Mamboliviano - El álbum liviano - 2013

Mamboliviano es una banda de la zona norte de la provincia de Buenos Aires que desde 2006 viene haciendo una agradable mezcla de música negra: funk, soul, jazz y algo de blues. Esta entrada de Escuchate Esto! se la vamos a dedicar al reciente lanzamiento de "El Album Liviano", su disco debut. Queridos amigos, conozcan a Mamboliviano.

Estuve presente en su primer show, en el Teatro Colonial de Paseo Colón y Belgrano, en "La noche de Los museos" celebrada el 7 de octubre de 2006. La mayoría de los que asistimos ese día fuimos gratamente sorprendidos por una propuesta musical llena de groove. Desde mi punto de vista, al principio su sonido remitía directamente a los Fabulosos Cadillacs de “Fabulosos Calavera”, cosa que consideré un gran mérito en ese momento. Con el paso de los años y los integrantes la banda ha evolucionado y crecido hasta encontrar su propio sonido.

Para describir a Mamboliviano debemos empezar por la voz y la presencia de Mamba Mali, su cantante. Si bien la música de Mambo tiene raíces negras, en la cantante no solo escuchamos dosis de jazz y blues, sino también, bolero y tango. La guitarra de Ushi Cerviño siempre representó para mi el eje central de la banda. Se trata de un músico de bajo perfil que con un solo instrumento puede llenar el espacio de tres. Rítmica, solos, octavas, pregunta y respuesta con la voz, este pibe puede hacer todo junto y muy bien. La sección de vientos está presente en forma permanente, ya sea con el “tema” de cada canción, o los arreglos por debajo de la voz y algunos solos. Tomás Díaz se inclina por el flugelhorn antes que por la trompeta de sus inicios, lo que le aporta una dulzura extra al trío de vientos (aunque algunos temas "pidan" trompeta antes que flugel). El saxo tenor de Agustin Cosentino, con su logrado sonido 100% madera, aporta matices y un muy buen gusto a la hora de los solos. Por último el trombón a vara de Nacho Gaytan le agrega toda la onda y sonoridad que este instrumento posee. Santiago Baca Castex (bajo) ha pulido su estilo también a través de los años pero logra hacer pie con total firmeza gracias a la llegada de Cristian Dolberg en batería. El "Flaco" trajo la dosis justa de swing y solidez para el groove que Mamboliviano necesitaba. Y por último, aquel que cerró el círculo y le dio a la banda una nueva identidad: Manuel Núñez en teclados. Mayormente con piano, rhodes y algunos pads y órganos, Manuel trae aún mas solidez , profundidad y groove a las bases, y matices sonoros en los solos y los yeites. Toda la música de la banda esta abordada con un lenguaje jazzístico, lo que le brinda un plus y la diferencia de otras bandas emergentes. 

Recién en 2012 la banda pudo plasmar todo su trabajo en un disco que acaba de ser lanzado (9 de septiembre de 2013). "El Album Liviano" abre con "Tedio", un tema que muestra a las claras lo que es la banda. "Cenicero" es mas up-tempo y los solistas muestran algo de lo que tienen, incluyendo a la cantante. El track 3, "Fantasma", es definitivamente bailable. Con este tema movés la patita si o si, pero siempre con un abordaje jazzero. (Mamboliviano no se olvidará de eso durante todo el disco).

Confieso que me quedo con la vieja versión de "Prohibido" y no con esta que eligieron grabar, pero de todas maneras...gracias Ushi por ese solo de guitarra. "La musica que escucharan tus nietos" es el blues como lo entiende Mamboliviano. A los 2 minutos 50 segundos de este tema está momento Charles Mingus del disco. En "Mas tensión" el solo de Ushi nuevamente nos alegra el rato, su mezcla perfecta de jazz y blues la rompe. "El sol quema", esta llena de groove pegadiso, y trae el primer solo de piano, mezclado con un sintetizador. Ignoro si "Marvin Mambo" tendra algo que ver con Marvin Gaye pero me hace acordar mucho al Marvin de los setenta. Hay solo de flugel, de guitarra y otro buen momento de Manuel nuñez en los teclados.

El tramo final del disco empieza con "Yeah baby", un track instrumental que nos recuerda a algun tema de Sly and the Family Stone. Primer solo de órgano hammond y algo de clavinet. Que lástima que no hubo mas de eso antes. "Quedarse a vivir" es uno de los momentos mas suaves del disco y como siempre, al final, aparece el jazz. Eel cierre es con un cover de Aretha Franklin: "Rocksteady". En este caso, lejos de querer imitar a Aretha, Mamba hace su propia interpretación y suena como si se hubiera divertido mucho al grabarla. 

Al final de la película Mamboliviano se disuelve. El último capítulo transcurre en El Teatro de la Media Legua, en Martínez el 10 de noviembre de 2012. Las coincidencias de la vida indican que ese día también se celebró "La noche de los Museos". Los museos tienen que ver con el arte y de algun modo, con aquello que es considerado "valioso". La coincidencia no es gratuita. Este gupo de jóvenes músicos argentinos ha construído con durante 6 años algo muy valioso. Personalmente me encargaré de que, tal como lo indica el titulo del track 5, esta sea "la música que escuchen mis nietos".

Si pasan por este vínculo pueden escuchar el disco online o solicitar una derscarga gratuita

Así que no lo dudes, y Escuchate Esto!

Músicos: Santiago Ushi Cerviño: guitarra
Santiago Baca Castex: bajo
Manuel Nuñez: Teclados
Mamba Malí: Voz
Cristian Dolberg: bateria
Tomas Díaz: Flugel Horn y Trompeta
Agustin Cosentino: Saxo Tenor

Lista de Temas:
1.Tedio 03:36
2.Cenicero 04:03
3.Fantasma 04:12
4.Prohibido 05:19
5.La música que escucharán tus nietos 04:10
6.Mas tensión 04:42
7.El sol quema 04:28
8.Marvin Mambo 05:17
9.Yeah Baby! 04:14
10.Quedarse a vivir 06:03
11.Rocksteady 04:15 
El Album Liviano
Editado el 9 de septiembre de 2013
Grabado en directo los días 18 y 19 de Agosto de 2012, en Estudios Ion, por Martin Scian, Jony Vainberg y Dante Fragola. Mezclado y masterizado por Manuel Nuñez

Fotos: Juan Facundo López

Amy Winehouse - Jamaican Sounds

Amy Winehouse amaba el sonido jamaiquino. Eso es innegable. Para todo aquel que se haya acercado a la obra de Amy, ya sea escuchando sus discos o asistiendo o viendo alguno de sus shows, esta característica no pasa desapercibida. El reggae, el rocksteady y el ska, pero fundamentalmente su vertiente británica, el 2-tone, liderada por The Specials, cautivaron su música de principio a fin. De hecho en una nota con la revista Rolling Stone en 2008, Amy confirmaba que el disco siguiente a "Back to Black" contendría mayor cantidad de ska y 2-tone. En esta Entrada de Escuchate Esto! compartimos esas canciones y reafirmamos una vez mas la cercanía que siempre hubo y habrá entre el soul, el jazz, y la música jamaiquina. No es un dato menor que toda la dicografía de Aymy pertenezca a Island Records, sello del jamaiquino Chris Blackwell con base en Inglaterra que ha editando a los mas destcados artístas de la isla, entre ellos Toots and the Maytals, o el mismísimo Bob Marley.

En su disco "Frank" (2003) encontramos "Moody's mood for love". Si bien no es reggae puro, le podemos encontrar un tiene a dub. Salaam Remi, uno de los principales productores que tuvo Amy Winehouse en su carrera, cuenta en una entrevista que este tema era netamente jazzero, "hasta que un día se me ocurrió sugerirle hacer una versión a reggae, solo para tener un swing diferente. Y así se creó la versión que quedó finalmente en el disco". Por momentos parece que estuviéramos escuchando a Sarah Vaughan.

El disco "Back to Black" fue editado en 2006 y fue la obra que terminó de catapultar a Amy Winehouse como una estrella mundial. En este album, a Salaam Remi se le suma el productor Mark Ronson. Winehouse grabó una gran cantidad de covers de reggae y ska. La mayoría fueron editados como caras B de varios singles y luego compilados en la edición deluxe de "Back to Black".

El primer tema que aparece en este disco es "Just Friends", un tema compuesto por Winehouse y uno de los cinco que produjo Remi. Esta es uno de sus más destacadas interpretaciones y, como en casi todos los tracks que elegimos, la sección de vientos apoya con chops durante toda la canción. Esta es una versión en vivo en Francia.

"Cupid", cover del tema de Sam Cooke de 1961. Puro rockstedy. Exquisito

El resto de los temas que aparecen en la versión Deluxe de "Back to Black", tiene que ver con Jamaica pero el abodraje es fundamentamente 2-Tone, es decir, el ska británico. Existe un EP llamado "Amy Ska EP" lanzado en forma no oficial por el sello independiente 2 tone records, que incluye algunos de estos temas. El track 3 de ese disco es "Monkey Man", el hiper recontra clásico de Toots and the Maytals que han grabado grupos como No doubt, The Specials, o los Pericos en Argentina. De Amy elegimos la versión del dvd "I Told You I Was Trouble / Live in London 2007"

"You're wonderin' now" es un tema originalmente grabado por the Skatalites en los sesenta y que en 1979 graban The Specials. Amy lo incluyó también en esta edición y en la vuelta de los Specials en 2009 fue invitada de la banda a cantar 2 temas: "You're wonderin' now" y "Ghost Town".

Otro de los temas incluidos aquí es "Hey little rich girl", original de los Specials, compuesto por su guitarrista Roddy Byers. Sumamos a esta colección la versión en vivo del DVD "Live in London", donde se lucen los dos cantantes que acompañaban a Amy: Zalom Thompson y Ade Omotayo

Otro clásico, "A Message to You, Rudy", un rocksteady de 1967 de Dandy Livingstone, pero cuya versión mas célebre es sin dudas la de The Specials. El trombonista Rico Rodriguez participó en ambas versiones. Aquí, la interpretación en vivo de Amy Winehouse en Madrid en 2008.

En el disco póstumo, "Lioness Hidden Treasures", editado en 2011, aparece como primer track "Our Day Will Come," una reversión rocksteady de un clásico del doo wop de los 60, de Ruby and The Romantics. La canción la produjo Salaam Remi, y fue grabada en Mayo de 2002.

Si visitan nuestra lista de reproducción de youtube, se van a encontrar con estos tracks y algunas cositas mas, como los muy simpáticos remixes del DJ italiano Reggaesta, entre otras cosas. Así que no lo dudes y Escuchate Esto!

fuentes:
http://www.discogs.com 
http://www.largeup.com/2012/07/23/largeup-exclusive-salaam-remi-on-making-reggae-with-amy-winehouse/
http://idolator.com/397206/amy-winehouse-may-go-back-to-two-tone-on-her-next-album

Nat King Cole - The Best of the Nat King Cole Trio: The Instrumental Classics - 1943-1949

Para aquellos que solo piensan en Nat King Cole como el cantante de "Unforgettable" u otras baladas, acá hay buenas noticias. Nat Cole también fue un enorme pianista de jazz. Esta entrada de Escuchate Esto! se la dedicamos a los mejores momentos de Nat King Cole al frente de su trío para el sello Capitol en la década del 40. 

Como la gran mayoría de los artistas negros, Nat se crió musicalmente en la Iglesia. En la ciudad de Chicago, su padre era ministro de la iglesia y su madre era la encargada de tocar el órgano. Fue la única maestra de piano que tuvo en toda su vida. Aprendió tanto jazz como música gospel, sin olvidar la música clásica. Con solo 12 años creó su propia orquesta.
 
A finales de los 30 se sentó al piano y formó el “Nat King Cole Trio” en Los Angeles con Oscar Moore en guitarra y Wesley Prince en bajo. En plena época de las grandes bandas, formar un grupo únicamente con piano, guitarra y bajo significó una auténtica revolución e impuso un estilo que más tarde imitarían otros grandes del jazz y del blues como Charles Brown y Ray Charles. A principios de los años 40, el trío firmó un contrato con la discográfica “Capitol Records” con la que continuó durante el resto de su carrera.
Esta colección compila 18 grabaciones de esa época, que abarca el período entre el 43 y el 49.  El trio aborda compositores como Cole Porter, Gershwin, Les Paul, Jerome Kern, el mismo Nat e incluso Rachmaninov. El grupo forjó muchos de los standards para tríos liderados por pianistas que vinieron años adelante, como "Jumpin' at Capitol," "Sweet Georgia Brown" y "These Foolish Things." Escuchando a Nat Cole en esta formación encontramos muchos puntos de contacto con Oscar Peterson. Sin ir mas lejos, el pianista jamaiquino Monty Alexander alguna vez nombró a Cole y a Peterson como sus mayores influencias. 


Los primeros 11 tracks son del trio, luego vienen 4 temas básicamente de piano solo, y para el ultimo tema agregan a Jack Costanza en percusión. Todos los temas son ampliamente disfrutables pero atención al tratamiento que le da al 'Prelude In C Sharp Minor' de Rachmaninoff y al velocidad de "Sweet Georgia Brown". En la década de los 50, cuando Cole explotó como cantante, su popularidad era tanta que el edificio de la “Capitol Records” era conocido como “la casa que construyó Nat”. Pero esa es otra historia. Sin exagerar, en estos 18 temas, Cole demuestra que fue uno de los pianistas mas finos y talentosos de su generación. Así que no lo dudes y Escuchate Esto!


Fuentes:
www.zonadejazz.com
www.amazon.com
www.gypsyjazzandswing.net 

Lista de Temas:
1 Jumpin’ At Capitol (Nadine Robinson)
2 The Man I Love (Gershwin)
3 Body And Soul (Green-Heyman-Sour-Eyton)
4 Prelude In C Sharp Minor (Rachmaninoff)
5 What Is This Thing Called Love (Cole Porter)
6 Easy Listening Blues (Nadine Robinson)
7 Sweet Georgia Brown (Bernie-Pinkard-Casey)
8 This Way Out (Nat Cole)
9 Smoke Get In Your Eyes (Kern-Harbach)
10 Honeysuckle Rose (Fats Waller)
11 Rhumba Azul (Nat Cole)
12 Moonlight In Vermont (Seussdorf-Blackburn)
13 How High The Moon (Lewis-Hamilton)
14 I’ll Never Be The Same (Malneck-Signorelli-Kahn)
15 These Foolish Things (Strachey-Link-Marvell)
16 Laugh! Cool Clown (Leoncavallo)
17 Bop Kick (Nat Cole)
18 Peaches (Terry Gibbs)

Músicos:
Nat King Cole - Piano
Oscar Moore - Guitarra 
Johnny Miller - Bajo (Temas 1-15)
Irving Ashby - Guitarra 
Joe Comfort - Bajo (Temas 16-18)
Jack Costanza - Congas, Bongos (Tema 18)

Joe Bonamassa te regala la Stevie Ray Vaughan Stratocaster

Joe Bonamassa regala una Fender Strato modelo SRV. Los que tienen facebook aprovechen. Entraran a la web de Joe http://jbonamassa.com/guitar/stevie-ray-vaughan/ dejan su mail y despues linkean con su facebook. Hay tiempo hasta el 1 de septiembre de 2013
Según reza en la web, "para honrar a uno de los mas grandes guitarristas de todos los tiempos, la Fundación Keeping the Blues Alive, una organización sin fines de lucro fundada por el guitarrista de blues Joe Bonamassa, esta regalando la guitarra eléctrica Stevie Ray Vaughan's signature series en un esfuerzo para mantener el blues vivo. Ingresa para ganar y compartir el mensaje de la música de los grandes guitarristas entre tus amigos y así hacer tu parte en mantener esta música viva. Todos ganamos."
Además, ingresando tu e-mail, Bonamassa te regala la canción "Driving Towards The Daylight". 

Mannish Boy - Muddy Waters - 1977

"Mannish boy", uno de los grandes himnos del blues eléctrico, es una canción que cualquiera ha escuchado alguna vez en su vida, y que a todo el mundo le suena, incluso aunque no sepa una palabra sobre blues. Una canción que fue resultado de un diálogo discográfico entre dos músicos. Uno de ellos empleaba la ironía en sus letras, el otro sencillamente se gustaba a sí mismo y tenía ganas de hacérselo saber al mundo. Hablamos de Muddy Waters y Bo Diddley. En esta Entrada de Escuchate Esto! compartimos (en forma parcial) un magnífico artículo publicado en el sitio www.jotdown.es sobre el nacimiento y la génesis de este blues.

Aunque estaba dirigido por dos blancos, el sello Chess, de la Ciudad de Chicago, se especializó en grabar y editar blues. Los hermanos Chess eran de ascendencia judía europea, tal vez por ese motivo no tenían ningún prejuicio en codearse con negros. Este sello impulsó en la década del 50 a muchos personajes que jugaron un papel importante en el desarrollo de la música negra. Al mismo tiempo, la gran “movida” blues se había desplazado desde del delta del Mississippi al norte del país, mas especialmente a Chicago. Es en este contexto donde aparecen los dos personajes que protagonizan nuestra historia: Muddy Waters y Bo Diddley.   

Dixon, Waters, Guy

En los circuitos musicales negros de Chicago, Muddy Waters no tardó mucho en convertirse en el rey de la escena local: su apariencia seria, su voz áspera y sus gestos de macho castigador sobre el escenario lo convirtieron en un modelo a seguir para otros bluesmen de la ciudad, aunque él mismo se tomaba más bien a guasa la imagen de tosca virilidad que proyectaba. En Chess Records, Muddy tuvo a su servicio a los muy competentes músicos y compositores de la compañía y empezó a tener éxitos en las listas de ventas de rhythm & blues. Uno de sus primeros hits fue "Hoochie Coochie Man", escrita para él por Willie Dixon, un contrabajista de sesión que se transformó en una auténtica leyenda componiendo muchos de los himnos de blues más conocidos e influyentes de su tiempo. "Hoochie Coochie Man" es un blues de una estructura extraordinariamente simple y repetitiva, y sirvió para que el Waters extendiese su nombre más allá de Chicago. El título del tema hacía referencia a un baile de connotaciones sexuales, el Hoochie Coochie. La letra era una alusión irónica a los paletos venidos del sur que iban de gallitos por la ciudad, dándoselas de donjuanes y tipos peligrosos gracias a la magia y los ritos mágicos hoodoo del delta del Mississippi. El tema fue editado en 1954 y se convirtió en un éxito inmediato, además de en un clásico absoluto del blues. La letra tenía un claro trasfondo humorístico por más que muchos incautos oyentes blancos pensaran que Muddy Waters realmente estaba hablando en serio. 

Pero había en Chicago un músico más joven para quien el concepto “ironía” no entraba en la ecuación, al menos a la hora de hablar de sí mismo: Bo Diddley. Acostumbrado a adorarse hasta el punto de titular canciones con su propio nombre (Bo Diddley, Hey Bo Diddley, etc.). Diddley presumía de su bagaje callejero —aunque a algunos les pudiera confundir sus gruesas gafas— y en sus letras se dedicaba básicamente a venderse a las nenas. Él se consideraba el tipo más molón de Chicago y se limitaba a comunicar al género femenino la buena nueva, acompañándose de un ritmo característico que por entonces bautizaron como “ritmo de la jungla” y que ha sido utilizado hasta la saciedad por otros artistas. Diddley se convirtió sorprendentemente en una figura muy popular entre la juventud, tanto negra como blanca.
 

Lo cierto es que para su primer disco (un single con dos canciones) usó un riff parecido al de "Hoochie Coochie Man" y grabó una nueva canción, llamada lisa y llanamente "I’m a Man": en ella, Diddley hablaba de sí mismo en términos similares a la canción de Waters, pero en su caso ignoró por completo la vertiente sarcástica del original. Fue el primer single que publicó en su carrera: en la cara A estaba la canción Bo Diddley. En la cara B, la canción I’m a man. Ambas dedicadas a sí mismo.

Aquella fue su grabación de debut y se convirtió en su primer éxito. Aunque no todo el mundo quedó tan impresionado como Diddley pretendía: al curtido Muddy Waters le provocó una considerable hilaridad aquella especie de versión enloquecida de "Hoochie Coochie Man". De hecho, apenas la escuchó se le ocurrió devolverle la pelota grabando una imitación de "I’m a man" solo que modificando la letra con intención sarcástica. Muddy tituló el tema "Mannish boy", algo así como “niño que parece un hombre”, “niño mayor”.  La grabación incluía unos cachondos gritos de fondo cada vez que Muddy pronunciaba la palabra “hombre”. Esta contestación irónica se publicó tan solo unos meses después que la canción de Bo, y también se convirtió en un éxito.

1977 fue el año del auténtico retorno de Muddy Waters. El texano Johnny Winter convenció a Waters para grabar un nuevo disco, crudo, directo, con el más puro estilo del viejo blues de Chicago, aquel sonido que iba directo a la médula aunque ya no estuviese de moda. Grabaron todo el álbum solamente en dos días, para captar toda la inmediatez del momento, tal y como se habría hecho en los viejos estudios de Chess Records. La joya del álbum era una nueva versión de "Mannish Boy". El Albino (Winter) consiguió como productor artístico del disco, que la canción sonase con una viril dureza: sonido muy tradicional, pero captado con los nuevos medios técnicos que lograsen transmitir su energía con claridad. El viejo bluesman suena vibrante y suelto, como en una actuación en vivo, y su voz está repleta de entusiasmo. Johnny Winter (a quien varias veces escuchamos lanzando exclamaciones por el fondo) y el resto de la banda están felices por la oportunidad de grabar junto al gran Muddy y eso se transmite perfectamente en la vibración de la canción, que dura más de cinco minutos con ese único riff repetitivo pero que resulta maravillosamente adictiva.

Con el impulso de aquella nueva versión de "Mannish boy", el álbum Hard again devolvió a Muddy Waters al candelero. La crítica se mostró encantada con el disco. El tema volvió a sonar en las radios y fue entonces cuando verdaderamente adquirió la categoría de estándar universal: siempre había sido el que más excitaba a la gente en los conciertos de Muddy, pero ahora, además, se colaba en el bagaje cultural del país y del mundo. Unos meses después los Rolling Stones incluyeron una versión parecida de "Mannish boy" en su album en vivo "Love you live" de 1978.

Muddy Waters no vivió mucho tiempo más, nos dejó en 1983, siete años después, pero saboreó nuevamente la sensación de ser un músico respetado y admirado. Volvió a ofrecer conciertos ante un público numeroso, que ahora se mostraba entregado ante la leyenda. Hoy en día nadie duda que fue uno de los músicos más importantes del siglo XX, aunque solo sea por la enorme influencia que su sonido ejerció en miles de otros músicos.

  

Artículo extraido del sitio www.jotdown.es

http://www.jotdown.es/2013/02/canciones-con-historia-mannish-boy/ 

Catarsis rocksteady - Lutxo Pérez - 2013

En abril de 2011, cuando nació la idea de este blog, yo pensaba en discos,  documentales, conciertos; pero jamás pensé que podíamos estar compartiendo un libro. Sin embargo, hace muy poco tiempo me encontré en la web con un agradable descubrimiento, el libro titulado “CATARSIS ROCKSTEADY”, primer libro del autor español Lutxo Pérez *. La publicación explora las vicisitudes de la historia musical jamaiquina, situando el período entre 1966 y 1968 como punto de referencia. Además, propone una guía de escucha de los principales estudios, productores y artistas del rocksteady. También, habla del poder de las canciones y de cómo la música inf­luye en nuestras vidas. Sumamente interesado en esta agradable iniciativa, me puse en contacto con el autor. Pérez se vió mas que feliz en compartir con los amigos de Escuchate Esto! algo de su amplio conocimiento del género y algunos párrafos de su libro que citamos en forma textual mientras escuchamos algunos de los dulces sonidos del rocksteady.

"Y como todo lo que es negro y bello, el rocksteady también fue el sonido del dolor de un pueblo destrozado por el hombre blanco, como esa bota militar que pisotea cabezas humanas durante toda la eternidad. Voces masculinas de suave seda y alucinantes armonías vocales. Acolchados arreglos de metales y esa dulce nota de piano que siempre salta en el mismo punto del compás. Un órgano eléctrico pasado de rosca. El sonido hueco de la caja en un redoble. Y otra historia de amor de las que atraviesan el esternón, las costillas y arrancan el corazón de cuajo, como la mano de aquel hechicero en ‘Indiana Jones En El templo Maldito’. La música de la pleamar. El salitre de Kingston pegado a las teclas, el metal y las cuerdas de los instrumentos."
Catarsis Rocksteady, Capitulo 1, página 16

Lynn Taitt y los Jets

Aquellos cuya única referencia musical jamaiquina es Bob Marley deben saber que el rocksteady es el estilo musical que se registró en Jamaica entre los años 1966 y 1968. Según nos explica Lutxo, la principal diferencia entre el rocksteady y su género antecesor, el ska, es el tempo, que se ralentizó notablemente, y en la introducción de patrones de bajo que tocaban notas agrupadas. Sin embargo, "la frontera con el reggae es mucho más borrosa y difícil de explicar -nos cuenta. "Hay muchas opiniones y farragosas explicaciones técnicas al respecto. Pero, como me comentaba un músico hace bien poco, los jamaiquinos entienden esos cambios estilísticos de una forma más natural."

El libro funciona como una guía de escucha por los principales artistas y casas discográficas del estilo. "Además, he hecho un repaso biográfico de las personalidades del negocio musical de la época: estrellas, músicos de estudio, productores… También, hablo de cómo esas canciones han influido en mi vida."

Desmond Dekker

Las canciones... un ítem difícil de abordar por cierto. Lutxo asume que aquellas canciones mas relevantes por cuestiones históricas en general le aburren. "Lo que realmente me gusta del rocksteady -dice- es que no dejo de descubrir nuevos temas que me flipan. Algunas de las últimas, ‘Warlord’ y ‘Voodoo Moon’ de los Soul Brothers. Ahora estoy dando bastantes vueltas a ‘I Can’t Help It’ de Glen Adams, ‘Hey There Lonely Girl’ de los Minstrels, ‘I Love You True’ de Joya Landis y ‘Pearl’ de Alton Ellis. "

"El rocksteady fue un periodo excepcionalmente y excelentemente prolífico. Y las miles de canciones que conservamos demuestran que, en ese momento y ese lugar, coincidieron dos factores que raramente suelen ir de la mano en esto de la música: la urgencia y el talento"
Catarsis Rocksteady, Capitulo 1, página 20

Lynn Taitt - Pilar del rocksteady

En cuanto a los pilares o personajes cruciales para el estilo, Lutxo no duda:  "diría que ese fue el guitarrista de Trinidad Lynn Taitt. Además, era el líder de los Jets y ejerció de arreglista en muchísimas sesiones de las principales casas discográficas. Otros que te podría agregar,  no creo que sean los más importantes, sino los que más me gustan... Entre los que cantan, están Millicent Todd, Prince Buster, Phyllis Dillon, Slim Smith, Ken Boothe, Desmond Dekker, Alton Ellis, The Techniques en cualquiera de sus formaciones, Roy Shirley, Derrick Morgan, The Heptones, The Paragons, Delroy Wilson… Pero también hay instrumentistas sin los que no entiendo esta música como Lynn Taitt, Gladdy Anderson, Jackie Mittoo, Tommy McCook, Roland Alphonso, Bobby Ellis, Val Bennet, Jo Jo Bennet… Y los duetos son una de las mayores fuentes de placer que me da el rocksteady. Lloyd & Glen, Alton Ellis y Phyllis Dillon; Stranger y Patsy, John Holt y Joya Landis, Phyllis Dillon y Hopeton Lewis..."

Siguiendo con la charla, el autor defiende la idea de que el rocksteady supuso la edad dorada de la música en Jamaica. "Fue una época clave para la historia musical de la isla: sentó las bases de muchos conceptos técnicos claves para épocas futuras, presenció la eclosión de una nueva generación de productores independientes y coincidió con el comienzo de la conquista jamaicana de los mercados internacionales." Lutxo define al rocksteady como una música que posee una "sensibilidad única. Es algo difícil de explicar que supongo tiene que ver con cómo vivimos cada uno la música." 

Algo que observamos permanentemente desde este blog es la relación entre el soul americano y la música de la isla. Lutxo así lo corrobora explicando que los jamaicanos de la época tenían una cultura musical excelente gracias a las canciones que les llegaban de las radios estadounidenses y que escuchaban en las selecciones de los sound systems. "Creo que The Impressions fueron, de sobra, el grupo que más influyó en el conjunto de la escena rocksteady. El registro alto tenor de Curtis Mayfield fue el más imitado. Y ‘People Get Ready’, una canción absolutamente esencial para entender muchos discursos de muchas canciones." explica. Nat King Cole, The Drifters, The Platters, Ben E. King, Wilson Pickett, Otis Redding, Marvin Gaye… la lista de influencias es interminable. "Y versiones de temas soul hay muchísimas y muy buenas".

Los sellos Studio One o Treasure parecen haber sido tan importantes para Jamaica como Stax o Motown para EE.UU. Pérez explica que Studio One, fundada por Coxsone Dodd, fue la escuela musical de toda una generación de artistas jamaicanos (Bob Marley incluido) a principios de los 60. Treasure Isle, propiedad de Duke Reid, no obtuvo los éxitos de la empresa de Coxsone los días del ska, pero es la mayor factoría de éxitos del rocksteady. "Su importancia radica en que sin estos dos sellos, la historia musical jamaiquina hubiera sido totalmente diferente. En 1959, Coxsone, Duke y Prince Buster fueron los tres primeros productores de la isla que se lanzaron a comercializar discos. Poco más que decir."

Pocas experiencias de la melomanía son tan satisfactorias como mancharse los dedos de polvo con una buena pila de los singles que Jackie Mittoo y sus Vendors registraron en Studio One. Trece de aquellas canciones fueron recopiladas en el estupendo elepé instrumental ‘Evening Time’ (1968).
Catarsis Rocksteady, Capitulo 6, página 72

El autor recuerda haber comenzado a escuchar música jamaiquina hace unos diez años, pero no puede identificar a ciencia cierta cuándo tuvo una idea clara de lo que era el rocksteady. Al tratarse de una “catarsis”, hay un fuerte componente emocional y personal en el libro. Aunque el autor aclara que "el proceso ha sido largo y arduo, pero muy placentero. Como aún aprendo cosas nuevas y sigo escuchando rocksteady en casa, en el coche y en la calle con los cascos (auriculares), me da la sensación de que sigo inmerso en él de alguna forma."  Finalmente, Lutxo abre su corazón y nos cuenta su relación mas profunda con esta música: "Muchas de estas canciones me miran directamente a los ojos y me hablan. Explican cosas de mí, de mis amigos, mi familia, de la ciudad en la que vivo… el rocksteady tiene una sensibilidad única con la que me siento muy identificado."

Cuando sentís tanta empatía con alguien y encontrás tantas cosas en común, es fácil convencerse que la música hace milagros (y si está hecha por negros, mejor). Esto fue lo que sentí al entrar en contacto con los textos de Lutxo Pérez. Y siento que parte de mi misión en este momento, es expandir y difundir su obra a la mayor cantidad de personas posibles. La herramienta que tengo mas a mano es este blog. Por eso recomiendo a todos los seguidores y casuales visitantes de Escuchate Esto! esta obra que se me antoja absolutamente imprescindible para todos aquellos que amamos la música de raíces negras. Así que no lo dudes y Escuchate Esto!

Lloyd & Glen - You Won't Regret It

Web oficial del libro:
www.33series.net

Listas de temas publicadas por el autor:spoti.fi/WPUiCf
spoti.fi/141HaMv 
open.spotify.com/user/lutxo73-

Compartimos algunos de los temas mencionados en la nota:

Alton Ellis and Phyllis Dillon - Why Did You Leave Me To Cry
Derrick Harriott - Do I Worry
Phillis Dillon - Get On The Right Track
Glen Adams - I can't help it
Jackie Mittoo and the Soul Brothers - Voodoo Moon
Joya & John - I'll Be Lonely
Lloyd & Glen - Rudies give up
Lloyd & Glen - You Won't Regret It
Lloyd Robinson - No More Trouble
Minstrels - Hey there Lonely Boy
Norma Frazer - Respect 
Sir Coxone's Answer Riddim Mix (studio one)
Stranger And Patsy - Your Photograph
The Gaylettes - That'ss How Strong My Love Is
The Soul Brothers - Warlord
Uniques - My conversation.

Características del libro:

Precio: 15 €
304 páginas (20 capítulos más 4 capítulos de anexos)
Tamaño: 210 x 148 mm
Portada y contraportada a todo color.
Gramaje del papel interior: 110 gr.
Puntos de venta:
Bar Babalá (Valladolid)

Lutxo Pérez. Foto: L. Fraile

 *Luxto Pérez es periodista y, como tal, ha trabajado en radio, televisión e internet. Durante cuatro años, ejerció como portadista y redactor de la edición digital de Faro de Vigo. Como crítico musical, ha escrito sobre hip hop, soul, funk, reggae y otros sonidos negros en Spinner España y Serie B. Además, compartió micrófonos en Irola Irratia y Radio Piratona, y ha dejado tres blogs por el camino. Éste es su primer libro.
Foto obtenida del sitio www.ultimocero.com

Albert King - Born under a dad sign - 1967

El 2 de abril el sello Stax Records editó una edición de lujo del clásico de Albert King de 1967, "Born Under a Bad Sign". Gracias a este álbum, una de las piedras fundamentales en cualquier colección de blues, Albert King se convirtió en una celebridad dentro del género. Hizo algunos buenos discos en Stax, pero nunca mejores que este. Estamos sin dudas ante el disco más popular e influyente del blues de fines de la década del 60 y de Albert King. Motivos mas que suficientes para dedicarle una entrada de Escuchate Esto! a "Born Under a Bad Sign". 

"Born Under a Bad Sign" es el segundo disco de la carrera de Albert King y el primero para Stax Records. Como era de prever, King está acompañado por los músicos residentes del sello Stax, es decir Booker T. & the MG's (Booker T. Jones, Steve Cropper, Al Jackson Jr. y Donald Dunn), mas los vientos de The Memphis Horns. Parte del éxito de este trabajo fue atribuido a este grupo de músicos que lo acompañaron y le dieron a sus interpretaciones un sonido que está más cerca del soul que del blues. El estilo de Albert King en este disco influyó directamente cientos de guitarristas, pero muy específicamente en Jimi Hendrix, Eric Clapton y Stevie Ray Vaughan.

Albert King era un músico con bastante experiencia a esa altura de su vida. Entendía cómo utlilizar recursos pequeños para conseguir grandes efectos. Elije usar la sutileza en ciertos momentos y la fuerza en otros, pero nunca te llena la cabeza de ruido ni corre una carrera frenética por el diapasón de su amada Gibson Flying V (llamada Lucy). Cuatro de las canciones del álbum se convirtieron en clásicos modernos del blues: "Born under a bad sign", "Oh pretty woman" (No confundirla con "Pretty Woman" de Roy Orbison), "The hunter", y "Crosscut saw" (a pesar de ser una canción antigua, King le dio un nuevo tratamiento). 

El tema que titula el disco, "Born Under A Bad Sign" fue compuesta por Booker T. Jones (música) y William Bell (letra). Y cualquier banda que se diga amante de blues la ha tenido en su repertorio. Existen versiones de Paul Butterfield Blues Band, Cream, Tommy Bolin, Jimmy Hendrix, Pappo y hasta de Homero Simpson! En “Oh, Pretty Woman,” la química guitarrística con Steve Cropper es uno de los mejores momentos del disco. También se incluye un tema de la celebre dupla compositiva Leiber/ Stoller ,"Kansas City", grabado alguna vez por The Beatles.

Con "Born Under a Bad Sign" Albert King le dió al blues un toque mas funky, lo que lo convierte en el puntapié inicial del blues moderno. El gran Mike Bloomfield dijo una vez acerca de Albert King: "Con cuatro notas puede hacer un disco entero" dijo. Así que no lo dudes y Escuchate Esto! 

Lista de Temas

1. «Born Under a Bad Sign» William Bell, Booker T. Jones 2:47
2. «Crosscut Saw» R.G. Ford9 2:35
3. «Kansas City» Jerry Leiber, Mike Stoller 2:33
4. «Oh, Pretty Woman» A.C. Williams 2:48
5. «Down Don't Bother Me» Albert King 2:10
6. «The Hunter» Booker T. Jones, Carl Wells, Steve Cropper, Donald Dunn, Al Jackson, Jr. 2:457. «I Almost Lost My Mind» Ivory Joe Hunter 3:30
8. «Personal Manager» Albert King, David Porter 4:31
9. «Laundromat Blues» Sandie Jones 3:21
10. «As the Years Go Passing By» Deadric Malone 3:48
11. «The Very Thought of You» Ray Noble 3:46

Músicos: 
Lead vocals and lead guitar: Albert King
Rhythm Guitar – Steve Cropper
Piano – Booker T. Jones
Bass – Donald "Duck" Dunn
Drums – Al Jackon, Jr.
Baritone Saxophone – Joe Arnold
Flute – Joe Arnold
Tenor Saxophone – Andrew Love, Joe Arnold
Trumpet – Wayne Jackson