Freddie King - Texas Cannonball - 1972

Escuchas la versión de Lodi, de Creedence, por Freddie King y ya está. Solo eso justifica o invita a escuchar el resto del disco. Y claro, también justifica que a este álbum lo hayan titulado "Texas Cannonball". Todo la fuerza de Freddie King se escucha, se siente, en este, uno de los grandes discos de blues de todos los tiempos.

Freddie King nació en Dallas, Texas pero se crió en Chicago. Tocó mucho en esa ciudad pero, por esas cosas de la vida, no tuvo suerte en el emblemático Chess Records. Pero Freddie no bajó los brazos y consiguió grabar un single instrumental para Federal Records en 1961: "Hide away". El tema se convirtió en un hit que sonaba en todos lados. 

Después grabó mas de treinta instrumentales similares, como The Strumble y otros, y giró algún tiempo compartiendo cartel junto a grandes del soul, como Sam Cooke, Jackie Wilson o James Brown. Para fin de los sesenta firma con Atlantic Records y edita en 1969 "Freddie King is a Blues Master" (que titulo, no?) y "My Feeling for the Blues" (1970). Aunque no le fue muy bien con ese material en Estados Unidos, todo lo contrario ocurrió en Inglaterra. Historia conocida, al llegar a una gira en el Reino Unido, Freddie conoció a una nueva generación músicos como Eric Clapton, Mick Taylor, Peter Green, jóvenes que estaban tratando de emular su sonido. A su manager Jack Calmes se le ocurrió que tocar en el Festival Pop de Texas y compartir cartel con gente como Janis Joplin o Led Zeppellin, podría ser una buena idea. Page y sus amigos también resultaron ser grandes admiradores de King. Gracias a esa movida, Freddie King captó la atención de un nuevo público y con su álbum "Getting Ready" se hizo evidente que su estilo tenía que ver mucho con el Blues Rock que se escuchaba entonces. 

Así llegamos a este disco, producido por el gran Leon Russell, grabado en dos ciudades diferentes por dos bandas diferentes. En la primera sesión entre el 2 y 4 de febrero de 1972 en Skyhill Studios de Los Ángeles, Freddie estuvo acompañado por Russell en piano, Don Preston en guitarra, Donald “Duck” Dunn en bajo y Al Jackson Jr. en batería (estos dos últimos, miembros de Booker T & The MG´S, banda del sello Stax Records de Memphis). En esta parte de la grabación, los seis temas escogidos fueron: “I´d rather be blind”, con una base rítmica demoledora y firmado por Russell; “Can´t trust your neighbor” es un soul típico de Stax, de hecho esta compuesto por Isaac Hayes y David Porter y otros temas que se acercan más al estilo Chicago, como “You were wrong” y “How many more years” de Howlin´Wolf. Qué decir de “The sky Is crying” y una maravillosa versión de (mas soul!) “Aint´t no sunshine” de Bill Withers.

La segunda parte de las grabaciones fueron realizadas semanas después en Ardent Studios de Memphis. PAra la ocasión Russell seleccionó músicos de su propia banda, Don Preston otra vez, John Gallie en órgano, Carl Radle en bajo y los bateros Chuck Blackwell y Jim Gordon.

Se grabaron cuatro canciones: la mencionada "Lodi” de John Fogerty, “Big legged woman” y “Me and my guitar”. Se percibe un aire de blues funkeado o souleado, como ya habíamos escuchado en Albert King a partir de su disco "Born under a bad sign". Esta veta será explotada por Freddie King en sus siguientes álbumes hasta su muerte en 1976. Pero sin dudas es el clásico de Lowell Fullson “Reconsider baby” donde demuestra porqué es uno de los reyes del blues.

Combinando Blues acústico de Texas con la crudeza de Chicago, la influencia de Freddie King llegó a todos los guitarristas eléctricos que vinieron después (Clapton y Vaughan tal vez sean los mas emblemáticos). The Texas Cannonball, ya sea como obra, pero también como apodo, pinta a este artista de pies a cabeza. Así que no lo dudes y Escuchate Esto! 

Lista de Temas:
Lodi
Reconsider Baby 
Big Legged Woman
Me And My Guitar 
I'd Rather Be Blind 
Can't Trust Your Neighbor 
You Was Wrong 
How Many More Years 
Ain't No Sunshine 
The Sky Is Crying 

Fuentes:  https://rockandrollismyaddiction.wordpress.com/
https://almadefrontera.blogspot.com/

Las 50 grabaciones esenciales del Jazz por Wynton Marsalis - parte II

En la entrada anterior, compartimos las 50 grabaciones esenciales del jazz por Winton Marsalis. En esta segunda parte, el músico (ok, considerarlo a Marsalis solo un "músico" es quedarse corto, pero ya saben de lo que hablo) va un poco mas allá con aquello que considera esencial entre lo esencial. 


Louis Armstrong en Snake Rag - King Oliver
Punto de vista de otro mundo, con sus habilidades para improvisar nos toman por sorpresa

Que te den una parte de acompañamiento, escucharla, tocar algo que se relacione con el "tema" con semejante sofisticación, visión y matices, ademas de una gran muestra de habilidad. Es muy poco común. Louis Armstrong tocaba la segunda corneta en la banda de King Oliver — esto quiere decir que esta interpretando partes armónicas que deben resolver de determinada manera. Esta tocando básicamente la parte alta, mientras que King Oliver esta tocando la melodía. O sea, no hay música escrita, esta improvisando en una forma muy compleja. Cuando lo escuchás y lo pensás, es difícil de creer, cuanta claridad y lógica y de que forma hermosa el resuelve la armonía interna, y también improvisa una segunda armonía a los cortes de trompeta de Oliver. Una increíble visión de reflejos, entendimiento musical y habilidad para escuchar. La exactitud de estas partes y la claridad con la que toca dentro de un rol de acompañamiento es excepcional. La velocidad de reflejos, no es creíble. Por eso es Louis Armstrong.

Duke Ellington, “Daybreak Express” (1933)
All-time baddest MF (Yo lo traduciría como: "El hijo de puta mas pulenta de todos los tiempos")

All-time baddest motherfucker. OK? Eso se reserva a alguien como Bach. Pude haber elegido cualquier cosa, pero elegí esta porque amo los trenes. El nivel de compromiso sostenido, ese nivel de logro técnico, la sofisticación de lo que está haciendo, la forma en que hace que las armonías suenen como trenes, la concepción de los diferentes grooves, el inteligente uso de la forma, la alegría que transmite, la diversidad de las ideas, la compresión de cada instrumento en su registro. [Nota: La lista de Marsalis también incluye otros temas de trenes de Ellington: “Choo Choo” 1924, “Happy Go Lucky Local” 1946, “Track 360” 1959 y “Loco Madi” 1972. "Traté de escoger uno de cada década. Con la Lincoln Center Orchestra hemos tocado casi todos estos.")  

Mary Lou Williams with Andy Kirk and His Twelve Clouds of Joy, “Walkin’ and Swingin'” (1936)
Manifestación nivel Genio y logros únicos que no tienen comparación a nivel composición y arreglos.

“Walkin’ and Swingin'” — esta escrito con una solidez increíble con una trompeta liderando la sección de bronces, esa trompeta es tan hermosa, que su puente se transformará en una canción de Monk: “Rhythm-A-Ning.” Es tan difícil de tocar. Man, cada vez que la trato de tocar, es tan difícil! Cada vez que la tenemos que tocar, nos miramos entre los trompetistas y nos decimos "Quién lo toca esta vez?!" Estamos ante uno de los pilares que iniciaron el bebop, aunque estemos en la Era del Swing. La diversidad en el arreglo, la pregunta y respuesta. Ella era una verdadera adelantada, fue mentora a los músicos de bebop. “In the Land of Oo-Bla-Dee” es un ejemplo de bebop que ella escribió y Dizzy Gillespie grabó. Ellos iban a su casa, Dizzy, Bird, Monk, todos los pesos pesados hablaba con Mary Lou, la amaban. Ella les hablaba de arreglos, tenía conceptos, era muy filosófica. Ella los influyó de verdad. Yo hablé con Dizzy de ella y el siempre me decía. “Man, Mary Lou, nos enseñó tanto.”

Benny Goodman, The Famous 1938 Carnegie Hall Jazz Concert
Concierto mas significativo

En este concierto Benny Goodman esta estableciendo su concepto de qué es lo que necesitamos hacer como país. Toca su música, trata con la historia de su banda, muestra interpretaciones virtuosas. Reúne a la gente de diferentes razas en un tiempo de segregación y profunda ignorancia. Reúne a miembros de las orquestas de Count Basie y Duke Ellington, hace canciones populares americanas, canciones originales de jazz, tiene un sección que cubre la historia del jazz  y toca tremendamente el clarinete. Tiene un grupo pequeño, una banda grande... cubre mucho campo en un solo concierto. También es el concierto mas significativo porque logró que el Carnegie Hall le concediera tiempo de ensayo. “Tengo que ensayar tanto para que mi música suene como se debe". Reafirmó un movimiento mas allá del prejuicio que, en ese momento, no había forma de remover porque el prejuicio sobrevive a toda evidencia. Pero en ese momento, fue un manifiesto muy fuerte, muy poderoso. 

Dizzy Gillespie with Charlie Parker, “Shaw ‘Nuff” (1945)
Dos personas que practicaron mucho (individualmente y juntos)

Charlie Parker y Dizzy. una cosa es practicar solo; otra muy diferente es practicar con alguien mas. Ser capaz de tocar partes con ese tipo de claridad y justeza. Dizzy siempre decía que Bird era la otra parte del latido de su corazón. Aún hoy, no se si dos caños han podido igualar el nivel de complejidad, matiz, sofisticación y absoluta unión. Fuego, virtuosismo. Cuando sucedió, la gente sabía que erta algo espectacular. El tiempo nos lo ha demostrado.

Ornette Coleman, “Peace” (1959)
Complejidad psicológica poco común mientras mantiene una intención lírica.

Fui muy cercano a Ornette. Ornette era como un Chamán. Me iba a su casa a la 1 de la mañana y y literalmente nos quedábamos tocando, sin hablar, por 2, 3 horas. Solo tocando frases los dos. Y después cuando te hablaba, siempre era algo muy trascendente. Este solo, “Peace,” es como cuando estas hablando y levantas tus ojos, tenes muchos gestos, subís bajas, un paisaje de emociones, sentimientos, pensamientos. Es difícil transmitir eso mientras improvisas. Todo eso está en ese solo. A los lugares a los que te llevará, en la complejidad psicológica de su fraseo y lo que esta diciendo y su habilidad para cambiar el humor y la intención de su sonido - muy complejo. 

Ben Webster and Harry “Sweets” Edison, “Better Go” (1962)
Destino: Soul

La portada de ese álbum [Ben and “Sweets”] tiene tanto soul, eso es todo lo que necesitas saber. Simplemente pones ese póster y lo dice todo. Un disco con swing. Veteranos tocando blues. 

Charles Mingus, “Meditations on Integration” (1964)
Consolidando lo mejor del pasado y el presente (luego del bebop) 

Lo que ocurre con la gente es que generalmente cae en una idea equivocada de su generación. Como cuando Giovanni Pierluigi da Palestrina escribía música, en realidad estaba escribiendo un montón de contrapunto a grosso modo, muy complejo. La siguiente generación lo escribió de una manera mas simple, entonces ese estilo se convierte en anticuado porque querés usar el estilo nuevo. Ahora, quien puede llegar en la era de la simplificación y agregar la complejidad del pasado? Esa es la cuestión. Ahora estas en América, en el medio del movimiento juvenil, la primera vez que podes vender cosas a los jóvenes, que estaban pensadas para adultos. Estas ganando mucho dinero y te estas alejando de la "cosa adulta". Pero también esta en movimiento por los derechos civiles al mismo tiempo, y estas comprometido con un montón de cosas en tu generación que no pasaron antes porque no podían pasar. Porqué, en el medio de esto, vas a volver a algo que esta siendo desacreditado, que fue fuente de dolor y vergüenza para mucha gente que no sabía qué era, y traer eso a tu sonido, y al mismo tiempo buscas mas allá en la dirección en que tu generación esta yendo? Eso es ir para ambos lados. Es una posición de Yoga. Eso es lo que Charles Mingus hizo con todos esos discos que grabó entre la segunda parte de los 50 hasta avanzados los 60, el avant-garde con gente tocando y hablando. Eso era considerado ser libre. Tiene piezas musicales onda New Orleans, como “My Jelly Roll Soul.” tiene baladas de increíble profundidad y complejidad. Y tiene piezas largas como “Meditation on Integration” que te da el 6/8 africano. Tiene canciones tradicionales de bebop, canciones irónicas, “Gunslinging Birds.” Tiene música de iglesia. Todos estos elementos, del folk, todo lo que pone en su música, elementos teatrales, y no se esta segregando a si mismo de la música. 

Wayne Shorter, “Infant Eyes” (1964)
Extremadamente sofisticado, aún así con una combinación lírica/ melodía/ armónica

Significa que la progresión armónica es tan sofisticada como la melodía. Muy difícil. A veces tenes una gran melodía y las armonías no están a la altura. “Infant Eyes”: melodía embrujada. Es casi como si estuviera escrita en un modo. No lo es, pero suena así, como algo que pudieras cantarle a un niño, una canción de cuna. Cuando ves la progresión armónica, hacia dónde va, de cualquier modo es un maestro de la armonía, pero va a lugares en la armonía y es cíclica. Es el modo en que un ciclo trabaja. Si estas mirando una ecuación matemática, puede tener belleza, ya que la matemática puede ser lírica y hermosa y la mirás y decís "Demonios, así es como la matemática de esto funciona? Así son todas estas canciones. 

John Coltrane, A Love Supreme (1964)
Desarrollo improvisativo y minimalista sin precedentes

Trane salió con A Love Supreme como un material temático y de improvisación lo mas pequeño posible. Entonces la mayoría de lo que hay en A Love Supreme son como celdas, como una tercera menor y luego un gran salto. Entonces se invierte como una cuarta, una quinta; cubre un montón de intervalos diferentes. Es el tipo de pentatónica que te conecta con el Este. La excepción es la segunda parte. Pero incluso esa parte de ocho compases, una forma inusual para el blues, vuelve a la forma anterior. En ese entonces, la gente estaba tocando blues de 12 compases, de 14, blues con formas mas largas. Trane volvió a la forma mas primitiva del folk con el blues de 8 compases en A Love Supreme. Ese es un logro tremendo no solo por la profundidad de su compromiso por el que se lo conoce, sino también por el material temático que es, y cuanta improvisación va tiene lugar. 

Eddie Harris, “1974 Blues” (1969)
A boogaloo church shuffle in a funky 7 — damn!

No solo estas tocando un boogaloo — que es en ritmo de cuatro— lo estas tocando con una onda de shuffle de la iglesia, entonces tenes algo ancestral y algo góspel, y además, lo estas tocando en siete pero es un siete funky. No es el tipo de beat raro en siete, o un siete que es como si estuvieras tratando de sonar como música de Europa del Este pero siempre fallás porque no te criaste bailando eso. Es un siete orgánico. Algo entendía. Y la forma en que lo hacen es como resbalosa, porque el riff es recurrente. El groove esta basado en una repetición, entonces la cuestión de la repetición es cuándo la dejás y te vas a otro lugar? Es como lo que Armstong hacía con King Oliver. La clave de lo sincopado en cuando ellos deciden sincopar las frases. Entonces es como el balance de cuando NO repetir. Esta es una brillante manera de usar la repetición en el groove. Cuenta por el hecho de que el siete es una métrica rara, así que el siete por si solo es algo que va a crear tumulto en la repetición. Podés repetir mucho mas sin volverte aburrido.

Betty Carter, “Bridges” (1992)
Los sonidos de protesta a través del tiempo

Este es el sonido de protesta para nuestro tiempo. Esta es gente que decidió que iba a hacer un manifiesto de protesta en la música y como las diferentes formas de protesta se pueden crear. Louis Armstrong hizo “Black and Blue”, pero el puente dice “Soy blanco por dentro, pero eso no me ayuda.”. "Bridges" de Betty Carter es solo scat, pero el poder, el virtuosismo, la diversidad de lo que está cantando, habla por si solo. Habla desde el poder de la música instrumental. Es extremadamente virtuoso de un modo muy libre, poderoso y progresivo. En un punto se va al 6/8 africano, mientras ella esta en cuatro tiempos. La forma en que dicta los ritmos. Nos lleva en un viaje a través de diferentes ritmos, y es la fuerza de su sonido! Es un manifiesto. Porque cuando digo protesta, es también el sonido de la libertad. 
[Nota: Marsalis también citó “(What Did I Do to Be So) Black and Blue” de Louis Armstrong; “Strange Fruit” de Billie Holiday, "We Insist!" de Max Roach y muchas otras grabaciones en esta categoría.]

Fuente: 
https://www.rollingstone.com/music/music-features/wynton-marsalis-interview-essential-jazz-recordings-821914/

Las 50 grabaciones esenciales del Jazz por Wynton Marsalis

Wynton Marsalis arma una playlist con las 50 grabaciones esenciales del jazz. No importa si conocés mucho o poco de este género, esta es una excelente guía para conocer o repasar nombres, discos y temas que no pueden faltar. Compartimos la lista y lo que dijo Winton de cada tema. Pero no se trata de una lista armada en forma tradicional, predecible, sino que las enumera de una forma única, en ocasiones agrupando varias canciones dentro de un mismo catalogo que describe con absoluta originalidad y aportando su visión y sentir como músico. La lista es ampliamente disfrutable desde ese lugar. “Básicamente, la información que doy en esta lista es todo lo que tenés que saber" dice Marsalis a Rolling Stone. Lo deja en claro: se trata de un inventario de "grabaciones" en lugar "albums", dado que muchas de las obras maestras del jazz llegaron antes que la era del LP. Ojo, algunos conceptos es mejor dejarlos en inglés porque perderían el sentido. 

El primer intelectual verdadero del jazz, una enciclopedia, uno de los cimientos del jazzJelly Roll Morton's The Complete Library of Congress Recordings

Increíblemente honesta y una melodía soulful. 
Charles Mingus “Goodbye Pork Pie Hat”
Marcus Roberts “Spiritual Awakening”

Manifestación nivel Genio y logros únicos que no tienen comparación (tocando, componiendo, arreglando y guiando) 

Mary Lou Williams. Como ejecutante: “Night Life”; como arreglador / compositor: “Walkin' & Swingin’”; como mentor: “In the Land of Oo-Bla-Dee” (Dizzy Gillespie's recording); Rango compositivo: “Scorpio”

Mirada profunda dentro del verdadero significado y naturaleza del jazz en el tiempo y espacio Django Reinhardt “Minor Swing”

A boogaloo church shuffle in a funky 7 – damn!Eddie Harris “1974 Blues”

Super imaginativa integración de elementos europeos, africano, americano e hispanos. 
Machito “Kenya”
Duke Ellington “Afro-Bossa”

Enciclopedia de la improvisación nivel Genio 
Charlie Parker “Embraceable You”
Thelonious Monk “Sophisticated Lady”
John Coltrane “Crescent”

Destino: Soul 
Oliver Nelson “Stolen Moments”
Herbie Hancock “Tell Me a Bedtime Story”
Duke Ellington “Blues in Orbit”
Ben Webster and "Sweets" Edison “Better Go”

Consolidando lo mejor del pasado y el presente (luego del bebop) 

Charles Mingus “Meditations on Integration” (1964)

Lo mas dulce de lo dulce / Lo mas hot de lo hotPaul Whiteman “Whispering”
Jean Goldkettes “My Pretty Girl”

El embajador supremo aunque tocando es efusivo, enérgico e infeccioso
Errol Garner “Nightconcert”

Extremadamente sofisticado, aún así con una combinación lírica/ melodía/ armónica: 
Wayne Shorter “Infant Eyes”
Duke Ellington “Creole Blues”
Billy Strayhorn “Lush Life”
Thelonious Monk “Ask Me Now”
Bill Evans “Very Early”
Horace Silver “Peace”
Hermeto Pascoal “Farol que nos guía todo”
Chick Corea “Humpty Dumpty”

La audiencia claramente lo esta disfrutando
Cannonball Adderley Quintet
“Mercy, Mercy, Mercy”

Estudio de libro de texto de desarrollo temático en una composición larga transformando un motivo muy básico de cuatro notas en jazz modal, original, con contratiempos y aún así, hermosa balada mientras sigue swingeando todo el tiempo
Duke Ellington “The Tattooed Bride”
  
Punto de vista de otro mundo, con sus habilidades para improvisar nos toman por sorpresa
Stan Getz “I’m Late, I’m Late” 
Louis Armstrong (second cornet) on “King Oliver’s Snake Rag”


Profundo, profundo groove de las Américas
Tito Rodriguez “Como mi ritmo no hay dos”


Sonidos de protesta y afirmación 
Louis Armstrong “Black and Blue” (1929)
Billie Holiday “Strange Fruit” (1939)
Duke Ellington “Jump for Joy” (1941)
Charles Mingus “Original Faubus Fables” (1959)
Max Roach “Driva Man” (1960)
Max Roach “Triptych: Prayer/Protest/Peace” (1960)
Dave Brubeck “The Real Ambassadors” (1961)
John Coltrane “Alabama” (1963)
Nina Simone “Mississippi Goddam” (1964)
Rahsaan Roland Kirk “Clickety Clack” (1973)
Betty Carter “Bridges" (1992)

Hacer que un metal suene exactamente como si alguien estuviera cantando
"Tricky Sam" Nanton on Duke Ellington’s “Chloe (Song of the Swamp)”

Integración del blues con elementos dispares
Dave Brubeck “Blue Rondo à la Turk”

Complejidad psicológica poco común mientras mantiene una intención lírica.
Ornette Coleman “Peace”

Flotando en un swing 4/4 en una larga subdivisión métrica de 3
Billie Holiday "Getting Some Fun Out of Life”

Trompetas, trompetas, trompetas:
Tommy Dorsey “Well, Git It!"

Bebop clásico (a pesar de la pobre calidad de la grabación)
Charlie Parker “Ornithology" from One Night in Birdland

Cachorros de “Off Minor” de Monk, armónicamente desafiante 
John Coltrane “Giant Steps”
Wayne Shorter “Fee-Fi -Fo-Fum”

Compromiso con un original y sofisticada concepción en el tiempo con absoluta integridad y seriedad
El Steve Coleman de On the Edge of Tomorrow (1986) hasta Live at the Village Vanguard Vol. 1 & 2 (2018) y cualquier otro volumen subsecuente que demuestre el mismo nivel de credibilidad

All-time Baddest MF: (Yo lo traduciría como: "El hijo de puta mas pulenta de todos los tiempos")
Duke Ellington
“Choo Choo" (1924)
“Daybreak Express” (1933)
“Happy Go Lucky Local” (1947)
“Track 360” (1958)
“Loco Madi" (1972)

Talento increíble y vigorizante
Cécile McLorin Salvant (su elección de canciones, composiciones y seriedad irrepetible)

Desarrollo improvisativo y minimalista sin precedentes 
John Coltrane “A Love Supreme”

Gran cantidad de ambición en un terreno baldío
Marcus Roberts “Blues for the New Millennium”

Mejora absoluta de la improvisación en un clásico de la música popular americana (que no necesitaba ser mejorado)
Louis Armstrong “Stardust”

Profunda y implacable intención espiritual
John Coltrane “Dear Lord”

El Mago Merlín del teclado
Art Tatum
“Tiger Rag”
“Tea for Two”
“Too Marvelous for Words”

Las mas angelical de las cantantes
Doris Day (and Les Brown and His Band of Renown) on “Sentimental Journey”

Extremadamente madura improvisación de una canción americana clásica y popular
Miles Davis “Stella By Starlight” (from My Funny Valentine)

Trombones trombones trombones:
Duke Ellington "Bragging in Brass"

Relajarse en la cara del caos
John Coltrane “Interstellar Space”

Clara demostración de como cantar blues a través de los metales
Sidney Bechet “Blue Horizon”

Gran consolidador del pasado y el presente sin preocupaciones por los cliches
Charles Mingus "Mingus Ah Um"

Genio multifacético del vocalese:
Jon Hendricks “Freddie the Freeloader”

Uso creativo de la forma
Jelly Roll Morton “The Pearls”
Thelonious Monk “Brilliant Corners”
Louis Armstrong & His Hot Fives “Skid Dat-De-Dat”
Gerry Mulligan “K-4 Pacific”

Saxos saxos saxos:
The Thad Jones/Mel Lewis Orchestra "Tiptoe" from Consummation

Solo con una orgánica integración buscando la relación entre un instrumento moderno y un propósito ancestral
Louis Armstrong “Tight Like That”

Maestro definitivo del piano con ambas manos
Fats Waller
“Viper's Drag”
“Handful of Keys”

Mind-bogglingly nimble, flexible, intelligent and omnidirectional rhythm section:
Herbie Hancock, Ron Carter, and Tony Williams with Miles Davis from E.S.P. to Filles de Kilimanjaro

Ensambles pequeños que se consolidan mientras van innovando
Modern Jazz Quartet, Bill Evans Trio, Marcus Roberts Trio, Ahmad Jamal Trio, Gerry Mulligan-Chet Baker Quartet

Concierto mas significativo
Benny Goodman's The Famous 1938 Carnegie Hall Jazz Concert, Jazz at the Philharmonic (various concerts)

Composición mas significativa
Duke Ellington "Black, Brown, and Beige”

Composición larga mas significativa
Woody Herman “Lady McGowan’s Dream”
Duke Ellington “A Tone Parallel to Harlem”
Igor Stravinsky “Ebony Concerto”
Leonard Bernstein “Prelude, Fugue, and Riffs"
Chico O’Farrill “Afro Cuban Jazz Suite”

Gran diversidad compositiva sin sacrificar calidad
Wayne Shorter with Art Blakey's “Lester Left Town” (1960) and “This Is for Albert”(1963),
Wayne Shorter with Miles Davis's “Fall” (1967) and “Nefertiti” (1967),
Wayne Shorter's “El Gaucho” (1966),
Wayne Shorter with Weather Report's “Palladium” (1977), 
Wayne Shorter's “Atlantis” (1985)

Dos personas que practicaron mucho (individualmente y juntos)
Charlie Parker & Dizzy Gillespie “Shaw ‘Nuff”

Definitive shout chorus
Eddie Durham’s arrangement for Bennie Moten’s Orchestra of “The Blue Room” (1934)

En un futuro cercano sumaremos otro post en donde Masalis revisita algunas de estas grabaciones con mas detalle. 

Fuente: 
https://www.jazz.org/blog/wynton-marsalis-top-50-jazz-recordings/
https://www.rollingstone.com/music/music-features/wynton-marsalis-interview-essential-jazz-recordings-821914/

Jas Obrecht entrevista a Mick Taylor y a Ron Wood

Con el tiempo y los años me convencí: la etapa de los Rolling Stones que mas me gusta es la que va desde 1968 a 1972, son esos discos mágicos, Beggars Banquet, Let it Bleed, Sticky Fingers, Exile on main st. Y Mick Taylor es uno de los grandes responsables de que esos discos hayan sido lo que son. Por su puesto que la maduración del sonido de la banda, luego de girar varias veces por los Estados Unidos y, como dice Richards en Life, en tantas millas recorridas escuchar mucho blues y country en el lugar donde fue creado. Los Stones son, desde mi punto de vista, quienes mejor supieron mezclar esas músicas. Y ese resultado se ve claramente en estos discos mencionados.



Me considero fanático de todo aquello que tenga que ver con el uso de los instrumentos y las diferentes técnicas y equipamientos. Es por eso que comparto algunos pasajes de las entrevistas que Jas Obrecht* realizó tanto con Mick Taylor, como con Ron Wood. La Nota con Mick Taylor fue realizada el 22 de junio de 1979 en Los Angeles y fue editada en la edición de febrero de 1980 de la revista Guitar Player. 

Sus principales influencias
"Solía escuchar mucho a B.B. King, y el tiene ese gran vibrato. No lo supe hasta muchos años después, pero el crea el vibrato casi de la misma manera en que un guitarrista clásico lo hace, moviendo su mano en lugar de su dedo. También solía escuchar mucho los instrumentales de Booker T & the Mg's y mucho Otis Redding y Wilson Pickett. Siempre me ha gustado el sonido de Stax, Memphis.

La música favorita de su carrera 
"Blues From Laurel Canyon" de John Mayall es, de todos los discos que grabé, mi favorito. Esa era una buena banda, estaba John Mayall, Stevie Thompson, Colin Allen y yo. Era una banda compacta, probablemente lo mejor, o lo que mas disfruté. 

Jimi Hendrix
El que me ha influido mas que nadie, realmente, es Jimi Hendrix. Hay un tema de que grabamos con John (Mayall), “No Reply.” Eso fue muy Hendrix. En ese momento lo escuchaba todo el tiempo, de hecho solíamos compartir bastantes fechas con el. Recuerdo una en particular, con Jimi y Albert King en el Fillmore West en San Francisco. Aprendí de el todo el tiempo, me voló la cabeza completamente. En el escenario era simplemente increíble, para un guitarrista tener esa energía en su toque, y también el control y el ritmo. Para muchos guitarristas es muy difícil tocar así, o al menos intentar acercarse a tocar así, en trío, de esa forma. Eric Clapton lo hizo con Cream. Y Hendrix era grandioso en la forma en que cambiaba de rítmica a lead. Su guitarra y su voz eran casi lo mismo.

Hubert Sumlin y la Stratocaster
El primer guitarrista que escuché tocar con una Fender fue Hubert Sumlin, de la banda de Howlin’ Wolf. Había escuchado  “Goin’ Down Slow” de Wolf, pero hasta unos años mas adelante no supe que el guitarrista era Hubert y que usaba una Strato. 

La Keith Burst Gibson Les Paul 
Lo interesante de esa guitrarra es que se la compré a Keith Richards dos años antes de entrar a la banda. Le comenté a Ian Stewart que estaba buscando una Les Paul porque me habían robado una y me invitó al estudio a verla. Creo que estaban grabando Beggars Banquet, pero no recuerdo encontrarlo a Keith, sino a Ian. 

La llegada a The Rolling Stones
Me dijeron que estaban buscando un guitarrista porque querían salir de gira -hacía un par de años que no lo hacían. Le preguntaron a John Mayall por mi y John les dijo "Si, pueden llevarse a Mick, ya que acaba de dejar mi banda". Yo había renunciado a los Bluesbreakers antes de saber que los Stones ellos me estaban buscando. Así que John les hablo de mi y me llamaron. Simplemente fui, toqué, nos sentimos bien y ahí mismo, en el estudio, me preguntaron si me quería unir a la banda.
Fue genial, ESA era el tipo de banda, el tipo de música que quería tocar en ese momento, no era simplemente blues de 12 compases, y también sentí que pude aportar mucho a lo que los Stones estaban haciendo. 

Sticky Fingers (1971)
Es uno de mis discos favoritos de los Stones. Tiene una soltura y una espontaneidad que me gusta. Por ejemplo en “Can’t You Hear Me Knocking” tiene un solo largo, una jam, eso sucedió por accidente, no estaba planeado. Al final de la canción, solo seguí tocando y todos me siguieron y quedó... En una sola toma. En “Wild Horses” toqué la acústica en lo que se llama la afinación Nashville, que esta afinada exactamente igual, pero usas la primera y la segunda cuerda [el E alto y el B], y las afinas una octava mas arriba. Entonces estas tocando la misma afinación pero es como tocar una guitarra de 12 cuerdas pero con 6. Es una de las guitarras acústicas Gibson de Keith. En “Sway”, Mick Jagger toca la guitarra rítmica, Keith no toca en este track. A veces si nos daban ganas de tocar, lo hacíamos. Y por eso, en la base de este tema estamos solo Charlie, Mick, y yo. Después se agregó el resto

Exile on Main Street (1972)
Me gusta “Shine a Light”, uno de mis favoritos del disco, toqué el bajo en ese. Hay unas cuantas canciones en las que toqué el bajo, esa es una de ellas. En “Torn and Frayed” y “Tumbling Dice” también. Pasaba que Bill Wyman no estaba, o llegaba tarde, y realmente no podíamos esperar. Eso pasaba muy seguido. No que Bill llegara tarde siempre, pero nunca estábamos todos juntos al mismo tiempo.
(A Wyman no le gustó el ambiente de la casa de Richards, por lo que se abstuvo de participar en muchas de las sesiones. Sólo interviene en ocho de las canciones del álbum; en las restantes composiciones, el bajo lo tocan Taylor, Richards y Bill Plummer.)

Goat’s Head Soup (1973)
Goat’s Head Soup no es uno de mis discos favoritos pero hay muchas cosas interesantes en él. Creo que es un álbum débil, no tiene mucho rumbo. Creo que todos lo sentimos de esa manera. Me gusta el blues “Hide Your Love.” También toqué un poco el bajo en este disco, en “Dancing With Mr. D”, “Coming Down Again”, “Can You Hear the Music”. Bill tocó el sintetizador en algunos temas.

Tocando con Ron Wood 
Para fines del 74, ya habíamos hecho It’s Only Rock and Roll y estaba trabajando en el primer disco solista de Ronnie Wood (I've Got My Own Album to Do) - de hecho todos los estábamos. Yo lo conozco a Ronnie desde que tengo 16 años, somos viejos amigos. En ese tiempo en vivía en Londres, tenía un estudio en el sótano de su casa e íbamos a zapar de vez en cuando, y así terminamos ayudándolo en su álbum 

Keith Richards, Willie Weeks, Ian McLagan, Mick Jagger, David Bowie, George Harrison, Mick Taylor y Rod Stewart, entre otros tocan en este disco. Mick Taylor abandonó The Rolling Stones en este período, antes de entrar a grabar los temas que incluirían el disco Black & Blue editado en 1975


La salida de los Stones
Quería ampliar mi espectro como guitarrista y hacer algo mas, no es que estuviera cansado del rock n roll pero luego de 5 años se estaba volviendo todo un poco predecible. Siempre me sentí un miembro activo de la banda, cuando se trataba de sugerir alguna idea y hacer contribuciones, siempre había mucho espacio para hacerlo. 

Sus solos favoritos con los Stones 
“Can’t You Hear Me Knocking" es mi participación favorita con los Stones y el mejor solo de guitarra para mi, está en “Time Waits for No One.”

Dice Keith Richards sobre Mick Taylor
“Hicimos la música mas brillante juntos, alguna de las cosas mas brillantes que los Stones jamas hayan hecho. Todo estaba en su forma de tocar – el toque melódico, el bello sustain y la forma en que leía las canciones. Tenía un sonido hermoso, con mucho soul. El llegaba adonde yo estaba buscando llegar mucho antes, amé a ese tipo, amé trabajar con él, pero era muy tímido y distante"

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Como material adicional, comparto una parte de esta entrevista realizada a Ron Wood en julio de 1994, en la que charla con Jas Obretch sobre su técnica en la guitarra slide, y declara su admiración por Mick Taylor

El principio de su interés por el slide
Escuché a Duane Allman tocar “The Weight” , el tema de Aretha Franklin de 1969. En esa época yo estaba tocando el bajo en el Jeff Beck Group, y en cuanto escuché eso, enseguida lo quise probar. Nadie me ayudó, lo aprendí muy rápido. Escuché después a Blind Willie McTell en la guitarra de 12 cuerdas y aquellos guitarristas. Y claro! Mick Taylor es un gran guitarrista de slide. Me gustan cosas de él como “All Down the Line” y “Love in Vain”.


Afinación y volumen.
Afino mi guitarra en E abierto, así grabe mis primeros slides, como “Plynth” y mas adelante en “That’s All You Need” y “Borstal Boys” con The Faces. En los primeros tiempos grababa el slide en volumen 11! Pero no se. Si escuchás a Elmore James podés pensar que lo grababa en volumen muy alto, pero tal vez estaba distorsionado y eso te puede confundir. Pienso que si bajas un poco el volumen obtenés un sonido mas limpio . 

Como data adicional, en el sitio treblebooster.net, Till Hoheneder cuenta que Ron Wood uso docenas de guitarras diferentes durante su carrera, todo tipo de Fenders, Gibsons, ESPs, Duesenbergs, Versouls - pero con The Faces se lo vió casi siempre usando sus guitarras Zemaitis Humbuckers y las Dan Armstrong 

Fuentes:
http://jasobrecht.com/mick-taylor-rolling-stones-john-mayall-playing-guitar/

http://jasobrecht.com/ronnie-wood-interview-slide-guitar-faces-rolling-stones/

http://www.treblebooster.net/bsm-tonezone/ron-wood
http://jasobrecht.com

*Jas Obrecht es un músico y periodista ganador de muchos premios y reconocimientos y autor de muchos discos sobre el blues y la guitarra. Entre 1978 y 1998 fue editor de la revista Guitar Player, además de Rolling Stone, Mojo, y otras revistas musicales. Jas es colaborador de Living Blues y ha escrito notas para discos como Robert Johnson’s King of Delta Blues, Blind Willie Johnson’s Dark Was the Night, John Lee Hooker’s 50 Years: John Lee Hooker Anthology y King of the Boogie,