1963: A Change is Gonna Come - El legado de Sam Cooke

Esta entrada del blog se la vamos a dedicar a una canción. Una de esas canciones que son hiper recontra clásicas, no importa quien la toque o quien la grabe, la canción resiste, no se oxida. O como diría Led Zeppelin, “La canción sigue siendo la misma”. Se trata de "A Change Is Gonna Come" de 1963, compuesta por un conocido nuestro, Sam Cooke. Esta vez revisaremos cómo le ha caído a la canción el paso del tiempo, desde 1963  hasta 1996, desde su interprete original, hasta Lauryn Hill.

Cuanto te debo Sam?

"A Change Is Gonna Come" es uno de los primeros temas de protesta, que habla del racismo, escrito e interpretado por un músico negro. Se dice que cuando Cooke escuchó "Blowin' in the Wind" de Bob Dylan en 1963 se sintió conmovido y creyó que el también debía hacer su aporte. "A change..." se convirtió en una sensación entre la comunidad negra, y fue usada como himno para muchas protestas por los derechos civiles, incluso para la llegada de Barack Obama a la Casa Blanca. "A Change Is Gonna Come" fue precursor de mucha música con conciencia social que vendría más adelante.

Hay cientos de artistas que se le han animado, entre ellos podemos nombrar a Bobby Womack, Salomon Burke o Bon Jovi. Pero solo elegimos unas pocas interpretaciones que nos parecían apropiadas para la idea del blog, fundamentalmente porque cada uno de los elegidos se apropian del tema con mucha autoridad. 

1964: SAM COOKE (del disco Ain't That Good News)

La primera versión que incluimos es, por supuesto, la original. "A Change Is Gonna Come" fue grabado en diciembre de 1963 en los estudios de RCA en Los Angeles, California. El productor y arreglador de Sam, Rene Hall, le imprimió al tema un arreglo orquestal bien dramático, con el inusual protagonismo de un corno francés. Sam Cooke y sus raíces gospel atacan la canción con una intensidad y pasión que no se habían escuchado con frecuencia en su carrera solista hasta ese momento. El resultado es escalofriante. Sam Cooke cantó esta canción el 7 de febrero de 1964 en The Tonigth Show, pero increíblemente, la cinta se perdió.


1965: OTIS REDDING (del disco Otis Blue )

Otis la rompe! Parece un tema suyo, de eso no hay dudas. Es mas, la intro tiene muchas similitudes con Try a little tenderness. Las cuerdas son reemplazadas con éxito por los vientos, y el piano de Isaac Hayes nos guía de principio a fin. Esta versión tiene algunos pequeños cambios en la letra. El final es con Otis dejando todo en la cancha y los vientos, en especial la trompeta de Wayne Jackson, yendo bien arriba.




1967: ARETHA FRANKLIN (del disco I Never loved a Man the way I love you )

Otra que hace su propia versión. La intro con piano (tocado por ella misma) y voz es bien típica de Aretha. Y cuando arranca el tema propiamente dicho, nos levanta por los aires, para después volver a bajarnos. Para la segunda estrofa nos olvidamos por completo de la versión original. Y después del puente se convierte en un blues típico de Aretha que se lo lleva a pura improvisación gospel. Una exquisitez.





1967: PRINCE BUSTER (del disco Judge Dread Rock Steady)

Todo lo que la música jamaiquina le debe al soul, lo paga en parte con esta bonita versión rocksteady a cargo de Prince Buster, uno de los pioneros. La versión esta llena de clichés típicos del estilo: los vientos (en la intro y en los chops rítmicos), los coros masculinos tipo colchón, los comentarios de la guitarra líder y los arrastres de la guitarra rítmica. Suena como si hubiera sigo grabada en un cuarto sin ningún tipo de acustización con un micrófono de aire, y es ahí es donde reside su principal encanto.

1987: TINA TURNER con ROBERT CRAY

Versión en vivo. El sonido no es muy agradable. Al ser de la década del 80, hay mucho sintetizador y la batería tiene mucha cámara para mi gusto, pero vale la pena para escuchar el tema cantado por Tina Turner. Robert Cray canta muy bien su parte, pero queda muy debajo del nivel de Tina, que lo pasa por arriba como un tren. Es una de las pocas versiones con improvisación, con Cray en particular y filoso estilo mezcla de Clapton y Stevie Ray Vaughan. Supuestamente esta grabado en el estadio de Wembley, Inglaterra en 1987.

1996: AL GREEN con BOOKER T & THE MG’S

Estos héroes de los 60 y 70 hacen “A change is gonna come” en 1996 y parece que el tiempo no hubiera pasado para ellos. Personalmente conocí el tema a través de esta versión en la película Ali, de Michael Mann. Nos hace acordar mucho a la versión de Otis Redding, porque son los mismos músicos, claro. La intro con los vientos es potentísima. Al Green hace las freses eternas, y encima le queda tiempo para decir cosas entre línea y línea y pegar unos gritos que mamma mía! La segunda estrofa va ganando en intensidad, y cuando llega el final del puente,  parece que se viene todo abajo. Grabada en la apertura del Rock & Roll Hall of Fame de Cleveland. Disculpas por la versión recortada, llevo años buscando la versión entera pero sin éxito.


1996: LAURYN HILL and THE FUGEES

Con esta versión pretendemos demostrar lo que afirmamos en el primer párrafo: la canción sigue siendo la misma. Esta mínima versión demuestra que “A change is gonna come” tranquilamente puede ser interpretada en un fogón. Lauryn Hill destila suavidad y negritud con su fraseo tan personal. Al mismo tiempo, su socio el haitiano Wyclef Jean la acompaña con la guitarra acústica y los comentarios raperos. Para mí, garpa. Esta grabada en vivo en la Radio One de la BBC de Londres.





Los invito a compartir esta suerte de ensayo sobre una gran canción. Así que no lo dudes y Escuchate esto!

También recomiendo fervientemente la lectura de "Sam Cooke And The Song That 'Almost Scared Him'" http://www.npr.org/2014/02/01/268995033/sam-cooke-and-the-song-that-almost-scared-him

Jimi Hendrix - Radio One - 1967

Solamente por las versiones de “Hey Joe”, “Foxy Lady” y “Day Triper”, vale la pena abrirle la puerta a esta compilación de Jimi Hendrix…así que bienvenidos.
Desde siempre, la radio ha sido el principal medio para llevar la música a los oídos de la gente. La BBC (British Broadcasting Corporation) ha puesto al aire infinidad de artistas de rock desde los años ‘60. A partir de los ’80 esas grabaciones han comenzado a salir a la luz, ya sea en forma pirata u oficial. Los Beatles, los Rolling Stones, Led Zeppelin, The Who, y, en el caso que nos interesa en este blog en particular, Jimi Hendrix, han pasado por la BBC.
Nacido en Seattle, Estados Unidos, y descubierto por el inglés Chass Chandler, Jimi Hendrix explotó comercialmente en Inglaterra. Hendrix llegó al Reino Unido en 1966. Al año siguiente, en pleno auge de la psicodelia, The Jimi Hendrix Experience, es decir, Jimi y su trio integrado por Noel Redding en bajo y Mitch Mitchell en batería, tocaron en diversos programas y shows de la Radio One, además de un show en vivo en el Playhouse Theatre de Londres. En 1988 estas grabaciones fueron compiladas y editadas bajo el original nombre “Radio One”.
Los discos de estudio de Hendrix tienen en general la particularidad de contar con mucha producción sonora, se pueden escuchar diversas capas de instrumentos y efectos. Ya fueran mas guitarras, acústicas o eléctricas, teclados, percusión, voces, o efectos como las cintas pasadas hacia atrás, todos estos ingredientes agregaban un clima a los discos por lo cual la música de Hendrix se ha ganado la etiqueta de Rock Psicodélico. Bueno, a olvidarse de todo eso. Los temas grabados en la radio poseen una crudeza extrema, en donde el concepto de “power trio”, nacido poco antes con Cream (Clapton, Baker y Bruce), se explota en sus máximas posibilidades.

Tengo un amigo con rulos

¿Que sería de nosotros sin Hendrix? Hendrix le dió al blues una visión futurística, y de la mano de la antes mencionada crudeza, eso se aprecia particularmente en este disco. No solo por la interpretación, sino por repertorio y el abordaje que el trío le da a ese repertorio. Encontramos las mas memorables canciones de Jimi, pero con muchas diferencias con las versiones a las que estamos mas familiarizados. Cuando este disco fue editado (1988) muchos de los covers incluidos, fueron considerados verdaderas rarezas.
Elalbum  tiene el mejor inicio que podría tener: “Stone Free” un tema original de Jimi que funciona como una verdadera marca registrada. En segundo lugar “Radio One Theme” una versión bien sucia al estilo “Wild Thing” que funcionaría como jingle para la radio. Y en tercer lugar, viene la primer sorpresa. Una versión poderosísima y sucia de “Day Tripper” de The Beatles, que la lleva a alturas que difícilmente hayan podido imaginar Lennon y McCartney por esos días.
Se inician los blues con “Killing Floor”, de Howling Wolf. Corta, pero devastadora, a una velocidad inimaginable para la época. Sigue la única versión en vivo conocida de “Love or Confusion” con una potencia en la batería aun mayor que la usual. Luego sigue un tema típico de los instrumentales de Hendrix: “Driving South”, uno de mis favoritos, dicho sea de paso. Una intro con un riff bien típico de Jimi, y luego se comienza a despegar con yeites funkys para derivar directamente en toda su pirotecnia guitarrística y sus contrapuntos con la batería. Y un final que ni te cuento!!!

Hendrix en Radio Uno

Hendrix tributa a Muddy Waters en la potentísima Catfish Blues, con un solo de bateria a cargo de Mitch Mitchell muy contundente. Y mete una estrofa de “Rollin’ and Tumblin’” para terminar. Despues sigue un tema un poco mas “alegre”, si se me permite el término, “Wait Until Tomorrow”. Puede ser algo cuestionable la parte vocal, pero es muy valiosa, por tratarse de una canción que, según dicen, nunca la tocó en vivo.
“Hear My Train ‘a Comin'”, un blues propio de Hendrix con mucha interacción con la audiencia del estudio, y “Hound Dog”, el clásico de Leiber y Stoller, con el abordaje mas funky que jamás haya tenido esa composición, que bien vale como rareza, mas allá de que el sonido no es el mejor.
Sigue “Fire”, con la particularidad de incluir la presentación del locutor de la radio sobre ese beat hiper trabado de Mitchell. Luego, otro blues, el recontra clásico de Willie Dixon “Hoochie Coochie Man”, en donde Hendrix toca con slide, algo que no sucedía muy amenudo.
Siguen algunos himnos mas de Hendrix: “Purple Haze” (se omite parte de la intro) “Spanish Castle Magic” (probablemente una de las primeras grabaciones de este tema, y eso se nota) “Hey Joe”  y “Foxy Lady” (mas crudas que nunca, repito, creo que solo por estos dos temas, garpa el disco) y el cierre con “Burning of the Midnigth Lamp” (acá si vale el mote de psicodélico).

Psicodélico

Para ser totalmente sincero, no necesariamente recomendaría Radio One como primera introducción a la música de Jimi Hendrix a alguien que no lo ha escuchado antes. Pero si sos fan, definitivamente lo vas a disfrutar. Seguramente haya compilaciones o performances en vivo mejores que esta, y con mejor sonido, pero por el momento en que fue grabado, dificilmente haya otra que pueda igualarla. 

Así que no lo dudes y Escuchate Esto!

Jimi Hendrix – guitarra y voz

Noel Redding – bajo, coros en 3
Mitch Mitchell – batería, coros en 3
Jimmy Leverton – coros en 11
Trevor Burton – coros en 11

Lista de Temas
"Stone Free" (Jimi Hendrix)
"Radio One theme" (Hendrix)
"Day Tripper" (Lennon/McCartney)
"Killing Floor" (Chester Arthur Burnett)              
"Love or Confusion" (Hendrix)              
"Drivin' South" (Hendrix)             
"Catfish Blues" (Robert Petway)               
"Wait Until Tomorrow" (Hendrix)             
"Hear My Train a Comin" (Hendrix)              
"Hound dog" (Jerry Leiber, Mike Stoller)           
"Fire" (Hendrix)              
"Hoochie Coochie Man" (Willie Dixon)       
"Purple Haze" (Hendrix)          
"Spanish Castle Magic" (Hendrix)         
"Hey Joe" (Billy Roberts)     
"Foxy Lady" (Hendrix)              
"Burning of the Midnight Lamp" (Hendrix)   

Otis Redding - Otis Blue: Otis Redding Sings Soul - 1965

  La historia de cómo Otis Redding llegó al éxito no es muy distinta a cualquier otra. Ganó unos cuantos concursos locales de talentos en su pueblo natal, Macon, Georgia,  y se convirtió rápidamente en cantante del grupo del guitarrista Johnny Jenkins. Otis también era chofer del grupo, porque era el único con licencia para conducir. Un día cayeron a grabar en los estudios de Stax, en Memphis y acá es donde viene la parte de "cuento de hadas". Según cuenta Steve Cropper, ellos no tenian idea que Otis era el cantante. Pensaban que solo era el chofer.
Cuenta Cropper:" Al terminar la sesión con Jenkins teníamos unos minutos libres y Al Jackson, nos dijo: "El tipo que viene con Johnny quiere que le oigamos cantar". Me senté al piano. Le pregunté: "¿En qué tono queres que toque?". Me contestó: "Da igual". Empezó a cantar These Arms of Mine. Se me puso la piel de gallina. Junté a todos los músicos que había y la grabamos. Después de la grabación casi borramos la cinta de tanto escucharla.” “These Arms of Mine” fue el primero de 17 éxitos consecutivos.

Esto sirve como prologo para meternos de lleno en nuestro disco elegido esta vez: “Otis Blue: Otis Redding Sings Soul”. 11 temas, poco mas de 30 minutos de música, grabados en 1965, por supuesto en Stax Recording Studios en Memphis, en un período de 24 horas. Con 23 años de edad, Otis Redding, the MG’s, the Memphis Horns, y Isaac Hayes se encerraron en el estudio para darle forma a este álbum. Si bien se trata del tercer disco editado por Otis, es considerado  su primer album de estudio. Cómo ya mencionamos en otras entradas del blog, no se trata de un rejunte de singles como se acostumbraba en la época, sino un álbum de principio a fin. Es uno de los primeros discos con el verdadero sonido del soul sureño… órgano, piano, vientos, guitarras, y gritos…
Los temas son en su mayoría covers, fundamentalmente de Sam cooke, uno de los ídolos de Otis quien había muerto meses antes, mas algunas composiciones propias. Tres cosas sobresalen en este disco: La voz e interpretación de Otis Redding, la banda (Booker T. and The MG’ s, entre los que se destaca la guitarra de Steve Cropper) y las canciones.

Otis componiendo en el estudio

 
No metemos de lleno en los temas. Si bien ocho de los once tracks son covers, Otis y la banda atacan con tanta pasión y precisión que se apropian de casi todos ellos. El album abre con “Ole Man Trouble” compuesto por Otis. En segundo lugar, y contrariamente a lo que popularmente se cree, "Respect" no es un tema de Aretha Franklin, sino de Redding. Aretha lo popularizó, pero con un abordaje completamente distinto. A Otis le alcanza con solo 2 minutos para arrasar con este tema, pero son los 2 minutos mas intensos del disco. La batería y los gritos se llevan puesta a la sección de vientos. Según Otis Redding, “me llevó un día escribirlo, 20 minutos para arreglarlo y 1 toma para grabarlo”. “A change is gonna come”, el himno de Sam Cooke es uno de los puntos mas altos del disco.Sigue "Down in the Valley", de Salomon Burke, con la batería marcando el paso constantemente,
"I've Been Loving You Too Long", es una de esas baladas trágicas con arpegios fabulosas, luego grabada por los Stones y por Tina Turner .“Shake” es otro de los temas de Sam Cooke que Otis ataca a grito pelado.
Llamativamente cruza el territorio para hacer "My girl" de The Temptations, un himno de Motown en el que pone mas sentimiento y ritmo que la versión original, tal vez por tratarse de un solo cantante en lugar de 5. "Wonderful World", otra de Sam Cooke. "Rock Me Baby", de B.B. King, muestra que tanto Otis, como Cropper, pueden hacer blues con mucha onda.

Con “(I can get no) Satisfaction" (grabada en primera toma) Otis devuelve el tributo que los Rolling Stones hicieron a la música negra durante toda su larga carrera. Se dice que Otis nunca había escuchado la versión original de los Stones editada apenas 2 meses antes de la grabación de Otis blue. Los arreglos de viento suenan como Keith Richards dijo imaginarlos originalmente. El mismo Richards alguna vez declaró que la versión de Otis es superior a la de los Stones. Y Ron Wood explicó que "la escencia soul que Otis Redding le dió a la canción es el que usamos hoy en día para tocarla.”.  Y el album cierra con You Don't Miss Your Water, uno de  los temas mas “lindos” del album, con todo lo que esa palabra significa.

Cropper: socio ideal

Como despedida sirve una cita de Steve Cropper, acerca de Otis: “Otis fue uno de los tipos mas grandes que pudieras haber conocido en tu vida. Era el hermano mayor de todos. Era mi hermano. Y tenía tanta calle... Nunca nos vi como tipos de la misma edad. Nunca pensé en eso, y nunca le pregunté su edad. Pero, los dos teníamos 26 cuando el murió.”

Otis deja todo en la cancha

Otis murió el  10 de diciembre del 67 en un accidente de avion, junto con su manager, el piloto, y 4 miembros de The Bar-Kays. Cualquier compilado o disco de Otis que consigas, vale la pena, no hay dudas.
Pero por ahora, no lo dudes y Escuchate esto!

Otis Redding – voz
Steve Cropper – guitarra
Donald Dunn – bajo
Isaac Hayes – piano
Al Jackson, Jr. – batería
Booker T. Jones: organo
Wayne Jackson – trompeta
Andrew Love – saxo tenor
Gene Miller – trompeta
Fred Newman – saxo barítono
Producido por Steve Cropper y Isaac Hayes

Lista de Temas 
"Ole Man Trouble"  (Redding)
"Respect"  (Redding)
"A Change Is Gonna Come"  (Sam Cooke)
"Down in the Valley"  (Bert Berns, Solomon Burke, Babe Chivian, Joe Martin)
"I've Been Loving You Too Long"  (Redding, Jerry Butler)
"Shake"  (Sam Cooke)
"My Girl"  (Smokey Robinson, Ronald White)
"Wonderful World"  (Cooke, Lou Adler, Herb Alpert)
"Rock Me Baby"  (B. B. King)
"Satisfaction"  (Mick Jagger, Keith Richards)
"You Don't Miss Your Water"   (William Bell)

Booker T & the MG's

Alto cuarteto

Esta vez se me ocurre recomendar un grupo. Y voy a ir más allá y me tomo el atrevimiento de crear mi propio compilado de este grupo basado en los singles mas importantes de la banda y en mi gusto personal. Se trata de Booker T & the Mg’s. El grupo nació cuando el guitarrista Steve Cropper, el organista Booker T. Jones, el baterista Al Jackson Jr. y el bajista Lewie Steinberg fueron contratados para una sesión con el cantante Billy Lee Riley en el verano del 62 por el incipiente sello de Memphis, Satellite/Stax. En un impasse de la sesión, los músicos grabaron una progresión de blues en Fa con un riff comandado por el órgano Hammond M3 del estudio y  azotado permanentemente por los “latigazos” de la guitarra. Esa zapada se convertiría en Green Onions. La leyenda había comenzado.
En una entrevista realizada años mas tarde, el propio Steve Cropper, explica lo que pasó con ese tema “Inmediatamente supe que “Green Onions” era un hit. Tan seguro estaba, que lo llamé a Scotty Moore, (guitarrsista de Elvis) para que lo escuche.“Man, esta bastante bueno -me dijo. Cómo se llama?” Le dije que no le habíamos puesto nombre todavía. Después fui a ver a Reuben Washington, un DJ amigo en la WLOK, la radio de Memphis. Y le dije “creo que tenemos un hit, quiero que lo escuches y me digas que te parece”. Mientras tanto, había otra cosa sonando al aire. Lo puso para escucharlo dentro del estudio, escuchó la intro y la mitad de la primera vuelta y lo detuvo sin decir nada. Lo mandó al aire … cuatro veces! Me dijo “Cropper, esto es lo mas funky que escuché en mi vida”. 

Cebollas de verdeo (1962)

Empezaron a sonar los teléfonos, la gente preguntaba de quien era el tema. Y el decía “No sabemos. No existe este grupo. La canción no tiene nombre”. Volví al estudio y los teléfonos sonaban ahí también, la gente preguntaba por lo que acababa de escuchar en la radio, querían saber adónde lo podían comprar. Nos reunimos con los muchachos porque queríamos editarlo, pero necesitábamos un nombre para el grupo y para el tema. Lewie Steinberg, dijo riendo “Llamemoslo “Onions” (Cebollas). Las cebollas son la cosa más apestosa y esta es la música mas apestosa que escuché. “ Nota: Lewie quiso relacionar Stink (apestoso) con Stank (sinónimo de funk o funky). Cebollas? Que tal “Cebollas de verdeo (“Green Onions”)? Aparentemente el nombre del grupo surgió del gusto de Booker por los autos, y nombró al grupo como el auto deportivo MG. Aunque también se dice que MG era la sigla para "Memphis Group".

Stax: un sello con mucha onda

Green Onions se convirtió en el himno instrumental para los jóvenes de Norteamérica tanto blancos como negros, ya que Booker T & the Mg's fue uno de los primeros grupos interraciales. Con Green Onions llegaron al número uno de los charts de Rhythm & Blues de la revista Billboard y número tres en los charts de Pop. Fueron la “house band” del sello Stax durante casi toda la década. Junto a la sección de vientos conocida como The Memphis Horns, compusieron, grabaron y tocaron en vivo con artistas como Otis Redding, Wilson Pickett, The Mar-Keys, Albert King, Sam & Dave y Eddie Floyd.
Donald “Duck” Dunn, compañero de colegio de Steve, reemplazó en el bajo a Steinberg en 1966. En 1967 el grupo fue proclamado por la prensa especializada como la mejor sección rítmica del mundo, en gran medida, gracias a la impronta rítmica de Jackson, quien comandaba muchos de los arreglos de la banda. “Una vez llegó una carta a Stax -cuenta Cropper, de alguien que preguntaba si era verdad que Stax era el primer estudio en usar una máquina de ritmo. Yo le contesté diciendo “es verdad. Se llama Al Jackson.”

Cropper atribuye la vigencia de aquellas grabaciones a que “todas las tomas fueron grabadas  en vivo, con todos los músicos tocando juntos. Casi todos los hits fueron hechos en una sola toma. No había overdubs.”

El grupo dejo de existir formalmente tras el asesinato de Al Jackson Jr. en 1975. La banda siguió tocando en forma esporádica con bateristas como Willie Hall, Anton Fig, Steve Jordan y Steve Potts.

A continuación, un comentario sobre cada tema que incluyo, y para mayor información, agregó el año y el nombre del disco al que pertenecen.
-Green Onions (1962: Green onions): Los instrumentales de 12 compases en acordes mayores eran muy comunes en el rythm & blues cuando "Green Onions" fue editado, pero hubo un sello que lo distinguió del resto: el denso riff de órgano basado en la escala menor. Para la época, podía llegar a considerarse heavy y tenebroso. Los solos son muy económicos, con muy pocas notas. Al Jackson Jr., por su parte, brinda una base de batería sólida, como la que mostraría durante todos los años de gloria de Stax.
-Mo’ onions (1962: Green onions) Single secuela de Green Onions
-Chinesse Checkers (1965: Soul dressing) Un groove bien funky a cargo del piano electrico wurlitzer, mucha onda y … oh! sorpresa, a la mitad de la canción, los vientos! Algún gritito, muteo percutivo de la guitarra e improv de piano. Gran resultado.
- Soul dressing (1965: Soul dressing) Empieza con una progresión armónica con una onda muy latina y el coro nos lleva para el lado de The Doors. Es imposible negar la influencia de Booker en Ray Maznzarek, líder musical de The Doors, que, oh casualidad, se formaban en ese mismo año.
- Soul jam (1966: ...And now) Basada en una frase reiterativa del órgano, se pone mas agresiva con el correr de las vueltas. A partir de este disco el bajista Duck Dunn empieza a jugar de titular. Un comentario... que fea tapa por favooor!!
-Sweet potatoe: (1966: ...And now) Este tema se llama “My batata”. Lo incluí porque acá Booker no toca ni Wurlitzer ni Hammond, solamente piano, y es un traje que le queda muy bien.
- Groovin: (1967: Hip hug her) El piano y el órgano conducen todo de manera muy placida hasta pasado el minuto, cuando entra la guitarra a hacer pura rítmica funky, con muy lindas variantes. Luego todo vuelve a su cauce normal y llegando al final, el órgano va metiendo blue notes y nos lleva para un lugar completamente distinto. Que linda que es la música che!
-Hip Hug Her (1967: Hip hug her) Puede considerarse de lo mas funky que el grupo hizo desde Green Onions hasta ese momento. Este tema tiene la particularidad de que el bajo (y no el órgano) es el que conduce el tema.
- Time is tigth (1968: Uptigth / Soundtrack) El arranque es con una intro ambiental, se le suma un groove de guitarra y notas largas de órgano. El disco Up Tight es el soundtrack de una película dirigida por Jules Dassin. Esta canción también fue usada por Terry Gilliam en Pánico y locura en las Vegas. Tiene un groove similar a I Can 't Turn You Loose de Otis Redding y The Clash le hace honor en su compilado Super Black Market Clash (1993)
-Born under a bad sign (1968: Soul limbo) Se puede decir que los muchachos conocían de memoria este blues-funk. Fueron ellos la banda que acompaño a Albert King en el disco Born under a Bad Sign de 1967, sumados the Memphis Horns y Isaac Hayes en piano. El tema fue compuesto por William Bell y el mismo Booket T Jones, quien define al tema como “the real blues done by the real people”. Y bueno, ya que estamos, lo grabamos nosotros también, habrán dicho... A pesar de haber sido grabado por el mismo baterista, esta versión tiene un abordaje de la batería totalmente diferente al de la original.
-Melting pot (1970: Melting pot) Guitarra funky para la intro, cometarios del órgano y cuando llegan al puente se llena todo de hammond bien saturado. En este tema el sonido del órgano se acerca mas al acid jazz y el solo de guitarra es un típico solo de Cropper. Para esta época Booker T y Cropper se habían alejado del sello Stax. El disco Melting pot fue grabado en New York durante una gira del grupo.

Al Jackson dirige la batuta

 
Por supuesto, la invitación esta para que escuches toda la discografía de Booker T & the Mg’s, pero por el momento, Escuchate esto!

Music of my mind - Stevie Wonder - 1972

Music of my mind, editado en marzo de 1972, marca el inicio del llamado “período clásico” en la obra de Stevie Wonder, completado con Talking book (1972),  Innervisions (1973), Fulflillingness’ first finale (1974) y el glorioso álbum doble Songs in the key of life (1976). Acerca de este ultimo disco se han escrito cientos de miles de comentarios y críticas. Es una genialidad, y nada de lo que yo aporte desde aquí creo que pueda sumar demasiado. Consíganlo y disfruten... Pero hoy les quiero recomendar este disco que habla ni mas ni menos que, como dice su titulo, de la música que tenía Stevie en su mente en 1972.

Stevie graba

Music of my mind marca además sus primeros experimentos con los sintetizadores, aumentando sus ambiciones musicales y abordando distintos géneros musicales. Stevie tenía 21 años en el 72 y ya estaba cansado de las imposiciones tanto artísticas como comerciales de la compañia Motown. Hacía poco había vencido su contrato y apareció por la famosa casita de Motown con este disco bajo su brazo y un nuevo contrato de 120 paginas bajo el brazo de su abogado. Y se puede decir que ganó la batalla. A partir de entonces, Stevie Wonder podría producir sus discos él mismo, en cualquier lado, en cualquier momento y de cualquier forma. Tenía el control artístico completo. Y también tendría los derechos de publicación (ningún otro artista de Motown había conseguido esto antes), lo que le aumentaba sus ganancias en cuanto a derechos de autor e interprete. Esto terminó siendo muy conveniente, tanto para Motown, como para sus artistas en adelante. Otro que hizo una movida parecida por esos años fue Marvin Gaye. Acciones como estas provocaron un cambio en la política de promoción de la compañía y la ayudaron indirectamente a enriquecerse (al igual que a los músicos). Comenzaba una nueva década y al mismo tiempo una nueva era para la música negra: la era de los sintetizadores.

Teniendo en cuenta todo lo anterior, Stevie Wonder impuso para este nuevo trabajo sus propias condiciones, empezando por la duración y el formato de las canciones. Se trata de un verdadero disco solista, ya que el mismo grabó todos los instrumentos, incluyendo el vocoder (se dice que Stevie lo usó mucho antes que Herbie Hancock). Batería, clavinet, bajo, piano, armónica, clavicordio, sintetizadores, piano eléctrico y claro, el instrumento que mejor maneja: la voz

De TONTO no tiene nada

Párrafo aparte merece la colaboración de los co productores Robert Margouleff y Malcolm Cecil acompañados por su amigo TONTO. Tonto significa "The Original New Timbral Orchestra". Se trata del primer y mas grande sintetizador análogo polifónico multitímbrico, diseñado y construido por Cecil. TONTO esta compuesta por diferentes sintetizadores Moog, Oberheim, ARP, EMS, Roland, Yamaha y mas. Este monstruo es inmediatamente reconocible por estar montados sus módulos en forma de semicirculo y revestidos en madera. Luego de que Margouleff y Cecil lo usaran en su propio disco, Stevie Wonder los integró a su equipo creativo desde el 72 hasta el 74.

Armónica

Como es constumbre, voy a hablarles de mis tracks favoritos. Love Having You Around es el tema que abre el disco. Y que manera de abrir un disco!! Tirando algunos yeites bluseros con los tracks vocales y después encarando el tema con un groove parejito muy funky con el rhodes al frente, varias capas de voz y sintes. Todo eso nos deposita en un breve pero triunfal estribillo. El tema dura 7 minutos y medio, incluye un solo de trombón de Art Baron (uno de los 2 músicos invitados para el álbum) y termina con unos locos sonidos de sintetizador y voces mandando fruta de fondo. A Sweet Little Girl podríamos catalogarlo como r&b, blues, swing... que se yo! Stevie canta muy naturalmente en la parte A, se pone furioso en la parte B y sensual en la parte C. Se trata de un tema fundamentalmente de piano con la armónica haciendo comentarios constantemente. Musicalmente es interesantísima, y cuando Stevie balbucea mimoso en la parte swingeada llega a ser graciosa. Qué decir de Happier Than The Morning Sun? Si hay algún sonido que pueda describir sentirse “mas feliz que sol de la mañana” seguramente sea esta canción. Un clavinet que parece querer imitar un arpegio de guitarra, un bajo moog y la voz. Con eso le alcanza para armar una de sus canciones mas hermosas, tanto en el sonido como en la letra.

Un par de gemas mas...Superwoman esta como dividida en dos mitades, la primera mitad mas balada R&B y después muta hacia progresiones jazzísticas y Stevie improvisando con su voz, tal vez sea algo cursi el tema, pero es maravillloso. Muy buen aporte del guitarrista Buzzy Feiton acá (el otro invitado). Keep On Running, como su nombre lo indica, es un funk aceleradísimo, con mucha pulenta. ¿Qué mas? I Love Everylittle Thing About You, un tema romántico con mucha presencia de rhodes y buen laburo de coros (no los hizo Stevie); Girl Blue es un interesante experimento sonoro; en Seems so long le podemos prestar atención al desempeño como baterista de Stevie, el manejo de platillos fundamentalmente, y a Evil, el ultimo track, lo desbordan los sintetizadores.

Para hacer un balance final, podemos decir que mas allá de la maestría en la parte vocal, Stevie demuestra un gran desempeño en la batería, así como en los teclados y la armónica. Y claro, los ya recontramencionados sintetizadores... Tal vez este disco este no sea una obra del todo redonda. Entendiendo que es el inicio de una etapa creativa muy fructífera, el incio de los experimentos con los sintetizadores, y probablemente haya sido opacado por los discos que le siguieron. Pero no por eso deberíamos dejar de prestarle atención a este verdadero disco solista.

Asi que no lo dudes y Escuchate esto!

Music of my Mind (1972) Stevie Wonder

Stevie wonder: voz principal, coros, teclados, piano, Hohner clavinet, Fender Rhodes, talk box, batería, bongó, aplausos, armónica, bajo Moog, T.O.N.T.O. synthesizer
Art Baron – trombón
Buzz Feiten – guitarra eléctrica

Lista de temas (todos compuestos por Stevie Wonder salvo el indicado):
Love Having You Around (Wonder, Syreeta Wright)
Superwoman (Where Were You When I Needed You)
I Love Every Little Thing About You
Sweet Little Girl
Happier Than the Morning Sun
Girl Blue
Seems So Long
Keep On Running
Evil

Nigth Beat - Sam Cooke - 1963

Salvo raras excepciones, la mayoría de los artistas de la década del 50, construían su carrera a base de singles. Un tema en la cara A, que el artista o la discográfica pretendían sea un hit, y un tema de relleno para la cara B. Aunque a veces se daba vuelta la tortilla y el lado B se convertía en el éxito. Y cuando llegaban mas o menos a 12 temas entre lados A y B de los simples, las discográficas lanzaban los LP, o larga duración. A principios de los años sesenta, fundamentalmente con The Beatles a la cabeza, se empezó a popularizar el formato de álbum como obra completa, no un rejunte de canciones sino una lista de temas guiada por una idea, un mismo sonido, un concepto (no confundir con disco conceptual). Siguiendo con esta corriente, el gran cantante Sam Cooke decidió grabar en 1963 un disco con influencias y repertorio fundamentalmente blusero. Por todo lo expuesto anteriormente, queda claro que se trata del disco de estudio mas consistente grabado por el lindo de Sam.

Sam en el estudio

Sam Cooke definió un estilo propio como cantante con una impronta completamente nueva. siendo la voz principal del grupo vocal gospel The Soul Stirrers, uno de los grupos de su estilo mas populares de los principios de los 50. En esos temas grabados con los Stirrers, anteriores al nacimiento del soul, ya se aprecia con mucha claridad un fraseo muy característico que se convertiría en su sello hasta su muerte en 1964. Rene Hall, guitarrista y arreglador de Sam Cooke en un breve y sencillo comentario explica o revela el secreto: "Sam tenía un oído muy extraño, diferente incluso de los cantantes de gospel. porque la mayoría de los cantantes de gospel caen en séptimas, como en el blues, pero Sam caía en sextas. Incluso cuando hacía un standard, lo encaraba con esta original versión de la melodía. “

A mediados de los 50 Sam Cooke fue lanzado como solista obteniendo gran éxito con temas como You send me, Sentimental reasons, Wonderful word y Twisting the nigth away. Llegamos entonces a 1963 y vamos a los que nos importa en esta ocasión: Nigth Beat, el álbum. Se trata sin dudas de una grabación esencial para la historia de la música negra. La lista esta integrada por temas en su mayoría, como dicen en USA, downbeat, es decir con un beat en tempos medios o lentos. Escuchando “Lost & Lookin” se darán cuenta lo que quiero decir: voz, contrabajo, y un mínimo hi hat. Hay una adaptación muy original del standard gospel "Nobody Knows the Trouble I've Seen" despojada de cualquier arreglo, con toques mínimos de tambores y el piano entrando recién a la mitad de la canción... y Sam diciendo “Glory Haleluyah” …Tre-men-do!

"Night Beat" fue grabado durante 3 noches en febrero de 1963, con un pequeño grupo de músicos, sin vientos ni cuerdas. Ellos son los guitarristas Rene Hall, Barney Kessell, y Clifton White, el legendario baterista de la costa oeste Hal Blaine y el pianista Ray Johnson. También particpa un adolescente de 16 años en órgano: Billy “toque con todos” Preston (le habrán dado whisky durante la grabación o todavía era muy chiquito?).

Billy Preston: del cole al 
estudio de grabación

Justamente es Billy quien se destaca emulando los sonidos del gallo con su hammond en la versión del  clásico del blues de Chicago, Little red rooster (Willie Dixon). Una rareza, la interpretación swingeada (así se escribe?) del tema popularizado por Bill Halley, Shake Rattle & Roll. Y como ultimo comentario de los temas, mi track favorito: Please don’t drive me away (Charles Brown). Un rythm & blues de poco mas de 2 minutos que empieza por el estribillo. Tanto swing en un solo tema debería estar prohibido. El piano, el hammond, el cantante, la sección rítmica... uff!! Pasado el minuto de la canción, el piano, el órgano y el propio Sam improvisan alternándose unos pocos compases cada uno en forma muy prolija y ordenada. Luego de unos 30 segundos la canción vuelve a su cauce normal y ya encaran el final bajando el tempo con mucha destreza y, vale la pena repetirlo, mucho SWING!

Ojo! si me pusiera en purista, no tendría batea para poner este disco... jazz? blues? soul? Por algo el mismísimo Robert Palmer consideró alguna vez a la música de Sam Cooke como un género en sí mismo. Pero no me pongo purista y lo catologo sencillamente como MUSICA NEGRA. Al fin y al cabo, de eso se trata este blog.

Grones con Swing: Clif White y Rene Hall

Tanto Ray Charles, como James Brown, como Otis Redidng años después y claro, Sam Cooke, pusieron su granito de arena para el nacimiento y el desarrollo del soul. En otras entradas prometo hablar de ellos. Por ahora, espero que les hayan dado ganas de escuchar esta magnífica obra de un cantante absolutamente único: Sam Cooke.

Así que no lo dudes y Escuchate Esto!

pd: Otros de Sam Cooke que deberías escuchar: el compilado "The Man and His Music" y el concierto en vivo de ”Live at Harlem Square Club 1963"

Nigth Beat (1963) Sam Cooke

Voz: Sam Cooke

Batería: Edward Hall, Hal Blaine

Guitarra: Rene Hall, Barney Kessel, Clifton White

Piano: Ray Johnson

Órgano: Billy Preston

Bajo: Cliff Hils

Lista de Temas

1. Nobody Knows The Trouble I've Seen

2. Lost And Lookin'

3. Mean Old World

4. Please Don't Drive Me Away

5. I Lost Everything

6. Get Yourself Another Fool

7. Little Red Rooster

8. Laughin' And Clownin'

9. Trouble Blues

10. You Gotta Move

11. Fool's Paradise

12. Shake, Rattle And Roll