Little Richard - Entrevista - 1990

‘Heeby Jeebbies’ de Little Richard fue la canción que realmente me inspiró a empezar a cantar.” 
Otis Redding,
del libro "Sweet Soul Music, Rhythm and Blues and the Southern dream of freedom” de Peter Guralnick

Sin ninguna razón en particular mas que la de celebrar su música y disfrutar de su figura una vez mas, comparto algunos pasajes de una entrevista que Little Richard dio a la revista Rolling Stone en 1990.

"Mucha gente me llama el arquitecto del Rock & Roll. Yo no me identifico de esa manera, pero creo que es verdad. Hay que tener en cuenta que ya era conocido en 1951. Estaba grabando para el sello RCA-Victor (si eras negro se llamaba Camden Records), antes que Elvis. Luego grabé para Peacock en Houston. Specialty Records me compro de Peacock, creo que pagaron 500 dólares por mí contrato, y mi primer disco en el sello fue un suceso allá por 1956: "Tutti Frutti", un éxito en todo el mundo." 

"Inmediatamente empezamos recorriendo todo el país de gira. Viajamos en coche. En ese momento el racismo era tan pesado que no podías descansar en los hoteles, por lo que la mayoría de veces uno dormía en su coche, comía en su coche, tenias tus citas y te vestías en tu coche. Tuve un Cadillac, era la estrella en la ruta."

"Yo me vestía muy extravagante, y llevaba el maquillaje bien cargado. Muchos de los otros artistas de la época, The Cadillacs, The Coasters, The Drifters, llevaban maquillaje también, pero no tenían ningún kit de maquillaje. Una esponja y un poco de base en el bolsillo. Tuve un kit y todo el mundo empezó a llamarme gay."

"Algunos llamaba al rock & roll 'música africana'. Lo llamaban "música vudú." Dijeron que iba a volver a los chicos locos. Me dijeron que era sólo una moda pasajera, lo mismo que suelen decir sobre el hip-hop, sólo que era peor en ese entonces, porque hay que recordar que yo era el primer artista negro al cual los chicos blancos estaban empezando a comprarle discos. Los padres se enojaron bastante conmigo. Tocamos en lugares donde nos dijeron que no volviéramos más porque los niños se ponían muy salvajes. Destrozando cosas, lanzaban botellas y saltaban desde los balcones del teatro a la pista. En ese momento, los niños blancos tenían que estar en el balcón, eran "espectadores blancos". Pero entonces comenzaron a saltar para llegar abajo, donde los niños negros estaban."

"Los Rolling Stones empezaron conmigo, Los Beatles comenzaron conmigo, James Brown, Otis Redding, Jimi Hendrix, todos empezaron conmigo. Creo que cuando la gente quiera alegría, diversión y felicidad, van a escuchar el Rock & Roll de antaño y me alegra saber que yo fui parte de eso. "

Fuente: Entrevista Revista Rolling Stone

The Bright Mississippi - Allen Toussaint - 2009

“The Bright Mississippi” es uno de los tantos portales mágicos para entrar a la música de New Orleans. Este disco del pianista Allen Toussaint, editado en 2009, encaja perfectamente en esa categoría. Es blues? Es jazz? Es New Orleans!  

En “The Bright Mississippi”, Toussaint re interpreta piezas clásicas del jazz y paga tributo varios referentes que influyeron en él: Jelly Roll Morton ("Winin' Boy Blues" a dos pianos con Brad Mehldau), Sidney Bechet ("Egyptian Fantasy"), Louis Armstrong y King Oliver ("West End Blues"), Duke Ellington ("Day Dream" y "Solitude"), Django Reinhardt ("Blue Drag"), Thelonious Monk ("The Bright Mississippi") y otros. El álbum incluye también versiones de las archi tradicionales "St. James Infirmary" y "Just A Closer Walk With Thee." 

Si repasamos la vasta carrera de Allen Toussaint, llegamos a la conclusión de que el “jazz standard” no es su lugar natural, mas bien se trata de alguien que siempre navegó las aguas del Soul, el Funk, del Rhythm, & Blues, pero el lenguaje jazzero siempre estuvo en su diccionario. Al fin y al cabo, Allen Toussaint nació en New Orleans al igual que el jazz, y esa familiaridad se puede escuchar en toda su carrera. “The Bright Mississippi” (el primer disco solista de Toussaint en más de una década) es sin dudas un disco personal, donde no solo el piano, sino también la trompeta de Nicholas Payton y la guitarra de Marc Ribot son protagonistas. 

Mencionamos el repertorio, las versiones, la maestría de Toussaint, pero “The Bright Mississippi” es uno de esos discos en los que el trabajo del productor (en este caso Joe Henry) es de vital importancia. Hay una cosita funky por allá, algo blusero por acá, un poco de soul mas allá, un poco de second line... y claro, mucho pero mucho jazz piano regado por todos lados. Cada track en sí mismo, y todo el disco como conjunto, nos confirman la etiqueta “Música de New Orleans” es la mas apropiada. El álbum es una verdadera lección de la música del Delta, simplemente música maravillosa cocinada por uno de los tipos que más tiene para ofrecer en su paleta estilística, un verdadero tesoro musical.  

Una vez, el músico de Mississippi Van Dyke Parks dijo sobre Toussaint: "es el mas grande de los pianistas vivos, solo que nadie lo sabe... ni siquiera él".

Escuchar en Spotify

Lista de temas:

Egyptian Fantasy
Dear Old Southland
St. James Infirmary
Singin' the Blues
Winin' Boy Blues
West End Blues
Blue Drag
Just a Closer Walk with Thee
Bright Mississippi
Day Dream
Long Long Journey
Solitude

Músicos:
Allen Toussaint: piano, vocals
Don Byron: clarinet
Nicholas Payton: trumpet
Marc Ribot: acoustic guitar
David Piltch: bass
Jay Bellerose: drums and percussion
Brad Mehldau: piano
Joshua Redman: tenor saxophone.

2009 | Nonesuch Records

Fuentes:
BBC; Allaboutjazz

Eddie Floyd: Mi vida en el Soul - 2020

Comparto algunos pasajes de esta entrevista de Alex Greene a Eddie Floyd, publicada en memphisflyer.com con motivo de la edición del libro “Knock! Knock! Knock! On Wood: My Life in Soul” (Tony Fletcher).

“No se soy merecedor de un libro, pero si voy a hacer uno, tiene que ser positivo” dice Eddie Floyd, quien aprendió música en el “Alabama's Mount Meigs Juvenile Correctional Center”. La noticia con Eddie Floyd es que no tiene un origen como cantante de Iglesia, como si lo tienen el 99% de los y las cantantes de soul. “El coro de Mount Meigs tenía un buen componente gospel” aclara– pero también de música clásica y de jazz”. Además del coro, lo que escuchaba durante su infancia en Detroit, eran las grandes bandas de Jazz, como las de Count Basie o Duke Ellington, a las cuales tuvo la posibilidad de ver en vivo en algunas ocasiones.

“Empecé en Detroit, Michigan, a los 13 años. Quería estar en un grupo doo-wop en aquel tiempo, entonces formé The Falcons a los 16 años. Escribí algunas baladas para ese grupo, aunque no fueron justamente los hits.”. Esos hits a los que Eddie hace referencia fueron dos: "You're So Fine" (1959) y "I Found a Love" (1962) con un joven Wilson Pickett en el grupo. Escuchen el falsette de Eddie Floyd en "Oh Baby"!

Luego Eddie Floyd conoció a Al Bell y eso fue un punto de inflexión en su vida. “Con Al nos llevamos muy bien, escribimos algunas canciones juntos para Carla Thomas y luego… Memphis”.  Allí Eddie conoció Stax Records, comenzó a escribir con Steve Cropper y a grabar a dúo con Carla Thomas: "Stop! Look at What You're Doing" y "Comfort Me." Con Cropper y Booker T. Jones hicieron "I've Never Found a Girl" y luego "California Girl".

Hasta que llegó “Knock on Wood”, la canción (o debemos decir himno?) que lo cambiaría todo. “En Stax todos contribuían en cada canción. Steve y yo trajimos "Knock On Wood" como un demo para Otis Redding, se la mostramos a los MGs, Donald Duck Dunn tocó esta línea de bajo sin que nadie le dijera qué hacer. Yo diría que no hubiera sido un hit a menos que Al Jackson sugiriera poner ese corte en ese momento particular de la canción (Por Dios! La humildad de este tipo, se dan cuenta?!). Al dijo 'un momento, dejenme poner estos golpes!' 'I better knock,' boom boom boom boom. Stop. 'On woooood.' Vuelta al beat. Recuerdo a Isaac Hayes con su idea del puente. Y nunca habíamos escuchado un Puente como ese antes!.” Pero la canción no parecía material para Otis, así Cropper y Eddie convencieron a Jim Stewart, el presidente del sello, para que ese demo fuera lanzado como simple, naturalmente con la voz de Eddie Floyd como cantante principal. 

Knock on Wood transmite todo la positividad de la que Eddie Floyd habla en la nota. Su sonrisa y su energía, junto con este himno, lo acompañaron por el resto de su carrera. “Todos contribuíamos en cada canción –continúa Eddie hablando del clima y la forma de trabajo en Stax. No había diferencias. Yo podía tranquilamente hacer coros en la canción de alguien, si estaba en el estudio en ese momento. Y alguien haría lo mismo por mi.”

Otro punto importante de su carrera, años más tarde, son Los Blues Brothers. “Pasé mucho tiempo en la ruta con The Blues Brothers. Una vez estaban en Canadá haciendo un homenaje a Stax, me invitaron y terminé trabajando con ellos durante 22 años!”. El tramo de su carrera junto a los Blues Brothers incluyó una participación en la película Blues Brothers 2000 junto a Wilson Pickett y al guitarrista Jonny Lang haciendo el tema compuesto por Eddie y Cropper: 634-5789.

Hoy a los 83, Eddie Floyd parece no detenerse ni un poco. En 2008 editó el disco “Eddie Loves you so” para Stax, sigue como miembro activo de la Stax Music Academy, buscando mantener vivo el legado del sello en las nuevas generaciones de músicos. Además asiste a todo homenaje al Soul que se realice, como el organizó Booker T. Jones en la Casa Blanca en 2013.

 “Nunca voy a abandonar la música –dice Eddie Floyd. Te lo digo de esta forma, como le digo a todo el mundo: Voy a rockear hasta el final.”

Fuente:
https://m.memphisflyer.com/memphis/knock-on-wood/Content?oid=23561958

Nathaniel Rateliff & the Night Sweats - 2015 // Tearing at the Seams - 2016

Sepan algo: nunca es tarde para descubrir un artista nuevo. Eso mismo me pasó este año. Gracias al podcast de Escuchate Esto! descubrí, a veces por exploración propia, otras por sugerencia de amigos y amigas oyentes y ocasionalmente gracias al algoritmo de youtube, muchos artistas y canciones nuevas. Nathaniel Rateliff es alguien a quién yo tenía en el radar por ser artista de Stax Records, pero al cual nunca le había prestado mayor atención. Y este año, gracias al podcast, el simple SOB (Son of a Bitch) explotó en nuestra casa, en nuestro auto, en todos lados. De Nathaniel Rateliff  y su banda, The Night Sweats, me gustaría referirme, al menos brevemente esta vez, sobre sus dos primeros discos: Nathaniel Rateliff & The Night Sweats (2015) y Tearing atthe Seams (2016) ambos editados por Stax, el legendario sello de Memphis. 

Rateliff se crió en Hermann, Missouri. Inició su carrera tocando con su banda familiar en la iglesia, pero eso terminó de repente con la muerte de su padre en un siniestro vial. El bajista Joseph Pope III, que comparte el camino de la música con Nathaniel desde 1998 lo grafica de esta forma: “siempre supimos que la música sería lo que nos salvaría”. Su primera banda, Born in the Flood, gravitaba entre el heavy rock y un sonido mas folk. Paralelamente, Rateliff editó mas de un álbum como solista en el sello Rounder Records con otra banda llamada The Wheel, pero aún así, siguió adelante tratando de encontrar el sonido correcto para aquello que tenía para decir como autor. Hasta que unos demos grabados en los primeros años de la década del 2010 basados en un sonido mas cercano al Soul, le indicaron qué dirección tomar. “De todos los proyectos que tuvimos y todos los géneros que tocamos, dice Pope, esto es lo mas natural que lo escuché cantar y tocar.”

Esos fueron los demos que eventualmente los llevarían al disco debut de la banda ediitado en 2015. La banda es Soul, es Rhythm and Blues fiestero, es folk… "Nathaniel Rateliff & The Night Sweats" se abrieron paso a través de cientos de shows en Norte America, el Reino Unido y Australia, además de Festivales como Coachella, Newport, Monterey. Como a veces sucede, ese tiempo en la ruta decantó en el segundo álbum, "Tearing at the Seams" (2016, también por Stax), que suena como un disco mucho más de una banda que de un artista solista. Una vez mas, desde este blog te decimos, no lo dudes y... Escuchate Esto! 

Fuente:
https://staxrecords.com/artist/nathaniel-rateliff-the-night-sweats/ 

Lee "Scratch" Perry (1936 - 2021)

"Gigante, pionero, visionario, leyenda, genio" ... son algunas de las palabras que se utilizan para definir a Lee Perry.  O como lo describió un usuario de youtube: el "Bruce Lee" del Dub. Hablar de él como "productor" es quedarse corto, debemos referirnos e Lee Perry como un genio que cambió la música e influyó de manera gigante en los sonidos que escuchamos hoy en día, alguien de la talla de un Isaac Hayes, Stevie Wonder, Jimi Hendrix, Muddy Waters, Prince. Su influencia y su legado son tan vastos que es difícil pensar por donde empezar. 

Los faders y las perillas eran sus pinceles y la consola y la mesa de mezcla su lienzo. Ya lo dijo Keith Richards, "Lee Perry es él Salvador Dalí de la música. Mas que un productor, el sabe cómo inspirar el alma del artista. Scratch es un shaman."

Cuando le preguntaron cómo con una mesa de cuatro pistas creó sonidos que productores expertos fueron incapaces de recrear con complicadas máquinas digitales, "Scratch" respondió: "Solo había 4 pistas en la mesa, pero yo recibí más de 20 de los extraterrestres". 

En un pasaje del documental "Roots, Rock Reggae"  se ve a Lee “Scratch” Perry en acción grabando a The Upsetters junto a las voces de Junior Murvin y The Heptones en el Black Ark studio en Kingston en el año 1977. "Por los standards de otras personas -dice la voz del narrador - los instrumentos pueden sonar distorsionados, mal balanceados, pero son estos los elementos que le dan al reggae el crudo sonido que no puede ser copiado en otra parte del mundo." En el mismo video, Perry lo explica mejor que nadie: "riddim from the guetto, lyrics from the streets."

En 1966, grabó "I am the upsetter" y ya nada sería lo mismo. Dos años después produjo una canción con un nuevo ritmo, nunca oído antes, "Long shot", para The Pioneers, considerada por muchos el primer reggae, antes incluso de que existiera ese término. Su cruce con Bob Marley & The Wailers en los primeros setenta, su propia banda The Upsetters, y, a partir de 1974, con el estudio Black Ark como instrumento principal de su creatividad fueron hitos de su obra. Perry facturó clásicos del reggae como Police and Thieves (Junior Murvin), I Shall Be Released (The Heptones) o Chase the Devil (Max Romeo). 

El documental "The Upsetter" trazó 70 años en la vida de Lee Scratch Perry en una entrevista concedida a los cineastas Ethan Higbee y Adam Bhala Lough en Suiza en 2006, además de ser un legado visual único de 30 años de música y cultura jamaicanas. 

Si a punta de pistola, me obligarían a elegir un solo track de toda su obra, ese sería "Jungle Lion", su propia re interpretación de "Love & Happiness" de Al Green. 

Y ya saben, Lee Perry no murió, simplemente volvió a su planeta. 

Fuentes:

Jamaica Observer
https://twitter.com/soulsolete
https://twitter.com/lutxo_2073

Charlie Watts (1941 - 2021)

No soy bueno escribiendo obituarios. Pero pensándolo bien, en el caso de Charlie Watts, no se trata de una despedida, sino mas bien de una pausa, un silencio de negra... y luego algún fill arrastrado de esos que solo él podía hacer y la canción sigue adelante. 

Cómo vas a pensar que un Rolling Stone de va a morir, si ellos son inmortales?! 

En algún momento de mi adolescencia me vi cautivado por esos bateristas explosivos, como Bonzo, o Mitch Mitchell, pero según pasaban los años, me fui dando cuenta que la explosión y la pirotecnia no lo son todo, y lo mas importante es el groove. O al menos, es el tipo de interpretación que mas disfruto cuando escucho música. Así fue como descubrí a grandes bateristas como Al Jackson Jr, Steve Jordan, Steve Gadd, Clyde Stubblefield, o incluso Ian Paice. A pesar de que los Stones siempre fueron mi banda favorita, recién en ese momento me di cuenta lo gran baterista que era Charlie Watts. Aquello de tocar "in the pocket", con el groove en el bolsillo, eso que solo unos pocos consiguen. 

Y Charlie fue un abanderado del groove. 

Porque al fin y al cabo, ¿Qué es lo que hizo de los Rolling Stones la banda mas grande del planeta? Probablemente tener un baterista de jazz. Como dice Jim Cennelly en esta nota "no fue hasta que Jimmy Miller y Glyn Johns empezaron a mezclar su batería correctamente durante la grabación de Beggars Banquet que la gente se dió cuenta que Charlie era un 'fucking monster'." Este comentario me hizo volver en el tiempo a mis 18 años, recuerdo que me encerraba en mi cuarto y ponía una y otra vez Jigsaw Puzzle a máximo volumen para escuchar la batería como si estuviera ahí mismo conmigo.

No es mucho mas lo que puedo escribir aquí, la tristeza me invade y se mezcla con recuerdos, muy felices por supuesto, de todas las veces que fui bendecido de poder verlos tocando en vivo, de toda una vida con su música acompañándome -y estoy completamente seguro que me seguirá acompañando hasta el ultimo día de mi vida. 

Si visitan my feed de Twitter van a encontrar muchas cosas que compartí estos días, infinidad de fotos, algunas notas, retweets de otros artistas, de los cuales quiero robar algunas frases, palabras breves, sencillas y que significan mucho.

Roger Taylor, baterista de Duran Duran: "Cuando escuchas a Charlie tocar, te das cuenta que todo está en el groove, no hace falta mas."
Lenny Kravitz: "No hay palabras, su groove habla por si mismo."
Vintage Trouble: "Crecimos con tu groove único."

El groove... siempre el groove

Por ultimo, siempre consideré que lo que hace Charlie Watts en el tema Plundread my Soul es tocar la batería con sentimiento y no cualquiera puede hacer eso. Charlie, saqueaste mi alma y ya te extraño.

Tony Vardé, 25/08/2021

Entrevista a Deborah Ayo y Fran Panadero de Freedonia

 

Tuve la posibilidad de entrevistar para el programa de radio Modo Nocturno y Escuchate Esto a dos de los integrantes de la banda española Freedonia: Fran panadero, bajista y uno de los miembros fundadores y Deborah Ayo, vocalista, y como ella misma dice, la última en subirse al barco. Freedonia, esta banda nacida en 2006, marca el rumbo en la escena del Soul y el Funk en España. Freedonia se presenta a si misma como una asociación cultural sin fines de lucro cuyo propósito es hacer música sin las ataduras asociadas a los rigores de la industria. 

FRAN PANADERO 

Los inicios de Freedonia:
"Nosotros estábamos aprendiendo el estilo y nuestra intención era aprender y divertirnos, ir a tocar a la playa. Lo que ocurre es que el nacimiento de la banda coincidía en tiempo con la época del 15M aquí en España, la crisis gorda económica que hubo y un revuelo sociopolítico, aunque nosotros siempre solemos comentar que nos fijamos más en lo social que en lo político. De repente se hablaba mucho de los valores y de las cosas que no andaban bien, entonces de alguna forma lo que empezó siendo algo por pura diversión, empezó a tener un reflejo. Luego empezamos a conceptualizarlo bastante más y empezamos a hablar de dignidad y libertad que era lo que realmente veíamos que en la sociedad se repetía, y de alguna forma enfocándolo todo en una cosa muy humana, "esto es necesario" pensamos, empezamos a poner de manifiesto todos los conflictos que hay a nivel mundial, de migrantes de gente que simplemente por haber nacido en un sitio o tener un color o yo que se, pues de repente tiene una vida mucho peor que otra gente. Todo ese tipo de injusticias empezamos a volcarlo en las letras de las canciones. Al principio hacíamos como un ejercicio más de estilo, queríamos sonar como el Soul, Funk  de ciertas épocas o yo que sé pero luego eso se fue enseguida a tomar por culo en tanto y en cuanto ahora si queremos mantener ese tipo de estética pero muy actualizada a lo que hay hoy en día. O sea no quiero ser un tío de los 60, quiero ser un tío del 2021 que tiene una edad y le gustan esas cosas.  

Cómo cocinar un buen guiso: 
"Nos parece que los formatos que hay actualmente son muy válidos para una comunicación directa, me encanta y escucho música en mp3 y no soy un cromañónico de la tecnología, ni un hater, pero es como cuando tu pruebas un guiso que esta cocinado en forma tradicional puedes apreciar un montón de matices y un montón de historias que lleva encerrado ese guiso, entiendes que es un guiso de pastor y yo que se…"

Trabajar de forma artesanal:
"Empezamos a hacer cosas que en este momento la gente está haciendo mucho y no fuimos nosotros los primeros ni nada, solo que le dimos una importancia a esto que te contaba de la escucha secuencial y como escuchaba música mi padre. Me acuerdo cuando lo hablamos ¿No se venden vinilos? Esto es tirar el dinero, Da igual, lo tiramos, y de repente hay un revival y pasan 10, 12 años de esto y ves que se vuelven a abrir pequeñas tiendas de discos, que hay una compra-venta de vinilos en internet brutal, que la gente se vuelve a comprar equipos, porque esto mismo que me pasa a mi le pasa a los demás. Pues al final pasa un poco eso, lo que tu dices del guiso y de preparar bien los temas, llegar al estudio con seguridad, no utilizar ningún tipo de vocoders ni trucos que están ahí, el que lo quera usar que lo use, pero yo no lo quiero así, a mi me gustan más los garbanzos de mi abuela."

Crowdfunding:
"Uno de los primeros en hacerlo fue Extremoduro antes de que se llamara Crowdfunding, el primer disco de Extremoduro lo hicieron vendiendo papeletas, el tío escribía en un papel “vale por un disco” y le dabas las mil pesetas. Eso en el fondo es un Crowdfunding, o sea una financiación colectiva de gente que confía en ti como artista y te dice “hagas lo que hagas me va a molar y te lo pago por adelantado”. Eso te elimina todo el sesgo de una disquera, una casa discográfica pero… a ver, a veces se equivoca el termino, hay sellos discográficos que son magníficos, pero también esta aquel mastodonte que viene, te da 20 mil pavos, se queda con sus movidas, te hace un préstamo chungo y te empieza a decir “no cantes en inglés, no tantos metales, cómo que vinilo?!” Entonces de esta forma tenemos la libertad creativa total, nosotros queremos meter todo esto, si la gente nos da el dinero y confía en nosotros, pues vale. Tuvimos suerte que en tener un montón de amigos que confiaron en nosotros."

Colaborando:
"Todo lo que ganamos se reinvierte en grabar, colaboramos en campañas con Open Arms, trabajamos con Goteo, una plataforma que creo la universidad de Barcelona que tiene no te aceptan el proyecto un retorno social. Trabajamos además con Creative Commons, se tiene que pagar derecho de autor si tú vas a lucrar con nuestra música, pero sino, tu eres libre de escuchar mi música, y si la quieres comprar, bienvenido, me ayudará, pero si no tío la puedes escuchar todas las veces que quieras que yo lo he hecho pa’ ti y pa’ la gente. Lo hacemos aportando nuestra parte para que el mundo sea un poquito mejor en la medida de lo posible. Esto te cierra un poco todas las puertas de la industria con lo cual el crowfounding es la única manera viable de financiarnos y además mola mucho porque ya esa barrera que hay entre público y banda se rompe definitivamente, estamos todos en el proyecto. Todos hemos hecho este disco, no solo los 9 o 12 o 15 tíos que lo grabamos, sino también la gente, y eso está bueno."

José Saramago:
"Conciencia" se basa en una charla que dio el escritor José Saramago en unas jornadas que dio en Extremadura y hablaba de la necesidad de tener conciencia como elemento de lucha contra este encerramiento en las personas y en el fondo tú te pones a tirar del hilo, la conciencia de uno mismo,… la letra de la canciones esta sacada directamente de las palabras de Saramago de darte cuenta que todos los problemas que hay es porque no somos conscientes de que el mundo es de todos, nosotros como artistas queremos reflejar eso.

DEBORAH AYO

Influencias:
"Yo llevo cantando toda mi vida, en la iglesia, yo he crecido en la iglesia y ahí la música Soul siempre… creí escuchando música en mi casa, mi padre era muy de montar fiestas, invitar a sus colegas y siempre había música afro, o sea, música africana por doquier, música de Motown por todos lados. Y aparte la iglesia también y el góspel siempre ha sido parte mía. O sea yo tengo influencias pues de afro, de neo soul me gusta mucho Lauryn Hill, hip hop por mis hermanos mayores, escuchar mucho Whitney Houston, Aretha, todos estos nombres que todo el mundo conoce, pero influenciado más que otros diaria dos artistas que son mis favoritas que son India Arie y Lauryn Hill ."

Se puede cantar Soul en castellano?
"Es que no es lo mismo. Poder se puede pero el sonido… no sé, es diferente es como si yo me pusiese a cantar flamenco en inglés, sabes? No es que no se pueda pero es diferente. Te digo una cosa, no creo que no se pueda hacer pero es como que el idioma está muy asociado a ello, siento que no va a a ser lo mismo, la fonética, como colocas la lengua para hablar en español. O sea mira que diferente es el mismo español en Argentina que en España. Es muy diferente el soniquete, será más cómodo cantarlo en inglés que en español."

Las Letras de Freedonia
"Se componen las canciones todos en conjunto. O sea tú tienes una letra, la presentas al grupo y todos van aportando, o bien en las letras, o en las melodías, o en los arreglos y así es como se han hecho las canciones. Incluso una de las canciones que hay en este último disco, "Conciencia", que se llama "Good Thing Together" se hizo con letras que la gente aportó, la comunidad Freedonica, lo cual es maravilloso, una forma muy bonita de trabajar con cada uno poniendo su granito de arena."

Escuchar la entrevista 

Twitter
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Instagram
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A Love Supreme - John Coltrane - 1965

"Las luces del estudio estaban bajas. No se si fue idea de John o de alguien mas. Grabar este disco fue una experiencia maravillosa. Ninguno de nosotros sabíamos lo que estábamos por hacer, realmente no puedo explicar cómo se dieron las cosas. Había una comunicación sin palabras asombrosa durante las sesiones. De hecho John dio muy pocas instrucciones de manera verbal. Pero este álbum es la culminación y la extensión natural de una química que construimos como grupo durante años de tocar juntos." 

McCoy Tyner

John Coltrane, McCoy Tyner, Elvin Jones y Jimmy Garrison grabaron "A Love Supreme" en diciembre de 1964 y el disco sería editado al año siguiente. Coltrane lo presentó como una declaración espiritual que explicaba que su devoción musical estaba ahora dedicada a su Fe en Dios. "A Love Supreme" representa una compleja suite de cuatro partes alrededor de una idea musical básica, aunque fue en el escenario, durante sus shows en vivo, en donde el cuarteto ya había explorado, practicado, ensayado y compuesto este nuevo material. Tyner explica que "John tenía una forma maravillosa de ser flexible con la música y como banda logramos reflejar eso gracias a la libertad que nos daba. Y esa libertad dio sus frutos a la hora de grabar el disco" 

"A Love Supreme" es una obra maestra que además, tuvo una significancia personal muy fuerte para John Coltrane. En 1957, el músico había tocado fondo en su adicción a la heroína y fue despedido de la banda de Miles Davis. En teoría, Coltrane se rehabilitó y en las liner notes del disco escribió lo siguiente: "En el año 1957, experimenté, por la gracia de Dios, un despertar espiritual que me ha llevado a una vida mas rica, mas plena y mas productiva. ... a través de la mano piadosa de Dios, percibo su omnipotencia. Es en verdad 'Un amor supremo'." 

Es tal la influencia en la Fé, que este disco incluso ha derivado en la creación de una "Iglesia Coltraneana". El Reverendo Franzo Wayne King es pastor de la "Saint John Coltrane African Orthodox Church" en San Francisco y explica que la congregación mezcla la liturgia Ortodoxa Africana con citas de Coltrane y, por supuesto, mucha de su música. "Este disco es como 'Padre, Hijo y Espítiru Santo; Melodía, Armonía y Ritmo. Hay un deseo real entre los fieles a John Coltrane, dice el Pastor Wanika Stephens, no solo por su música, sino por su filosofía y su espiritualidad como creyente y como Santo". 

Coltrane tomó control de cada detalle del disco, como nunca antes había sucedido. John escribió el poema "Psalms", cuya su lectura coincide, según dicen haber descubierto los fieles de la St John Coltrane, con el cuarto movimiento del disco. El músico alguna vez dijo que, si bien el había sido criado en la religión cristiana, sus sucesivos aprendizajes lo llevaron a darse cuenta que todas las religiones tienen algo de verdad. 

No se conocen entrevistas posteriores en las que John Coltrane hable del disco y su significado personal, ni siquiera lo charló con sus compañeros de grupo. "Había muchas cosas de las que no hablábamos," dice McCoy Tyner "pero la banda sabía que "A Love Supreme" tenía un significado especial para John."

En un tour en 1966 en Japón, le preguntaron a Coltrane que quería ser dentro de 10 años. “Me gustaría ser un santo,” respondió.

Escuchar

Lista de Temas:

Acknowledgement 

Resolution 

Pursuance 

Psalm 

Músicos:

John Coltrane – Saxo tenor

McCoy Tyner – piano

Jimmy Garrison – Contrabajo

Elvin Jones – Batería

Fuentes: 

https://www.npr.org/2000/10/23/148148986/a-love-supreme

https://www.coltranechurch.org/50th-anniversary

Tha Skatalites - Entrevista con Lutxo Pérez

Dentro del ciclo #BlackFriday de Modo Nocturno radio, del que participo convocado por Pablo Oliphant, dedicamos el programa del 25 de junio a The Skatalites, la banda de Ska más grande, importante, e influyente de todos los tiempos, esa que representa el tronco para el frondoso árbol lleno de ramas que es la música jamaiquina. La discografía en forma directa en conjunto o por separado de sus miembros, la influencia de este grupo es absolutamente fundacional y las ramificaciones se extienden literalmente hasta nuestros días.   

Durante el programa, pudimos hablar con Lutxo Pérez, escritor y periodista español especializado en la música de Jamaica. Compartimos en esta entrada del blog nuestra charla con Lutxo

Pablo: ¿Podemos hablar de los Skatalites como hombres del Jazz? 

Lutxo: Claro! El jazz llega a Jamaica en los años 20 y a partir de entonces se empiezan a configurar una serie de músicos de jazz muy notables dentro de la Isla. En un principio Jamaica no tiene una industria musical propia, tiene unos cuantos espacios donde se interpreta música sobre todo para los británicos que en ese momento son los que gobiernan la isla y también para los turistas norteamericanos. Entonces muchos de estos jazzmen van a tener que buscar su fortuna en otras islas cercanas como Bahamas, donde quizá había una mayor escena también relacionada con el turismo. Y bueno, pues el que fue el jefe de los Skatalites, Tommy McCook,  allá por los años 50 se fue a hacer una estadía en Nassau, capital de Bahamas, y allí acabó residiendo 3 o 4 años. El se volvió a Jamaica y ya había como una escena importante de propietarios de "sound systems" que quieran grabar a músicos locales y que querían canciones propias de Jamaica para poner en sus "sound systems" y ya empieza a nacer la idea de crear una superbanda. Coxsone Dodd, que en 1961 fundaría Studio One, tuvo esa ambición; juntar a los mejores músicos de la Isla para que su house band, la banda de su estudio, este compuesta por los hombres mas brillantes y con mayor talento. Lo curioso de esto es que Tommy McCook se consideraba , como lo decías, un jazzman, entonces no le interesaba la música que se estaba haciendo en Jamaica, que tenia como muchas influencias del Rythm & blues de New Orleans, el quería dedicarse al jazz. Y hay una historia muy curiosa que tiene que ver con una canción producida por Sir Coxsone Dodd que se llama "Schooling The Duke", una canción instrumental muy bonita de la que ya participan muchos de los músicos que van a acabar siendo los Skaltalites. Después de haber rechazado ser el jefe de esa banda, Tommy McCook escuchó la canción "Schooling The Duke" en la radio y dijo "Vaya, esto es mas jazz de lo que pensaba... esto es definitivamente jazz!". Y ese fue el momento en que el dijo "Ok, quiero ser el jefe de la banda" y cuando se empezó a gestar esta formación de estrellas, de genios que fue The Skatalites.  

Tony: La independencia del Imperio Británico se firmaba en 1962 y la banda sonora de aquella gran fiesta la iba a poner el ska, la música de la independencia y el primer ritmo nacional de la isla. De qué forma ambos eventos se retroalimentan?  

Lutxo: la independencia tiene un valor simbólico brutal para la escena musical de la isla. Como todas las escenas de raíz negra, y en concreto la jamaicana, que se desarrolla en un espacio muy pequeño, en Kingston, es una escena que esta constantemente hablando de lo que le ocurre a los habitantes de la ciudad. Es una escena que explica la sociedad, o actúa como espejo de la sociedad jamaicana. Cuando llega la independencia, primero hay una escena muy importante de estudios y de propietarios dispuestos a pagar a músicos y a técnicos para grabar canciones y sacar discos, y de repente el hecho de que Jamaica se convierta en una nación dependiente, hace que el publico tenga muchas mas ganas de escuchar "temas locales". De hecho durante 1962 cuando se produce la independencia hay todo un subgénero de canciones que tienen que ver con la independencia de la isla, con temas nacionalistas, y en este contexto el ska, que es un ritmo que se viene cociendo desde finales de los años 50, de repente toma una entidad mucho mayor. Los jamaicanos lo relacionan con el ritmo propio de la isla, el primer ritmo moderno y urbano y a la vez el ritmo de la independencia. Siendo el ska una música tan alegre y acelerada, pues tiene los ingredientes perfectos para servir como banda sonora a esa gran celebración. 

Pablo: Tiene que ver con esto que el ska tiene un espíritu de libertad muy grande, ¿es cierto?  

Lutxo: Totalmente. Como les decía, el ska viene desde las raíces del Rythm & Blues mas alocado y en Jamaica los propietarios de los Sound Systems en los 50, cuando no había producción musical, tenían que tirar constantemente de discos de la escena negra de Estados Unidos. Era algo muy curioso, buscaban canciones pero no cualquier tipo de canciones. Les gustaban mucho las baladas, porque en todos los bailes tenia que haber un momento para que las parejas disfrutaran del contacto físico, pero sobre todo les gustaban los ritmos mas viscerales de Rythm & blues, ese que se hacía en el Sur de los Estados Unidos, que ademas le había llegado a ellos por las emisoras de radio de Tennessee o de New Orleans. New Orleans de hecho era muy importante porque tenía un estilo muy sincopado, artistas como Professor Longhair tenían este off-beat que luego los jamaicanos imitarían. Yo creo que el ska es muy interesante porque tiene un influencia muy clara de estos ritmos de los que os estoy hablando y sin embargo también se deja influir en gran manera por el resto de las músicas que se están produciendo en el Caribe. Ritmos cubanos, el Mambo, y también el Calypso de Trinidad. Entonces al final los jamaicanos que son expertos en tomar prestado, copiar pero hacerlo a su manera, de repente consiguen esta especie de híbrido de un montón de fuentes diferentes que consigue esta música tan enérgica y alegre como es el ska.   

Tony: Otra institución importante para el desarrollo de los Skatalites y de muchos músicos de Jamaica fue el Alpha Boys School, que es en gran parte responsable de que este grupo de músicos, una especie de constelación de estrellas confluyeran en un mismo espacio tiempo. 

Lutxo: La plana mayor de los Skatalites, Tommy McCook, Don Drummond, Lester Sterling, Dizzy Moore, todos ellos que tocaban los instrumentos de viento, menos Roland Alphonso se formaron en Alpha Boys School, unas escuela para jóvenes de barrios marginados de Jamaica, niños que no tenían oportunidades, donde te enseñaban un oficio pero que tenia una importante sección musical. Y es curiosos, porque esta escuela las llevaban adelante un grupo de monjas católicas que deberían ser muy progresistas para la época, porque no querían dar a esos chavales una formación clásica, sino que les interesaba n mucho el tipo de estilos que se estaban practicando en ese momento, tanto en Estados Unidos como en Jamaica, y estamos hablando de los estilos de los negros. En esta escuela surge como una especie de germen que va a educar a estos y a muchos otros músicos que van a ser el tronco del gran árbol de la música jamaicana y de sus muchísimas ramificaciones. 

Tony: ¿Porque decís que fue una banda que estaba destinada a naufragar? 

Lutxo: Había demasiado gallo en ese corral. Estaban dos saxos tenores, como Roland Alphonso y Tommy McCook, por cierto los dos procedentes de Cuba, que era don instrumentistas maravillosos, que tocaban el mismo instrumento y tenían una competencia brutal entre ellos. Luego había otros músicos como Don Drummond que por si solo era capaz de parir unas discografías inmensas, unas canciones brutales. Entonces evidentemente aquel experimento de los Skatalites no iba a durar mucho. Pero ademas creo que los Skatalites fueron el molde para las futuras bandas que iban a llegar en los sucesivos ritmos de Jamaica, para que esas bandas posteriores se conformaran y tuvieran una identidad. 

Pablo: ¿De qué manera los rudimentarios estudios de la época influyeron en el sonido o en la vigencia de las canciones? 

Lutxo: La música jamaicana vive mucho de la economía de medios y de que las limitaciones sean parte del motor de la creatividad. Yo creo que es muy importante que los estudios fueran tan precarios para que sus canciones tuvieran esa chispa que perdura hasta hoy. Y luego también creo que es muy importante el que todo estuviera pasando no solo en una Isla, sino dentro de una ciudad, y dentro de esa ciudad en una serie de barrios muy concretos y los músicos formaban parte de ese tejido cultural y estaban constantemente cruzándose los unos con los otros. También es importante que no hubiera bandas fijas. Hay alrededor de 20 músicos que participaron en grabaciones que acreditamos como The Skatalites, no había banda fija. Cruzarse unos con los otros, al final conseguía que cada uno pusiera su granito de arena y se consiguiera un estilo mu propio y peculiar, que aunque a muchas personas ajenas a el les pueda parecer reiterativo, durante su corta historia tiene muchos matices y subgéneros diferentes. 

Tony: Hay que hablar de Don Drummond, el trombonista del grupo y principal compositor, uno de los músicos más influyentes de la música jamaiquina y sin dudas, uno de los trombonistas más importantes de la historia, ya no hablo de la música jamaiquina, sino de la música en general.

Lutxo: Si Don Drummond hubiera nacido en Estados Unidos probablemente hoy lo tendríamos a la altura de un Charles Mingus, por nombrar a alguien importante. Había muchos aspectos de su vida bastante peculiares, adoptó rápidamente la religión rastafari, no le gustaba demasiado juntarse con gente blanca y tenía en general una vida muy errática. Iba a tocar con los Skatalites y se marchaba antes de cobrar, luego tuvo un problema muy grande porque el trombón que tenía se lo había comprado Coxsone Dodd y de alguna forma ese trombón representó una cadena que lo iba a atar para siempre a Coxsone. Antes de asesinar desgraciadamente a su novia de la época, Drummond ya había estado internado en el hospital psiquiátrico. Mas allá de esto, es una de esas personalidades que , atormentadas o no, tienen una sensibilidad extraordinaria, un talento innato para hacer sonar su instrumento. Es uno de esos instrumentos que en las canciones de la época es muy fácil de reconocer aunque no tengas el oído musical muy entrenado, porque el trombón de Don Drummond suena a "trombón de Don Drummond" y no hay ningún trombón que suene asi de bien. Otra de las cosas que eran muy importantes acerca de su papel en the Skatalites era sus habilidades como compositor. De las canciones originales de los Skatalites, quizá las mejores en mi forma de verlo, son las composiciones de Don Drummond. En aquella época no había tantos compositores en Jamaica. Y luego tiene una cosa que son los solos. Los solos en el ska son muy diferentes al jazz, pues en el jazz tenían discos LPs de 12 pulgadas para grabar solos de 5 minutos si querían. Sin embargo el ska es un genero que se comercializó en 7 pulgadas, por lo tanto tenian unos 3 minutos para grabar el tema, y si el tema era vocal, pues el espacio para los solos era muy pequeño. Y es maravilloso ver como Don Drummond en esos 20, 30 segundos que tenia para interpretar un solo, hacía unas piezas tan bellas y tan conmovedoras. Un buen ejemplo es "Skill and Craft" de Owen & Leon Silvera, un ska brutal con un solo de Don Drummond espectacular. 

Las grabaciones de los Skatalites deben ocupar un lugar privilegiado en la historia de la música. Podemos poner sus grabaciones a la altura de Louis Armstrong, Muddy Waters, … artistas influyentes de la música negra. 

Agradecemos una vez mas a Lutxo Perez por la amabilidad de brindarnos estos minutos para charlar.  

Pueden escuchar la charla y el programa en este link 
https://www.ivoox.com/escuchate-esto-63-entrevista-a-lutxo-perez-audios-mp3_rf_72107721_1.html

twitter @lutxo_2073 
Podcast de Lutxo: Cinta de Varios

Moonlight Benjamin

Imaginemos a los santos del voodoo del Caribe cruzando caminos con los espíritus del Blues eléctrico. En el medio, tambores africanos, una voz contralto que canta en creole, melodías oscuras, tenebrosas y combativas. Todo el combo es hipnótico, místico, sorprendente, pero aun así en algún punto te suena familiar. Escuchas la música de Moonligth Benjamin y no sabes dónde pararte. Los críticos no saben cómo catalogarla y hablan de un cruce improbable, de un choque sensorial. Un usuario de Youtube la describe como "haitian afro heavy blues rock". Hagan la prueba. En mi caso, Tchoule fue la primera canción que conocí. 

Nacida en Haití, pero con residencia en Francia desde 2002, Moonlight Benjamin es hija de un pastor protestante y se crió cantando en una iglesia, aunque entró en contacto con la música voodoo desde muy temprana edad. En su juventud comenzó a cantar profesionalmente en Puerto Príncipe, pasando por la música clásica, el pop, las baladas. Comienza su carrera como artista en su Haití natal. Su primer álbum Mouvman (2011), está hecho con guitaras acústicas y suave percusión, algo que suena como la música de Cesaria Evora. Más adelante, en 2013, tiene contacto con el jazz realizando colaboraciones con el pianista cubano Omar Sosa y Jacques Schwarz-Bart, un saxofonista y compositor nacido en la isla de Guadalupe. Benjamin abandona su tierra con destino a Europa para perseguir su sueño de ser cantante profesional. En 2017 en Francia, cruza caminos con el guitarrista francés Matthis Pascaud y aquí es donde se produce la chispa para lo que hoy escuchamos. 

Sus influencias, según ella misma dice, mezclan tanto artistas del rock, del jazz y del blues, como como Billile Holliday, Nina Simone, Tina Turner, Janis Joplin, David Bowie y Queen, como artistas de su país, como Ti-Coca, Azor, Mambo Diela y Toto Bissainthe.

Si bien se trata de un sonido netamente guitarrero –la banda tiene dos guitarristas- la batería tiene una importancia muy grande también. El resultado es definitivamente impactante. No solo su voz y el sonido de la banda, sino que la puesta en escena resulta igual de impactante y magnética. Con esta banda, Moonligth Benjamin tiene dos discos editados: Siltane (2018) y Simido (2020). Desde mi percepción, ambos trabajos se pueden escuchar como un disco doble, aunque el segundo puede sonar más rockero que el primero. Moonligth Benjamin dice que con su música busca despertar conciencias, y dar un mensaje de unidad al pueblo haitiano, regado por todo el mundo. “En realidad – afirma, cualquiera puede sentirse identificado con el mensaje que expresan las letras, aunque, por cantar en kreyòl, no todos me puedan entender.”. El kreyòl ayisyen, o creole es la lengua criolla hablada en Haití, basada en el francés, pero mezclada con lenguas del África Occidental. “Es mi identidad –dice ella- y quiero compartir la lengua creole con más gente.”

¿Quieren una muestra clara de lo que sería el Heavy Blues hecho por esta banda? Escuchen esta versión de Siltane en vivo en Alemania y se van a dar cuenta rápidamente de lo que les estoy hablando. Algún crítico la calificó como “La sacerdoiza Voodoo del Blues Haitiano”. Cuando hablamos del voodoo, hablamos de una música basada en la religión, en donde cada espíritu y figura posee distintos cantos y ritmos, por lo cual es un estilo que varía bastante y tiene muchas aristas. El voodoo Haitiano o “vaudou”, probablemente una de las religiones menos entendidas de la actualidad, nació de la mezcla entre tradiciones del África occidental traídas por los esclavos en la era colonial, y el catolicismo impuesto por los españoles. Esta combinación de creencias resulta muy importante en la construcción de la identidad del pueblo haitiano y la tradición voodoo es parte de ella. Moonligth Benjamin utiliza muchos aspectos de la cultura voodoo en sus shows, como unos dibujos en su rostro –no son tatuajes- que representan los diagramas que se pintan en el suelo durante las ceremonias para invocar a diferentes espíritus. “Siempre canto sobre Haití – dice, sobre nuestro orgullo, nuestros problemas socio culturales, y el amor que tengo por mi país”.

Escuchar su música en Soundcloud :
https://soundcloud.com/moonlightbenjamin

https://www.moonlightbenjamin.com/
https://www.instagram.com/moonlightbenjamin/
https://twitter.com/MoonlightBenja1

Fuentes:

https://www.songlines.co.uk/features/moonlight-benjamin-voodoo-priestess-of-haitian-blues
https://www.theguardian.com/music/2018/nov/30/moonlight-benjamin-siltane-review-no-nonsense-haitian-blues-rock
https://theartsdesk.com/new-music/album-moonlight-benjamin-simido
https://worldgroove.com/contenido/entrevista-moonlight-benjamin-rock-y-blues-vintage-con-esencia-vudu
http://espiritudelsur.com/artistas/moonlight-benjamin-haiti-francia/
https://www.lossonidosdelplanetaazul.com/disco/moonlight-benjamin-siltane/
https://www.sudradio.fr/loft-music-sud-radio-2018-03-27

Entrevista con Fantastic Negrito - 2021

Fantastic Negrito no para. En lo que va del 2021 se llevó su correspondiente premio Grammy en la categoría Mejor Álbum de Blues Contemporáneo por su disco "Have you lost your mind yet" (algo que ya había hecho por sus dos discos anteriores), abrió su propio sello discográfico, Storefront Records, y editó el single "Root City", que funciona como el himno del equipo de fútbol de Oakland Roots Sports Club. Y en el medio de todo eso, tuvo 40 minutos para cedernos a modo de entrevista para el programa de radio "Modo Nocturno", y para el podcast y el blog de Escuchate Esto!.

En 2015, Fantastic Negrito ganó el concurso Tiny Desk Contest, llevado adelante por NPR Music del que concursaron 7 mil bandas o solistas “no descubiertos”. Para esa ocasión, Negrito se despachó con "Lost in a crowd", un tema de su autoría, que tiene mucho del lamento y mucho del blues tan personal que lo caracteriza. Definitivamente esa fue la primera puerta grande que se le abrió. Y por ahí comenzó la entrevista.

- ¿Cómo fue ganar ese concurso?

Mis letras no son tan políticamente correctas para NPR. Por eso, en aquel momento, no solo no pensé que no fuera a ganar, sino que ni siquiera pensé que me pudieran aceptar en el concurso. "Lost in a Crowd" fue la canción con la que nos presentamos y es un track que no habla sobre mi, sino sobre una comunidad que yo estaba observando. Caminé un día por Oakland, San Francisco, Bekrley, y escribí sobre la gente. Mirando sus expresiones surgió la idea para esta canción. Sobrevivientes, gente que sufre, gente que vive, que ama, que es feliz, capté todo lo que veía en la gente y sobre eso escribí.

- Fuiste elegido por Chris Cornell para acompañarlo en su gira europea 'Higher Truth´durante la primera mitad de 2016, y también en algún concierto de Temple of the Dog. ¿Qué significa la figura de Chris Cornell para vos? 

Chris Cornell fue para mi un gran maestro... en tantos niveles. Acompañarlo en su gira fue un evento que cambio mi vida, nunca hubiera pensado que fuera Cornell la persona que tendría tanto impacto en mi vida.

- El blues siempre está presente en tu música, eso es indiscutible. Pero nunca encontramos un blues de 12 compases en tu repertorio. Los mas cercano puede ser “In The pines”. ¿Porqué es eso?

En mi corazón, soy un punk rocker, pero definitivamente soy un hijo del blues. El blues no es solo 12 compases, a veces la gente se olvida que lo más importante del blues es contar historias, lo más negro del blues es eso. Storytelling! ¿Porque el hip hop fue tan grande? Con respecto a "In The Pines", quise reescribir esa canción y expresar lo que significa para mí ahora, para la comunidad de dónde vengo. Así que hice un sacrilegio, le puse un puente, le cambié la letra, y quedó algo diferente. Hablé de las mujeres negras, las mujeres solteras que crían a sus hijos solas, y enterrando a sus hijos. Y vi a mi madre enterrar a mi hermano, y a mi tía enterrar a mi primo por la violencia policial. Adolescentes! Lo hice por ellas y por ellos.

-  Venis de una familia de 14 hermanos, viviste en hogares adoptivos, ¿Cómo fue tu infancia? 

Mi infancia fue traumática, y hermosa. Una gran lección y un gran sentido de pérdida y abandono. Tuve tantos obstáculos pero nunca me rendí. Seguí caminando hacia adelante. De eso trata un poco mi canción “It's a long long road”. Es la filosofía de mi abuela. No importa lo que pase en el mundo, si vos estás seguro de algo, entonces podes hacer que pase. Cualquier obstáculo que se te cruce se puede convertir en tu combustible. Si querés abrir una panadería, querés hacer un disco, iniciar una familia, entonces es mejor que empieces a caminar.

- Mucha gente identifica el proceso de composición de una canción con un piano o una guitarra. Se que vos componés todo a partir del bajo. ¿Cómo funciona eso?

No solo utilizo un bajo para componer… utilizo un bajo de 89 dólares! Es un bajo violín y siempre empiezo las canciones desde ahí. Lo empecé a usar en “Please don't be dead”, y nunca le cambié las cuerdas. Desde la producción, siempre inicio una grabación con este bajo. Y lo estoy usando para el nuevo álbum también. Hago una maqueta con mis partes y luego se la paso a Cornelius Mims. Lo mismo con el resto de los instrumentos. Grabo mis ideas y se las paso a los maestros. LJ Holoman, Masa Kohama...

- Hablanos de tu nuevo single, "Root City", una especie de himno del equipo de fútbol de tu ciudad, Oakland.

El otro día un periodista me preguntaba de donde saqué la inspiración para "Roots City". "De mi concierto en Buenos Aires", le respondí. Cuando hicimos “A boy named Andrew” aquella noche en Buenos Aires, la reacción del público argentino fue increíble. Pensé “esta gente realmente sabe cómo hacer un canto de cancha más que nadie en el mundo”. Y así nació la idea para este tema. 

- Sabemos también que ya estas trabajando en un nuevo disco y una película para 2022. ¿De qué se trata eso?

Te voy a contar algo realmente muy loco. Descubrí en un sitio ancesters.com a mi séptima abuela… la encontré! Escuchá esto: Fue una mujer blanca escocesa! 1719 en Virginia, en el Sur, durante la esclavitud, mi séptima abuela blanca, fue a la cabaña de los esclavos y se enamoró de mi abuelo esclavo, tuvieron un romance secreto. Fueron a la corte... encontré el registro de la corte! Fueron arrestados, y recibieron un cargo por “convivencia ilegal con un esclavo negro perteneciente a Henry Jones". Encontré esos documentos! Y digo… wow vengo de unos hijos de puta bien rebeldes, entendés!? Está en mi sangre! Te lo imaginas? Ese es mi linaje, mis ancestros reales. Escribí todo este nuevo álbum sobre su historia de amor. Cómo mi abuela blanca de Escocia enfrentó el racismo, la supremacía blanca, encontró el amor en un esclavo, tuvieron 7 hijos, les quitaron a los hijos... es una historia increíble. Escribí todo el disco sobre esta historia, va a ser incluso una obra, es un álbum muy dramático, como una ópera rock, una película y un disco juntos y tal vez sea mi último álbum. Es realmente diferente… Dios, no están preparados para eso!

- ¿Y porqué decís que será el último disco?

No creo que pueda hacerlo otra vez, por eso es el último disco, voy a hacer simples y dúos, pero no creo que pueda hacer otro disco, es un proceso muy cansador. 

- ¿Qué es Storefront Records, tu nuevo emprendimiento?

No me veo como una compañía de discos, sino más bien como una filosofía. Tenemos un estudio, tenemos un mercado a cielo abierto, una productora. Quiero hacer cosas increíbles y compartirlas con el mundo. Hice un simple con Sting, me encantaría hacer un disco con George Clinton, con Patti Smith, con Mick Jagger, los grandes de la vieja escuela. Es mi sueño. Estoy trabajando con una increíble cantante negra de country que se llama Miko Marks. Quiero hacer cosas diferentes! Al igual que hice con Fantastic Negrito, pero para otros artistas. Todo tiene que ver con compartir. Seguir avanzando, y pasar la antorcha. A mi me pasaron cosas muy buenas y quiero que a otros artistas le pasen, y ser parte de esto. Me alcanza con despertarme cada día, respirar, ver el sol, el cielo, los árboles, sentir el viento en la cara. Si quisiera algo más, sería ambicioso. Estar vivo y compartir este momento con vos y tu hermoso país, conocer gente. Esto es todo.

 Escuchar la entrevista en el podcast de #EscuchateEsto!

Ver la entrevista en youtube 

Agradezco infinitamente a Pablo Olipphant por la producción de la entrevista y a Ana y a Adu del equipo de FN en Oakland por hacernos las cosas realmente fáciles para poder concretar esta charla.