martes, 19 de noviembre de 2024

Stevie Vaughan and Double Trouble - In the Beginning - 1980

Stevie Vaughan afrontaba cada concierto como si fuera su única oportunidad de compartir sus sonidos con el mundo. El 1 de abril de 1980 se subió al escenario en un show que sería especial, una emisión en vivo y en directo en su ciudad adoptiva, Austin, Texas. Allí, el grupo de su hermano mayor Jimmie, The Fabulous Thunderbirds, ya tenía un contrato discográfico y Stevie quería hacer pié en ese mismo lugar. 

A las 6 de la tarde , Stevie y Double Trouble llegaron al Steamboat para una prueba de sonido: Chris Layton en batería y Jackie Newhouse en el bajo. Double Trouble se había reducido recientemente de quinteto a trío con la marcha de la vocalista Lou Ann Barton y del saxofonista Johnny Reno. Aunque Stevie era un cantante novato y esta formación tenía pocos meses de vida, todos se sentían lo suficientemente seguros para afrontar el compromiso.

Grabaron una toma para la prueba de sonido, fueron al estudio móvil estacionado en la parte trasera del bar para escuchar la mezcla del tema, se declararon satisfechos y se marcharon para prepararse para el concierto nocturno.

El programa de radio se llamaba «Más vale tarde que nunca», se emitía por la KLBJ-FM a medianoche. Como la emisión tenía lugar después del horario de máxima audiencia, el conductor del programa, Wayne Bell pudo convencer a la dirección de la emisora para que presentara el programa de una hora de duración sin interrupción comercial. La producción contaba con un presupuesto muy reducido y en una pequeña cantidad de cinta y equipos donados por patrocinadores, grabaron la emisión tanto en multipista como en dos pistas. En una época anterior a la MTV, Vaughan y Double Trouble establecieron una relación fluida con esa radio, que continuó a lo largo de su carrera y ayudó a otros artistas de blues a colarse en las listas de reproducción de las emisoras de FM. En los años siguientes a su ascenso, el trío también documentó innumerables conciertos para la radio nacional. Ninguno sería tan importante en su historia como esta emisión local.

Armado con su Sunburst Stratocaster del '59 y vestido con su indumentaria habitual de la época -una camiseta sin mangas y una gorra color canela-, Vaughan se arrancó de inmediato con una furiosa versión de "In The Open". A continuación, el trío desplegó un set que trasaría el camino musical que recorrerían a lo largo de la década: versiones muy personales de algunos clásicos, furiosas versiones instrumentales, algunos shuffles y los lentos blues con riffs muy filosos y desgarradores, marca personal de SRV . Para algunos, la pieza central del espectáculo fue una lectura de casi ocho minutos de "Tin Pan Alley", Más de una hora después de empezar el show, Stevie y la banda seguían tocando aun sin saber que ya no estaban el aire de la emisora. Por desgracia, la cinta se agotó antes de que terminara el espectáculo.

Meses más tarde, el cazatalentos John Hammond -que desempeñó un papel decisivo en las carreras de Bruce Springsteen, Bob Dylan y muchos otros- recibió de su hijo una cinta del concierto del Steamboat y dijo entusiasmado que no había oído ese tipo de espíritu en la guitarra desde Robert Johnson. Con el tiempo, Hammond consiguió que Stevie Vaughan y Double Trouble firmaran un contrato con Epic Records.

In The Beginning es una instantánea de Stevie antes de que se convirtiera en Stevie Ray, antes de que sus kimonos y sus sombreros se convirtieran en marcas registradas, antes de su incendiaria aparición en el Festival de Jazz de Montreux, antes de su contrato discográfico, antes de David Bowie. Escuchar In The Beginning da la impresión que Stevie siempre fue un guitarrista único, incluso, en sus inicios. 

Escuchar en Youtube

Fuente: Liner Notes del disco "In The Beginning" de Stevie Ray Vaughan

miércoles, 16 de octubre de 2024

El Incomparable James Jamerson

Hay una filmación de Marvin Gaye junto a los Funk Brothers tocando “What’s Going on” en vivo. A la izquierda de Marvin esta James Jamerson con su Fender Precission. Les juro que trato, pero no puedo sacar mis ojos de su mano derecha y pensar cómo demonios toca esa linea de bajo tan melódica solo con su dedo índice y muteando la cuerda con el pulgar... un solo dedo y una actitud tan relajada (para tocar de esa forma y que suene con tanta consistencia, el volumen de ese bajo debería estar por las nubes!). Su linea, a pesar de ser compleja y llena de notas, jamas interfiere con la linea melódica de Marvin, conduce la canción de principio a fin y es profundamente espiritual. Eso era James Jamerson.

Tal vez nunca escuchaste el nombre de James Jamerson, pero te aseguro que si lo escuchaste tocar. Jamerson tocó en el los mas grandes éxitos de Motown, con los mas grandes artistas del Soul, Funk, R&B y pop, y ha influido a los bajistas mas importantes.

En un acto de justicia casi sin precedentes, en 2020 la revista Rolling Stone deja su costado tribunero de lado y coloca a Jamerson en el primer puesto del ranking de los 50 bajistas mas importantes de la historia, por encima incluso de figuras como Charles Mingus, Jaco Patorius o Paul McCartney. El mismo Macca alguna vez declaró que James Jamerson era su héroe, aunque en aquel momento no sabía su nombre. Keith Richards adoraba tanto el sonido de Jamerson que solo por ese motivo le insistió hasta el cansancio a Bill Wyman, bajista de The Rolling Stones, para que comenzara a usar bajos Fender. Jamerson ayudó a revolucionar el instrumento, trayendo ingredientes de síncopa, acordes adicionales que añadían profundidad y complejidad melódica, y elecciones sonoras que evocaban las armonías del gospel. Su estilo, frecuentemente llamado "melódico", sonaba como si estuviera haciendo un dúo con el vocalista principal de la canción. 

James había nacido en Carolina del Sur en 1936 y fue un músico completamente autodidacta. Se mudó con su madre a Detroit, Michigan en 1954. Tocó el piano y el contrabajo en el High School y mas tarde comenzó a tocar en bares de jazz. Ray Brown, bajista de Count Basie, fue sin dudas su principal influencia. Uno de sus primeros trabajos como músico de sesión fue tocar el contrabajo en el tema “Boom, Boom, Boom” de John Lee Hooker.

A Berry Gordy le pareció buena idea visitar los clubes de jazz de la ciudad en busca de músicos para formar la banda residente de su incipiente sello discográfico, Tamla MotownHank Cosby, colaborador de Gordy, conoció a James en uno de esos bares de la ciudad y le pareció buena idea llevarlo a una sesión de grabación en el nuevo estudio. Gordy quedó impresionado y comenzó a convocar a Jamerson para mas sesiones. Su primera grabación en Tamla fue en la canción de The Miracles, ‘Way Over There’ en enero de 1960. En 1961 lo persuaden para pasarse al bajo eléctrico y comienza a utilizar el Fender Precision que sería su símbolo por siempre y al que el llamaría “The Funk Machine”. Su primera grabación con el Fender fue ‘Strange I Know’ de The Marvelettes en 1962. Aún así, no dejó completamente de lado el contrabajo, e incluso en algunas grabaciones grababa ambos instrumentos mezclados. Su técnica de "un dedo" tiene mucho de contrabajo, por supuesto, y se conocía entre los músicos como 'Jamerson's Hook', o simplemente 'The Hook'.

Para 1971 James estaba algo alejado de Motown pero Marvin Gaye insistió en que tocara en su nuevo álbum, “What’s Going On”. Si bien James Jamerson tocó en el 95% de la música grabada en Motown en los 50s y los 60s, muchos creen que sus mejores trabajos fueron junto a Marvin Gaye. Motown no solía acreditar a los músicos de estudio, sin embargo en “What’s Going On”, los Funk Brothers son acreditados individualmente, y James Jamerson aparece como “El incomparable James Jamerson".

James y el resto de los músicos (Benny Benjamin, Earl Van Dyke, Richard “Pistol” Allen, Joe Hunter, Paul Riser, Robert White y otros) prácticamente vivían en el Studio A de Motown, en el espacio que llamaban "The Snakepit". Aunque sea difícil de creerlo, recién en 1989, con la edición del libro "Standing In The Shadows Of Motown" de Allan Slutsky, los nombres de los Funk Brothers comienzan a tener la trascendencia que merecen, inspirando además el documental de 2002 con el mismo nombre. 

Cuando Motown se mudó a Los Angeles, inicialmente The Funk Brothers no se sumaron. Casi todos ellos consiguieron otros trabajos en Detroit y por supuesto, Jamerson también. Falleció en 1983, con solo 47 años de edad. 

Para que midamos la importancia de James Jamerson en la historia de la música que escuchamos hoy: no solo fue el responsable de darle un impulso inimaginable al bajo eléctrico, darle su propia voz al instrumento, ser el primer virtuoso del bajo... además Jamerson ayudo a moldear el sonido Motown. Su técnica e influencia son tan importantes ahora como lo fueron en aquel entonces. 

"James Jamerson es el punto mas alto en creatividad, libertad, experimentación y audacia. Había que ser muy audaz para tocar esas notas en ese lugar y ser responsable de tanto groove"
Don Was.


James Jamerson: selección de sus líneas mas icónicas

1. Darling Dear - Jackson 5
2. Ain't No Mountain High Enough - Marvin Gaye and Tammi Terrell
3. Bernadette - Four Tops
4. What's Going On - Marvin Gaye
5. For Once In My Life - Stevie Wonder
6. Standing In The Shadows Of Love - Four Tops
7. Fever In The Funk House - James Jamerson and The Funk Brothers
8. Love Child - Diana Ross and The Supremes
9. It's The Same Old Song - Four Tops
10. Going To A Go Go - The Miracles
11. Home Cookin' - Jr Walker & The All Stars
12. I Heard It Through The Grapevine - Gladys Knight 
13. My Girl - The Temptations
14. You're my everything - The Temptations

Fuentes:

https://www.musicradar.com/news/bass/james-jamerson-iconic-basslines-594991
https://medium.com/@brandibabyimastarrbyas/the-incomparable-james-jamerson-66a7be660a0b
https://www.udiscovermusic.com/stories/james-jamerson-motown-bassist/
https://bassmusicianmagazine.com/2020/06/how-james-jamerson-became-the-iconic-bass-player-for-motown-records/
https://www.rollingstone.com/music/music-lists/50-greatest-bassists-of-all-time-1003022/
https://www.bassbooks.com/shopping/products/44-standing-in-the-shadows-of-motown/
https://www.bassbooks.com/bassbooks/samples/HL/HL017x03.pdf
https://scottsbasslessons.com/blog/what-really-made-james-jamerson-so-great 


miércoles, 18 de septiembre de 2024

Primer Festival Soul – Buenos Aires – 15 de septiembre de 2024

No es fácil hoy en día encontrar una comunidad de artistas que compartan un sonido, un mismo género musical, se muevan en comunión y cuenten con una audiencia fiel. Eso, que puede entenderse como una “escena”, es lo se vivió el pasado domingo 15 de septiembre en el Teatro Lucille de Buenos Aires cuando Pilar Padin, Santa Fiebre y Florencia Andrada inauguraron el Primer Festival Soul (Sonidos Originales Urbanos Locales) de la Argentina. 

Las tres agrupaciones, cada una con su impronta bien clara, demostraron con shows breves pero contundentes que el soul es un género amplio que da posibilidad de abordar la música de maneras diferentes. Pilar Padin, presentó las canciones que integran su disco “Desde Las Sombras”, con un soul con influencia rockera, mientras que Santa Fiebre interpretó tanto composiciones propias como covers, con una marcada influencia del Northern Soul, esta vez presentando “That’s Where we Go”, su primer simple en vinilo próximo a editarse por Acid Jazz Records en el Reino Unido. Para cerrar la noche, la experimentada cantante Florencia Andrada y su banda presentaron canciones de su último trabajo “Nada más por hoy” editado en formato vinilo por el sello californiano Love Soul, además hacer un repaso por sus trabajos anteriores, “Otra Realidad” y “A pesar de la Tormenta”. 

Pilar Padin

Santa Fiebre


Florencia Andrada


Es importante destacar la tarea que tuvo a su cargo Julio Fabiani, no solo como guitarrista sino también como productor integral de este evento independiente y autogestivo. Tanto Fabiani como Florencia Andrada y muchos de los músicos presentes esta noche han dedicado muchos años militando el soul en castellano, cuyos frutos se ven permanentemente y en este caso gracias a este Festival. Músicos y músicas llevan adelante movimientos y gracias a ellos y ellas, quienes asistimos al Festival Soul fuimos parte de un hito en el soul argentino. 

Producción integral: @juliofabiani.ar para el sello @sur_records 
@florencia_andrada (idea)
@lucassgavin (producción general)
@andresbourgeois (sonido y técnica)
@rolymoreno_(diseños)
@guidovene (stage manager)
@juanoybin (logística)
@danielacilliph (ph)
@rickfilmusic (Filmación)

Pilar Padin:

Voz: Pilar Padin, Guitarras: Facundo Rojas - Nicolás Yudchak, Trompeta: Yair Lerner, Saxo: Roly Moreno, Bajo: Ramiro Iemma, Batería: Adri Bareiro

https://pilarpadin.bandcamp.com/album/desde-las-sombras

Santa Fiebre: 

Voz: Laura Farías, Guitarra: Juan Carlos Bonura, Saxo Tenor: Gastón Domke, Trombón: Daniel Pagella, Trompeta: Matias Viscuso, Batería: Leandro Salinas, Bajo: Diego Colombi, Teclados: Nicolás Gandini, Percusión: Rolo Limón.

https://linktr.ee/santafiebre

Florencia Andrada

Voz: Florencia Andrada, Saxo: Roly Moreno, Trompeta: Hernan Distefano, Guitarras: Facundo Rojas, Julio Fabiani, Bajo: Melanie Deibe, Bateria: Juan Oybin, Congas: Tomás Ruggiero, Coros: Camila Castagna, Carmen Costa 

https://linktr.ee/FlorenciaAndrada




 

Desde mi lugar, estoy infinitamente agradecido por dejarnos ser parte junto a Natyslide y a Malungo Libros del Festival Soul, gracias por la valoración de mi trabajo y en mi nombre al Grupo Editor Colectivo Flota Negra. Gracias a las bandas, a los que compraron, a los que pasaron por la mesa de merch y tiraron buena onda y valoraron el trabajo. Sigamos construyendo comunidad y redes verdaderas! 

viernes, 6 de septiembre de 2024

Ann Peebles - Straight From The Heart - 1972

Si hablamos del Soul de Memphis, lo primero que nos viene a la mente es Stax Records, pero deberíamos prestarle mucha atención a la otra casa discográfica que se dedicó al Soul en la ciudad: Hi Records. Este sello fue fundado por algunos ex productores de Sun Records en 1957, que utilizaron los Royal Recording Studios –propiedad del trompetista, bandleader y productor Willie Mitchell- como estudio principal. Al igual que Stax, los Royal Studios funcionaban en un viejo teatro. Mas adelante, a mediados de los sesenta, Willie Mitchell se hizo cargo del área de A&R (artistas y repertorio) del sello y allí la dirección de la compañía cambió completamente. 

Hi Records de Memphis se destacó por un sonido diferente a lo que sonaba en Motown, bien distintivo del Sur de los Estados Unidos, un sonido bien cargado de bajos, con finas líneas de vientos y un cálido sonido de órgano, armonías vocales basadas en el Góspel, el Blues, el Country y el Rhythm and Blues. A fines de los '60, Willie Mitchell ensambló la “Hi Rhythm Section”, su banda residente, alrededor de tres jóvenes y extremadamente talentosos hermanos: el guitarrista Mabon "Teenie" Hodges, el bajista Leroy Hodges, y el organista Charles Hodges. Junto con el tecladista Archie Turner y los bateristas Howard Grimes y Al Jackson Jr., el grupo fue responsable de los más poderosos grooves de Memphis, acompañando a cantantes como Al Green, O.V. Wright, Syl Johnson, Otis Clay
 y Ann Peebles.

Vale el extenso prologo dedicado a Hi Records, para conocer a Ann Peebles y como excusa escuchar este álbum que la cantante editó a través de Hi Records, acompañada de la Hi Rhythm. Peebles fue una cantante con una voz muy poderosa con un sonido consistente y muy profundo emocionalmente.

Como es el caso de casi todos los cantantes de Soul, para encontrar el origen de Ann, hay que remitirse a la iglesia. Su padre era ministro bautista y desde los 9 años ella participaba del coro de su iglesia. En 1968, Ann Peebles llegó a Memphis acompañando a su hermano, y casi de casualidad terminó una noche cantando en un club en Beale Street donde la escuchó Gene “Bowlegs” Miller, trompetista y colaborador de Hi Records. Luego de una exitosa audición ante Willie Mitchell, el padre de Ann viajó a Memphis para firmar su contrato porque ella aún no había cumplido la mayoría de edad.

“Straight From The Heart”, de 1972, es seguramente el mejor disco que podemos elegir para conocer a esta artista. Un álbum que puede ser considerado tan potente y lleno de groove y buenas canciones como cualquiera de los que Al Green grabó en Hi (escuchen "How strong is a woman" o  "Feel like breakin' up somebody's home" y se darán cuenta a que me refiero). De hecho, estamos ante la misma exitosa fórmula usada por Green en el disco “Let's Stay Together”, también lanzado en el '72. Mencionamos mucho a la banda pero también hay que destacar la solvencia vocal de Ann Peebles, para plantarse delante de semejantes músicos. Puro Soul. 

Desde su lugar, Hi Records aportó su parte en el desarrollo del Soul sureño y esta obra de Anne Peebles, puso su granito de arena. Así que no lo dudes y Escuchate Esto!

Escuchar en Spoti  
https://open.spotify.com/album/2HGzxUUz5q4jldJkodIarf

Escuchar en YT
https://www.youtube.com/watch?v=CzlzoeYA3Lg&list=PLBsO2HI1FZNtU70sbMiK_0oBaUuHfZjUv

martes, 6 de agosto de 2024

Maximum Swing: The Unissued 1965 Half Note Recordings – Wes Montgomery – Wynton Kelly Trio - 2023

Poco antes que finalizara el 2024 se lanzó "Maximum Swing: The Unissued 1965 Half Note Recordings" del icono de la guitarra de jazz Wes Montgomery junto al pianista Wynton Kelly y su trío (Jimmy Cobb en batería y Paul Chambers en bajo), grabado en vivo en el Half Note de Nueva York en 1965. El lanzamiento incluye más de 2 horas de las emisiones de radio originales de hace casi 60 años masterizadas en una edición de lujo con fotos inéditas, entrevistas con Herbie Hancock, Ron Carter, Bill Frisell, Mike Stern y Marcus Miller.

Las grabaciones originales no se hicieron en condiciones técnicas óptimas, ya que la mayor parte de estas interpretaciones se emitieron originalmente en programas de radio conducidos por Alan Grant para su programa “Portraits in Jazz”. Sin embargo, independientemente de ello, se trata de un raro y valioso documento jazzistico, son grabaciones que capturan la vitalidad de la experiencia de escuchar a Wes en vivo en este periodo. Como invitados también aparecen Ron Carter, Larry Ridley y Herman Wright.

En 2023 Resonance Records celebró el centenario de Wes Montgomery (nacido el 6 de marzo de 1923) con este lanzamiento, “Maximum Swing”, séptimo título de Montgomery para Resonance, producido con la plena colaboración del patrimonio del músico. “Smokin' in Seattle”, otro vivo grabado en 1966 en el club The Penthouse, también integra esta colección.

Recordando sus días como bajista sustituto del grupo, Ron Carter dice: "No había mucho tiempo para ensayar. Recuerdo que no había atriles y yo intentaba averiguar cómo seguir las canciones que no conocía; aun así, me sentí bien al tocar con Jimmy Cobb, Wynton Kelly y el sensacional Wes. Tocar con esos tipos en vivo fue un momento único para mí".

Hay razones de peso para afirmar que Wes Montgomery fue el guitarrista de jazz más influyente de todos los tiempos. Su estilo, su innovador enfoque de la guitarra y la belleza de su sonido han influido e inspirado a legiones de guitarristas, incluso fuera del jazz. ¿Qué hacía a Wes Montgomery tan especial? Al igual que muchos maestros y pioneros de su instrumento, Wes fue en gran medida autodidacta y no leía música. Como tantos otros, esa falta de una educación musical formal  lo ayudó a experimentar más allá de los límites y así descubrir formas nuevas y creativas de tocar su instrumento.

Hancock observa: "Cuando tocaba en clubes y conciertos, Wes parecía volver a lo que tocaba al principio, que era más jazz directo, y como se puede oír en estas grabaciones, Wynton Kelly era el compañero perfecto para eso. Wes y Wynton sabían tocar blues con ese estilo jazzístico. Era funky, pero equilibraba el lado técnico de tocar jazz y la armonización sofisticada".

Escuchar! 
Fuente: resonancerecords.org


miércoles, 3 de julio de 2024

Billie Holiday - Strange Fruit - 1939

Extraído del libro “Con Billie Holiday – Una Biografía Coral” de Julia Blackburn

Billie Holiday jamás presenció un linchamiento, pero podía imaginar cómo eran y posiblemente habló con gente que le contó historias de primera mano. Su amigo Lester Young ayudó a su primo “Sports” Young a escapar de una turba que quería lincharlo cuando ambos eran adolescentes, y es probable que la cantante Lena Horne le contara a Billie el linchamiento que había visto en una pequeña población de Florida cuando era una niña y vivía con la compañía teatral ambulante de su madre.

En 1938, Billie se unió al grupo de Artie Shaw, que estaba formado exclusivamente por blancos, y salió de gira con ellos. A menudo se le prohibía la entrada en los hoteles donde se alojaba el resto de músicos, y no podía comer con ellos en los restaurantes o tomarse una copa en los bares; en el Sur se convirtió en una fugitiva que ni siquiera podía usar los baños públicos. Durante esa misma gira tuvo un enfrentamiento violento y potencialmente peligroso: un tipo del público le pidió a aquella «criada negra» que cantara otra canción. Artie Shaw dijo más tarde que su experiencia sureña fue una pesadilla de principio a fin.

Cuando regresó a Nueva York, la banda actuó en el hotel Lincoln. Incluso allí, en un establecimiento bautizado con el nombre del presidente que había proclamado la igualdad de todos los estadounidenses, trataron a Billie como a una ciudadana de segunda clase. Más tarde dijo: «No me dejaban ir al bar o al comedor. Me hacían entrar y salir por la cocina, y tenía que esperar sola, toda la noche, en un cuarto minúsculo a que alguien viniera a buscarme para cantar». La orquesta también preparaba una serie de programas de radio, pero la tabacalera que los patrocinaba insistió en que la voz de Billie no podía sonar en las ondas, y tuvieron que sustituirla por la cantante blanca Helen Forrest.

Billie dio su brazo a torcer disgustada y se marchó a un club que acababa de abrir, el Café Society. Era propiedad de Barney Josephson, un antiguo vendedor de zapatos judío que quería un espacio donde tanto el público blanco como el público negro pudiera mezclarse con dignidad y respeto mutuo. A Billie le gustaba el ambiente del local, y actuó allí durante nueve meses.

Abel Meeropol era un profesor de la escuela secundaria que había escrito una canción llamada “Strange Fruit”. Aquella “fruta extraña” de la que habla el poeta, fue inspirada en una fotografía de los cuerpos de Thomas Shipp y Abram Smith colgados de un árbol con ayuda de una cuerda luego de haber sido linchados. El poeta intentaba construir un relato de protesta ante estos actos. Meeropol elaboró una melodía y "Strange Fruit" se convirtió rápidamente en un elemento fijo en las reuniones de izquierdas durante 1938, cantada por su esposa y varios amigos. Incluso llegó al Madison Square Garden, a través de la cantante negra Laura Duncan. Josephson, el dueño del bar, había  escuchado la canción y quería que Billie la cantara. Así Meeropol llegó al Cafe Society, se sentó al piano con ella y la ensayaron juntos. Según Josephson, al principio Billie «no sabía de qué mierda iba la canción». Solamente después entendió el sentido. Meeropol, por su parte, tuvo la sensación que al principio, Billie "no se sentía muy cómoda porque era una canción que no se parecía en nada a las que ella solía cantar".

“De los árboles del sur cuelga una fruta extraña.
Sangre en las hojas y sangre en la raíz.
Cuerpos negros balanceándose en la brisa sureña.
Extraña fruta cuelga de los álamos.
Escena pastoral del valiente sur.” 
–«Strange Fruit».


Meeropol volvió a coincidir con Billie unos días más tarde, y ella “hizo una interpretación asombrosa, dramática y emocionante de la canción, tan extraordinaria que habría conmovido al público de cualquier rincón del mundo. Eso era exactamente lo que esperaba de la canción, y el motivo por el que la escribí. La manera de cantar de Billie Holiday daba cuenta de la amargura y del horror que había querido expresar la canción. La ovación del público fue atronadora”. No era, ni mucho menos, una canción para todas las ocasiones. Infectaba el aire de la sala, cortaba la conversación de raíz, dejaba las bebidas sin tocar y los cigarrillos sin encender. Los clientes aplaudían hasta que les dolían las manos o se marchaban indignados. Todo lo que sabía y sentía sobre ser negra en Estados Unidos, Holiday lo volcó en la canción.

La gente empezó a acudir al Café Society sin otro propósito que escuchar aquel tema. Durante el resto de su vida, Billie lo cantó tanto en Estados Unidos como en Europa. Llegó a incluir una cláusula en algunos contratos para cantarla en clubes que habrían preferido que se ciñera a un repertorio de canciones de amor y desamor. Siempre dijo que “Strange Fruit” fue una de las razones por las que la Oficina Federal de Estupefacientes y el FBI se lanzaron a por ella como lo hicieron, y que no fue ninguna casualidad que hubiera desobedecido una sentencia que le prohibía cantarla en el teatro Earle de Filadelfia; al día siguiente fue detenida acusada de delitos que acabarían llevándola a la cárcel.

Aunque tenía un contrato con Billie por aquella época, Columbia Records se negó a grabar Strange Fruit, si bien le permitieron hacerlo para el sello Commodore, con “Fine and Mellow” en la cara B. Milt Gabler produjo el disco en abril de 1939. Con 23 años de edad, Billie Holiday había alcanzado el mayor éxito de su carrera: la canción alcanzó el número 16 en la lista de ventas y acabó vendiendo más de un millón de ejemplares.


Según Lena Horne, cuando Billie cantaba “Strange Fruit”, “daba voz a lo que tanta gente había visto y sufrido. Parecía poner música y letra a lo que yo misma sentía en mi interior». Leonard Feather la consideró «la primera gran protesta realizada con música y palabras, el primer grito auténtico contra el racismo». Para el productor discográfico Ahmet Ertegun, fue «una declaración de guerra... el principio del movimiento de los derechos civiles». El baterista Max Roach opinaba que fue «algo más que una canción revolucionaria. Era una declaración que todos sus compañeros negros sentimos como nuestra. Nadie se atrevía a hablar. Y ella, aquella preciosidad que sabía cantar y hacerte sentir, se erigió en una luchadora». 

El mismo año en que el disco salió a la venta, todos los miembros del Senado de Estados Unidos recibieron un ejemplar del tema a modo de protesta contra los linchamientos. El activista por los Derechos Civiles Walter White envió una carta a Billie felicitándola por lo que había hecho. Se rumoreaba incluso que le iban a conceder la medalla Spingarn, una distinción que recibía cada año una persona negra que hubiera destacado de un modo u otro, pero no fue así porque algunos líderes religiosos no veían con buenos ojos a la gente del jazz.

Mal Waldron, su pianista, afirmaba que Billie solía cantar "Strange Fruit" para darse coraje cuando se sentía amenazada. A menudo Billie decía que la canción le recordaba la muerte de su padre «por culpa de las leyes segregacionistas del Sur», y que las lágrimas que brotaban de sus ojos cuando la cantaba se debían a que se acordaba de él. 

En 1999 la revista "Time" nombró a "Strange Fruit" como "canción del siglo".

lunes, 3 de junio de 2024

"La Leyenda de Toots Hibbert ...y el Reggae Tuvo Soul" - Tony Vardé - Grupo Editor Colectivo Flota Negra - 2024


Con mucha emoción y felicidad, me toca anunciar la edición de mi nuevo libro disponible ya en preventa, “La Leyenda de Toots Hibbert - … y el Reggae tuvo Soul”. En esta obra me propuse recorrer el legado de una de las voces más importantes de la música jamaiquina. Desde sus inicios en la iglesia de su pueblo en la Jamaica rural, su llegada a la gran ciudad, la creación de su trío, sus éxitos en la era del ska, sus días en prisión y su conquista de los mercados internacionales, la historia de Toots Hibbert, el hombre que puso nombre al reggae, se transforma en estas páginas en una leyenda. El libro, editado por la editora autogestiva y afrocentrada Grupo Editor Colectivo Flota Negra, cuenta con prólogos de Juanchi Baleirón, líder de Los Pericos, y del autor español Lutxo Pérez.

Con una narrativa dinámica apoyada en entrevistas y gran cantidad de material de archivo, intento aportar mi mirada con un libro para escuchar, un trabajo que hace justicia y pone por primera vez en papel la obra de uno de los artistas jamaiquinos más influyentes. El libro incluye entrevistas que realicé a Ragnampaisser, Rudi King, Andy Bassford, Justin Henzell, Roger Rivas, David Katz, Paul Stone, Don Camel, Victor Rice, Gabriel Corocher, Osvaldo González, Daniel Flores, y textos de Perry Henzell, Javier Martín Boix, Julio Gómez, Soulsolete, Neco y Diana Hernández.

Este libro no es una enciclopedia, no es definitivo, es un primer acercamiento, es un puntapié inicial, ordena y reúne información, aclara muchos aspectos la vida y la música de Toots y puede funcionar como una puerta de entrada a su obra. La música de Toots Hibbert va más allá de un género. Claro que fue un pionero de la música jamaiquina, habiendo sido el hombre que inventó la palabra reggae, pero fue alguien que también se focalizó en darle al reggae un abordaje soul como nadie, me atrevo a decir. La influencia de Ray Charles –con su bagaje country western también- y de Otis Redding,  sus referentes principales, y de la influencia religiosa, ya sea desde la tradición Afrocristiana hasta la fe rastafari, el góspel es algo que está permanentemente en su música. Por todo esto, es uno de esos artistas universales que jugaron en la misma liga que Aretha, que John Coltrane, que James Brown, B.B King, Bob Marley, uno de los grandes, una figura muy apreciada y admirada por sus contemporáneos.

Del prólogo de Juanchi Baleirón
“Siempre nos pareció importante que todos supieran de la influencia que Toots and The Maytals tuvo sobre Pericos y al mismo tiempo invitar a la gente a que escuche su música. Es un artista que nos marcó siempre, con discos que nos influyeron mucho, con una banda que era una aplanadora, con un beat único, diferente y que fue determinante para nosotros”.

Del prólogo de Lutxo Pérez 
“Tratándose de una figura tan esencial para entender el reggae y,  qué demonios, el soul, resultaba inexplicable que todavía no contáramos con una biografía de Toots. En este libro, Tony acepta esa tarea titánica con el rigor del cronista y la pasión del fanático. Su documentado relato se ve salpicado por su experiencia y la de muchos otros amantes del reggae. La obra de Toots es un vínculo, un punto de encuentro, la definición perfecta de lo que entendemos como reggae. Y eso mismo es este libro.  

El libro está disponible en mi cuenta de Instagram, @tonysoulmanok, se puede solicitar a través de mi mail tonysoulman@gmail.com o en Malungo libros, puesto 44 de la feria de libros de Parque Centenario, CABA

https://www.instagram.com/p/C7xA5foPj-a/



viernes, 3 de mayo de 2024

The Rolling Stones ft. Irma Thomas - New Orleans 2024

Se han escrito infinidad de libros en todo el mundo sobre la banda de rock ‘n roll más grande de todos los tiempos, hojas y hojas que repasan acontecimientos importantes sobre los cuales los Rolling Stones han construido su historia. Sin embargo en las décadas recientes, la banda se ha encargado de seguir sumando hitos a su propia biografía. Tocar por primera vez en Cuba, tocar en Rio de Janeiro para 2 millones de personas, hacer un disco tributo al blues… y las invitaciones a otros músicos fundamentales son parte de esa historia. Bob Dylan, Paul Mccartney y algunas otras leyendas fueron parte de sus shows y de sus discos, al igual que el permanente tributo a figuras de la música negra que han sido sus referentes desde el primer minuto.  

Pero el cruce con Irma Thomas en la tarde del 2 de mayo de 2024, en el New Orleans Jazz and Heritage Festival 2024 tiene otro valor.

Puede ser que exista la categoría “canción que haya alterado la rotación de la tierra”? Aquella tarde del invierno del 1964, cuando Irma Thomas cantó por primera “Time is On My Side” frente al micrófono de un estudio en Los Angeles, pues ese día la rotación de la tierra se vio alterada. A mí nadie me va a convencer de lo contrario. La canción fue escrita por Jerry Ragovoy bajo el seudónimo de Norman Meade y grabada por primera vez por el trombonista Kai Winding en 1963. Aunque si me lo preguntan, esa versión original no me mueve un pelo.


Un rato antes que la Reina del soul de New Orleans entrara al estudio, Jimmy Norman de The Coasters completó la letra de la canción y se la dio a Irma en una hoja. “Time Is On My Side” fue lanzada en Junio de 1964 como lado B del single “Anyone Who Knows What Love Is (Will Understand)” a través del sello Imperial y no representó un hit en ese entonces.

Meses después, la cantante estaba de gira por Inglaterra cuando Mick Jagger y Keith Richards asistieron a uno de sus shows y se vieron cautivados por su interpretación del tema. Los Stone la grabaron en los estudios Chess de Chicago y para diciembre de ese año, su versión de “Time is On My Side” ya estaba en el Top 10 americano.

Muchos de nosotros conocimos esta canción gracias a los Rolling Stones, que fue incluida en la mayoría de los sus grandes éxitos, además de su álbum “12 x 5”. Fue también una de las 2 canciones que la banda británica tocó en su debut en el Ed Sullivan Show en los Estados Unidos en 1964. Según su propio el criterio, Irma Thomas nunca llegó a recibir el reconocimiento suficiente por parte del grupo y tuvo una suerte de desencanto con la canción. Tan es así que dejó de interpretarla en vivo hasta el Año Nuevo de 1992, oportunidad en que fue convencida por Bonnie Raitt para cantarla a dúo.

Sesenta años después, Irma Thomas en la cadena Fox de New Orleans zanjó el tema, declarando que sentía que la grabación de los británicos era como un homenaje hacia ella y que nunca había estado enojada con la banda. El círculo se cerró ayer por la tarde cuando los Stones invitaron a Irma a cantar la canción con ellos y dejar su sello en la historia de la música de la ciudad más musical del mundo.


Si algo tenemos que tener en claro con los Rolling Stones es que ningún show es igual a otro. Aunque pensemos que ya dieron todo lo que tenían para dar, acordate, a ellos siempre les queda un as bajo la manga.

Fuente: “Escuchate Esto – 75 Joyas de la Música Soul” de Tony Vadé y Zepi Crespo, Colectivo Editor Flota Negra, 2023

jueves, 2 de mayo de 2024

The Black Crowes - Happiness Bastards - 2024

Los Black Crowes pasaron por el estudio de grabación y están de vuelta con su nuevo trabajo llamado "Happiness Bastards", un disco cargado de rock 'n roll y de todas esas influencias setentosas que tanto disfrutamos por acá, The Rolling Stones, The Faces, The Allman Brothers, todo con un toque de Memphis Soul. Pero para nosotros, la gran noticia es que nuestro compatriota Nico Bereciartua forma parte no solo de la banda, sino también de este álbum, experiencia que definió como "un lujo". 

Seamos sinceros, no encontraremos acá los mejores tiempos de la banda, aquellos que tantos disfrutamos en "Shake Your Money Maker" (1990), "The Southern Harmony and Musical Companion" (1992) o incluso en "Amorica" (1994). Sin embargo, "Happiness Bastards" tiene un desenfado rockero y eso es un merito, una búsqueda perfectamente valida y que llega a buen puerto. La voz llena de soul de Chris, la reivindicación del riff a cargo de Rich, el toque único de Nico, el hammond saturado de Erik Deutsch, la base solida de Brian Griffin y Sven Pipien y los coros mágicos de de Vicki Hampton, Joanna Cotton y Robert Kearns, todo eso hacen de los Black Crowes modelo 2024 una sólida banda de rock 'n roll. La producción a cargo de Jay Joyce (también toca guitarras y teclados) se encarga de amalgamar toda la mezcla de ingredientes para que el resultado sea perfectamente contundente. 

En una charla de Nico Bereciartua con el sitio Data Diario, el guitarrista argentino explicaba que "grabar con ellos fue una experiencia increíble que además me toco al poco tiempo de haber entrado en la banda. Para mi fue otro sueño cumplido". El argentino explicaba que a la hora de entrar al estudio "tenes cierta libertad pero el productor (Jay Joyce) te pide algo y vas por ese lado. Ni si quiera los hermanos (Robinson) se metían tanto, ellos le dieron la confianza para que el decidiera ciertas cosas". 

Además de todas esas influencias que siempre se mencionan, es justo citar como referencia para este disco a los propios 35 años de carrera de la banda, aun con interrupciones. Esa discografía demuestra que los cuervos han sabido como viejos alquimistas del rock 'n roll mezclar tantas esas corrientes y lograr un resultado rockero lleno de shuffle, boogie y country soul. Es rock 'n roll añejo, sucio y lleno de fanfarronería. The Black Crowes suenan clásicos, que no es lo mismo que sonar viejo.  

Lista de temas:

1.Bedside manners
2.Rats and clowns
3.Cross your fingers
4.Wanting and waiting
5.Wilted rose - con Lainey Wilson
6.Dirty cold sun
7.Bleed it dry
8.Flesh wound
9.Follow the moon
10.Kindred friend

miércoles, 10 de abril de 2024

Greg Lee - 1970 - 2024

Una gran forma de recordar a Greg Lee vocalista de Hepctat, fallecido el 17 de marzo, es compartir algunos pasajes de este texto que su amigo el guitarrista Lino Trujillo publicó en su pagina de Facebook. Gracias a él, podemos conocer al Greg que empezaba su camino en la música y nos ayuda a entender porqué fue un frontman tan carismático, además de un gran compositor. 

"Conocí a Greg en 1986 cuando Rose, mi novia en ese momento comenzó a asistir a Kennedy High School en Mission Hills. Rose me habló de un chico que conoció en su instituto llamado Greg, al que le gustaba el ska, y que seguro que congeniaríamos. En aquella época, la escena ska de Los Ángeles sólo contaba con un puñado de personas en toda la ciudad, así que conocer a otro Rudie era todo un acontecimiento. Rose tenía razón, y Greg y yo congeniamos enseguida. A él le gustaba mucho Fishbone por aquel entonces. Aunque Greg solo tenía 15 años y no tenía carné de conducir, tenía y conducía un viejo Maverick (creo) marrón y destartalado llamado Mabel que se averiaba cada vez que salíamos. (...) Nessa fue el primer amor de Greg, y fue muy duro verle romper y el dolor que sufrió, pero también le hizo componer algunas de las canciones más hermosas y poéticas que jamás ha escrito y, en mi opinión, consolidó su lugar en el salón de los grandes compositores. Greg era el mejor artesano de la palabra que conocía y observando y participando en su proceso de composición de canciones, aprendí que daba mucho peso en cada una de las palabras que ponía sobre el papel. Incluso si esas palabras eran sin sentido como "¡Bee-Yoop!". Significaban algo para él, fuera lo que fuera. Ponía su alma en sus canciones, y su voz proyectaba esa alma. (...) 
Un día recibí una llamada de Greg, hablándome de un chico de su escuela llamado Deston, que también estaba muy metido en el Ska, y no sólo eso, tocaba música y escribía sus propias canciones. (...) Greg tenía una trompeta que había tocado en la banda del colegio cuando era más joven y yo acababa de recibir como regalo de Navidad la guitarra rosa Peavy que no tenía ni la más remota idea de cómo afinar, y mucho menos de tocar. Eso era más o menos todo nuestro bagaje, pero con Deston como profesor y director musical, empezamos a sacar canciones. Empezamos nuestro primer grupo, Sharpsville Step en 1988, donde tocábamos un estilo Two-Tone de Ska, con algunos originales, pero sobre todo versiones. En ese momento Greg tocaba la trompeta, pero también cantaba un par de versiones como "Too Much Pressure" y "Monkey Man". Esto fue mucho antes de que Greg se convirtiera en el maestro de la interpretación que llegaría a ser, y debido a los nervios cantaba de espaldas al público. Yo solía sentir su ansiedad mientras estábamos en el escenario, y deseaba que pudiera ver que no estaba siendo juzgado, y que la gente disfrutaba de lo que estaba haciendo, pero ahí es donde iniciaba su viaje como artista. 
Sharpsville Step se había disuelto y un día recibí una llamada de Deston para decirme que Greg había conocido a ese tipo de "TV 101" (Alex Desert) y que querían montar un grupo. No sólo querían montar una banda, sino que querían que el grupo tocara Ska al estilo jamaicano. Le pregunté a Deston si creía que éramos capaces de tocar ese estilo, debido a mi propia falta de habilidad y conocimientos musicales, y debido al hecho de que nadie aparte de los Ska Flames estaba siquiera intentando ese estilo, y me aseguró que podíamos, y así es como empezó el grupo. Poco después reclutamos a Joey Urquijo, Greg Narvas, Raul Talavera y Dave Hillyard apareció un poco mas tarde. (...) El nombre de Hepcat surgió tras una noche de ensayos y copas en casa de Alex, en Venice. Éramos muy jóvenes y estábamos llenos de energía y entusiasmo porque realmente estábamos haciendo lo que pensábamos que era música decente, y el dúo de compositores Lee & Berry nos tenía a todos entusiasmados tocando constantemente nuevas canciones. Escuchar nuestras primeras grabaciones puede dar escalofríos, pero una cosa que teníamos era amor y pasión mutuos por lo que hacíamos y esas grabaciones destilan esa energía. Ese entusiasmo juvenil y esa chulería se perciben en una canción como "Earthquake And Fire", escrita por un Greg de 18 años, que suena como un hombre con muchos años en esta tierra, cantando sobre cosas reales. Poco después de grabar nuestras dos primeras maquetas, Joey y yo dejamos el grupo, (...)  mas adelante volví a unirme a la banda y mi vida cambió para siempre. 



Escribimos "Scientific" y gran parte de "Right on Time" durante los dos años siguientes, y tocamos muchísimo. (...) Después de liderar Hepcat durante un tiempo, la confianza de Greg aumentó y su gran personalidad salió a relucir, pero en el fondo seguía luchando contra la ansiedad y las inseguridades. Me avergüenza admitirlo, me enfrenté a él sobre cómo estaba cambiando su personalidad en el escenario y cómo su ego estaba creciendo. En aquel momento, me costaba separar a mi buen amigo del artista en el que se estaba convirtiendo y no entendía su lucha personal. Greg me dijo que si no fuera esa persona grandilocuente en el escenario, no sería capaz de poner un pie ahí arriba por miedo. (...) Detrás de esa sonrisa y esa confianza, Greg aún tenía una parte de ese niño asustado que llevaba dentro, y éramos Hepcat contra el mundo, como hermanos, íbamos a pavonearnos en el escenario y a hacer bailar al público, quisiera o no. Por eso, antes de subir al escenario, antes de cada concierto, nos reuníamos y nos gritábamos lo que íbamos a hacer. Necesitaba saber que le cubríamos las espaldas en esta aventura, y que él pilotaría el barco. (...)
Justo antes de que Hepcat firmara con Epitaph Records, volví a dejar el grupo. Podía ver que Greg tenía una visión más grande para Hepcat, y yo tenía miedo (...), al crecer, me faltaba estabilidad en mi vida, y este futuro inestable me aterrorizaba. (...) Con el tiempo, el estrés de estar de gira sin parar, y luego pasar todo el tiempo en casa, en el estudio grabando "Push N Shove" realmente afectó a Greg y su aventura tomó un desvío a Costa Rica, donde construyó una relación, una casa y un negocio. Necesitaba alejarse, y lo hizo. Volvía a casa y nos contaba historias sobre la selva, sus criaturas y cómo no entendía Internet.

Dave Fuentes me preguntó si tocaría en Hepcat si volvían a juntarse, porque se estaba haciendo una oferta para actuar en Japón. Dije "¡Claro que sí!", y aunque el concierto no tuvo lugar, plantó la semilla para reagruparnos. (...) Greg había vuelto, más o menos. Aún vivía en Costa Rica y tenía que volar para los conciertos, lo que empezó a provocarle dolores de cabeza. Eso, junto con otras tensiones, estuvo a punto de separar al grupo, pero al final Greg volvió a Los Ángeles, y no sólo siguió al frente de Hepcat, sino que también compartió escenario con otros grupos de todo el mundo, cantando sus canciones de amor y vida. WST, The Kinky Koo Koos, The Aggrolites son sólo algunos de los grupos con los que actuaba. (...) Perdimos a Dave y Aaron demasiado pronto, y Greg se vio profundamente afectado por estas pérdidas. Vi un cambio en el comportamiento no sólo de Greg, sino de todo el mundo en Hepcat tras las pérdidas, hubo un vacío permanente en nuestra familia/grupo. A pesar de ello, Greg se recompuso y fue capaz de sonreír. (...) El año pasado dimos algunos conciertos como teloneros de los Interruptors, y fue la primera vez que Greg se perdió un show por enfermedad. Era el consumado animador de "El espectáculo debe continuar", así que perderse esos conciertos era algo muy importante para él. Probablemente pensaba que si no podía dar el 1000% allí arriba, no valía la pena para los fans, y Greg quería a nuestros fans de todo corazón. 
Hace poco, Greg nos dio la noticia de que Mandie estaba embarazada, y estaba muy emocionado. Creo que por fin estaba encontrando el equilibrio entre ser padre y artista, una situación difícil por la que pasamos algunos de nosotros. En los conciertos, la gente te dice constantemente lo mucho que significas para ellos y lo mucho que te quieren por la música que haces, lo cual es increíble, pero puede ser difícil apagar eso cuando llegas a casa, te pones los pantalones de padre y das a tus hijos ese mismo amor incondicional. Greg lo sabía y se aseguraba de que, cuando estaba en la ciudad, dedicaba su tiempo ante todo a sus hijas. Estos últimos años he podido compartir la experiencia de la paternidad con Greg, y he podido ver la alegría que le daban sus hijas, que le aportaban un propósito diferente en la vida. Mientras estábamos de gira en Ámsterdam, tuvimos una charla íntima sobre cómo nos percibirán nuestros hijos cuando ya no estemos, ¿pensarán que fuimos buenos padres? Ahí es donde estaba su corazón. Sus hijas lo eran todo para él..." 

Fuente: 

Otras entradas sobre Hepcat en el blog de Escuchate Esto! 


viernes, 1 de marzo de 2024

Fantastic Negrito feat The Pharcyde - I'm Sorry - 2024

Xavier Dphrepaulezz, aka Fantastic Negrito sigue superando los límites del género e innovando libremente como artista afro roots. 
Para Fantastic Negrito y Storefront Records, 2024 arranca con I'm Sorry, una canción de autorreflexión, autodestrucción y desenfreno. Fantastic Negrito colabora aquí con The Pharcyde, un grupo que ha aportado mucho al hip-hop, a la cultura californiana y a la música en general Con las voces de Slimkid3, Fatlip e Imani, la canción capta a la perfección la energía de la escena underground de principios de los 2000 con un toque de hip hop de los 90. En la sesión también aparecen los habituales colaboradores de FN, el japonés Masa Kohama  en guitarra y Cornelius Mims en bajo. 

Disponible en el sitio EVEN y en todas las plataformas.


lunes, 5 de febrero de 2024

King Curtis - 1934 - 1971

Aunque haya realizado innumerable cantidad de grabaciones durante su corta vida, King Curtis merece un lugar en la historia del soul y del rhythm and blues, solamente por dos solos de saxo que muestran su genialidad: “Yakety Yak” de los Coasters y “Respect” de Aretha Franklin. Físicamente imponente, callejero, experto en cartas, billar y dados, Curtis imponía respeto sin esfuerzo, uno de esos auténticos tipos de la calle, capaces de hacer retroceder a la gente con solo una mirada.

Curtis Ousley había nacido en Fort Worth, Texas y para 1952 ya trabajaba como músico en Nueva York. Aquel breve pero memorable solo en la canción de The Coasters de 1958, “Yakety Yak" revolucionó el papel del saxofonista en la música pop y lo situó entre los músicos de sesión elegidos por casi todos los productores del momento. Al mismo tiempo, comenzó a construir una carrera como solista. En 1960, Curtis reclutó a Wynton Kelly y Paul Chambers, dos tercios de la sección rítmica de Miles Davis, para tocar en “Soul Meeting”, uno de sus varios excelentes álbumes de hard-bop.

Para principios de la década del sesenta, King Curtis era una figura repetida en los estudios de grabación de New York como saxo tenor principal, y frecuentemente director de orquesta en casi todas las sesiones importantes de soul y r&b, y en muchas de rock. Y más que eso, se convirtió en hombre importante para el sello Atlantic Records, no solo como músico de sesión sino también como arreglador, responsable en reclutar músicos para sesiones y bandas en vivo.

El texano era un frecuente colaborador de Sam Cooke, tanto en el estudio como en giras, entre las cuales se destaca el legendario concierto en vivo -luego editado como álbum- “Live at The Harlem Square Club” de 1963. Pero fue sin duda su trabajo con Aretha Franklin lo que dejó una marca indeleble en la carrera de ambos. Curtis era saxofonista, arreglador y bandleader de la banda de la Reina, pero tomó una trascendencia en la vida de Aretha, llegando casi a convertirse en una figura de hermano mayor para ella. Frecuentemente leemos acerca del crédito que Jerry Wexler y los músicos de Muscle Shoals reciben por su trabajo con Aretha Franklin, pero Curtis era uno de sus colaboradores favoritos y no siempre recibe el crédito por ello.

Alguna vez se habían puesto a pensar qué sería de una canción como “Respect” sin ese solo de saxo tenor en el medio? Cuenta la leyenda que King Curtis y Charlie Chalmers, los dos saxofonistas de la banda, lanzaron una moneda al aire para decidir quién estaría a cargo del solo sobre ese puente en la mitad de la canción. Curtis ganó y cumplió con su trabajo. Y vaya si cumplió! En los ocho compases que tenía asignados, sólo 16 segundos, electrizó a millones de personas, y lo sigue haciendo cada vez que alguien escucha la canción en su versión original.

Habiendo ya tocado con los Isley Brothers y con vasta experiencia en el chitlin circuit, Jimi Hendrix se sumó la banda de Curtis, a partir de 1964, y se unió a ellos en el estudio para "Help Me (Get the Feeling)", con Ray Sharpe en la voz principal. Hendrix duró cuatro meses en los Kingpins (tal era el nombre de la banda) y solo ellos dos saben lo que interactuaron y el material valioso que intercambiaron como mutua influencia. Para 1967 King Curtis and the Kingpins lanzaron el máximo éxito del grupo, "Memphis Soul Stew", una canción instrumental en la que Curtis, en el papel de narrador, nos explica que cantidades específicas de bajo, batería, guitarra, órgano y vientos son necesarias para obtener una perfecta mezcla de Memphis Soul.

El álbum “Live at Fillmore West”, tal vez sea la mejor confirmación del lugar que ocupa King Curtis en la música popular. El disco registra tres conciertos que ofreció en el Fillmore West de San Francisco en marzo de 1971. Aquellas noches, la banda tuvo la doble tarea, por un lado de ser teloneros de Aretha y por otro, ser su backing band. Una banda descomunal con una interacción rítmica pocas veces escuchada, con Cornell Dupree en guitarra, Jerry Jemmot en bajo, Billy Preston en órgano, Bernard 'Pretty' Purdie en batería, apoyados por los Memphis Horns. La banda arrasa con algunos de los mayores éxitos del momento, como "Signed, Sealed, Delivered (I'm Yours)" de Stevie Wonder y "Whole Lotta Love" de Led Zeppelin, traduciéndolos al sonido del soul sureño, más otras bombas como "Changes" o el clásico de Curtis, "Memphis Soul Stew".

La noche del 12 de agosto de 1971, muy poco tiempo después de que el álbum fuese publicado, Curtis vio a un hombre y una mujer discutiendo en la puerta de su casa, en el número 50 de la calle 86 Oeste de Manhattan. Se enfrentó a la pareja y rápidamente se produjo una pelea en la que recibió una puñalada en el pecho que le causaría la muerte al día siguiente, el 13 de agosto de 1971, a la edad de 37 años. Al día siguiente de su muerte, el álbum alcanzó el número 54 en la lista Billboard 200, su mayor éxito como músico solista.

King Curtis aportó su sonido único a cientos de temas desde Wilson Pickett a Buddy Holly,  Sam Cooke, Isaac Hayes, Otis Redding, Sam Moore, Freddie King, fue mentor de Duane Allman, grabó con Eric Clapton y tocó en el álbum "Imagine" de John Lennon. En el año 2000, fue incluido a título póstumo en el Salón de la Fama del Rock & Roll como sideman. En su libro “Soul Serenade: King Curtis y su saxofón inmortal”, el autor Timothy R. Hoover narra el meteórico ascenso de King Curtis desde una humilde granja de Texas hasta los estudios de grabación de Memphis, Muscle Shoals y Nueva York. “Soul Serenade” es el resultado de más de veinte años de entrevistas e investigación de su autor.

Fuentes:

https://www.waxpoetics.com/article/the-massive-life-and-tragic-death-of-king-curtis/

https://www.amazon.com/Soul-Serenade-Immortal-Saxophone-Musician

https://nypost.com/2022/12/03/king-curtis-was-the-greatest-musician-youve-never-heard-of/