Los 5 discos esenciales de guitarra de Nalle Colt

Extraido de www.classicrock.teamrock.com 
Traducido por TonySoulman 

El guitarrista de Vintage Trouble elige 5 albums de guitarra que lo marcaron.




Nalle Colt, el guitarrista de la explosiva banda de blues-rock Vintage Trouble, dejó su tierra natal en Suecia para perseguir su sueño musical en los Estados Unidos a los 21 años de edad. De hecho, estaba tan seguro de sus convicciones que se compro un pasaje de ida a Los Angeles. “Tantas ganas tenía de ser parte de la escena musical estadounidense,” dice. “No podía concretar nada en Suecia, pero cuando llegué a Los Angeles descubrí a toda esta gente que eran exactamente como yo. Querían estar en una banda y hacer que las cosas pasen. Me encantó eso.” Creciendo en Suecia, Colt se encontró virtualmente solo en su amor por el blues. Había un guitarrista local, sin embargo, Jan-Eric 'Fjellis' Fjellstrom, que tomó al joven Colt bajo su ala. “Fjellis era un guitarrista asombroso” recuerda Colt. “Lo iba a ver tocar y no podía creer lo bueno que era. Me dio una copia de Texas Flood y me ayudó en gran parte a entrar en contacto con música grandiosa. Mas que nadie, me inspiró a tocar la guitarra”

En su elección de 5 discos esenciales de guitarra, Colt encuentra cierto criterio que todos comparten, como grandes canciones (“no se puede ser simplemente un guitarrista virtuoso sin las canciones”), pero también un nivel de la comunicación a través del sonido. “Lo que también busco es a alguien que puede usar el sonido de su guitarra y convertirlo en algo único y personal,” explica. “Si podés mostrarme un lado de tu personalidad a través de tu sonido, esa es la clave. Se trata de traducir un sentimiento a través de tu instrumento, como lo puede hacer un cantante con su voz. Los grandes guitarristas saben de qué se trata.” Colt también nota que los guitarristas de la lista, hablan un lenguaje muy sofisticado a través de un abordaje que hacen parecer simple. "Amo a los guitarristas que pueden decir mas con menos, lo cual es mucho mas difícil de lo que parece,” dice. “Mis guitarristas favoritos usan sus limitaciones como una ventaja. Apenas empecé me di cuenta que nunca sería yo un guitarrista super técnico, pero decidí que usaría un par de notas para definir mi sello. Escucho a Hendrix, Page y Stevie Ray, y ellos podían decir todo lo que querían con una sola estrofa. Se trata de que el mensaje sea puro. No necesitas 20 pedales y todo tipo de cosas locas; si tenés una guitarra diciendo lo que vos querés decir, eso es suficiente. Encontrá tu particularidad y tu felicidad y usala.” 

The Jimi Hendrix Experience – Are You Experienced (1967) 

“Este es el disco que me hizo querer tocar la guitarra. Tenía yo 11 años cuando lo escuché y no pude dormir tranquilo por un tiempo. Debía conseguir una guitarra. Debía intentar hacer lo que Jimi estaba haciendo. No había discusión al respecto – este disco me marcó el camino. Había algo sobre el sonido de las guitarras en temas como Hey Joe y The Wind Cries Mary – me hablaban de una forma que inmediatamente entendí. Hendrix podía sonar cósmico pero a la vez tan terrenal. Es como que tomó el blues y lo envió al espacio. Cómo  alguien podía tocar con tanto fuego pero luego darse vuelta y sonar tan hermoso? Simplemente me voló la cabeza. Me senté por días y semanas tratando de aprender sus yeites. Se convirtió en un patrón constante: on-off, dar vuelta el disco, empezar otra vez. Estaba enloqueciendo a mi mamá, me aprendí todos los riffs. Una de las cosas que realmente me enganchó era cómo Jimi podía tocar pequeñas melodías entre acordes. Descubrir eso fue como haber tomado un año de clases de guitarra. Uso esa clase de técnica hoy en día.

Stevie Ray Vaughan and Double Trouble – Texas Flood (1983) 

“Creciendo en Suecia era difícil para mi conseguir buena música. Un día mi amigo Fjellis me trajo un disco y me dijo: Tenés que escuchar esto! Era Texas Flood. Lo pusimos y lo miré con cara de "A la mierda! Este tipo es increíble!" Ese tipo de cosas no pasan todo el tiempo, pero cuando pasan, es especial. “Me trajo todo lo que amaba de Jimi Hendrix. De repente, había un tipo joven haciendo lo que Hendrix había hecho, y llevándolo un paso mas allá. Luego de haber escuchado Texas Flood, buceé en el mundo de Stevie Ray Vaughan. Compré todos sus albums, y lo estudié por completo. Desearía haberlo visto en vivo, aunque he visto todos los DVD. Su aparición en Austin City Limits fue mágica. Nuestra banda tocó ahí hace un par de semanas, y lo único que pensaba era ‘Stevie estuvo aquí.’” 

Albert King – King of the Blues Guitar (1969) 

“Siendo un fanático de Stevie Ray Vaughan, leí todas sus entrevistas. Se la pasaba hablando de su héroe, Albert King, entonces eso me hizo investigar. Entonces me conseguí King of the Blues Guitar y quedé totalmente noqueado. Su actitud en la interpretación me desbordó. Esta completamente fuera de control. Descubrí de dónde había sacado todo Stevie Ray; el parecía ser una mezcla de Albert King y Jimi Hendrix. Una vez que entré en Albert King, empecé realmente a unir todo. Su música me atravesó con tanta seguridad, eso la hacía sonar tan expresiva. Nada había que se contuviera o fuera para atrás, no había filtro entre Albert y su pureza. Es siempre interesante escuchar a los pioneros. Simplemente parecen decirte "esto es lo que soy!". Si alguien quiere escuchar la mas cruda y auténtica guitarra de blues, el tipo que enseño a tantos de los grandes, entonces escuchen King of the Blues Guitar. Es un viaje.” 

Led Zeppelin – The Song Remains the Same (1976) 

Amo Physical Graffiti y Led Zeppelin II y todos sus discos, pero hay algo especial en escuchar a Zeppelin en vivo. Tenían una fuerza propia. No es que simplemente tocaban, ellos explotaban. Para mi, este es el mejor Jimmy Page. Lo que Page podía hacer con una Les Paul en un Marshall... que sonido! The Rain Song, Stairway to Heaven, Since I’ve Been Loving You – mi Dios, estamos hablando de hermosas interpretaciones de guitarra. Me encanta también que sea un poco desprolijo por momentos -ya sabes, es en vivo. Hay tantas bandas que pueden hacer buenos discos, pero no rinden en vivo. Zeppelin hacía discos increíbles, pero siempre los podía llevar a los conciertos. Lo que me gusta es ese espíritu que trae la interpretación de Page. La gente dice que es medio desproilijo, y a quién le importa? Yo también soy desprolijo. No necesito escuchar la perfección. Quiero escuchar actitud y emoción,y eso es lo que me queda de Page, especialmente en vivo. Jimmy se ha convertido en una gran influencia para mi, mas ahora que nunca antes.

Al Di Meola, John McLaughlin and Paco de Lucia – Friday Night in San Francisco (1981) 

Amo el blues y el rock n roll, pero este disco me habla en un lenguaje completamente diferente. Cuando era un niño , un amigo  me dio una copia y me hechizo inmediatamente. No es mi forma de tocar la guitarra pero puedo apreciar la maestría en el instrumento de cada uno de los tres. La música flamenca siempre me ha intrigado y el fuego y la pasión que estos tipos le ponen es muy inspirador. Su técnica esta fuera de mi control pero lo que realmente amo de este disco es la forma en que se comunican ente ellos. no es que estén tirando yeites o haciendo trucos; están conversando ente ellos y con el público. Si sos un guitarrista eléctrico, tal vez quieras chequear lo que estos tres tipos pueden hacer con acústicas. Tu mandíbula puede caerse al piso como pasó con la mía cuando los escuché. Y todavía me sigue sorprendiendo. Hay música aquí que no llego a entender, pero la siento y eso es lo que cuenta.”

fuente:
http://classicrock.teamrock.com/features/2015-11-03/nalle-colt-s-5-essential-guitar-albums

Pappo's Blues - Volumen 1 - 1971

A menudo hago el ejercicio de elegir un músico consagrado y revisar su primer disco. En este caso, lo hice con Pappo y "Volumen 1", y el resultado fue asombroso. El álbum es mucho mas que el debut solista de Norberto Napolitano; se trata de la semilla del rock duro en argentina. Los invito a escucharlo y descubrir una de las joyas del rock en nuestro país.
Para 1970, el Carpo ya había grabado "Rock de la mujer perdida" de Los Gatos, y había pasado fugazmente por Los Abuelos y Conexión #5. El productor Jorge Alvarez, dueño del sello Mandioca, ya vislumbraba en el una carrera solista. "Cuando preparábamos el lanzamiento de Manal en el Nuevo Teatro -cuenta Alvarez en el reverso de Volumen 1, "Pappo asistía a los ensayos. En los descansos, se colgaba su guitarra y las paredes se caían. Luego fue a Mar del Plata; durante 15 días Manal fue un cuarteto. Norberto ya un monstruo de la improvisación que nos hacía vibrar. Entonces empezó nuestra persecución para que Pappo fuera Pappo." 

David Lebon, recién llegado de los EE.UU., vió por primera vez al Carpo en aquellos conciertos de Manal. Lebon se quedo conmovido y rápidamente se unió a Pappo como bajista de su trío. Sumado Black Amaya en batería, en el verano del 71 grabaron el primer disco de Pappo`s blues en el estudio Phonal, dotado únicamente de una mesa de 4 canales. En un ambiente de zapada y un volumen ensordecedor, el Carpo tocó todo el disco con una Strato blanca, Black utilizó una batería sin marca con un redoblante roto y Lebon, además de tocar el bajo en todos los temas, grabó la batería en "El Viejo". La producción estuvo a cargo de Billy Bond.

El álbum abre con "Algo ha cambiado", un riff intenso con un wah wah salvaje. Se escucha una ineludible impronta Black Sabbath y un oscuro Hendrix. El bajo y la guitarra van en bloque y crean una fuerza demoledora. En "Hansen" podemos encontrar parte del ADN de Divididos y de La Renga. Un error en el diseño gráfico hizo que el tema "Gris y Amarillo" saliera publicado bajo el titulo "Hansen" y viceversa. La confusión fue corregida recién en el año 2000. Si bien algunas cosas de Vox Dei o La Pesada se podían acercar a lo que hacía Pappo, nadie había grabado un disco tan pesado en nuestro país gasta entonces. 

El registro del disco fue hecho con el trío tocando en vivo las bases de los temas, sin muchos efectos. "Los primeros que se engancharon con la banda fueron los pibes que ya tenían los discos de Black Sabbath", explica Lebon. Jimi Hendrix, Cream, Mick Taylor, Peter Green, esas eran las referencias para la música de Pappo. Que decir de "El hombre suburbano"?. Con una letra que es un fiel reflejo de su tiempo, el tema se volvió ineludible en cualquier zapada de rock o de blues en Argentina. El bajo de Lebon es una clínica de walking bass en si misma.

En el medio, hay tiempo para "Adios Willy", una zapada soul instrumental con piano que dura menos de 2 minutos. El disco cierra con "Adonde está la libertad", uno de los pocos temas que podríamos relacionar con eso que se llama "rock nacional". Moris podría haberla grabado tranquilamente. Frases como "nunca la hemos pasado tan mal", "es imposible aguantar"  o "escapar de toda esta locura intelectual" , suenan muy fuertes siendo cantadas en pleno gobierno del dictador Onganía. El final del track es una zapada larguísima liderada por el bajo, con aires a "First rays of the new rising sun" de Hendrix que luego muta en rythm & blues tradicional y se lo tienen que llevar por fade.

Meses después de editado el disco, Pappo hace un viaje a Europa. Estando en Inglaterra, recibe un telegrama de Jorge Alvarez: "Pappo's blues No1 en Argentina. Teatro Metro. Tres Fechas". Pappo todavía no había cumplido 22 años y ya volvía al país como un héroe de la guitarra, disco de oro y shows para 2 mil personas. Alvarez cierra su mensaje en la contratapa del disco: "Decir Gracias Pappo, es ser absolutamente convencional, pero, ¿hay alguna palabra menos usada que signifique tanto y que sea tan precisa? Creo que no. Por lo tanto Gracias Pappo de nuevo." No lo dudes y escuchate esto!

Texto completo de Jorge Álvarez que aparece en la contratapa de este disco 


Fuentes:
Revista Rolling Stone
www.elsitiodepappo.com.ar

Black, Pappo y Lebon en la puerta del Teatro Metro

1.		Algo ha cambiado
2.		El viejo
3.		Hansen
4.		Gris y amarillo
5.		Adios Willy
6.		El hombre suburbano
7.		Especies
8.		Adónde está la libertad Pappo Guitarra, Piano y voz David Lebon (aka Davies) Bajo Black Amaya Batería Todos los temas fueron compuestos por Pappo. Producción: Jorge Álvarez - Pedro Santiago Pujó Manager de grabación: Billy Bond Técnicos: Norberto Orliac - Héctor Fogerty Cámaras EMT Grabado en la Argentina, entre Diciembre de 1970 y Enero de 1971.