Desde aca quiero compartir mis discos, canciones o artistas favoritos de música de raíces afro... Blues, Soul, Funk, Ska, Reggae, Jazz... incluso Rock & Roll. También estamos en ivox
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Con el tiempo y los años me convencí: la etapa de los Rolling Stones que mas me gusta es la que va desde 1968 a 1972, son esos discos mágicos, Beggars Banquet, Let it Bleed, Sticky Fingers, Exile on main st. Y Mick Taylor es uno de los grandes responsables de que esos discos hayan sido lo que son. Por su puesto que la maduración del sonido de la banda, luego de girar varias veces por los Estados Unidos y, como dice Richards en Life, en tantas millas recorridas escuchar mucho blues y country en el lugar donde fue creado. Los Stones son, desde mi punto de vista, quienes mejor supieron mezclar esas músicas. Y ese resultado se ve claramente en estos discos mencionados.
Me considero fanático de todo aquello que tenga que ver con el uso de los instrumentos y las diferentes técnicas y equipamientos. Es por eso que comparto algunos pasajes de las entrevistas que Jas Obrecht* realizó tanto con Mick Taylor, como con Ron Wood. La Nota con Mick Taylor fue realizada el 22 de junio de 1979 en Los Angeles y fue editada en la edición de febrero de 1980 de la revista Guitar Player.
Sus principales influencias "Solía escuchar mucho a B.B. King, y el tiene ese gran vibrato. No lo supe hasta muchos años después, pero el crea el vibrato casi de la misma manera en que un guitarrista clásico lo hace, moviendo su mano en lugar de su dedo. También solía escuchar mucho los instrumentales de Booker T & the Mg's y mucho Otis Redding y Wilson Pickett. Siempre me ha gustado el sonido de Stax, Memphis.
La música favorita de su carrera "Blues From Laurel Canyon" de John Mayall es, de todos los discos que grabé, mi favorito. Esa era una buena banda, estaba John Mayall, Stevie Thompson, Colin Allen y yo. Era una banda compacta, probablemente lo mejor, o lo que mas disfruté. Jimi Hendrix El que me ha influido mas que nadie, realmente, es Jimi Hendrix. Hay un tema de que grabamos con John (Mayall), “No Reply.” Eso fue muy Hendrix. En ese momento lo escuchaba todo el tiempo, de hecho solíamos compartir bastantes fechas con el. Recuerdo una en particular, con Jimi y Albert King en el Fillmore West en San Francisco. Aprendí de el todo el tiempo, me voló la cabeza completamente. En el escenario era simplemente increíble, para un guitarrista tener esa energía en su toque, y también el control y el ritmo. Para muchos guitarristas es muy difícil tocar así, o al menos intentar acercarse a tocar así, en trío, de esa forma. Eric Clapton lo hizo con Cream. Y Hendrix era grandioso en la forma en que cambiaba de rítmica a lead. Su guitarra y su voz eran casi lo mismo. Hubert Sumlin y la Stratocaster El primer guitarrista que escuché tocar con una Fender fue Hubert Sumlin, de la banda de Howlin’ Wolf. Había escuchado “Goin’ Down Slow” de Wolf, pero hasta unos años mas adelante no supe que el guitarrista era Hubert y que usaba una Strato. La Keith Burst Gibson Les Paul Lo interesante de esa guitrarra es que se la compré a Keith Richards dos años antes de entrar a la banda. Le comenté a Ian Stewart que estaba buscando una Les Paul porque me habían robado una y me invitó al estudio a verla. Creo que estaban grabando Beggars Banquet, pero no recuerdo encontrarlo a Keith, sino a Ian.
La llegada a The Rolling Stones Me dijeron que estaban buscando un guitarrista porque querían salir de gira -hacía un par de años que no lo hacían. Le preguntaron a John Mayall por mi y John les dijo "Si, pueden llevarse a Mick, ya que acaba de dejar mi banda". Yo había renunciado a los Bluesbreakers antes de saber que los Stones ellos me estaban buscando. Así que John les hablo de mi y me llamaron. Simplemente fui, toqué, nos sentimos bien y ahí mismo, en el estudio, me preguntaron si me quería unir a la banda. Fue genial, ESA era el tipo de banda, el tipo de música que quería tocar en ese momento, no era simplemente blues de 12 compases, y también sentí que pude aportar mucho a lo que los Stones estaban haciendo. Sticky Fingers (1971) Es uno de mis discos favoritos de los Stones. Tiene una soltura y una espontaneidad que me gusta. Por ejemplo en “Can’t You Hear Me Knocking” tiene un solo largo, una jam, eso sucedió por accidente, no estaba planeado. Al final de la canción, solo seguí tocando y todos me siguieron y quedó... En una sola toma. En “Wild Horses” toqué la acústica en lo que se llama la afinación Nashville, que esta afinada exactamente igual, pero usas la primera y la segunda cuerda [el E alto y el B], y las afinas una octava mas arriba. Entonces estas tocando la misma afinación pero es como tocar una guitarra de 12 cuerdas pero con 6. Es una de las guitarras acústicas Gibson de Keith. En “Sway”, Mick Jagger toca la guitarra rítmica, Keith no toca en este track. A veces si nos daban ganas de tocar, lo hacíamos. Y por eso, en la base de este tema estamos solo Charlie, Mick, y yo. Después se agregó el resto
Exile on Main Street (1972) Me gusta “Shine a Light”, uno de mis favoritos del disco, toqué el bajo en ese. Hay unas cuantas canciones en las que toqué el bajo, esa es una de ellas. En “Torn and Frayed” y “Tumbling Dice” también. Pasaba que Bill Wyman no estaba, o llegaba tarde, y realmente no podíamos esperar. Eso pasaba muy seguido. No que Bill llegara tarde siempre, pero nunca estábamos todos juntos al mismo tiempo. (A Wyman no le gustó el ambiente de la casa de Richards, por lo que se abstuvo de participar en muchas de las sesiones. Sólo interviene en ocho de las canciones del álbum; en las restantes composiciones, el bajo lo tocan Taylor, Richards y Bill Plummer.)
Goat’s Head Soup (1973) Goat’s Head Soup no es uno de mis discos favoritos pero hay muchas cosas interesantes en él. Creo que es un álbum débil, no tiene mucho rumbo. Creo que todos lo sentimos de esa manera. Me gusta el blues “Hide Your Love.” También toqué un poco el bajo en este disco, en “Dancing With Mr. D”, “Coming Down Again”, “Can You Hear the Music”. Bill tocó el sintetizador en algunos temas.
Tocando con Ron Wood Para fines del 74, ya habíamos hecho It’s Only Rock and Roll y estaba trabajando en el primer disco solista de Ronnie Wood (I've Got My Own Album to Do) - de hecho todos los estábamos. Yo lo conozco a Ronnie desde que tengo 16 años, somos viejos amigos. En ese tiempo en vivía en Londres, tenía un estudio en el sótano de su casa e íbamos a zapar de vez en cuando, y así terminamos ayudándolo en su álbum
Keith Richards, Willie Weeks, Ian McLagan, Mick Jagger, David Bowie, George Harrison, Mick Taylor y Rod Stewart, entre otros tocan en este disco. Mick Taylor abandonó The Rolling Stones en este período, antes de entrar a grabar los temas que incluirían el disco Black & Blue editado en 1975 La salida de los Stones Quería ampliar mi espectro como guitarrista y hacer algo mas, no es que estuviera cansado del rock n roll pero luego de 5 años se estaba volviendo todo un poco predecible. Siempre me sentí un miembro activo de la banda, cuando se trataba de sugerir alguna idea y hacer contribuciones, siempre había mucho espacio para hacerlo. Sus solos favoritos con los Stones “Can’t You Hear Me Knocking" es mi participación favorita con los Stones y el mejor solo de guitarra para mi, está en “Time Waits for No One.” Dice Keith Richards sobre Mick Taylor “Hicimos la música mas brillante juntos, alguna de las cosas mas brillantes que los Stones jamas hayan hecho. Todo estaba en su forma de tocar – el toque melódico, el bello sustain y la forma en que leía las canciones. Tenía un sonido hermoso, con mucho soul. El llegaba adonde yo estaba buscando llegar mucho antes, amé a ese tipo, amé trabajar con él, pero era muy tímido y distante" *******************************************************************************
Como material adicional, comparto una parte de esta entrevista realizada a Ron Wood en julio de 1994, en la que charla con Jas Obretchsobre su técnica en la guitarra slide, y declara su admiración por Mick Taylor El principio de su interés por el slide Escuché a Duane Allman tocar “The Weight” , el tema de Aretha Franklin de 1969. En esa época yo estaba tocando el bajo en el Jeff Beck Group, y en cuanto escuché eso, enseguida lo quise probar. Nadie me ayudó, lo aprendí muy rápido. Escuché después a Blind Willie McTell en la guitarra de 12 cuerdas y aquellos guitarristas. Y claro! Mick Taylor es un gran guitarrista de slide. Me gustan cosas de él como “All Down the Line” y “Love in Vain”. Afinación y volumen. Afino mi guitarra en E abierto, así grabe mis primeros slides, como “Plynth” y mas adelante en “That’s All You Need” y “Borstal Boys” con The Faces. En los primeros tiempos grababa el slide en volumen 11! Pero no se. Si escuchás a Elmore James podés pensar que lo grababa en volumen muy alto, pero tal vez estaba distorsionado y eso te puede confundir. Pienso que si bajas un poco el volumen obtenés un sonido mas limpio . Como data adicional, en el sitio treblebooster.net, Till Hoheneder cuenta que Ron Wood uso docenas de guitarras diferentes durante su carrera, todo tipo de Fenders, Gibsons, ESPs, Duesenbergs, Versouls - pero con The Faces se lo vió casi siempre usando sus guitarras Zemaitis Humbuckers y las Dan Armstrong
http://www.treblebooster.net/bsm-tonezone/ron-wood http://jasobrecht.com *Jas Obrecht es un músico y periodista ganador de muchos premios y reconocimientos y autor de muchos discos sobre el blues y la guitarra. Entre 1978 y 1998 fue editor de la revista Guitar Player, además de Rolling Stone, Mojo, y otras revistas musicales. Jas es colaborador de Living Blues y ha escrito notas para discos como Robert Johnson’s King of Delta Blues, Blind Willie Johnson’s Dark Was the Night, John Lee Hooker’s 50 Years: John Lee Hooker Anthology y King of the Boogie,
Andrés Pellican fue mi inspiración para convertirme en bajista. Ricardo Pellican fue mi maestro, mentor, guía. Hoy lanzaron su primer disco como dúo, "Jazz in House", y eso me pone muy feliz.
Dice Andres "Ricardo y yo nos conocemos y hacemos música juntos hace 31 años y en todo este tiempo, esta es la primera vez que plasmamos una de esas zapadas en forma de disco. Lo hicimos como en casa, sin edición ni nada de eso. Todo comenzó una tarde de verano en el estudio “El Hornero” de mi amigo Cesar Silva"
Jazz in House es un disco de Jazz pero también es la intimidad de este padre y su hijo que nos abren las puertas sonoras de su casa. Disfruten. https://open.spotify.com/album/2VvKmmFHItn2U1rBzwisDT Lista de Temas: Stompin at the Savoy Vera Cruz Cancion de cuna Swingin' with Django Stolen moments Bossa 2 My shining hour Mar de Ajó Black Orpheus Blusito
En esta entrevista de Dave Simpson publicada en The Guardian en 2016, Toots Hibbert cuenta, entre otras cosas, cómo compuso y grabó uno de sus mas grandes éxitos: "Pressure Drop" "Luego de su independencia en 1962, Jamaica tenía una nueva energía - cuenta Frederick «Toots» Hibbert, líder de Toots & The Maytals. "La música empezó a florecer en toda la isla. La gente me decía que yo tenía una buena voz, entonces luego de salir de la escuela, me iba a la iglesia a practicar. Fabriqué mi propia guitarra y empecé a hacer gospel, ska y rocksteady. También estudiaba el piano hasta que un día vi a los Skatalites tocar. En el instante en que vi a Lloyd Brevitt tocar el bajo, supe que eso era lo que querría hacer en mi vida. 'El piano tiene 88 teclas' le dije a mi maestro de música, 'y yo solo tengo 10 dedos. Me paso al bajo'."
"Pressure Drop la compuse en la guitarra. Es una canción sobre la venganza pero en forma de karma: si le haces el mal a gente inocente, entonces el mal te volverá a vos. El título es una frase que solía usar: 'The pressure’s going to drop on you'." La canción fue grabada en 1969 y editada en 1970 pero se volvió realmente popular luego de ser usada en la película "The Harder They Come" (Perry Henzell, 1972). El productor de Pressure Drop fue, Leslie Kong. "Un tipo adorable, rememora Toots. Nunca interfería con los músicos, se sentaba en el cuarto de control y nos dejaba hacer lo nuestro, porque creía que así se creaba mejor música. Siempre preferí grabar las voces al mismo tiempo que la banda, como si estuviera en el escenario. Pressure Drop suena muy real y genuina justamente por eso." "En 1975, abrimos un show para The Who ante 90,000 personas en California. Estábamos con mucho miedo ante esa multitud. Pero abrimos con Pressure Drop y el lugar explotó" Pressure drop ha sido versionada por muchos artistas como The Specials, The Clash, Izzy Stradlin, y junto a Toots la hicieron Keith Richards y Eric Clapton, entre otros. "Es un gran honor que tantos hayan grabado mi canción -acepta Toots, aunque no siempre he recibido dinero por ello. Cada vez que alguien me quita algo pienso: “The pressure’s gonna drop on you.” Usualmente, así sucede." Fuente: The Guardian
Últimamente twitter se está volviendo la principal fuente de información de este blog. Esta vez, gracias a un tweet de El Corrector, descubrí la publicación de un cómic que contaba la sorprendente historia de la inmigración china a Jamaica, su influencia en el nacimiento del rocksteady, reggae en los 1960s y ’70s. La revista Topic ha publicado un fabuloso comic sobre “La Larga y extraña historia de cómo China y el Reggae se unieron” publicada en su edición de junio, destinada totalmente a la música. El cómic, creado por el artista de BeijingKrish Raghav, inicia su linea de tiempo en los primeros migrantes chinos que llegaron a Jamaica, hasta llegar a la escena reggae actual en la provincia de Yunnan, sudeste de China. El comic se puede disfrutar junto con algunos tracks. En esta entrada de Escuchate Esto! traduzco el texto al castellano.
En 1967 el cantante Stephen Cheng, nacido en Shangai viajó a Jamaica para grabar una canción. Su colaborador: Byron Lee, un carismático productor y músico Jamaiquino-Chino. Cheng eligió cantar una vieja canción folclórica taiwanesa y Lee proveyó el backbeat. Lee utilizó un nuevo e idiosincrático estilo jamaiquino llamado rocksteday que en dos años mas, mutaría en reggae. Fue un momento singular, un encuentro de dos mundos. Es este track de 2;48 de duración, había casi 200 años de historia. (Always Together / Una canción de amor china). La intimidad entre dos culturas distantes. La larga, extraña historia de cómo China y el reggae se unieron es destacable, y uno de los posibles inicios es este, con esta chispa de hogar y añoranza.
Parte 1: Kingston, Jamaica La Kingston de los 60 era un mosaico desenfrenado de sonidos y culturas. En 1962 Jamaica se volvió una nación independiente y su jubiloso pueblo marchaba valientemente hacia el futuro. Los himnos de la Independencia de Jamaica estaban en todos lados, en las radios, en las calles. Usaron los nuevos ritmos -ska, rocksteady y eventualmente reggae- que vendrían a definir la cultura de la isla. Pero menos conocido fue el rol integral que los Chino-Jamaiquinos habían tomado en la producción de esas canciones: Leslie Kong, Patricia y Vincent Chin, Tom Wong, Herman Chin-Loy. Los primeros migrantes Chinos a Jamaica fueron "coolies" que arribaron a mediados de la década de 1850 traídos o secuestrados del Sur de China por los británicos para ser trabajadores contratados en las plantaciones del Caribe. "Coolie" fue un término que significaba "cargadrores". Una hipocresía colonia, dice la académica Lisa Lowe para "oscurecer el límite entre esclavitud y libertad". Esta ambigüedad se convirtió en una realidad vivida. Como una comunidad, los trabajadores chinos fueron tanto integrados, como segregados. Innegablemente Jamaiquinos, aún así visiblemente chinos. Pero en los 1960s, trabajando como mercaderes o empresarios, los Chino-Jamaiquios estaban listos para convertirse en facilitadores vitales de la floreciente escena musical.
El Reggae, una creación de los artistas negros de Jamaica fue un movimiento multicultural desde su origen, infundido con un mensaje de cambio social que vino de la mano con la religión Rastafari. Chino-Jamaiquinos, como Vincent y Patricia Chin, crearon estudios donde estrellas como Bob Marley y Lee "Scratch" Perry grabaron tracks en 1970 y 1971. En 1979 los Chinos se expandieron hacia las ventas, con una tienda en New York, lo que ayudó a expandir el sonido del reggae a Estados Unidos. Y de ahí, se expandió al mundo.
Parte 2: Beijing, China El Reggae y sus derivados, el dancehall y el dub, fueron sucesos mundiales en los 70 y en los 80, encontrando en la figura de Bob Marley como punta de lanza. La primera canción de Marley, "Judge Not", había sido producida por Leslie Kong. Pero este sonido nunca volvió a China, que se mantenía cerrada a cualquier influencia cultural hasta fines de los 70. En 1978, una serie de reformas empezaron a abrir a China hacia el mundo y la música extranjera empezó a llegar a las ciudades, a través de de cintas, tv y programas de radio. Una nueva generación crecía y sus músicos buscaban un idioma propio. Las palabras, los sonidos y el poder del reggae los llamaba. A fines de los 80 y principios de los 90, dos de las estrellas mas grandes de rock de China, tuvieron su momento reggae, usando tanto el sonido como en mensaje de Cambio social como vehículo para dos de sus canciones mas abiertamente políticas: Ciu Jan, "Do it all over again (1989); Zhang Chu, "The Ant" (1993).
A mediados de los 90 una gran influencia de música occidental comenzó a aparecer en las ciudades chinas. También llegaron los excedentes de producción de casetes no vendidos por las discográficas occidentales, tajeados para evitar su reventa. Esta destrucción parcial de los casetes no evitó que prosperase un mercado negro de música "dakou" (tajeada). Cientos de tiendas dakou se stockearon de cintas de rock alternativo, pop y mucho reggae. El dakou hizo que los jóvenes chinos reconocieran el reggae y la imagen de Bob Marley se volviera común en ciudades como Beijing e inspiró a mucha gente a agarrar una guitarra. Para principios de los 2000, el reggae era un fenómeno cultural y musical en China. Había bares temáticos de reggae y festivales en todo el país. Pero sin el suelo jamaiquino y la vibra de los rastas, se sentía como una apropiación vacía del reggae roots. Pero aún como una pálida imitación o un consumismo kitsch, el Reggae se infiltró en China en muchos de sus nichos musicales. Podría su mensaje de apertura radical y resistencia pacífica seguir el juego? Parte 3: Yunnan, China
Mientras que la cultura dakou se expandía por todo el país a principios de los 2000, nueva generación de músicos descubría el vinculo chino del reggae y reinterpretándolo según su situación particular. Nuevas tribus reggae llenaban la escena de la provincia China de Yunnan,, en donde se convirtió nen la voz de las minorías étnicas en la china dominada por los Han (grupo étnico cultural). Bandas como SanDuoJiao y Kawa, descubrieron el reggae en la era del dakou. "Cuando escuché por primera vez Trench Town Rock de Marley, hubo... una vibración, una resonancia." Lao Hei, guitarrista de Kawa. Encontraron en el reggae un ritmo que le podí poner voz a las historias de sus comunidades y su gente. La mayoría de los miembros de Kawa son del pueblo Wa, cuyos hogares se extienden mas allá de China, a Myanman. "Nuestras canciones hablan de la naturaleza y los ritmos de nuestra comunidad". Su reggae, una ingeniosa fusión de folclore Wa e instrumentación roots es algo sorprendentemente nuevo.
Desde el punto de vista del rastafarismo, el opresor es Babilonia, que niega la llegada de la utopía de Zion. Kawa ha trabajado este puto de vista hacia la mismísima mitolgía Wa: Beijing como Babylon Kawa corporizó la resistencia en su calmada vida , en su amable retirada de la vida rutinaria y en su forma de vestir.Como los rastas, ellos representan la forma completa del estilo de vida alternativo que ignora las expectativas sociales dominantes en China, como perseguir ganancias materiales. La resistencia se extiende a su música, que se revela en alegre subversión. El producto de esta fusión no es una apropiación sin raíces, sino una reinterpretación del alma del reggae. "Los wa no tienen un lenguaje escrito en forma sistemática... Entonces esta es nuestra forma de pasar la antorcha". Una significativa negativa a la sociedad que les ha sido ofrecida. Un viejo mundo, en la cáscara de uno nuevo. En chino, "reggae" se traduce como "la música del demonio del trueno". Los Kawa también ven algunas de sus canciones como un "despertar" de los espíritus. Resistencia. Negativa. Despertar. Lo que Kawa toca es una de las cosas mas curiosas. Música de protesta que prospera extrañamente en la China de hoy. Además, son maestros del folclore Wa, enseñando sus modos de vida. El Reggae siempre ha tenido que ver tanto con un mensaje de cambio social, como de transformación personal. Lo espiritual y lo político, enroscados en un riddim trascendental. Su historia, de migración, de identidad compartida, lucha colonial, es una mitología poderosa. Una que Kawa tomó y de la cual se apropió. Lo que hoy tienen para ofrecer es lo que la historia de China y del reggae siempre han representado, empezando en Cheng y Byron Lee en 1967...Un anhelo. Un momento de libertad. Vislumbrando a Zion.
Con su ultimo proyecto del Soul Mates Project, titulado “A Common Wonder,” el productor y dj Amerigo Gazaway da vida a una sesión de estudio soñada entre el principe del Hip Hop de Chicago, Common Sense, y la leyenda de Motown, Stevie Wonder. Descubrí hace poco este disco y desde la primera escucha sentí que es algo tan bien logrado que maximiza la obra de Stevie Wonder y sirve para revisitarla desde otro lugar. Traduzco y comparto textualmente los textos originales del sitio oficial (con data muy nerd) y recomiendo visitar la web, descargar el disco en forma gratuita y disfrutar de esta maravilla. Como dice Gazaway: “El uso de sintetizadores, samplers y máquinas de ritmo de Stevie Wonder, en muchos sentidos, pavimentó el camino para el hip-hop y el sampling. Parte de mi motivación par este proyecto fue poner el foco en esa contribución.” Arrancando desde el single de 2016 “Black America Again,” de Common y Stevie, Amerigo imagina y crea esta sesión con muchos recursos (capas de instrumentos, audio de entrevistas). Construyendo nuevos arreglos y deconstruyendo samples, el productor hace interactuar a ambos artistas en un proyecto que camina por la cornisa entre un “mashup” y un disco actual de duetos.
Transcribimos las liner notes del disco por Amerigo Gazaway 1. Intro Theme (I Wonder): El álbum empieza con una pregunta, un juego de palabras con el título “A Common Wonder: Me pregunto porqué el mundo es tan frío?”. Si escuchas con detenimiento, te vas a dar cuenta que Common y Stevie se hacen las mismas preguntas en su música. También incluí un sample de Stevie recitando la letra de su canción “Visions”, en la que se hace otra pregunta: “Can a place like this exist so beautiful? Or do we have to take our wings and fly away to the visions in our mind”. Para mi, esto representa un lugar donde cualquier cosa es posible; un lugar en donde Common y Stevie colaboran en un álbum completo. (Para mas “preguntas”, vean “The Questions, de Common feat. Mos Def”)
2. I Was Made to Love H.E.R. Este es uno de los primeros tracks que hice para este proyecto. Tiene esa cálida vibra veraniega, además de paralelismos entre las letras de Stevie y las de Common. Muchos raperos han intentado la misma fórmula pero, en mi opinión, “I Used to Love Her” de Common fue (y sigue siendo) el molde para la perfecta canción de amor hip hop. 3. Living For The Chi-City: Tuve acceso a las pistas multitracks originales de esta canción (batería, bajo, teclados, sintetizador, etc), lo que lo hizo mucho mas interesante. Para los versos, sin embargo, saqué casi todos los samples y grabé bajo, guitarra y teclados. Para la sección rítmica, usé muchas capas. Siento que el bajo sintetizado de Stevie y el ritmo agresivo de Common, fluyen de manera hermosa. 4. Resurrection to Higher Ground: Para este track, realmente quise hacer una conexión entre “Resurrection” de Common y “Higher Ground” de Stevie (que es esencialmente una canción sobre la reencarnación). El beat esta sampleado de otro track de Stevie, pero rocié durante el tema una parte acapella de “Higher Ground” : “Let me try it again, Let-Let me try it again”. En el final, dejé el sample original (del pianista de jazz) Ahmad Jamal (porque está buenísimo). 5. Bad Girl feat. Kanye West: Amo este tema. Es de la época en que Stevie empezó a incorporar sintetizadores en su música. Es muy funky y suave al mismo tiempo. Además Kanye y Common tienen una química musical innegable. Hay muchas otras juntadas de Common y Kanye que hubiese querido incluir en el álbum, pero no hay lugar para tanto Kanye.
6. The Sixth Superstition: Este creo que es el segundo track que hice. Incorpora multitracks (bajo, vientos, clavinet, synth vocals, etc) de “Superstition”, “Higher Ground” y “I Wish”. Amo escuchar a Stevie uniendo sintes con lineas de bajo, teclados y otros instrumentos, sobre todo el clavinet. Muy copado como termina siendo el tema 6 del disco... No había pensado eso hasta ahora. 7. Innervision Intermission: El sample vocal es de una entrevista que Common hizo en el Rap Radar podcast donde habló sobre su colaboración con Stevie en la vida real. Mi socio creativo, Rickey, me mandó el link hace un tiempo para tal vez incluirlo en alguna parte del pero no estaba seguro dónde. Un día, me puse a jugar con este breakbeat (de la serie “Cracker Beats”) y encontré el que samplea “Hey Love” de Stevie y “Impeach The President” de The Honeydrippers. Me pareció perfecto. 8. Sugar By The Pound: “Soul By the Pound” fue el single del álbum debut de Common “Can I Borrow A Dollar” aunque para esta versión usé las voces de “Thump Mix”, que es un poco diferente del original. Esa es la versión que crecí escuchando, y por alguna razón siempre me ha gustado un poco mas que la original publicada en el disco. 9. For Once In My Life feat. Erykah Badu: Quería incluir a Erykah en algún lugar del proyecto y este parecía ser un gran lugar para hacerlo. Dato divertido: La batería esta sampleada de la intro de Amy Winehouse’s – “You Know I’m No Good”. Y si, ese es el legendario Chuck D en el final.
10. Like They Used to Say: Ah, Sir Duke. También tuve los multitracks originales acá, lo que me permitió recortar y rearreglar muchas cosas (teclas, vientos, guitarra, etc). Al final, se escucha un tema de jazz mientras ellos hablan. Es un tema de Duke Ellington titulado “Stevie”. 11. God Bless the Freestyle (Interlude): Este era un beat/interludio de Stevie Wonder que hice hace bastante y recordé que lo tenía. No pude encontrar un acapella adecuado para este, así que le tiré el sample de Common haciendo freestyle. 12. The Light (I’m Yours) feat. Bobby Caldwell: Este fue uno de los primeros. Estaba escuchando la versión original de “The Light” de Common y en cuanto lo escuché cantar “signed, sealed, delivered for us to grow together”… ahí es cuando supe qué había que hacer. Es Stevie tocando batería en este tema, pero lo saqué de otro. Pueden adivinar cuál es? 13. Southside feat. Kanye West: Common y Kanye son todo en este tema. 14. Pop’s Rap feat. Lonnie Lynn Sr.: Muchos de los discos de Common tienen a su padre, Lonnie Lynn Sr., hablando/rapeando en los finales, y este álbum no es la excepción. El sample es de una versión en vivo de Visions de Stevie Wonder, pero jugué un poco con el pitch y la transportación. También un par de breakbeats acelerados para darle una onda drum & bass. Me hace acordar a "Umi Says" de Mos Def o el final de "You Got me" de The Roots’ (en donde la batería de Questlove’s se acelera tanto al final que llega a doblar el tempo). *15. The Sixth Wonder (Bonus Track): Este gancho lo saqué de “So What The Fuss”, de Stevie Wonder, que originalmente tenía a Prince en guitarra.
Fuentes:
http://amerigomusic.com/2017/08/11/common-wonder-liner-notes/ http://amerigomusic.com/2017/08/08/common-wonder-album/ Credits Soul Mates Records 2017 Produced by Amerigo Gazaway Executive Producer: Rickey Mindlin Common: vocals/lyrics Stevie Wonder: vocals/lyrics, instruments Amerigo Gazaway: sampler, bass, guitar, keys, synth, turntables DIY acapellas created by The Goodwill Projects
El 16 de Agosto se cumplió un año del fallecimiento de Aretha. Como excusa comparto la charla que tuve con los amigos de La Lupa Bla Bla, FM de la UNGS, sobre cine de culto, The Blues Brothers y Aretha Franklin. Se scucha aquí!
1959 fue un año bisagra para el jazz con la edición de 4 varios discos fudamentales, “Kind of Blue”, “Time Out”, “Giant Steps”, entre otros. Te presentamos el documental que devela su vital importancia. Extraído del site Depóstito Sonoro
1959 fue un año trascendental para el jazz, cuando la complejidad del bebop dio paso a nuevas formas, otorgando a los músicos una libertad sin precedentes para explorar y expresarse. Fue también un año clave para Estados Unidos, en términos del movimientos por los derechos sociales, con el jazz como fondo urbano que no escapaba a esta realidad Ese año se editaron cuatro grandes discos: “Kind of Blue”, de Miles Davis, “Time Out”, de Dave Brubeck, “Mingus Ah Um”, de Charles Mingus, y “The Shape of Jazz to Come”, de Ornette Coleman. Raras imágenes de archivo y de actuaciones en vivo contribuyen a revivir la época y a develar la importancia vital de estos discos en 1959 y su influencia posterior.
Otros lanzamientos fundamentales de 1959, dos de ellos, desprendimientos de "Kind of Blue":
'Giant Steps' - JOHN COLTRANE Como si 'Kind of Blue' hubiera hechizado a Coltrane (1926-1967), dos semanas después de grabar con Davis el saxofonista entró al estudio y en dos días salió con un álbum que significó un «paso de gigante», como indica su título. En este disco se perfila lo que más tarde sería conocido como «las sábanas de sonido», y que le liberaría en la improvisación hasta desconocer los límites temporales. 'Portrait in Jazz' - BILL EVANS Y ocho meses después de 'Kind of Blue', Bill EVans salió con un álbum influyente y definitivo para todo pianista de jazz y del formato del trío. Con Scott LaFaro en contrabajo y Paul Motian en batería.
Las portadas de Blue Note son un verdadero ícono gráfico y referencia ineludible en la historia del arte de la industria discográfica y mas allá. Comparto algunos pasajes de la nota de Victoria Gee para Cryptamag en donde explica la génesis y la importancia de la identidad gráfica del legendario sello de jazz.
Blue Note ha sido tan imitado musicalmente como en lo que respecta al estilo estético-artístico de sus portadas y packaging. La distinción de sus portadas es mundialmente conocida, siendo una importante fuente de inspiración para posteriores corrientes dentro del diseño gráfico. Las portadas más famosas del sello en su mayoría fueron trabajadas por Reid Miles en la maquetación e ilustración y Francis Wolff como ojo fotográfico. Pero, también hubo otros pioneros olvidados que pusieron su granito de arena en la ilustración del sello. Paul Bacon diseñó portadas de discos como “Milt Jackson: Wizard of theVibes” (1952). Uno de los talentos de Bacon fue el de utilizar de forma ingeniosa y llamativa la fuente. Este era el comienzo de lo que sería uno de los puntos fuertes en el diseño de Blue Note: la tipografía.
El segundo diseñador que colaboró con Blue Note fue Gil Mellé. Diseñó las portadas de los discos de su propio cuarteto y también trabajó para Prestige Records. En 1953 John Hermansader ilustró los primeros discos de Modern Jazz Series creando un estilo muy particular jugando con siluetas ondulantes y recortes tipo collage. Blancos y negros, tipografías dispares, tintados azules, tintados rojos son algunos de los signos que caracterizan el estilo de Blue Note. El diseño vanguardista de sus portadas rompió los esquemas estéticos de la época. Reid Miles introdujo numerosos elementos rompedores que definieron la identidad del sello e incluso la concepción gráfica del jazz.
Diseño gráfico y fotografía eran magistralmente combinados de forma que la portada resultante fuera un trabajo totalmente compacto y con un solo concepto apegado a la composición musical. Una de las cosas que hacían especiales las portadas era la colaboración de Francis Wolff y su manera de trabajar la fotografía. El hecho de captar imágenes durante los ensayos, hacía que esa atmósfera ferviente de improvisación y espontaneidad se reflejara a la perfección en los negativos. Todo aquello se salía del modelo de portada establecido anteriormente por otras discográficas y por lo que entonces dominaba en el mercado musical. Figuras estáticas, poses rígidas y sin alma abundaban en la escena. Productos casi manufacturados y sin ninguna sensibilidad artística, por no hablar del componente racista de las productoras. Blue Note al contrario, cerraba el concepto musical con la portada adecuada, por lo que nada era casualidad.
Ciertamente el eje que hacía girar el trabajo gráfico de la discográfica, era la perfecta compenetración entre el fotógrafo y el diseñador. Francis Wolff y Reid Miles constituyeron uno de esos binomios míticos. El estilo de Reid radicaba en la forma en la que combinaba los elementos gráficos. Supo introducir la fotografía en un género musical dominado por ilustraciones. Pero cuando la tecnología mejoró y se posibilitaron las impresiones de fotografía a color por un precio asequible, la ilustración cayó en picada. Lo que el público quería ver era la imagen del artista. Blue Note, supo captar algunos elementos del diseño gráfico (especialmente la tipografía) y lo mejor de la fotografía. Aunque actualmente podamos reconocer y captar al instante la originalidad del estilo de Miles y Wolff, tardaron una década en establecerse como estándar frente a lo que se hacía a su alrededor. Una de las anécdotas que más llama la atención, es que en sus primeros años la discográfica disponía de un presupuesto bastante bajo para la producción de sus diseños, y lo que más económico resultaba eran los tintados de blanco y negro en colores primarios como el cian, amarillo y magenta (y sus respectivas mezclas), un recurso bastante original que acabó convirtiéndose en una técnica característica del sello, siendo ni más ni menos que la pura adaptación de un artista con ingenio a una situación precaria. Las fotografías de Wolf retratan el ambiente en el que los músicos se movían día a día. Cubría casi todos los ensayos y sesiones de grabación para el material publicitario, aún hoy en día ese mismo material sigue ilustrando los libretos de las reediciones. Si bien Blue Note era la discográfica dominante en la Costa Este durante los ‘50 y ’60, en lo que respecta a lo gráfico, Prestige y Riverside también ofrecían trabajos bastante interesantes a la industria en una línea parecida a la de Blue Note.
