba distorsión. Algunos se arriesgan en afirmar que fue el primer músico en usar distorsión en forma intencional. La primer aparición de la armónica amplificada de Little Walter es en el tema de Muddy Waters, "Country Boy" (Chess 1952), grabado en julio de 1951. El sonido fue revolucionario. Ahora si, Waters tenía la banda mas ruda y con el sonido mas duro de Chicago. Los resultados de esa pareja sonora aún resuenan hoy en día.  El la película Cadillac Records (Darnell Martin, 2008), hay una acertada actuación de Columbus Short en el papel de Little Walter, aunque por momentos pueda parecer estereotipada.

Al igual que Williamson y otros, Walter fue maestro en bloquear ciertas notas y generar acordes, lo cual convertía su armónica en un instrumento rítmico muy efectivo. Al contrario de lo que muchos pueden imaginar, Little Walter no solo se dedicaba a la armónica diatónica. Hay grabaciones tocando la armónica cromática (el instrumental de 1956 "Teenage Beat" con Robert Jr. Lockwood y Luther Tucker Manning) . 
En 1952, Walter grabó "Juke", un gran hit tema instrumental producto de una zapada en una sesión con Muddy Waters. Little Walter se había convertido en una estrella. Entre 1952 y 1958, Jacobs metió 14 Top Ten hits, incluyendo "Mean Old World", "Tell Me Mama", "Blues with a Feeling",  "You Better Watch Yourself”, "Last Night" y "My Babe", una adaptación de Willie Dixon del gospel tradicional "This Train.".

Su violento temperamento, combinado con su severo alcoholismo, llevaron a Walter a protagonizar varios hechos de violencia. Uno de esos incidentes, producido en 1968, lo dejó con graves heridas que le costaron la vida a los 37 años. Como Muddy Waters dijo luego de su muerte, “Little Walter ya estaba muerto 10 años antes de morir.”

Su influencia para cualquiera que toque la armónica blusera es ineludible. En forma directa o indirecta, lo que Walter hizo te va a llegar de una u otra manera. Para conocerlo un poco mas y entender de qué se trata, compartimos el disco "The Best of Little Walter", disco fundamental en la historia del blues. Así que no lo dudes y Escuchate Esto!

Fuentes:
http://www.celticguitarmusic.com/harmlw.htm

http://www.gibson.com/News-Lifestyle/Features/en-us/spotlight-0215-2011.aspx

http://www.newworldencyclopedia.org/entry/Little_Walter

http://www.amazon.com/Little-Walter/e/B000APZWZI

http://www.rollingstone.com/music/artists/little-walter

Lista de Temas

1. My Babe
2. Sad Hours
3. You're So Fine
4. Last Night
5. Blues with a Feeling
6. Can't Hold Out Much Longer 
7. Juke

8. Mean Old World
9. Off the wall
10. You better watch yourself
11. BLue ligth

12. Tell me mamma

Músicos:

• Little Walter – lead vocals, harmonica
  Muddy Waters – guitar on "Juke" and "Can't Hold Out Much Longer"
  Jimmy Rogers – guitar on "Juke" and "Can't Hold Out Much Longer"
  David Myers – guitar
  Louis Myers – guitar
  Leonard Caston – guitar on "My Babe"
  Robert Lockwood, Jr. – guitar on "My Babe"
  Willie Dixon – bass, producer
  Elgin Evans – drums on "Juke" and "Can't Hold Out Much Longer"
  Fred Below – drums

Los 10 discos de blues favoritos de Billy Gibbons

T-Bone Walker, Freddie King, Johnny Winter, Stevie Ray Vaughan son solo algunos de los guitarristas nacidos en Texas que han dejado su sello en el blues. Siguiendo con la línea que comenzamos a trazar en el post anterior, vamos a conocer un poco mas sobre los gustos bluseros de Billy Gibbo, fundador de ZZ Top. Billy Gibbons se ha ganado un lugar en cualquier lista de guitarristas célebres. La revista Music Radar pide a Gibbons una lista de sus discos favoritos de blues de todos los tiempos, lo cual siempre es un desafío divertido para cualquiera. En Escuchate Esto! compartimos parte de esa lista y la acompañamos con un breve comentario que el barbudo hace de cada uno de esos célebres albums.

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Lightnin' Hopkins – Lightnin' And The Blues (1954)
"Su forma de tocar la guitarra podía despertar a un muerto​. Hace que quieras agarrar tus pedales y tu wah wah y arrojarlos lo mas lejos posible."

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B.B. King - Singin' the blues (1956)
"Las líneas melódicas que toca B.B. son inigualables. Aunque se llame "Singin' the blues", este creo que es el álbum en el que su guitarra despega definitivamente"

Jimmy Reed - At Carnegie Hall (1961):
"Alguien podría escucharlo y decir: 'ah, son solo 3 acordes... ' pero la complejidad que suena entre el guitarrista Eddie Taylor ​y Jimmy Reed ​es fascinante. Un ​misterio del Mississippi."

Freddy King – Freddy King Goes Surfing (1963):
"Este album muestra lo creativo y agresivo que Freddie podía ser como guitarrista. Melodía, ritmo, podía hacer todo él solito y con las notas justas."

Albert King - Born Under A Bad Sign (1967):
“Otra vez: llamo a este disco parte del 'misterio del Mississippi'. Cómo consiguió Albert King ese sonido? No lo se. Aquel guitarrista que quiera estudiar un sonido único y escuchar un tipo que realmente sabía estirar una cuerda, puede elegir a Albert King, no se va a equivocar. Además, escuchen a la banda, Booker T And The MGs. No se puede pedir mas."

 

Muddy Waters - The Chess Box (1989)“​Comparado con B.B. o Freddy o Albert,​ su toque puede no ser tan divertido, pero sus yeites son feroces. Hay mucha cosa del delta basado en guitarra slide. A pesar de haberse ido a Chicago, nunca dejó sus humildes orígenes.”

Howlin' Wolf - The Chess Box (1991)
“Tiene una mística que suena en sus grabaciones. Podía meter miedo, no muchos artistas pueden. Para mi es uno de los verdaderos bluseros originales"

Little Walter - The Complete Chess masters (2009)
“Con su armónica, Walter podía reemplazar una sección de vientos fácilmente.​ No era usual en esa época ver a un tipo mandarse esos solos tan distorsionados y salvajes. El era su propia banda."

En este link está la lista completa

ZZ Top - Tres hombres - 1973

Las canciones, el sonido, y el look texano de estos "Tres Hombres" ayudó a colocar a ZZ Top un escalón mas arriba que otras bandas de la época, como Lynyrd Skynyrd o The Allman Brothers Band, que definieron el sonido del rock sureño por aquellos años. Y la sencilla diferencia fue que ninguna de estas bandas tuvo una raíz tan arraigada en el blues como ZZ Top. Por eso, esta entrada se la dedicamos al tercer disco de ZZ Top: "Tres hombres" de 1973.



A primera vista, no hay nada realmente especial en el disco, es solo un disco de blues rock de ruta, de una banda de bar de Texas. Entonces, qué lo hace tan especial? Seguramente será ese groove sucio y desprolijo, gracias a la guitarra de Billy Gibbons y la firme propulsión de Dusty Hill y Frank Beard en la sección rítmica. La banda consigue la mezcla perfecta de shuffles bluseros, rock & roll y una cuota justa de humor en sus letras.

El disco arranca con todo: Waitin' For The Bus, con un tremendo riff de guitarra, un poco de slide y armonica distorsionada. Un gran inicio de disco. Sigue Jesus Just Left Chicago, un tema con reminiscencias a Stormy Monday, aquel blues de otro gran texano, T-Bone Walker. El track 3, Beer Drinkers and Hell Raisers establece los estándares para un clásico tema ZZ Top. Master of Sparks y Precious and Grace, ambas tienen grooves indestructibles.

ZZ Top 1973

Pero todo, absolutamente todo, queda atrás cuando llegamos a track 8: La Grange, una oda a un famoso prostíbulo de Texas. Sin dudas, el tema mas significativo en toda la historia de la banda. Si es la primera vez que escuchás esta canción, vas a sentir que la conocés desde siempre. Ese riff sucio y desafiante basado en "Boogie Chillen" de John Lee Hooker, o "Shake Your Hips" de Slim Harpo; la voz es casi un susurro y, claro, también suena como a John Lee Hooker.  El tema se coló en radio, comerciales de TV, películas, casi hasta convertirse en un cliche para cualquier escena de autos o chicas con poca ropa. Aún hoy, 43 (!) años después, la canción sigue sonando poderosa y arrolladora.

Gran parte del mérito es del productor Bill Ham y del ingeniero Terry Manning, quienes descubrieron cómo grabar al trío de una forma tan simple como para que sonaran completamente indestructibles. Por su lado, el grupo trajo consigo el mejor conjunto de canciones que pudo reunir hasta entonces. Como tantas bandas en la historia, ZZ Top siguió intentando hacer un disco como este una y otra vez, pero nunca lo pudo lograr. Así que no lo dudes y Escuchate esto!

Fuentes:
ultimateclassicrock.comallmusic.com
Músicos:
Billy Gibbons - Guitar, Vocals
Frank Beard - Drums
Dusty Hll - Bass, Vocals

Lista de Temas:
Waiting for the bus
Jesus Left Chicago
Beer drinkers and hellraisers
Master of sparks
Hot, blue, and rigtheous
Move me on down the line
Precious and grace
La Grange
Sheik
Have you heard

ZZ Top 2015

Prince (1958 - 2016)

En 2004, el Rock and Roll Hall of Fame rindió tributo a George Harrison armando una banda all-star para tocar en vivo el clásico de Harrison y The Beatles “While My Guitar Gently Weeps”. Entre los músicos estaban Tom Petty, Steve Winwood, Dhani Harrison (único hijo de George) y Prince. Muchas cosas me llamaron la atención cuando vi el video por primera vez: lo bien que suena la banda, lo bien que suena la voz de Tom Petty, lo idéntico que es el hijo de Harrison a su padre (parece que fuera el mismo George venido desde 1964 a presentarse en el show) y ... dónde está Prince? Ah si! Está a la derecha de la pantalla en la oscuridad. Solo logro identificar que parte de su vestuario es rojo, y que toca un Telecaster, no mucho mas. Recién luego de los 2 minutos se ve un plano completo de el. Pero a partir de los 3.28 min. su actuación se convertirá en uno de los momentos guitarrísticos mas grandes que vi en toda mi vida.

Hohner nunca fue un gran fabricante de guitarras, la conocemos mas que nada por las armónicas o los acordeones. Pero a Prince le gustaba esa Hohner Madcat imitación Telecaster con golpeador de leopardo que había conseguido en los setenta. Por mas que pudiera conseguir una Fender, ya en 1984 en el film Purple Rain, Prince aparece usando su Madcat. Tanto Prince como la guitarra se hicieron muy famosos y Hohner sacó a la venta un modelo custom de dicho instrumento que bautizaron "The Prinz" así, con zeta. Previamente, tuvo que realizarle algunas variaciones, entre ellas, la modificación de la cabeza, luego de un pleito legal en el que Fender aludía que la Madcat era exactamente igual a la Telecaster.

Prince era dueño de un par de Hohners originales pero las guitarras que mayormente tocaba eran réplicas fabricadas por el luthier Roger Sadowsky. Antes del tour de Purple Rain, a Sadowski le fueron encargadas dos copias porque Prince tenía la costumbre de lanzar sus guitarras al aire. Además, la Hohner era difícil de mantener afinada y los micrófonos de fábrica eran un poco ruidosos. La construcción de la Sadowski desde luego, es excelente, con un cuerpo de maple que le da un sonido distintivo, brillante, y muy funky, algo que es vital para Prince.

Alguien le preguntó una vez a Eric Clapton, qué se sentía ser el mas grande guitarrista del mundo (una pregunta bastante boba, por cierto) y Clapton contestó:  "preguntale a Prince". Cierta o no, esta anécdota es creíble. Prince fue uno de los mas grandes guitarristas de rock de la historia. Su fuerza, control y sonido eran inigualables. Ya sea con sus guitarras personalizadas con esos diseños increíbles o con su amada Hohner imitación Telecaster, Prince hacía que sus guitarras hicieran lo que el quería: gritar, cantar, aullar, y por último, como vemos en el final de esta actuación, volar.



Pensando en la relación con Prince y su Hohner y volviendo a ver el video, me gusta pensar que Prince no murió. Se fue al cielo a buscar su Telecaster.


Fuentes:
http://www.openculture.com/
http://uniqueguitar.blogspot.com.ar/
http://edsguitarlounge.com/
http://legendary-guitars.blogspot.com.ar/

1984. Es muy dificil ver a Prince en esta foto y no pensar en Jimi Hendrix.